Чем отличается рисунок от композиции в художественной школе

Обновлено: 02.07.2024

Рисунок и Живопись - это два вида изобразительного искусства, между которыми много различий. Рисунок - основа живописи, и обратное неверно. Вы должны уметь рисовать, если хотите преуспеть как художник. Это главное различие между ними. В этой статье делается попытка подчеркнуть разницу между рисунком и живописью, уточняя каждое слово.

Что такое рисунок?

Важно знать, что для рисунка характерны линии и оттенки. Рисование бывает разных типов, таких как рисование линий, рисование тени и рисование объектов. Рисующего называют художником. Для рисования в отличие от живописи не нужно скипидарное масло. В рисовании можно использовать карандаш, мелки и уголь. Вам не нужно использовать палитру при рисовании объекта или фигуры человека.

Рисунок не требует времени для высыхания. Карандашные рисунки довольно легко натирать и переделывать, потому что графит легко стирается. В случае рисования кисти использовать не нужно. Собственно говоря, при рисовании используются весы и другое измерительное оборудование.

Что такое живопись?

Для живописи характерны цвета и рисунки. Живопись бывает разных видов, таких как живопись на холсте, картина маслом на холсте, акварель, живопись акрилом и тому подобное. В живописи вы используете скипидарное масло. При рисовании масляными красками на холсте нужна палитра. В живописи используются масляные краски, акрил и виды пигментов.

Покраске нужно время, чтобы высохнуть. Масляную живопись и акрил не так легко стереть или изменить. В случае рисования вам понадобятся разные кисти с разной щетиной.

Рисующего человека называют либо художником, либо художником. Также интересно отметить рыночную стоимость как рисовальных, так и малярных работ. Живописные работы имеют большую рыночную стоимость, чем работы, выполненные карандашом и углем. Это одна из причин, почему рисование считается очень дорогим хобби. Окрасочное оборудование дорогое по сравнению с чертежным оборудованием. Интересно отметить, что на любой художественной выставке будут представлены оба вида произведений искусства, а именно рисунки и картины. Это объясняет очевидную разницу между рисунком и живописью. Теперь давайте резюмируем разницу следующим образом.

В чем разница между рисованием и живописью?

Определения рисунка и живописи:

Рисование: Рисунок - это создание изображения путем нанесения линий на бумагу.

Картина: Живопись - это нанесение жидкости на поверхность с помощью кисти.

Характеристики рисунка и живописи:

Природа:

Рисование: Рисунок характеризуется линиями и оттенками.

Картина: Для живописи характерны цвета и рисунки.

Типы:

Рисование: Рисование бывает разных типов, таких как рисование линий, рисование тени и рисование объектов.

Картина: Живопись бывает разных типов, таких как живопись на холсте, картина маслом на холсте, акварель, акриловая живопись и т. Д.

Использование скипидарного масла:

Рисование: Для рисования скипидарное масло не требуется.

Картина: В живописи вы используете скипидарное масло.

Использование палитры:

Рисование: Вам не нужно использовать палитру при рисовании объекта или фигуры человека.

Картина: При рисовании масляными красками на холсте нужна палитра.

Использование оборудования:

Рисование: Для рисования можно использовать мелки, карандаши и уголь.

Картина: В живописи используются масляные краски, акрил и виды пигментов.

Внесение изменений:

Рисование: Карандашные рисунки довольно легко натирать и переделывать, потому что графит легко стирается.

Картина: Масляную живопись и акрил не так легко стереть или изменить.

Физическое лицо:

Рисование: Рисующего называют художником.

Картина: Рисующего человека называют либо художником, либо художником.

1. Рисунок кролика Мэттом Сисселем (собственная работа) [CC BY-SA 3.0 или GFDL], через Wikimedia Commons

2. Живопись птиц Жан-Жака Башелье [общественное достояние], через Wikimedia Commons

1. Выделение с помощью тонового контраста.
2. Акцент с помощью цветового контраста.
3. Выделение посредством размера и формы силуэта.
4. Выделение композиционного центра посредством обобщения и детализации.

В заключении статьи привожу в качестве примера свою методическую таблицу, которая хорошо помогает учащимся усвоить эти понятия. А сейчас, я подробнее остановлюсь на каждом отдельном пункте.

Выделение композиционного центра посредством обобщения и детализации. Когда художник умеет обобщать второстепенное, и детализировать главное, то это, до некоторой степени, признак мастерства. Если из вышеупомянутого примера художник обобщил массу леса на втором плане, и в подробностях прописал ветку дерева, свисающую над тропинкой — то это не случайно. Этот приём оживляет живопись. Она становится более выразительной, живой. Зритель как бы оказывается в пространстве картины. Оригинальная живопись получается не только когда художник самобытен, по особому видит и т. д., но и когда живопись динамична в цвете, тоне, обобщении и детализации форм. Принцип отбора в композиции очень важен. К сожалению, не все современные художники применяют этот принцип в своём творчестве. Если художник умеет его использовать, то его живопись не оставит зрителя равнодушным.

В заключении, тех, кто заинтересовался этой темой, приглашаю познакомиться с методической таблицей, о которой я упоминал вначале статьи:

Способы выделения композиционного центра.

Способы выделения композиционного центра.

Рисование с натуры является методом наглядного обучения и дает прекрасные результаты не только в деле обучения рисунку, но и в деле общего развития ребенка. Рисование с натуры приучает мыслить и целенаправленно вести наблюдения, пробуждает интерес к анализу натуры и тем самым подготавливает школьника к дальнейшей учебной работе.

При обучении рисованию учитель должен иметь в виду, что целью изучения формы предмета является не только знакомство с его внеш­ней формой, но и знакомство с понятиями, выраженными этой фор­мой, что крайне необходимо для усвоения других учебных предме­тов: математики, физики и т. д.

Процесс познания объективной реальности во многом зависит от степени развития зрительного аппарата, от способности человека анализировать и синтезировать получаемые зрительные впечатле­ния. Рисование с натуры располагает большими возможностями для развития этой способности.

Как бы ни была мала задача, поставленная учителем перед ребен­ком на уроке рисования, решение ее невозможно без значительной активизации его умственной деятельности. В учебном рисунке про­цесс познания натуры является не простым созерцанием, а перехо­дом от единичных и неполных понятий о предмете к полному и обоб­щенному представлению о нем. Рисуя с натуры, ученик внимательно рассматривает натуру, старается отметить ее характерные особенно­сти, понять структуру предмета. При рисовании с натуры понятия, суждения и умозаключения о предмете становятся все более кон­кретными и ясными, ибо находящаяся перед глазами натура доступ­на зрению, осязанию, измерению и сравнению.

Например, ученик, рисуя гипсовый орнамент, видит на выпуклой форме предмета темное пятно, — ему кажется, что там впадина. Од­нако, подойдя к предмету и потрогав форму пальцем, он убеждается, что там не впадина, а выпуклость. Поэтому в начальных классах це­лесообразно занятия изобразительным искусством строить по двум направлениям — изучение формы путем зрения (рисование с натуры) и путем осязания (лепка). Такой метод изучения формы дает пре­красные результаты, и мы знаем, что многие художники им часто пользовались. Так, И. Е. Репин в своих воспоминаниях о Крамском писал, что, работая над образом Христа, Крамской, желая яснее представить себе выразительность пластики формы головы, был вы­нужден вылепить ее из глины: "Он снял на станке мокрые покрыва­ла, и я увидел ту же удрученную голову Христа, вылепленную из се­рой глины. Я не видел еще никогда только что вылепленной скульп­туры и не воображал, чтобы из серой глины можно было вылепить так чудесно. Чтобы добиться легче рельефа и светотени".

Другой пример: при рисовании в перспективе геометрического те­ла ученику кажется, что высота и ширина предмета одинаковы. Од­нако, измерив их, он убеждается, что величина сторон разная. Или такой пример. Дети в первом классе, рисуя с натуры лист тополя, ча­сто плохо улавливают характер формы; когда им для сравнения пока- зывают лист березы, сирени, липы, они начинают быстро подмечать характерные особенности формы листа тополя.

Ни один учебный предмет не обеспечивает такого активного вни­мания учащихся к предмету, к анализу его строения, как рисование с натуры.

Еще великие итальянские художники указывали, что рисование с натуры является лучшим методом обучения. Во всех трактатах по изобразительному искусству рисунок с натуры выдвигается на пер­вое место. Это положение верно не только для профессионального обучения, но и для элементарного обучения рисованию в общеобра­зовательной школе. Жан-Жак Руссо писал: "Детям крайне полезно заниматься рисованием не для самого искусства, но для приобрете­ния верного глаза и гибкой руки. Но рисовать дети должны не с мо­делей, а прямо с оригиналов, с природы. Здесь важно не столько при­обретение умения рисовать согласно законам и требованиям этого искусства, как приобретение более точного глазомера, верной руки, настоящих отношений к величине и виду разнообразных предметов, более быстрого понимания действий перспективы".

Большое значение рисование с натуры, и особенно перспективное рисование, имеет для развития пространственного мышления и во­ображения. Уже при знакомстве с элементарными правилами пер­спективы происходит сложнейший процесс пространственного мы­шления. Сложность передачи трехмерности объемного предмета при изображении на плоскости листа бумаги заставляет ученика разви­вать пространственное мышление и воображение. Всякое графичес­кое выражение мысли основывается на умении зрительно представ­лять изображаемые предметы. Рисовальщику необходимо ясно пред­ставить конструкцию предмета, взаимосвязь его частей, характер формы, положение предмета в пространстве.

Развивая у учащихся способность к ясным образным представле­ниям, рисование с натуры влияет и на развитие памяти. В жизни че­ловека роль образной памяти огромна. Но влияние рисования с нату­ры не ограничивается только образной памятью, оно сказывается и на других видах памяти: двигательной, эмоциональной и словесно-логической.

На основе ясных представлений о предметах, образной памяти у ученика развивается и способность воображения.

Во время рисования с натуры развивается и абстрактное мышле­ние. Дать конструктивный анализ формы предмета, не прибегая к аб­страктному мышлению, невозможно, а в рисунке постоянно прихо­дится иметь дело с конструктивным анализом. Причем надо отме­тить, что рисование с натуры, как никакой другой вид изучения фор­мы предмета, дает возможность развивать все моменты процесса аб­страктного мышления.

Таким образом, мы видим, что обучение рисованию способствует общему развитию человека.

Рисование с натуры в общеобразовательной школе предусматри­вает не только изображение предметов средствами светотеневого ри­сунка (рисунок карандашом), но и обучение элементам живописи.

В задачу обучения живописи входит изображение с натуры отдель­ных предметов, несложных натюрмортов, интерьеров и пейзажей. Знакомясь с элементами живописи, учащиеся овладевают техничес­кими приемами работы цветными карандашами, акварельными и гу-ашевыми красками. В первых классах учащиеся рисуют акварелью предметы природы (листья, насекомых и т. д.), еще не пользуясь сме­шением красок. С третьего класса они учатся подбирать сходный с натурой цвет путем смешения красок, а также знакомятся с исполь­зованием цветных прокладок цвета. В четвертом классе школьники рисуют акварелью предметы объемной формы (фрукты, посуду) — сначала, как и в предшествующих классах, на белом фоне, а в конце года — на светлом цветном. В пятом-шестом классах в рисовании с натуры акварелью основной упор делается на правильную передачу соотношений цвета в группе предметов и на передачу объемности. В этих классах учащиеся используют приемы работы по-сырому, овла­девают умением работать акварелью на основе использования при­емов повторных прокладок цвета, слияния цветов.

При обучении живописи учителю надо иметь в виду, что дети с ра­достным чувством воспринимают все окружающее. Однако детские впечатления, как бы непосредственны они ни были, постепенно пре­вращаются в мысли. Задача педагога — не убивая в ребенке этого вдохновенного порыва, методически умело подвести к правильным представлениям о мире. Поэтому учащихся надо знакомить с основ- ными положениями цветоведения, научить правильно пользоваться цветом и тоном для передачи своих зрительных впечатлений от нату­ры (теплый, холодный тон), передавать игру света и цвета на предме­тах, не отходя от зрительной достоверности изображаемого.

Рисование с натуры является прекрасным средством эстетическо­
го воспитания детей. Рисуя с натуры пейзаж, дерево, цветок, изучая
характер формы этих предметов, ребенок проявляет интерес к красо­
там природы, к богатству и разнообразию ее форм и красок. Он видит
пропорциональное соотношение частей и целого, улавливает ритм и
гармонию форм природы, цветовых оттенков. Развивая у детей на­
блюдательность, чутье, мы тем самым решаем и задачи эстетическое
го воспитания.

Академический рисунок в ДХШ: от натюрморта к рисунку человека Академический рисунок является основополагающей дисциплиной в системе художественного образования. Рисунок – основа всех видов изобразительного искусства. Знание академического рисунка необходимо каждому профессиональному художнику, независимо от того, какого направления в искусстве он придерживается. Для успешного выполнения любой художественной задачи, учащийся должен хорошо владеть искусством рисования, и это одно из важных профессиональных качеств будущих художников. В связи с этим подготовке по рисунку всегда уделяется основное внимание. Основные принципы программы: Программа по рисунку опирается не только на опыт предыдущих десятилетий, но и на опыт русской реалистической школы в области методики обучения рисунку. Здесь четко соблюдаются принципы наглядности, последовательности, посильности и доступности обучения. Так, в рисунке, начиная с момента композиционного размещения изображения на листе бумаги и до окончательного завершения его, учащиеся с помощью педагога усваивают правила графического изображения и законы построения формы, перспективного построения, распределения света на предметах. Учащиеся получают некоторые сведения о пластической анатомии человека, животных, учатся изображать фигуру и портрет человека. При этом учащиеся приобретают навыки последовательного ведения рисунка по принципу: от общего к частному и от частного - к общему, а также осваивают технические приемы рисунка - от самых простых до более сложных.

Композиция (от лат. compositio - составление, сочинение, связывание).

1) Композиция - это создание структуры художественного произведения, его построение по принципу связи формы (внешнего вида элементов картины) и содержания (смысловой нагрузки).

2) Композиция - само художественное произведение, результат деятельности художника, произведение искусства.

3) Композиция - академическая дисциплина в обучении художников, дизайнеров, иллюстраторов.

1). Композиция - структурная основа картины, рисунка, иллюстрации, объекта дизайна. Это связь элементов картины друг с другом в соподчинении второстепенного главному. Она базируется на принципах зрительского восприятия и тесно связана с содержанием, характером раскрытия художественного образа, авторской идеей и назначением произведения.
Законы, принципы и правила композиции сформированы на основе закономерностей восприятия человеком действительности и мирового художественного опыта. Композиция решает вопросы художественной формы и задаёт внутреннее построение произведения в контексте его восприятия зрителем.

В изобразительном искусстве композиция отвечает за грамотное распределение элементов (фигур, предметов, пятен, объёмов, цветов, света и тени, деталей, направлений и т. д.) в плоскости картины. Это своеобразный “скелет” произведения, выявляющий его образный смысл. При помощи композиции произведение изобразительного искусства приобретает цельность, законченность, взаимосвязь всех элементов и подчинение всего этого основной идее картины.

В отличие от рисования с натуры, занятия композицией позволяют художнику сконцентрироваться на главных, важных характеристиках предметов и их художественных образах, отказавшись от случайных, незначительных деталей и частей.

Работа художника над композицией обширна и включает в себя несколько последовательных этапов:

1) поиск темы произведения;

2) определение идеи картины;

3) выбор сюжета;

4) подбор формата картины, размера листа или холста и техники исполнения;

5) создание структуры линий и пятен будущего произведения;

6) поиск наиболее выразительных и характерных поз персонажей, их характеров и расположения друг по отношению к другу;

7) определение изобразительного языка и стилизации;

8) доработка равновесия цветовых и тональных пятен в картине, ритм элементов;

9) усиление смыслового и композиционного центров;

10) характер и количество деталей и т. д.

Самые простые композиционные схемы демонстрируют классические картины. В них все элементы композиции заключены в геометрические формы: треугольник, овал, круг, квадрат, прямоугольник. Композиция может быть замкнутой или разомкнутой . В замкнутой композиции все её элементы стремятся внутрь, к центру, они полностью помещаются в заданный формат и окружены со всех сторон небольшим пустым пространством. В разомкнутой композиции её элементы стремятся вырваться за пределы картины, они могут частично выходить за края изображения или касаться их.

4 основных закона композиции:

1) Закон цельности (неделимости) - неделимость композиции означает невозможность воспринимать её как сумму нескольких, хотя бы в малой степени самостоятельных частей.

2) Закон контраста - одновременно борьба противоположностей и их диалектическое единство.

3) Закон новизны - художественный образ - это всегда что-то новое в искусстве и по форме, и по содержанию, проявляется в темах, художественных средствах, композиционных решениях.

4) Закон подчинения всех средств композиции идейному замыслу - художник создаёт цельное по восприятию, выразительное, идейно-художественное произведение. Это требует учёта соотношения объёмов, цвета, света, тона и формы, передачи ритма и пластики, движения и покоя, симметрии и асимметрии и других средств художественной выразительности основной идее произведения.

Правила композиции:

1). Ритм - последовательное чередование элементов в композиции.

2). Сюжетно-композиционный центр - часть, которая выражает главное в идейном содержании сюжета. Композиционный центр выделяется объёмом, освещённостью и др.

3). Симметрия - уравновешенность частей композиции достигается за счёт зеркального отображения одной из половин изображения. Центр композиции, в этом случае, совпадает с геометрическим центром картинной плоскости.

4). Асимметрия - равновесие достигается введением пространственных пауз между предметами, которые либо приближаются друг к другу, либо удаляются, а также путём противопоставления больших и малых форм, контрастов и т.д.

5). Расположение главного на втором плане.

Приёмы композиции:

+ вертикали и горизонтали;

+ контраста:

+ диагоналей (для передачи движения);

+ статики-динамики;

+ равновесия частей;

+ “золотого” сечения;

+ передачи пространства;

+ передачи впечатления монументальности и т.д.

История композиции.

В разные периоды композиция выявляла и отображала общепринятые нормы изображения художниками предметного мира. Подчинение канону сменялось отказом от структурных схем в пользу свободных композиционных приёмов. Всё это свойственно духу эпохи и индивидуальному авторскому вкусу.


1). Композиция в первобытном искусстве практически отсутствует. Изображения животных и человеческих фигур располагаются неосознанно, хаотично на поверхности стены, накладываясь друг на друга или располагаясь на расстоянии. Редки изображения продуманных сюжетных сцен, объединяющих по смыслу фигуры людей и животных в группы.

2). Композиция в искусстве Древнего Востока.

Композиционная структура изображения основана на характере архитектуры и обладает логикой культовых и правовых норм общества. Например, изображение в сочетании с поясняющей иероглифической надписью (например, пиры, охоты, сцены назидательного или морализаторского характера) - характерное отличие примеров изобразительного искусства Древнего Китая.

3). Композиция в Древнем Египте.
Подчинение элементов фрески или рельефа определённому порядку, канон в изображении человеческой фигуры задают фризовый характер композиции. А возрастная и социальная субординация помогают выявить композиционный центр и отделить его от периферии. Древнеегипетские художники открывают такие приёмы композиции как ритм (форм, цветов, масс), симметрия, пропорциональность частей друг другу и подчинение второстепенного главному.

4). Композиция в Древней Греции.

Приёмы симметрии, выработанные древнеегипетскими мастерами, древние греки дополнили и обогатили (постепенное нарастание движения от краёв к центру композиции, завершающееся величественной статичность в фронтонах древнегреческих храмов, например, западный фронтон храма Зевса в Олимпии).
Появляется приём выявления центра композиции (сюжетно-композиционного центра) при помощи ярких цветовых пятен.

5). Композиция в эпоху Средневековья.

Художники отказываются от развития композиции в глубину, но вместо трёхмерности появляется орнаментика, декоративность. Композиции средневековых мастеров строятся по принципу ритма, симметрии, декоративности, распределении плоскостных элементов (фигур людей, зверей, святых и фантастических персонажей) в плоскости листа или стены. Линейно-плоскостное начало в рисунке фигур доминирует над объёмным пятном. Часто художники Средневековья объединяют в один сюжет разновременные события и разномасштабные фигуры (величина и массивность персонажей определяется чёткой церковной иерархией). Это достигается при помощи ритмизации элементов композиции, использования принципов симметрии, асимметрии, диссимметрии, декоративной орнаментальности.

6). Композиция в эпоху Возрождения.
Термин Композиция появился в эпоху Возрождения, когда художники, создавая произведение искусства, стремились выразить в нём свою идею и донести её до зрителя за счёт единства рисунка, колорита и сюжетной основы. Жанр произведения и его стилистика, в этом случае, значения не имели, т.к. композицией называли само законченное произведение искусства. С этого периода художники стали разрабатывать и сохранять наиболее удачные схемы композиций, на которые накладывали сюжетное изображение.

Появляются первые теоретические исследования композиции и записи размышлений художников (Джотто, братья ван Эйки, Мазаччо, Гирландайо).
В картины и фрески художников возвращается трёхмерность, поэтому для изображения глубины пространства используются приёмы трёхъярусного расположения пейзажа (Джотто), принцип вертикалей и горизонталей (Джотто), ритмичность чередования масс (Мазаччо). Для раннего Возрождения характерен приём контрастного противопоставления персонажей (“Поцелуй Иуды” Джотто).

В период Высокого Возрождения художники основывают свои произведения на познаниях в геометрии, анатомии, перспективы, законах зрительского восприятия. Приём совмещения перспективной точки схода и композиционного центра ярко выражен во фреске “Тайная вечеря” Леонардо да Винчи. В отличии от иконописи, где изображение строилось по вертикальной оси, композиция в эпоху Возрождения выстраивается по горизонтали (так, как привычно человеческому глазу). В основу композиционного строя входят законы перспективы. Теория зрительной пирамиды (линия горизонта - линия касания сферической поверхности земли с небом на уровне зрения художника) помогает художникам выстроить глубину пространства в картине, распределить в изображении планы.
Большое значение в композиции Возрождения придаётся передаче движения (статика и динамика), формируются основные законы и правила композиции, как в теории, так и на практике: цельность, подчинение главному второстепенного, контраст и т.д.

Читайте также: