Инструментальная музыка 17 века доклад

Обновлено: 16.05.2024

Инструментальная музыка — музыка, предназначенная для исполнения на музыкальных инструментах — появилась в XVII веке. Вы вправе спросить: а разве не вся музыка исполняется на инструментах?

Правильно: вся. Только вот одно дело, когда музыкальные инструменты сопровождают пение, танцы, торжественные приемы, театральные представления, и другое, когда звучат сами по себе, самостоятельно — в ансамбле или оркестре. Это и есть инструментальная музыка, которой, несмотря на обилие всяческих инструментов, в средние века все еще не было.

Средневековье принято считать эпохой вокальной музыки. Петь любили все. По дошедшим до нас воспоминаниям, не было ни одного знатного дома, где бы не имели клавесина и не звучали арии из опер или популярные песенки.

Музыкальные историки полагают, что первые инструментальные произведения представляли собой переложения модных в то время танцев и песен. А различных танцев всегда было много. Самыми популярными в XVII веке в Европе являлись аллеманда, куранта, павана. Они и стали основой нового инструментального жанра — знаменитой французской сюиты. Тогда же во всех странах Западной Европы получила распространение музыка, написанная для органа. Появились замечательные музыканты — ее исполнители. А затем возникли и инструментальные пьесы с хорошо знакомыми нам названиями: прелюдия, соната, фуга, токката… Так родилась инструментальная музыка.

Данный текст является ознакомительным фрагментом.

Продолжение на ЛитРес

Когда возникла первая полиция?

Когда возникла первая полиция? Давным-давно полицейские, почти такие же, как те, что нарисованы на картинке выше, принадлежали к многочисленным независимым полицейским организациям в Америке. Теперь в США существуют 40 000 подразделений, которые занимаются

Когда возникла пастораль?

Когда возникла архитектура Возрождения?

Когда возникла архитектура Возрождения? И вновь в Европе, на сей раз в XVI веке, возродился интерес к античному искусству. Даже жилые постройки того времени и те украшались колоннадами, куполами, живописью, скульптурой и, конечно, роскошной мебелью.Стиль Возрождения возник

Когда возникла частная русская опера?

Когда возникла частная русская опера? Частная русская опера — оперный театр, созданный на средства знаменитого мецената и промышленника Саввы Ивановича Мамонтова, — открылась в Москве в 1885 году. Она находилась в здании театра на Большой Дмитровке. Значение ее в

Когда возникла Дорога Гигантов?

Когда возникла Дорога Гигантов? На побережье Северной Ирландии есть удивительное место – Дорога Гигантов. Более 40 тысяч соединённых между собой пяти– и шестигранных каменных глыб, обработанных морем, кажутся настоящей мощёной тропой для великанов. Собственно говоря,

Когда возникла первая полиция?

Когда возникла первая полиция? С давних времен полицейские принадлежали к многочисленным независимым полицейским организациям в Америке. Теперь в США существуют 40 000 подразделений, которые занимаются расследованиями в разных районах и специализируются на

Когда возникла Москва?

Когда возникла Москва? Москва возникла во время расцвета Древней Руси. В начале XII века Владимир Мономах направил своего сына Юрия, прозванного Долгоруким, наместником северо-восточной Руси.Поскольку этот край был связан торговыми путями со Смоленском, Новгородом,

Инструментальная линия

Инструментальная линия Инструментальная линия находится на территории Апраксина двора. Она идет от Воронинского проезда до набережной реки Фонтанки, выходя к последней между домами 59 и 65. Название возникло в начале XX века. Связано оно с тем, что здесь шла торговля

ИНСТРУМЕНТАЛЬНАЯ ЛИНИЯ

ИНСТРУМЕНТАЛЬНАЯ ЛИНИЯ Инструментальная линия находится на территории Апраксина двора. Она идет от Воронинского проезда до набережной реки Фонтанки, выходя к последней между домами 59 и 65. Название возникло в начале XX века. Связано оно с тем, что здесь шла торговля

Как и когда возникла Крабовидная туманность?

Как и когда возникла Крабовидная туманность? Одним из самых знаменитых объектов звездного неба является Крабовидная туманность, находящаяся в созвездии Тельца. Когда французский астроном Шарль Мессье в 1758 году искал в этом районе неба одну из комет, он чуть не спутал с

НОВАЯ МУЗЫКА — ЭТО ДРУГАЯ МУЗЫКА

НОВАЯ МУЗЫКА — ЭТО ДРУГАЯ МУЗЫКА Я сомневался, что эти трое знают мой репертуар или что им что-нибудь говорят такие имена, как Адес, Тёрнейдж, Такемицу, Куртаг, Линдберг или Мюллер-Виланд. Но я всё же перечислил их, композиторов XX и XXI века, пишущих современную музыку. На


Севастополь 2007г.
План:


  1. Введение.

  2. Основная часть:

    • От ренессанса.

    • От классицизма.

  • Зарождение жанров-симфония, концерт. Соната в XVII в.

  • Основные инструментальные жанры эпохи барокко.

  • Основные инструменты эпохи барокко.

  • Инструментальная музыка Италии.

  • Инструментальная музыка Германии.

  • Инструментальная музыка Англии.

  • Инструментальная музыка Франции.

  1. Заключительная часть.

  • Переход в эру классицизма (1740—1780).

  • Влияние техник и приёмов барокко после 1760 года.

  • Джаз.

Эпоха барокко( XVII в.) — одна из наиболее интересных эпох в истории мировой культуры. Интересна она своим драматизмом, интенсивностью, динамикой, контрастностью и, в то же время, гармонией, цельностью, единством.

Выразительные возможности музыкального искусства расширяются, одновременно обнаруживается тенденции к обособлению музыки от слова – к интенсивному развитию инструментальных жанров, в значительной мере связанных с эстетикой Барокко. Возникают крупномасштабные циклические формы (concerto grosso, ансамблевая и сольная сонаты), в некоторых сюитах причудливо чередуются увертюры театрального характера, фуги, импровизации органного типа. Типичным становится сопоставление и переплетение полифонического и гомофонного принципов музыкального письма. Сочинительские и исполнительские приёмы периода барокко стали неотъемлемой и немалой частью музыкального классического канона. Произведения того времени широко исполняются и изучаются.


Отличия музыки барокко

Были и другие, более глубокие различия в стилях барокко и ренессанса. Барочная музыка стремилась к более высокому уровню эмоциональной наполненности, чем музыка ренессанса. Сочинения барокко часто описывали какую-то одну, конкретную эмоцию (ликование, печаль, набожность и так далее; см. учение об аффектах). Барочная музыка часто писалась для виртуозных певцов и музыкантов, и обычно была значительно более сложна для исполнения, чем музыка ренессанса, несмотря на то, что детальная запись партий для инструментов была одним из самых главных нововведений периода барокко. Почти обязательным стало использование музыкальных украшений , часто исполнявшихся музыкантом в виде импровизации . Такие выразительные приёмы, как notes inégales стали всеобщими; исполнялись большинством музыкантов, часто с большой свободой применения.

Еще одно важное изменение заключалось в том, что увлечение инструментальной музыкой превосходило увлечение музыкой вокальной. Вокальные пьесы, такие, как мадригалы и арии , на деле чаще не пелись, а исполнялись инструментально. Об этом говорят свидетельства современников, а также количество рукописей инструментальных пьес, число которых превосходило число произведений, представляющих светскую вокальную музыку [6] . Постепенное появление чистого инструментального стиля, отличного от вокальной полифонии XVI века, было одной из важнейших ступеней в переходе от ренессанса к барокко. До конца XVI века инструментальная музыка была едва отлична от вокальной и состояла в основном из танцевальных мелодий, обработок известных популярных песен и мадригалов (главным образом, для клавишных инструментов и лютни ) а также полифонических пьес, которые могли бы быть охарактеризованы как мотеты , канцоны, мадригалы без поэтического текста.

Хотя различные вариационные обработки, токкаты , фантазии и прелюдии для лютни и клавишных инструментов были известны давно, ансамблевая музыка еще не завоевала себе независимого существования. Однако быстрое развитие светских вокальных композиций в Италии и в других странах Европы явилось новым толчком к созданию камерной музыки для инструментов.

В эпоху классицизма, которая последовала за барокко, роль контрапункта уменьшилась (хотя развитие искусства контрапункта не прекратилось), и на первое место вышла гомофоническая структура музыкальных произведений. В музыке стало меньше орнаментации. Произведения стали склоняться к более чёткой структуре, особенно те, которые написаны в сонатной форме. Модуляции (смена тональности) превратились в структурирующий элемент; произведения стали слушаться как полное драматизма путешествие сквозь последовательность тональностей, череду уходов и приходов к тонике. Модуляции присутствовали и в музыке барокко, но не несли в себе структурирующей функции.

В сочинениях эры классицизма часто внутри одной части произведения раскрывалось множество эмоций, в то время как в барочной музыке одна часть несла в себе одно, ярко прорисованное чувство. И, наконец, в классических произведениях обычно достигалась эмоциональная кульминация, которая к концу произведения разрешалась. В барочных же работах, после достижения этой кульминации до самой последней ноты оставалось лёгкое чувство основной эмоции. Множество барочных форм послужило отправной точкой для развития сонатной формы, разработав множество вариантов основных каденций.

Общая характеристика инструментальных жанров эпохи барокко.

Зарождение жанров-симфония, концерт. Соната в XVII в.

Прототипом симфонии может считаться итальянская увертюра, сложившаяся при Скарлатти в конце XVII века. Эта форма уже тогда называлась симфонией и состояла из allegro, andante и allegro, слитых в одно целое. С другой стороны предшественницей симфонии была оркестровая соната, состоявшая из нескольких частей в простейших формах и преимущественно в одной и той же тональности. В классической симфонии только первая и последняя части имеют одинаковые тональности, а средние пишутся в тональностях, родственных с главной, которой и определяется тональность всей симфонии. Позднее создателем классической формы симфонии и оркестрового колорита считается Гайдн; значительный вклад в её развитие внесли Моцарт и Бетховен.

Слово Концерт, как название музыкального сочинения, появилось в Италии в конце XVI ст. Концерт в трёх частях явился в конце XVII ст. Итальянец Корелли (см.) считается основателем этой формы концерта.

В Западной Европе 17-18 веке было популярно музицирование не только во дворах , во дворянских домах, а также среди зажиточных слоёв городского населения.

В систему образования обязательно входило обучение игре на музыкальных инструментах или пению, поэтому представители высших слоёв общества часто проводили приятно время, собираясь для музицирования.

Для подобного отдыха требовался разнообразный репертуар и для этого выпускались различные сборники, где часто не указывалось на каких инструментах можно было исполнять данные пьесы, так как практиковался свободный выбор инструментов .

В Западной Европе было широко распостранено нотопечатание и существовали известные типографии и издатели, которые ежегодно выпускали различные сборники для музицирования. Популярным в 17 веке издателем стал Пьер Аттаньян.

В его сборниках не указывались имена авторов, поскольку понятий об авторском праве в те времена не существовало.

Однако это не смущало любителей музицирования той эпохи и сборники анонимных произведений были широко распостранены. Часто такие издания назывались КОДЕКСАМИ , которые состояли из популярных мелодий и танцев для исполнения на различных инструментах.

Также музыканты-профессионалы создавали подобные сборники для музицирования. В них входили обработки популярных в то время мелодий и танцев. В данном сборнике это композиторы – Франк, Преториус, Хаусман, Морэ и Леопольд Моцарт .

Мельхиор Франк – был очень популярен в Германии как автор 600 мотетов. Большую часть жизни он провёл при дворе принца Казамира в городе Кобурге. Наряду с мотетами Франк является автором инструментальных пьес, которая включена в сборник и называется Немецкий танец .

Современник Франка – Михаэль Преториус был более известен как композитор, исполнитель и музыкальный теоретик. В своих теоретических трудах он обобщил достижения Европейской музыки к середине 17 века. Инструментальные произведения широко издавались при его жизни и были популярны.

Это один из самых разносторонних и плодовитых композиторов своей эпохи. Составитель объемного энциклопедического трактата " Устройство музыки " (Syntagma Musicum), в котором подробно описывается музыкальная практика и музыкальные инструменты эпохи .

Настоящая фамилия Преториуса - Шульц (Schultheiss) - родился в семье лютеранского пастора. Получает искусствоведческое и музыкальное образование в "Латинской школе" города Торгау, изучает богословие и философию . В дальнейшем служит в придворном оркестре герцога Брауншвейг-Люнебург ГенриЮлиуса в городе Вольфенбюттель.

Затем поступает на службу к курфюсту Саксонскому Иоганну-Георгу I в Дрездене, где становится музыкальным консультантом, организатором музыкальных праздников и капельмейстером..

Михаэлем Преториусом написано огромное количество разнообразной музыки. Только одна его коллекция " Сионские музы " (Musae Sionae) (1605-1610) состоит из 9-ти томов и содержит около 1240 произведений духовной музыки . В основном это хоралы, созданные на основе лютерантских текстов и мелодий, которые рассчитаны на полихоральное исполнение 12 голосов . Помимо было издано не менее 35 книг . Наиболее известной сейчас является его светская музыка, которая сохранилась только в однотомном сборнике " Терпсихора " (1612) и состоит из 300 инструментальных "французских" танцев.

Имя немецкого композитора Валентин Haussmann менее известное , о его жизни, к сожалению, мало что узнано.

Известно, что он работал в своём родном городе органистом Gerbstedt, был первым композитором своей страны , который обратился к инструментальной музыке. Им были написаны оркестровые Tanzsätzen . В данный сборник включён Танец.

Следующее имя немецкого композитора и органиста эпохи барокко, которое нужно знать это - Георг Муффат – он выходец из Савойи. У него была весьма пёстрая биография.

Учился в Париже - у Люлли , в Риме - у Паскини , служил в Вене, Праге, Зальцбурге , встречался с Корелли. Его сын Готтлиб Теофил Муффат (1690—1770) также стал композитором и органистом.

Своим творчеством Георг Муффат создаёт новый музыкальный язык позднего барокко , основанного на смешении итальянских и французских традиций - сплавляет воедино французскую инструментальную сюиту и итальянский концерт. В данный сборник включены танцы Сарабанда и Гавот.

В сборнике также представлены произведения известного композитора и педагога первой половины 18 века Леопольда Моцарта . Большую часть жизни он провёл в Зальцбурге, служа капельмейстером при дворе Зальцбургского епископа. Как педагог Леопольд Моцарт воспитал своих детей - старшую дочь и гениального сына Вольфганга. Леопольд оставил нам произведения в различных жанрах и среди них есть пьесы для музицирования, которыми увлекались в доме Моцартов. В данный сборник включена Бурлеска , которая в переводе с итальянского означало - шутка . Это музыкальная пьеса шутливого и причудливого характера , обычно шла в оживлённом движении.

Танцевали такие танцы как Сарабанда . Этот танец появился в Испании в 16 веке и исполнялся под звуки барабана и кастаньет. В 17 веке в Западной Европе сарабанда исполнялась на балах как медленный и торжественный танец в трёхдольном размере .

Тордион – это старинный французский бальный танец народного происхождения . Для него характерен трёхдольный размер , а к 16 веку мог встречаться в двухдольном размере.

– это древний народный круговой массовый обрядовый танец, содержащий в себе элементы драматического действия.

Сначала паспье был известен в крестьянском быту Верхней Бретани, но постепенно он проникает в быт столицы и в конце XVI – первой половине XVII века танец получает придворный статус и становится весьма популярным на придворных балах Франции. Из лихой деревенской пляски паспье превращается в изысканный, грациозный танец.

И к середине XVIII века паспье как бальный танец выходит из употребления и становится частью инструментальной (камерной или клавесинной) сюиты. Этот танец можно встретить в клавирных и инструментальных сюитах И.С. Баха, Ж.-Ф. Телемана, Ф. Куперена, Г.-Ф. Генделя.

Гавот тоже был сначала сельским танцем, появившемся во Франции. Для него было характерна лёгкость, изящество, он исполнялся в умеренно – живом и подвижном темпе в четырёхдольном размере . Затем он стал включаться в инструментальные сюиты и балеты.

  • Для учеников 1-11 классов и дошкольников
  • Бесплатные сертификаты учителям и участникам

Инструментальный концерт в музыке XVII-XVIII веков

Методический доклад преподавателя Климчук Натальи Владимировны

История возникновения жанра………………………………………. 3

Создатель инструментального концерта Арканджелло Корелли….4

Особенности музыки Антонио Вивальди……………………………. 5

Распространение concerto grosso в странах Западной Европы……..6

История возникновения жанра

Историческое движение музыки отражается на судьбах музыкальных жанров. Живая связь времен нигде не проявляется такой наглядностью и полнотой как на примере одного из самых старых жанров европейской музыки – инструментального концерта. Возникнув, он проходит через века, привлекая к себе великих мастеров музыки. Среди композиторов, обращавшихся к этому жанру, есть имена Баха, Генделя, Вивальди, Корелли, Моцарта, Бетховена, Шопена, Шумана, Листа, Брамса, Чайковского, Скрябина, Рахманинова. В ХХ столетии – это Стравинский, Барток, Прокофьев, Шостакович, Хачатурян.

Инструментальный концерт является одним из самых популярных жанров в практике современных композиторов. Концерт возник в Италии сначала как форма вокальной (церковной) музыки, а затем – музыки инструментальной. Наряду с оперой, возникшей на рубеже Х VI и Х VII веков, инструментальный концерт стал одним из наиболее важных явлений духовной культуры своего времени.

Партии концертирующих инструментов отличаются от партий остальных инструментов ансамбля большей индивидуальностью.

2. Создатель инструментального концерта Арканджелло Корелли

3. Особенности музыки Антонио Вивальди

В музыке виднейшего итальянского мастера Антонио Вивальди (1677-1741) сложилась типичная структура инструментального концерта, состоящего из трех частей, где крайние части идут в быстром темпе, а средняя – в медленном.

Но структура концерта оказалась кажущейся – значительно усложнилась внутренняя структура отдельных частей, хотя они и восходят к песенно-танцевальным истокам, но ни в коем случае не сводятся к ним. Это усложнение структур инструментальной музыки привело к утверждению неведомой ранее крупной концертной формы – концертного Allegro . Поводом к этому стало желание музыкантов-солистов показать свое виртуозное мастерство, современное владение инструментом.

4. Распространение concerto grosso в странах Западной Европы

5. Импровизации Генделя

Инструментальная музыка Генделя – обширная область его творчества – интересна своей многожанровостью, полной чувств, свежестью вечной юности. Главное свойство генделевской инструментальной музыки – жизнедеятельная энергия, оттеняемая лирическими образами благородства. Изобилие песенных тем и танцевальных ритмов в инструментальной музыке Генделя обнаруживает близость к народному искусству.

В инструментальном творчестве Генделя, по мысли Ромена Роллана, отражены не только внутренние переживания самого художника, но и явления внешнего мира, и если бы можно было точно указать источники вдохновения в любой из инструментальных вещей Генделя, можно было найти воспоминания о днях, о пейзажах, сценах, виденных и пережитых им. Среди них встречаются произведения, явно вдохновленные природой.

Инструментальное творчество Генделя распределяется по трем группам.

Оркестровая музыка Генделя покоряет своей свежестью, возвышенностью. Concerti grossi составляют ее основную массу.

Жанр концерта (с oncerto grosso , концерт для органа), вообще характерный для творчества Генделя, был наиболее непосредственно связан с его концертной деятельностью. Когда исполнялась в Лондоне та или иная оратория Генделя, сам он обычно выступал перед большой аудиторией, играя органный концерт или участвуя в исполнении с oncerto grosso . И для композитора, и для его публики, особенно если он сам импровизировал на органе, концерты звучали музыкой большого плана, крупного штриха, ярко динамичной, оттеняемой сильными контрастами между частями цикла. Это было именно под стать самой оратории, между частями которой исполнялся инструментальный концерт. Еще заранее, записывая свою музыку, Гендель помечал в нотах места для возможной импровизации.

В циклической композиции с oncerto grosso , как и в сюите, количество частей произвольно колеблется от трех до пяти или шести.

В то время как Бах в Бранденбургских концертах строго соблюдал принцип контраста сопоставляемых частей цикла, у Генделя можно встретить идущие подряд быстрые или медленные части; например, Allegro и Presto (№5, ор.6); Largetto и Andante (№3, ор.6). Однако наряду с этими концертами у Генделя есть такие, где соблюдаются принципы контрастного сопоставления частей, например:

Allegro – Largo – Allegro ( концерт №1, ор .3);

Largo – Allegro - Largo – Allegro (№4, ор .3).

В оркестровых сочинениях Гендель опирался на жанровую тематику, широко использовал музыкальные элементы бытового искусства. Многие концерты (например, ор.6) включают полонез, менуэт, мюзет, аллеманду, сарабанду.

Concerto grosso Генделя почти не нарушают традицию этого жанра. В них сильны пасторальные мотивы, и они пронизаны чувством безграничного восхищения красотой и гармонией бытия. Здесь возникают рельефные темы-мелодии, оттеняемые оживленными пассажами, требования к исполнителям также весьма велики, но музыка бесконечно возвышается надо всем, что было написано до нее. Концерты Генделя выдержаны в духе блестящей концертности.

6. Заключение

Таким образом, принцип сопоставлений звуковых масс был одним из основополагающих принципов оркестра барокко, и недаром основанная на этих сопоставлениях ритурнельная форма так хорошо сживалась со всеми жанрами. Ее влияние можно проследить еще в раннеклассицистических симфониях (разрежение фактуры в побочной партии, туттийные вторжения - "ритурнели" и т. п.), в операх Глюка, Рамо, братьев Граунов. А симфонии для двух оркестров, к перекличкам которых добавлялись сопоставления вычлененных из них concertini, в Италии писали еще во второй половине XVIII века; в бытовой и программной музыке многохорностью иногда пользовались Гайдн и Моцарт. Однако сам дух барочного концертирования к этому времени уже угас.

Читайте также: