Искусство сочинение и сценической постановки танца это

Обновлено: 05.07.2024

Понятие хореография (от греч. choreo - танцую) охватывает различные виды танцевального искусства, где художественный образ создается с помощью условных выразительных движений. Само слово ʼʼхореографияʼʼ греческого происхождения, буквально оно значит ʼʼписать танецʼʼ. Но позднее этим словом стали называть все, что относится к искусству танца. В этом смысле употребляют это слово большинство современных деятелей танца.

Хореография - самобытный вид творческой деятельности, подчиненный закономерностям развития культуры общества. Танец - это искусство, а всякое искусство должно отражать жизнь в образно-художественной форме. Специфика хореографии состоит в том, что мысли, чувства, переживания человека она передает без помощи речи, средствами движения и мимики. Танец - это также способ невербального самовыражения танцором, проявляющийся в виде ритмически организованных в пространстве и времени телодвижений.

Танец существовал и существует в культурных традициях всех человеческих существ и обществ. За долгую историю человечества он изменялся, отражая культурное развитие. Сегодня хореографическое искусство охватывает и традиционное народное, и профессионально-сценическое. Танцевальное искусство присутствует в какой-либо степени, форме в культуре каждого этноса, этнической группы. И это явление не должна быть случайностью, оно носит объективный характер, ибо традиционная народная хореография занимает первостепенное место в социальной жизни общества как на ранних этапах развития человечества, так и сейчас, когда она выполняет одну из функций культуры, является одним из своеобразных институтов социализации людей и, в первую очередь, детей, подростков и молодежи, а также выполняет и ряд других функций, присущих культуре в целом. В нашей стране очень любят хореографическое искусство. Из года в год растет число самодеятельных танцевальных коллективов, повышается уровень их мастерства.

Хореография родилась на заре человечества: еще в первобытном обществе существовали танцы, изображавшие трудовые процессы, воспроизводившие движения животных, танцы магического характера, воинственные. В них человек обращался к силам природы. Не умея их объяснить, он молился, заклинал, приносил им жертвы, прося удачной охоты, дождя, солнца, рождения ребенка или смерти врага. Все это, впрочем, можно увидеть и в наше время, в искусстве народов Африки, к примеру. Описание танцев путешественниками и фольклористами рассказывают о жизни, обычаях и нравах различных народов . Танец - один из самых древних и массовых видов искусства. В нем находят отражение социальные и эстетические идеалы народа, его история, трудовая деятельность на протяжении веков, жизненный уклад, нравы, обычаи, характер.
Народ создает в танце идеальный образ, к которому он стремится и который утверждает в эмоциональной художественной форме.

С изменением социального строя, условий жизни менялись характер и тематика искусства, в т.ч. и народной хореографии. Есть масса лирических, героических, комических, медленных и плавных или вихревых, огневых, коллективных и сольных плясок, в которых ярко и убедительно раскрывается образ наших современников. В многочисленных ансамблях народного танца, профессиональных и самодеятельных, мы видим танцы, посвященные различным темам и историческим событиями в жизни народа. С профессиональным искусством танца мы встречаемся еще в опере, музыкальной комедии, на эстраде, в цирке, кино, балете, на льду, иногда - в драме.

Самой сложной формой профессиональной хореографии считается классический балет. Балетный танец основан на народном танце, который в свое время проник в салоны высшей знати. Развитие танцевальной техники в салонах пошло по иному направлению, чем это происходило в народе: ведь народ танцевал на лужайке или на земляном полу хижин, а знатные дамы и кавалеры скользили по гладкому полу, изящно вытягивая носки, плавно и важно приседая по правилам, специально выработанным придворными танцмейстерами.

2. Музыкально-хореографический образ

Танец является инструментом общественного физического и духовного воспитания, где танцевальный образ — это одна из форм отражения действительности и имеет объективное познавательное и воспитательное значение.

Занимаясь творческим процессом, создавая танцевальные постановки педагог-хореограф, балетмейстер воздействует, по средством хореографического искусства, на эстетическое воспитание общества в целом и на эмоциональную культуру участников постановочного процесса. Такое воздействие будет иметь только целостное художественное произведение, при создании которого сохраняются все законы композиционного построения.

Воплощение художественного образа в разных произведениях искусства осуществляется с помощью разных средств и материалов. Художественный образ создаётся на основе одного из средств: изображение, звук, языковая среда, — или комбинации нескольких. В литературе и поэзии художественный образ создаётся на основе конкретной языковой среды; в театральном искусстве используются все три средства. Воссоздание художественного образа средствами хореографического искусства многогранный и многоступенчатый процесс, так как хореографическое искусство — это синтез искусств, а сценический образ — это сложнейший сплав внутренних и внешних черт человеческой личности.

Создать хореографический образ — значит обрисовать в танце действие или характер, воплотить на основе правдивого выражения чувства определенную идею. Танец, лишенный образности, сводится к голой технике, к бессмысленным комбинациям движений. В образном же танце техника одухотворяется, становится выразительным средством, помогает раскрытию содержания.

Во всех вышеупомянутых случаях хореографический, сценический образ придумывает, сочиняет балетмейстер, а инструментом для сценического воплощения служит исполнитель. Чтобы творческий процесс увенчался успехом, оба участника должны быть профессионально образованными и способными к этому виду деятельности.

3. Основные выразительные средства

Отразить основную идею композиции или образ героя в танце балетмейстеру помогают выразительные средства хореографии: движения, пантомима, музыкальное сопровождение, актерское мастерство, рисунок и т.д.

По мнению Богданова Г. Ф. и Кириллова А.П. логика построения и развития невербальных сюжетных образов танцевального текста должна совпадать с сюжетной образностью музыкального произведения, дополняться образностью костюмов и соотноситься со сценической средой, что в целом и определяет видовое своеобразие танцевальной сюжетности.

Жюли Шарлотта ван Кэмп в своей диссертации собрала основные элементы, из которых состоят определения танца: Танец это - человеческое движение, которое формализовано, т.е. выполняется в определенном стиле или по определенным шаблонам; имеет такие качества, как грациозность, элегантность, красота сопровождается музыкой или другими ритмичными звуками; имеет целью рассказ истории или коммуникацию или выражение чувств, тем, идей которому могут содействовать пантомима, костюм и пр.

Танец пытается ориентировать форму и содержательность музыкального звука на свою образность телодвижений, на свойственные обоим искусствам темпы, ритмические рисунки, интонации. Если выразительность музыкального звука в танце представлять в виде системной организации, то системообразующим свойством здесь должна будет выступать кинетика исполняемых под данную музыку танцевальных движений (неважно, будь то движения свободно-пластические, бытовые, народные, классические, джазовые и пр.).

Также одним из неотъемлемых выразительных средств в хореографии, при создании хореографического образа, является внешний вид танцора, а именно его танцевальный костюм. Костюм для танца - это синтаксис этого языка, его нерушимые правила и законы.

Историческая эволюция конструкции танцевального костюма - от бытовых форм к высокопрофессиональным - высвечивает довольно ясную тенденцию - стремление к максимальному выявлению кинетики самого телосложения танцовщика, что приводит к использованию трико, купальника, комбинезона, майки. Эта тенденция подкрепляется тягой профессионального танца к абстрактности, к раскрытию выразительности именно в сложной и тонкой кинетике движений, а не в потоке контактных или актерских построений.

Костюм является продолжением в передаче внешних данных танцора и пластики его танца. Если это костюм удачный, т.е. подчеркивает преимущества и скрывает недостатки, тогда он помогает танцору реализовать свой потенциал.

Влияние танцевального костюма на образность танцевальной композиции каждый балетмейстер определяет самостоятельно, согласно характеру лексики танца, ее образному строю и действию, а также характеру музыкальной звучности (спокойному, резкому, страстному и пр.).

Танец для зрителей это ни с чем несравнимое наслаждение гармонией, красотой и пластикой.

Для полного завершения танцевального образа в хореографии балетмейстер работает над оформлением сцены для танца.

Сцена - среда для танцевального действия, среда гармоничная с характером танцевальной и музыкальной образности (более или менее абстрактной или конкретной), среда, вносящая свои самостоятельные и новые черты в танцевальное повествование.

Сценическая среда, обладая своей образностью, всегда либо органично сочетается с данным танцевальным действием, либо нейтральна к нему, либо активно диссонирует с ним. Вместе с тем, выразительная палитра сценического оформления довольно динамична, и в состоянии активно следовать за развитием танцевального действия. Особенно это касается освещения сцены.

Тяготеющие к абстрагированной образности музыка и текст танцевальных движений вольно или невольно заставляют хореографов выстраивать соответствующим образом всю структуру выразительных средств танцевального произведения, в том числе костюма и сценического оформления.

Знаменитый артист, хореограф-практик и педагог Захаров Р.В. говорил о том, что балериной или премьером способен стать не всякий танцовщик, хорошо овладевший техникой танца и у которого чисто и уверенно получаются все па. Конечно же, нет! Одного физического воспитания для артиста балета недостаточно. Он должен обязательно стать артистом, то есть не только научиться хорошо, танцевать, но и уметь правдиво играть на сцене, создавая образ. Только тогда он имеет право исполнять ведущие и эпизодические роли в балетном спектакле. Наряду с техникой внешней, выражающейся в умении исполнять все трудные па, артисту балета необходимо обладать и техникой внутренней - актерским мастерством. Несомненно, такие же требования касательно наличия у танцора высокой техники актерского мастерства относятся не только к артистам балета. Каждому человеку, который относит себя к данному виду искусства, для успешного его развития необходимо овладеть, хотя бы основами актерского мастерства.

При создании хореографического образа балетмейстер старается по максимуму использовать выразительные средства хореографии. Танцевальный язык, мимика, драматургическое развитие образа, актерское мастерство, костюмы, художественное оформление сцены - все это существуя в гармонии, в органичной и правильной сочиненной танцевальной композиции позволяют зрителю полноценно погрузиться в сюжет произведения и получить от просмотра множество положительных ощущений.

В настоящее время стремительно возрастает число людей, занимающихся творческой деятельностью. И одним из наиболее популярных видов современного искусства является хореография.

Содержание статьи

За время своего существования и развития, хореография как искусство создала собственный художественно-выразительный язык, целую систему приемов для передачи образа. Основа этого образа – движения, которые, в свою очередь, неотъемлемо связаны с ритмом и музыкой. Вместе они позволяют танцору рассказать яркую, экспрессивную, эмоциональную историю.

Важные составляющие хореографии

Начинать заниматься хореографией можно в любом возрасте, но нужно иметь в виду, что она, как и любое искусство, предъявляет к своему последователю ряд требований.

Настоящий танец не может обойтись без следующих составляющих:

Основные характеристики танца

Ритм – схема и скорость повторения и чередования основных движений.
Динамика – степень размаха, напряженности, эмоциональности при выполнении элементов.
Рисунок – сочетание движений, создаваемая ими картина.
Техника – степень владения телом, умение воспроизводить определенные элементы.

Виды хореографии

Сегодня хореографию обычно подразделяют на 3 большие группы:

Народная.
Классическая.
Современная.

Народная и классическая образовались раньше, прошли более длительный путь развития, поэтому обладают более выразительным набором движений и являются основными. Современная хореография включает в себя множество направлений, которые появились после классического балета.

Народная хореография

Танцевальное искусство в той или иной мере присутствует в культуре каждого народа. Соответственно, народные танцы отражают мировосприятие, культурные особенности, обряды и традиции определенной этнической группы. Как правило, они отличаются колоритностью и выразительностью. Народное искусство танцев не является статичным: переходя из поколения в поколение и сохраняя основу, оно все же меняется, приобретая новые элементы и обогащаясь новыми смыслами.

Как правило, истоки любого народного танца следует искать в сельской местности. Деревенский уклад жизни с неторопливым течением, ритмичностью труда и быта, сложившимися устоями формирует определенную устойчивость художественного вкуса, психологии, системы ценностей. Далее этот набор характеристик дополняется опытом последующих поколений, тем самым народное творчество приобретает новые черты, образы и идеалы. В результате мы видим отражение совокупности всего самого лучшего, что присуще культуре того или иного народа.

Основные черты народного танца:

Содержательность. Народный танец – отражение культуры и менталитета этноса.
Реализм. У каждого народа всегда есть конкретные идеи и волнующие вопросы, которые находят отражение в осмысленных, четких и понятных ему образах.
Выразительность. Народным танцам присуща яркость, самобытность, эмоциональность, наличие души.

Классическая хореография

Конечно, все народы живут и развиваются в различных условиях, имеют отличные друг от друга идеалы и специфические особенности. Поэтому и этнические танцы весьма разнообразны. Классическая же хореография стала аккумуляцией самых красивых, изящных и гармоничных движений, присущих танцевальным культурам разных народов

Основные черты классического танца:

При всей своей изысканности и грациозности классические танцы – это очень напряженная и кропотливая работа, направленная на развитие выносливости, гибкости и артистизма.

Современная хореография

Современная хореография, в отличие от своих прародительниц, не признает никаких правил. Здесь отсутствуют обязательные движения и позиции, главный посыл – индивидуальность танцора.

Это направление сформировалось на Западе в начале XX века, и в настоящее время оно включает множество различных течений.

Основные черты современного танца:

Пластичность. Многие современные танцы построены на основе спортивных элементов, растяжек.
Насыщенность. Как правило, современная хореография включает множество разнообразных движений, танцор практически перманентно находится в активном движении.
Индивидуальность. Поскольку правил и канонов здесь нет, каждый может максимально выразить в танце себя, свои мысли, чувства, идеи, страхи – весь спектр переживаний.
Эмоциональность. Данный аспект вытекает из предыдущего. В отношении техники танца правил нет, но проявление эмоций здесь имеет определяющее значение. Танцоры, выступающие в жанре современной хореографии, зачастую должны быть хорошими актерами, чтобы максимально ярко и экспрессивно рассказать своим танцем определенную историю.

Танцы – неотъемлемая часть нашей жизни. Для кого-то это досуг и способ расслабиться, отдохнуть, повеселиться или снять стресс, держать себя в форме. Для кого-то – профессиональная деятельность, любимая работа и непрестанное движение вперед, рост и самосовершенствование. И хореография, как процесс разработки концепции и непосредственно постановки танца, занимает важное место в жизни людей, связанных с этим видом творческого самовыражения.

Хореографией (от греч. слова Ghorea) изначально называли запись, а затем искусство сочинения танца. Но с течением времени значение данного понятия расширялось и в конечном итоге, в него стали включать все, что имеет отношение к искусству танца, т. е. и классический балет, и народные танцы различных стран мира, и бальные, и все виды современных танцевальных направлений. Под танцем же подразумевают особый вид искусства, заключающийся в выполнении ритмичных, красноречивых движений телом, которые образуют полноценную композицию и исполняются под музыкальное сопровождение.

Хореография, как вид искусства

В целом танец можно назвать старейшим видом искусства, отображающим потребность человека делиться собственными переживаниями, эмоциями за счет движений. Даже первобытные люди сопровождали танцами все важные для себя события: рождение детей, смерть, успешное завершение похода, избрание вождя племени, выздоровление кого-либо и пр. На основе танцев строились различные ритуалы, посвященные вызову дождя, воззванию к божествам для получения богатого урожая, об удачном завершении войны и пр.

За продолжительную историю человечества они претерпевали изменения, отражающие характер и направление культурного развития. Поэтому сегодня известна масса танцевальных видов, стилей и форм.

Со временем начали формироваться танцевальные па. Они произошли от таких основных видов движений, как ходьба, бег, прыжки, повороты, раскачивания. В результате их совмещения между собой и модернизации образовались традиционные танцевальные па.

Танец, как и любой другой вид искусства, имеет свои характеристики. Это в первую очередь:

ритм – скорость повторения и варьирования основных движений;
рисунок – характер сочетания различных движений при связке их в законченную композицию;
динамика – изменение размаха и напряженности движений;
техника – полнота владения собственным телом и искусность выполнения танцевальных па и позиций.

В большинстве танцевальных направлений важная роль отводится жестикуляции, в частности движениям рук.

При этом средствами выразительности служат не только ритм движений и динамика, но и гармоничность движений и принятия поз, пластика, мимика, темп движений, а также костюм и реквизит. Танец подчинен законам музыкальной системы, поэтому он так же, как и музыкальное произведение, измеряется теми же длительностями.

Изначально, точнее, с момента начала развития хореографии, как отдельного вида искусства, созданием постановок занимались танцмейстеры. Они находились при королевских дворах и являлись предшественниками нынешних хореографов. Именно им принадлежит заслуга создания единых стандартов, которые позже стали именовать танцевальным этикетом и используются до сих пор.

Танец в первобытном обществе

Все танцы первобытного общества являются источником всей современной хореографии. В целом их можно разделить на 3 группы, отличающиеся композицией:

Охотничьи – исполнялись для подготовки охотников и представляли собой своего рода тренировку, помогающую развивать такие столь необходимые и при этом базовые виды физической подготовки, как сила, выносливость, быстрота и ловкость. Такие танцы исполнялись четко, с внедрением прыжков и разных акробатических трюков. Им придавался магический смысл, а в основе лежал круг, который отождествлялся с движениями животного и небесных светил. Несколько реже в качестве рисунка танца выбирались линии и прочие геометрические фигуры.
Тотемические – носили изобразительный характер. В их основе лежало подражание животным и мифические сюжеты, а в качестве рисунка так же выбирался круг. Но в этом случае его использовали в качестве символа, объединяющего людей.
Бытовые – представляли собой элементы отдыха или развлечения, так как исполнялись после удачной охоты, завершения военного похода и т. д.

В первобытном обществе танцы уже имели звуковое сопровождение. Чаще всего для задания ритма использовались ударные инструменты, а музыкой служило пение шамана или другого высокопоставленного человека.

Несколько позднее танцы стали трансформироваться и все больше пропитываться национальными особенностями. Особый след в истории развития хореографии оставило наследие таких великих цивилизаций, как Египет, Индия, Китай и страны Юго-Восточной Азии.

Так, например, в Древнем Египте танец больше носил культовое и бытовое значение, а в Индии был пропитан религиозной символикой. В Древнем Китае же танцу отводилась роль обрамления жертвоприношений, при этом в композицию обычно закладывалось составление разных иероглифов. От Древней Греции до нас дошли изображения большого количества поз и движений, по которым современные хореографы смогли реконструировать танцы этой страны.

Кстати, ранняя канонизация танцевального искусства в Индии привела в конечном итоге к созданию индийской классической школы танцев.

При этом в Древней Греции существовала специальная наука Орхестика, включающая религиозные и бытовые сцены композиции. Ей обучались юноши. В ней же возникли первые танцевальные постановки, которые были частью драматического представления. А Платон определил 2 закона композиции танца: соединения движений и гармонии ритма. У него также были достаточно жесткие требования к создателю сценических произведений, включая особенности ритма, музыки и геометрии. Ведь танец имел не только эстетическую роль, но и воспитательную. Поэтому его преподавали во всех учебных заведениях того времени, а непосредственно танцы называли хороводами, хотя это и не предполагало обязательного кругового построения.

Даже в строгой Спарте было место для танцев. Там они носили воинственный характер и приравнивались к общефизической подготовке подрастающих воинов.

Хореографическое искусство Средневековья

Танцевальное искусство неуклонно развивалось, в том числе и в тяжелые средневековые времена, когда существовала инквизиция, запреты на народные и светские зрелища. Но история сохранила для нас образцы первых бытовых танцев, ставшие базой для дальнейшего развития западноевропейских танцев. Это, в первую очередь, бассданс и бранли. Первый танец был достоянием знати и носил медленный, величавый характер. Второй же танцевали крестьяне разных провинций Франции. Существовала масса разновидностей этих танцев, общее количество которых превосходило 300.

Бранли танцевали на всевозможных народных гуляниях. Это искусство передавалось из поколения в поколение и в итоге из него родились такие известные и сегодня бытовые танцы, как менуэт, пасспье, бурре, гавот, ригодон.

В эпоху Средневековья разграничение между жителями сел и городов стали резко заметными. Это не могло не сказаться и на танцах. Подобные процессы происходили в различных европейских странах. Поэтому к XV веку придворные балы стали больше напоминать небольшие спектакли. В них все было подчинено строгому регламенту вплоть до порядка выхода придворных и последовательности танцев. Балом заправляли балетмейстеры.

Некоторые танцы объединялись в один и стали называться балетом. В течение XV—XVI веков популярными стали танцевальные спектакли с простенькими и абсолютно несвязанными между собой сюжетами, в частности интермедии, дивертисменты.

XVI век ознаменовался настоящим прорывом в развитии техники танца, в основном благодаря жонглерам-сказителям эпоса. Они стали носителями профессионального танца, танцевали самостоятельно и преподавали знатной молодежи, руководили хороводами в замках, селах, были организаторами шествий при дворцах и всевозможных религиозных торжествах.

Жонглеры танцевали виртуозно, их танцы были технически совершенными и включали множество акробатических трюков. У них уже присутствовали такие характерные для современного балета элементы, как выворотность ног, натянутость носка, группировка пальцев рук, вогнутость поясницы. Движения жонглеров были резкими и порывистыми.

В то же время в ранних средневековых танцах сохранялась композиция, состоящая из кругов. Поэтому в хороводах танцоры держались за руки или же мужчины держали руки на бедрах, а женщины поддерживали юбки. Основными движениями были скачки и шаги, а весь танец исполнялся под пение. Различали мужские, женские танцы и смешанные, а исполняли в основном кароль, ригодон, бранль и фарандолу.

Во времена позднего Средневековья более популярными становятся парные танцы. При этом наблюдается большее разнообразие композиционного рисунка, поэтому, кроме кругов, появляются линии и шеренги, а композиция в целом приобретает более острый характер. В этот период начинают появляться высокие прыжки, покачивания корпуса, а танцы теперь кроме пения стали исполняться под игру оркестра. В некоторых случаях даже присутствовали элементы игры и пантомимы. Но все средневековые танцы сопровождались многочисленными поклонами в начале и под конец танца.

Дидло снискал репутацию гениального хореографа. Он широко использовал выразительность и эмоциональную насыщенность женского танца, а воспитанные им танцовщицы превозносились на уровне крупнейших западных прославленных танцоров-мужчин. Хореограф требовал от танцоров артистизма и строгой логики действий. Он резко критиковал виртуозность ради нее самой, ведь был уверен, что зритель может понять суть балета и оценить всю глубину страсти за счет передачи эмоций лицом артистов. Поэтому он всегда стремился создавать такие постановки, в которых танцы передавали чувства и характеры действующих лиц, а выразительные движения и яркая мимика замещали словесное выражение мыслей, что в комплексе дарило цельность эстетического впечатления. Это и легло в основу создания русской школы балета.

Дидло заменил ранее принятые парики, шиньоны, кафтаны, тяжелые башмаки легкими и удобными трико и газовыми туниками. Это позволило танцорам совершенствовать собственное мастерство, что было крайне важно для Дидло. Отличительными чертами его постановок стали:

полеты;
пантомимная игра;
выразительность, техничность исполнения;
равное значение женских и мужских ролей в танце;
использование последних инженерных разработок при оборудовании сцены.

Поскольку танца на пальцах еще не было, Дидло много внимания уделял воспитанию апломба, т. е. длительной выдержки неподвижной позы на полупальцах на одной ноге. В то же время на постановки Дидло сильное влияние оказала русская народная пляска. Поэтому за 30 лет работы этого балетмейстера в России создался именно тот вид танца, который был назван первой русской школой классического танца. Ее постановки отличались легкостью, законченностью мысли. Они были полны эмоций и благородства, а также наполнены пластикой русской женщины.

Обучение в школе продолжалось 8—9 лет. Преподаватели подолгу тренировали воспитанников на менуэте, поскольку он позволяет выработать королевскую осанку, красивый поклон, грацию при протягивании руки и пр. Также в тот период танцевали и экосез, французскую кадриль, фанданго, вальс, гросфатер, котильон, мазурку, аллеманду, венгерку и др.

При Дидло были созданы новые виды вращательных движений, появились первые элементы парного танца, которые в будущем трансформируются в адажио. В то же время женский танец не просто обогащался за счет мужского, но и сумел вытеснить его на 2-й план. Это стало возможным за счет новой стилистики, построенной по мотивам античной живописи и ваяния. А в 1808 г. Дидло ввел в балет положение на пальцах. Именно это имело колоссальное значение для развития женского русского балета и дало возможность женщине получить лидирующее положение в балете.

Таким образом, Дидло произвел настоящий переворот в мире хореографии. Именно благодаря ему из репертуара русского балета удалось вытеснить иностранные труппы, столь часто приглашаемые ранее дирекциями театров. При этом балетмейстер не любил ставить чужие балеты и всегда отдавал предпочтение собственным постановкам. Он ежегодно придумывал 2 или даже 3 балета. В них всегда наблюдалась абсолютная гармония между пантомимой, пластикой движений, мимикой, что весьма ценилось зрителями. И уже к концу 1830-х гг. русский балет вошел в эпоху романтизма.

Эпоха романтизма в русском балете

С разгромом декабристов во всем наблюдался застой. Всякое свободомыслие было наказуемо и тщательно подавлялось правительством Николая I. Но уже в то время за высокий уровень профессионализма русский балет считался одним из лучших в Европе. Но из-за происходящих в стране изменений его развитие и приближение к романтизму застопорилось.

В это время просветительскому идеалу, базирующемуся на подражании природе, противопоставлялось 2-плановое отражение действительности, пропагандирующее романтиками. Таким образом, в искусстве наблюдалось противоборство отражения реального быта и идеального мира, придуманного и взлелеянного художником, который был значительно лучше действительности.

В эпоху романтизма стали значительно больше внимания уделять духовной жизни человека, что потребовало создания новых выразительных средств. Продуктом изысканий стало обогащение пантомимы изобразительностью живописного порядка, а танец стал единым целым с музыкальным сопровождением, визуально отражая ее выразительность.

Далеко не все сразу понимали, что музыка балетных сцен в операх М. И. Глинки стала дверью для симфонизации танца и создания танцевально-сценической системы образов, отражающих музыкальную драматургию.

В эпоху романтизма большая часть постановок исполнялась гастролирующими иностранными знаменитостями. А русские танцовщицы имели возможность проявлять себя только в перерывах между ними. При этом в опере стали прибегать к такому приему, как перестановка декораций, а в сказочных действах стали использовать театральные механизмы. Кроме того, стали изменяться и балетные костюмы, причем это происходило в соответствии с меняющейся модой.

Костюм особенно сильно видоизменился на рубеже XVII—XIX веков. В это время отходят в прошлое скрывающие женскую фигуру кринолины, на смену которым пришли платья. В мужской же моде того времени наблюдается отказ от громоздких париков в пользу легких, хотя и затейливых причесок, а также головных уборов. Стало модным носить фраки и обтягивающие панталоны. Что же касается обуви, то башмаки с громоздкими пряжками и каблуками сменили туфли на гладкой и гибкой подошве.

Для учеников 1-11 классов и дошкольников
Бесплатные сертификаты учителям и участникам

Хореография как вид искусства.

1. Введение. Выразительный язык танца

Танец - один из самых древних и массовых видов искусства. В нем находят отражение социальные и эстетические идеалы народа, его история, трудовая деятельность на протяжении веков, жизненный уклад, нравы, обычаи, характер.
Народ создает в танце идеальный образ, к которому он стремится и который утверждает в эмоциональной художественной форме.

2. Музыкально-хореографический образ

3. Основные выразительные средства

Танец для зрителей это ни с чем несравнимое наслаждение гармонией, красотой и пластикой.

Читайте также: