Салонная живопись и ее особенности кратко

Обновлено: 03.07.2024

Это очень близкие понятия и существенную разницу между ними может установить только очень опытный искусствовед. "Салонная живопись" это буквально та живопись которая выставлялась на традиционном Парижском Салоне. Парижский Салон начал свою работу в 1653 году и к концу 18 и весь 19 век там участвовали от 3 до 5 тысяч художников. Картины очень строго отбирались жюри. Превыше всего ценилась виртуозность исполнения и техническая сноровка. Для примера можно привести Энгра или Бугро. Невероятная реалистичность, техническое совершенство и возвышенность сюжета. Это же относится и к русским участникам Салона - Брюлову и Иванову. Но вышеназванные художники, в то же время, являются АКАДЕМИСТАМИ. Академизм характеризуется возвышенной или библейской тематикой, метафоричностью, многоплановостью и многофигурностью. Так что на протяжении очень долгого времени Салон и Академия были одним незыблимым понятием. Перелом наступил в середине 19 века. Растущий класс буржуазии стал зарабатывать большие деньги, строить себе дома, виллы, усадьбы и для украшения своих жилищ требовалось всё больше и больше живописи. Притом живописи не новаторской (её они не понимали и не принимали), а классической, с нимфами, русалками, с Венерами и Аполлонами, с пейзажами и натюрмортами. Спрос рождает предложение. Появилось бессчетное количество никому не известных художников, все они заявляли что являются постоянными участниками Салона и что именно их живопись это вершина вкуса и эстетического совершенства. На деле это были очень хорошо выполненные конфетные коробки и порнографические открытки. Обилие голых грудей и задниц зашкаливало. Всё это украшалось цветами, бабочками и птицами. Очень ценились псевдоисторические мотивы с умирающими Клеопатрами и танцующими Саломеями. Именно в это время термин "салонный" приобрёл негативный смысл и стал равнозначен "безвкусный". В настоящее время термин "салонный" является ругательным, так называют помпезную и эклектичную живопись, но выполненную с большим техническим мастерством. Пример - Шилов, Сафронов.

нарицательное обозначение внешней красивости и банальности, бессодержательности или ложной много- значительности произведения изобразительного искусства, спекулятивной имитации подлинных художественных ценностей. Термин "салонное искусство" получил распространение со второй половины XIX в. и первоначально относился к искусству, пользовавшемуся поддержкой у жюри парижского Салона, признанием в верхах общества, а также официальным одобрением со стороны властей. Вбирая различные оттенки смысла (внешняя развлекательность, поверхностная манерная эффектность исполнения, принимаемая за художественность и изысканность, светская броскость и легковесность; артистический кружок буржуа-мецената, преимущественно дилетанта; художественное начинание, преследующее прежде всего коммерческие цели, и т. д.), которые со временем (главным образом с последней трети XIX в.) получали всё более негативную окраску, термин "салонное искусство" стал означать соответствие художественной продукции невзыскательным вкусам, её зависимость от модных поветрий и подражаний.

Претерпев эволюцию от рафинированности к общедоступности, но постоянно сохраняя в себе нечто претенциозное, псевдоутончённое и "возвышенное", салонное искусство всегда стремится как можно полнее отвечать представлениям художественно неподготовленного обывателя о прекрасном, прельщая его антихудожественной идеализацией образов или искусственной патетикой, жеманной экзальтацией чувств, убедительной "достоверностью" воспроизведения натуры либо, напротив, нарочитой деформацией предметного мира с помощью приёмов, ещё недавно казавшихся консервативной публике шокирующей новацией, но уже принимаемых ею как признаки "хорошего тона" в искусстве. Вместе с тем салонное искусство отнюдь не пассивно, а скорее даже агрессивно в своём обращении к широкому зрителю: оно старается направлять, формировать его эстетические взгляды, навязывая ему в качестве художественных эталонов некие удобопонятные, облегчённые для восприятия образцы, а вернее суррогаты искусства. С развитием средств массовой коммуникации, расширением возможностей репродуцирования и тиражирования произведений живописи и графики салонное искусство всё более профанируется и стандартизируется, становясь в итоге составной частью "массовой культуры" XX в.

Непременные признаки салонного искусства - эклектизм творческого метода и формальных средств, тяготение к "интригующим" эффектам, стилистическое непостоянство исполнителей при их профессиональной мастеровитости - выводят это явление за пределы какой-либо эпохи, какого-либо стиля или направления. Родившись на почве академизма XIX в. (сочетавшего упадочные тенденции позднего классицизма и позднего романтизма), получив питательную среду в натурализме и часто смыкаясь с ним, салонное искусство даёт вульгарную и в то же время претендующую на утончённость версию любого из последующих направлений изобразительного искусства.

Картины художников салонного направления содержали эффектную композицию, элементы идеализации в трактовке образов героев сюжета. Такое искусство требовало от живописцев виртуозного исполнения, больших знаний, огромного трудолюбия, мастерства. Не случайно его создатели принадлежали к числу лучших выпускников Академии художеств. Истоки русского салонного искусства лежат в творчестве живописцев первой половины XIX века О.А. Кипренского, К. П. Брюллова, Ф.А. Моллера и других. Расцвет этого течения падает на вторую половину XIX столетия.

Серии повторяющихся милых сюжетов. Например, парижские улочки, милые балерины или букетики ромашек, ландышей. Простые радости жизни, словно сошедшие с поздравительных почтовых открыток, выставлены на продажу людьми, играющими роль хрестоматийного художника в шарфе. В Москве вы можете увидеть таких персонажей на Арбате, на Кузнецком Мосту или на Крымской набережной.

Как же отличить такого рода работы?

Конечно, легко критиковать эти милые сюжеты, но не простота делает их крамольными и дешевыми. Ответ кроется в качестве изображений.

Перечислим явные признаки салонного искусства (которые нужно учитывать в совокупности):

Такие работы не относятся к качественному искусству. У них небольшая ценность, равная фотографии или сувениру из поездки.

В них нет работы с цветом и композицией, так как зачастую сюжеты берутся именно с фотографии или открыток. В этих работах отсутствует образность, художественный поиск. Есть форма, которая выглядит намеренно помытой, гладкой, благоухающей, как надушенная невеста, которая просится замуж.

Вывод

Главным критерием такого псевдоискусства является его растиражированность. Оно НЕ уникально.

Ему присуща "красивость". Не красота и глубина, которая достигается поиском и духовной работой художника, работой в размышлении с материалом, погружением в темы, осмыслением и переосмыслением которых занимается художник, а "красивость". Стремление копировать те изображения и сюжеты, которые могут вызвать временное умиление и снизить критику.

Читайте также: