Чем отличается флорентийская живописная школа от венецианской

Обновлено: 05.07.2024

Икона – это картина, в которой не были отражены события в земном мире. Художники рисовали мир небесный, так как они его представляли. Особая черта иконы – золотой фон с отсутствием воздуха и глубины. И именно с замены этого фона на условный реалистичный фон, в котором есть перспектива, земля и небо, и начались поиски мастеров Возрождения. Первопроходцем в этом искусстве был Пьетро Каваллини, а началось всё с того, что художнику дали заказ на реставрацию старинных раннехристианских мозаик. Работая над ними, ему волей – неволей пришлось овладеть старинной римской системой мозаичного изображения, предполагавшей большую реалистичность, чем иконы. Так раннехристианское искусство V века стало одним из источников знаний о живописи в раннем Ренессансе. Однако в то время было сильно влияние византийской традиции, для которой были характерны застылые, пассивные позы, отсутствие действия и игнорирование пространства. С того времени прошло полтора столетия до того, как живопись Возрождения достигла своего расцвета, но и первые шаги живописцев выглядят уже более гармонично и красиво, чем образы средневекового европейского искусства, которые сегодня уже почти забыты. В разных странах, и даже в разных городах Италии, Возрождение имело разную стилистическую окраску, да и степень овладения наукой, гуманистической философией, анатомией и перспективой в разных уголках Европы сильно различается.

Локальные живописные школы Ренессанса

Сиена

Флоренция

Венеция

Старонидерландская живопись

Возрождение – время гениев, когда наука шла рука об руку с воображением, а современное общество лишь формировалось. Но всё же, успехи в живописи этого времени удивительны, и это безусловно, лучшее, чего только могла достичь живопись Италии и всей Европы!

Там долго обсуждали эту тему, в результате этого спора венецианские и флорентийские художники создали два отдельных стиля, в одного был цвет, другого — линия

Что важнее в картине — цвет или линия? Этот вопрос охватывает все времена эпохи Возрождения, когда классические методы были заново открыты и изобретены. Италия, Центр эпохи Возрождения. Там долго обсуждали эту тему, в результате этого спора венецианские и флорентийские художники создали два отдельных стиля, в одного был цвет, другого — линия.

Флорентийские художники считали, что линейная конструкция — лучший способ изобразить предмет или человека на плоской поверхности. Для них рисунок был не только основой живописи, но и центром любого вида изображения. Часть этой веры была связана с местом. Климат во Флоренции был подходящим для фресок и темперных картин. Выполнение работ с желаемыми цветами было сложным и не всегда успешным. Исправление ошибок с цветом было утомительным и потому крайне нежелательным.

Джорджо-Вазари — Страшный суд, Флорентийский собор

Художники в этом районе разрабатывали планы или эскизы своего готовой картины заранее, чтобы гарантировать, что ничто не будет изменено на полпути. Нанесение краски осуществлялось с помощью штриховки, кроссхатчинга, форм-штриховки и других подобных приемов, которые были сильно ориентированы на рисование. Четкие линии были общими, а очертания охватывали фигуры и предметы. Однако Венеция не согласилась с этими методами.

Венецианские художники подходили к живописи по-разному. Цвет играл важную роль в изображении мира на холсте. Климат Венеции был слишком влажным для темперы и фрески, поэтому художники взяли за остову масляные краски. Картину всегда можно было переделать. Даже после высыхания на поверхность можно наносить больше краски, чтобы изменить какую-либо деталь.

Венецианские художники, вместо того, чтобы делать подготовительные рисунки, вырабатывали композицию по мере продвижения. Если что-то отвлекло внимание, художники либо сразу же стирали ошибку, либо ждали какое-то время и работали над фрагментом после высыхания краски. Линии в Венеции, обычно, не были распространены, зато цвета были удивительно насыщенными и яркими.

Это не значит, что художники не заимствовали привычки своих современников. Многие работы Леонардо да Винчи, результат обучения, которое он получил во Флоренции, частично или полностью были выполнены масляной краской, но он всегда делал рисунки, свидетельство того, что линия имела для него большее значение, чем насыщенные цвета.

Леонардо да Винчи – Мадонна в скалах

Тинторетто был венецианским художником, который использовал масла и насыщенные цвета, но признал силу линий Микеланджело. Он адаптировал флорентийскую технику в соответствии со своим стилем. Тинторетто разместился где-то посередине: не принадлежащий ни к одной из школ, и стал довольно популярен благодаря интеграции двух противоположностей.

Якопо Тинторетто — Тайная вечеря

Дебаты продолжались веками. Николас Пуссен, французский художник, предпочитал рациональность и силу линии. Питер Пауль Рубенс, фламандский художник, отдавал предпочтение цвету.

Питер Пауль Рубенс – Возвращение Дианы с охоты

Школы были разделены между Рубенистами и Пуссенистами на несколько столетий.

Оба подхода имеют свои достоинства и недостатки. Ни один из них не превосходит другой и больше зависит от стиля, чем от чего-либо ещё. Независимо от того, какое направление выбирал художник, для овладения живописью все ещё были необходимы твердые навыки рисования. Обе стороны обладали опытными, преданными последователями. Рубенс, несмотря на одобрение цвета, сделал десятки рисунков, выполненных с помощью ручек и чернильных линий.

Питер Пол Рубенс — Автопортрет

Даже импрессионисты, такие как Дега и ван Гог, которые предпочитали цвет, выступали за сильные навыки черчения.

В последнее время эта практика вымерла, но, к счастью, несколько художественных школ, продолжают поддерживать обучение тому, как держать карандаш.

Для Флорентийской школы характерны увлечение проблемами перспективы, стремление к пластически ясному построению человеческой фигуры (особенно у Уччелло) , а для многих её мастеров - особая одухотворённость и интимно-лирическая созерцательность (работы Гоццоли, Фра Анджелико, Филиппо Липпи, Боттичелли) . Искания мастеров XV века завершили великие художники Возрождения Леонардо да Винчи и Микеланджело, поднявшие художественные искания Флорентийской школы на новый качественный уровень. У венецианцев же преобладает живописное начало, особое внимание к колориту, стремление к воплощению чувственной полноты и красочности бытия (Джованни Беллини, Джорджоне, величайший колорист Тициан, затем Веронезе и виртуозный Тинторетто) . "Фанфары Тьеполо и флейты Джорджионе. " писал о венецианских мастерах Максимилиан Волошин, имея ввиду бравурность одного, и утончённость другого. :)

Флорентийская и Венецианская школа живописи.

Одним из заданий на курсе "Большие исторические стили" было: Сравнение произведений живописи Флорентийской и Венецианской школы. Я решила опубликовать свое восприятие 2-х картин.

Мое восприятие этого произведения:
Первое, что происходит со мной:
- я успокаиваюсь и начинаю размеренно и легко дышать
- тело расслабляется, мышцы лица тоже и губы становятся мягкими и чувственными, без улыбки
- возникает ощущение легкости, тело теряет вес, позвоночник не напряжен
- появляется чувство нежности и меланхолической грусти

Осознание восприятия:
- Так как в картине нет ни одной прерывистой, ломаной линии, линии мягкие – дыхание спокойное, а тело расслабленно. Спокойное и размеренное дыхание - это открытость души миру. Кажется, что лицо Мадонны и тело младенца озарены особым светом, что рождает чувство трепетной чистой любви матери к ребенку. Чувства нежности и печальной чувственности возникают засчет деликатных цветовых переходов. Ценность души встает на первый план перед материальными, физическими радостями бытия.

Несмотря на то, что в живописи Липпи интересовали уже прежде всего светские мотивы, сюжеты оставались религиозными. Изображение глубокого религиозного чувства в чертах представляемых лиц становится идеальным требованием века. Это характерная особенность Флорентийской школы живописи.

Мое восприятие этого произведения:

Что происходит с телом и дыханием:
- Первое что происходит: тяжело вздохнуть, затем дыхание становится глубоким
- тело становится тяжелым, как будто окаменевшим
- затем возникает чувство тревоги и резко перехватывает дыхание, кровь забурлила (это чувство появляется, когда взгляд останавливается на внутренней юбке цвета бордо)
- в теле появляется напряжение

Данное произведение вызвало чувство материальности и напряжения. Цветовые переходы, не такие деликатные как в картине Липпи, что делает дыхание тяжелым, а тело грузным.

Художники того периода видели в технике масляной живописи возможность сообщить всему изображаемому живую телесность.

Художников Венецианской школы живописи притягивала праздничность и красочность жизни, восхищение физическим, материальным многообразием мира. Они полно переживали чувство радости бытия, открыли окружающий мир во всем его жизненном полнокровии, неисчерпаемом красочном богатстве.

Читайте также: