Что такое аутентичное исполнение в музыке определение кратко
Обновлено: 08.07.2024
Суть вопроса: в давние-давние времена композиторы писали много разной музыки. Музыка исполнялась . Потом проходило несколько веков и если кто-то хотел снова исполнить эту музыку, он уже не мог спросить у композитора: "что же Вы хотели этим сказать?", или: "а как же мне играть это место?". Перед ним вставали определенные проблемы так называемого аутентичного исполнительства.
Итак, что главное для интерпретатора музыкального сочинения? Передать мысль, концепцию, чувства. Словом, донести до слушателя все то, что пытался выразить композитор в своем произведении. Без этого исполнение не будет убедительно, и логично выстроено, ибо то, что преподносит нам исполнитель неизбежно вступит в конфликт с написанным в нотах (а там, если приглядеться, написано очень много, а не просто ключи, бемоли, диезы и другие знаки).
Следующий шаг: если мы решили, что необходимо передать авторский замысел, то достаточно ли будет только внутреннего единства? Нет. Необходимо и сходство внешних признаков, таких как: темпы, громкость, штрихи и.т.д. Например: произведение было написано в 17 веке. Как известно, понятие о темпах и динамике в то время были сильно отличны от наших - largo (медленный темп) было не столь затянуто как сейчас, а presto (очень быстрый темп) - менее подвижно. То же и в динамике - не существовало слишком громких и очень тихих звучностей.
Перед нашим воображаемым исполнителем встает законный вопрос: "должен ли я использовать весь арсенал музыкально-выразительных средств, которые доступны в конце ХХ века или точно следовать указаным в нотах обозначениям?"
Вот это - частный случай проблемы аутентичного исполнения. Если же интерпретатор (проще говоря - музыкант-исполнитель) достаточно опытен и хочет следовать авторской воле до конца, то перед ним встают другие, подобные, но еще более интересные дилемы:
Представим себе, что наш исполнитель вспоминает - во времена барокко и Баха общий строй музыки был на 1/4 тона ниже, чем сейчас (проще говоря, ля звучало почти как ля бемоль). Вопрос: "что же теперь - перестраивать инструменты, чтобы добиться понижения строя или убедить себя и слушателей, что эта деталь не играет никакой роли?" Большинство музыкантов, конечно, выберут второе, тем более, если в концерте скрипач играет и Генделя и Шостаковича, то перестройка струн невозможна из практических соображений. Но есть, есть и такие, кто ставит на скрипку специальные жильные струны, приспосабливаются к новой манере игры, осваиваются и все-таки играют "в аутентичной манере".
Что это - действительно желание следовать во всем оригиналу? Или, простите уже перебор? (грубо говоря - стоит ли игра свеч?). Подождите, осталось ведь еще 3 способа достижения единства в стиле.
Первый - да, альты, виолончели и скрипки могут играть в низком строе, хоть и не без усилий. Можно спустить мембрану у литавр, можно настроить даже фортепиано или клавесин (хотя - какой объем работы!) и.т.д. Но все духовые начнут звучать просто ужасно, как только строй опуститься более чем на 3-5 герц (составная тона).
Логически развив идею, приходим к выводу, что идеально правдоподобного звучания можно добиться лишь играя старинную музыку на старинных инструментах. Нелегко собрать большое количество аутентичных, часто музейных или коллекционных инструментов в одном месте для репетиций и записи. Еще труднее найти музыкантов, которые будут мучать себя изучением этих "древних развалюг" (реальное высказывание одного духовика). Однако такое случается и тогда на свет появляются любопытные, а часто уникальные записи. Например, широкую известность приобрел комплект CD c 9 симфониями Бетховена, где весь оркестр состоял из инструментов эпохи автора.
Второй путь - скорректировать состав оркестра, чаще всего это касается струнных в симфонической музыке. Сейчас в оркестре обычно сидит около 26 скрипачей, а для Моцартовской эпохи характерно число в 12-16. Любопытно, что некоторые дирижеры делают все "с точностью до наоборот", например, Светланов в прошлом году исполнил всем известную симфонию № 40 с намеренно увеличенным составом, ибо, как говорил сам маэстро, на самом деле Моцарт желал именно такого звучания.
И последний, редкий и экзотический путь - поменять не что-то в музыке, не инструменты и даже не дирижера :), а все внешнее - надеть подобающие костюмы, зажечь свечи, достать пюпитры из той эпохи. или сделать хотя бы что-нибудь из этого. Выглядит такой концерт красиво. Но действительно ли этот прием будет влиять на качество исполнения?
АУТЕНТИЧНОЕ ИСПОЛНЕНИЕ, исполнение музыки прошлого на инструментах соответствующей эпохи и на основе музыкально-исторических данных о характере и способах вокальной и инструментальной артикуляции, о расшифровке мелизмов и бассо континуо (цифрованного баса), о системе темперации, о значении динамических, агогических указаний и т.д. Пионером аутентичного исполнения считается британец Арнольд Долмеч, игравший на старинных инструментах. Он реконструировал лютню, клавикорд, блокфлейту, опубликовал ряд рукописей и написал труд о принципах исполнения старинной музыки. Большая заслуга в пропаганде идеи аутентичного исполнения принадлежит также польской клавесинистке Ванде Ландовской. Распространению подобной практики, особенно после Второй мировой войны, способствовала деятельность ряда музыкантов, в том числе Ноа Гринберга (1919–1966), Дэвида Манроу (1942–1976), Альфреда Деллера (1912–1979; возродил искусство пения контртенором); в наши дни особенно активно и плодотворно выступают на этом поприще Николаус Арнонкур (р. 1929) и Густав Леонхардт (р. 1928), которые осуществили образцовые записи музыки И.С.Баха, композиторов барокко и предшествующих эпох. В настоящее время ансамбли, специализирующиеся на аутентичном исполнении музыки Средневековья, Возрождения, барокко и классицизма, существуют во многих странах, в том числе и в России. Нередко руководители ансамблей и отдельные исполнители выступают одновременно как исследователи, редакторы или аранжировщики исполняемых произведений.
Присуждение награды Gramophone Кёркби показывает , насколько мейнстримной стала старинная музыка , раньше хорошо знакомая только любителям. Полвека назад музыка Средневековья и эпохи Возрождения вышла из тени и благодаря энергии Дэвида Манроу и других первопроходцев, стала полноценной и важной сферой профессионального исполнительства. Ансамбли воскрешали музыку Возрождения вместе с певицами, вдохновлявшимися народной манерой пения, — Янтиной Ноорман и Монсеррат Фигерас.
Самая знаменитая симфония Моцарта в аутентичном исполнении Арнонкура
Мы говорим “По возможности”, потому что сейчас мы точно не знаем, как она звучала. Звукозаписи не было, и восстановить историческую точность можно только по трактатам, воспоминаниям и руководствам. Это сложно, ведь в разных странах и эпохах музыка сочинялась и исполнялась по-разному.
Чаще всего аутентисты играют музыку Возрождения или барокко (условно до 1750 года - когда умер Бах). Но на деле можно аутентично исполнять и Моцарта, и Шопена, и даже Чайковского.
В какой момент истории музыка потеряла срок годности
Сейчас нам кажется, что музыка не имеет срока годности: мы слушаем вперемешку и новую, и совсем старую музыку. Ходить на концерты, где звучат старые песни, кажется нормой, особенно если на сцене любимый исполнитель.
Однако вплоть до середины XIХ века исполнять уже отзвучавшее не было принято. Люди забывали исполненную музыку почти сразу, как сейчас забывают прошлую коллекцию одежды.
В XVIII веке новая музыка раз в неделю была требованием к придворному композитору. Так что Гайдн не был маньяком, когда писал больше сотни симфоний и без счёту пьес для ансамблей — такова была его работа.
"]">До XIХ века люди слушали только новую музыку, а старую забывали почти сразу. Поэтому у Гайдна столько симфоний
В XIX веке наступила эпоха романтизма. На первом плане оказались внутренний мир и чувства человека. Это повлекло у художников желание высказываться всё сильнее и ярче, на всё большую аудиторию. Вместе с аудиторией росли и концертные залы. А поскольку микрофонов тоже не было, для растущих помещений стали появляться новые инструменты - больше и громче.
Стремительно эволюционировало фортепиано - тихим клавесином такие залы было уже не "взять". Другие инструменты переделывали так, чтобы они звучали громче и звонче; в частности, скрипкам заменили жильные струны на металлические, и укрепили корпусы, чтобы они выдержали сильное натяжение струн. В результате этих изменений уже к середине XIX века ряд инструментов полностью вышел из обихода.
К концу столетия волна моды сменилась, и музыкантам стало интересно исполнять старую музыку в подлинном варианте. Для этого они стали искать свидетельства о традициях исполнения, а также возрождать старинные инструменты: Баха начали исполнять на клавесине, а Моцарта и Бетховена — на "хаммерклавире”, предке фортепиано.
Аутентисты XX века
Ванда Ландовская
клавесинистка
Первая в ХХ веке клавесинистка, невероятно упёртая и страстная полька Ванда Ландовская первой начала исследовать старинные клавишные инструменты. У неё, кстати, есть книга под названием “О музыке”, написанная очень живым языком. Ванда собрала огромные архивы и воспитала множество учеников - и её не остановила даже Вторая мировая война. Её дом был уничтожен со всей библиотекой, а Ванда чудом успела эмигрировать в США - она была еврейкой, и ей грозила серьёзная опасность. Тем не менее и в Штатах она давала концерты на клавесине и научила множество музыкантов на нем играть.
Но самое важное: она экспериментировала с гибридами клавесина и фортепиано, считая, что копии подлинников не слишком подходят к современным реалиям — нужно вернуть инструмент, но доработать его с учетом технического прогресса, вдохнуть вторую жизнь.
Поэтому, хотя Ванда и начала весь этот процесс, сейчас ясно, что её исполнения нельзя однозначно считать аутентичными.
Густав Леонхардт
клавесинист
А вот уже пару поколений спустя появился Густав Леонхардт из Нидерландов - и то, что он делал, был самый настоящий аутентизм, во всей его красе! В конце XX века он даже сыграл Баха в одном полудокументальном фильме. Леонхардт исполнил огромное количество музыки, охватил буквально все эпохи и стили, и во всём был точен и прекрасен. И Густав играл уже на восстановленных подлинниках и точных исторических копиях.
А ещё он - педагогический “дедушка” всех существующих ныне клавесинистов: так или иначе все учились у него, либо уже у его учеников.
Кстати, красивое совпадение: впервые выступая как клавесинист в 1950 году, он играл “Искусство фуги” - одно из последних и самых значительных произведений Баха, законченное в 1750 году. Уж отметил так отметил!
Николаус Арнонкур
дирижер
Но - не клавишными едиными: в оркестровой музыке тоже было множество интереснейших поисков. Австрийский виолончелист и дирижёр Николаус Арнонкур стал первым, кто в 1970 году исполнил "Страсти по Матфею" Иоганна Себастьяна Баха в том составе оркестра и на тех инструментах, как это написал Бах. И это имело эффект разорвавшейся бомбы.
- Вместо привычного огромного романтического оркестра - прозрачное звучание небольшого состава.
- У старинных инструментов очень специфичные и самобытные тембры, поэтому каждая партия слышна очень отчётливо. Мотивы внутри голоса каждого инструмента делают музыку живой речью - словно слышно каждое слово.
- Подход к темпу - как к человеческому пульсу. Взволнованно ли бьётся сердце или спокойно? При ощущении пульса музыка, в каком бы темпе она ни была, звучит естественно.
- Особый подход к vibrato у струнных: это вариант украшения, нужный для самых эмоциональных моментов, поэтому его использование усиливает впечатление. А сам по себе звук - более пронзительный и как бы направленный.
- Ювелирная работа с динамикой! Усиления и уменьшения громкости остаются внутри мотивов при общей ровности звука. Как палатка семейства Уизли из “Гарри Поттера”: снаружи маленькая, а внутри целый огромный дом.
- Речитативы певец исполняет не в точности соблюдая длительности, а приблизительно - так, чтобы это было максимально похоже на речь. Длительности в речитативах - ориентир для создания выразительного повествования, но не более. И это было огромным открытием!
У современного большого симфонического оркестра, которым управлял другой австрийский дирижёр, Герберт фон Караян, есть свои плюсы - огромная мощь и обволакивающий, заполняющий пространство звук.
Вот как это звучит. Можно сравнить это с одной и той же картиной - выполненной как небольшая гравюра, или написанной маслом на гигантском холсте.
Первый хор из “Страстей по Матфею”.
Так в чём же истина?
Исполнители-аутентисты часто работают как археологи - ищут и изучают всевозможные письменные и нарисованные источники (например, чертежи инструментов). Что-то старинные теоретики записывали, а что-то не считали нужным: музыкантам того времени было очевидно, как это исполнять. Но спустя сотни лет устная традиция оказалась утеряна. Стало понятно, что абсолютно точно играть так, как тогда, невозможно. Особенно это касается музыки, которую заново открыли только в ХХ веке - а такой очень много. Даже сейчас люди продолжают находить старинные партитуры, и очень старая музыка становится новейшей. Поэтому нельзя сказать, что есть “аутентичное”, а есть “современное” исполнение.
И поэтому же сейчас это движение называется "исторически информированное исполнительство" - свобода самовыражения в рамках точных знаний. Это синтез истории и современности.
Исполнять музыку аутентично и восстанавливать историческую справедливость - это огромный кропотливый труд и своего рода магия.
Исполнять музыку современными инструментами - вполне допустимо. Однако хорошие дирижёры больших симфонических оркестров сейчас стараются использовать открытия аутентистов при создании своих трактовок! И тогда на эту музыку можно посмотреть совершенно иначе, не теряя точности выполнения авторского замысла.
В конце концов, Бах не знал Дебюсси и Рахманинова, а мы знаем. И такой бэкграунд нас обогащает - и как исполнителей, и как слушателей.
Бонус: Аутентизм v. 2.0
В 1828 году Феликс Мендельсон наткнулся на рукопись "Страстей по Матфею" и был поражен настолько, что решил срочно это исполнить, но ему, по разным причинам, пришлось что-то переделывать - в первую очередь заменять исчезнувшие инструменты (гобой da caccia на кларнет, например).
Так вот, это - реконструкция реконструкции Мендельсона 1829 года. Потому что потом это всё ещё не раз переинструментовывалось.
Где изучить вопрос подробнее
Если тема заинтересовала, и хочется изучить подробнее — можно почитать, послушать и посмотреть несколько интересных материалов.
▶ Фиолетовый список “актуальное” в инстаграме Филармонии им. Шостаковича (inst.: philarmoniaspb). Там тренажер, после которого становится понятно, как отличить аутентичное исполнение от не-аутентичного.
🎵 Жан Рондо играет на клавесине Гольдберг-вариации Баха. Сердце тает.
🎵 Николаус Арнонкур дирижирует финалом Девятой симфонии Бетховена, “Одой к радости”. Сердце торжествует.
🎵 Здесь можно послушать Шопена на подлинном рояле времени Шопена! Запись с финала Первого международного конкурса им. Шопена на исторических фортепиано (Варшава, 2018) - Второй фортепианный концерт в исполнении победителя конкурса Томаша Риттера.
📹 Англоязычный канал Early Music Sources. Ребята рассказывают о старинной музыке наглядно и весело - все, как мы любим. Канал на английском языке, русского перевода пока, к сожалению, нет. Может быть, мы за него возьмемся в будущем.
📹 Просто красивое видео. Смотрите, какой клип Анастасия Антонова и Анна Кискачи сняли на музыку Баха (кажется, срочно нужны клипы на классику!)
📙 Тут можно читать онлайн книгу Николауса Арнонкура (того самого, который собрал аутентичный оркестр в Австрии) “Музыка барокко. Путь к новому пониманию”
Читайте также: