Самая первая школа дизайна
Обновлено: 03.07.2024
Возникновение дизайна как особого вида проектно-художественной деятельности относят к концу ХIХ в., связывая его появление с промышленной революцией — повсеместным развитием массового машинного производства и возникшим вследствие этого разделением труда.
Первые попытки теоретического осмысления дизайна как принципиально нового вида проектной деятельности протекали в условиях распространения индустриального производства. Этот процесс имел как своих сторонников, так и ярых противников. Многие исследователи отмечают парадокс середины XIX в. — бурное развитие техники и не менее бурный протест против нее.
Первые теории дизайна: Дж. Рёскин. Г. Земпер. Ф. Рёло
Теория Дж. Рёскина - противоречие между техникой и искусством решалось путем полного отрицания техники и машинного производства, что придавало его теории реакционно-утопическую окраску.
Теория Д Г. Земпера - постепенное осознание и признание роли техники, причем пока еще не передовой техники, а техники вообще.
Теория Ф. Рёло -он не говорит ни о каких воспитательных или социальных целях дизайна, как это делал Рёскин, не интересует его и связь промышленного дизайна с рынком, чему немало внимания уделял Земпер, однако он впервые в истории дизайна связывает технику с культурой. Рёло утверждал, что развитие техники не только не является угрозой для развития культуры, но она сама является носительницей культуры, и в этом постулате — новое понимание промышленного дизайна, который также может стать одним из факторов формирования новой, индустриальной культуры.
В 60-х гг. XVIII в., раньше, чем в других странах Европы, промышленный переворот начался в Великобритании. Этому способствовала английская буржуазная революция XVII в., которая расчистила путь для развития капиталистических отношений. Мануфактурное производство здесь достигло расцвета.
Переход от ремесленного и мануфактурного производства к машинному начался с изменения средств труда.
Промышленная революция XVIII-XIX вв., положившая начало промышленной эре, радикально изменила прежний способ производства, при котором ремесленник соединял в себе качества конструктора и художника, проектировщика и непосредственного исполнителя своего замысла. Промышленная техника обрекла ремесленное производство на постепенное умирание. А между тем оно внесло огромный вклад в развитие материальной культуры, создав бесчисленное множество предметов, без которых и сегодня немыслимо существование человека.
Значение Баухауза трудно переоценить. Он не только был примером организации обучения дизайнеров, но и подлинной научной лабораторией архитектуры и художественного конструирования. Методические разработки в области художественного восприятия, формообразования, цветоведения легли в основу многих теоретических трудов и не потеряли до сих пор своей научной ценности.
Подводя итог рассмотрению деятельности двух знаменитых школ дизайна — немецкого Баухауза и советского ВХУТЕМАСа — ВХУТЕИНа, необходимо подчеркнуть, что они возникли как ответ на требование времени в момент резкого социального перелома, затронувшего сферы социально-культурных отношений и материально-предметного окружения человека. В них сложилась особая творческо-экспериментальная атмосфера, в которой и преподаватели, и студенты чувствовали себя причастными к великому делу — они творили профессию. Руководители этих учебных заведений рассматривали подготовку художника-производственника как синтетическую задачу воспитания всесторонне и гармонично развитого работника нового общества. В центре внимания была личность творца, идея универсального человека, которому доступны все виды проектного творчества. В случае ВХУТЕМАСа — ВХУТЕИНа образ творца наполнялся еще и социально-политическим смыслом. В целом обе школы утверждали гуманистический взгляд на общественную роль и практическое назначение художника в меняющемся мире.
Что считать дизайном, каким образом этот англицизм пришёл в нашу жизнь, и почему Гельветика стала спонсором войны во Вьетнаме, рассказывает краткий конспект истории дизайна, подготовленный по материалам открытого курса от Высшей школы экономики. Список основных моментов для тех, кто хочет освоить этот пласт визуальной культуры.
Зарождение дизайна.
На этапе становления дизайна можно заострить внимание на двух феноменах, давших начало бурного развития дизайна: движение искусств и ремесел, и искусство прерафаэллитов.
Движение искусств и ремесел
Период правления королевы Виктории в Англии прославился не только жесткими корсетами, пятичасовыми чаепитиями и первой Всемирной выставкой, но и совершенно новым подходом к дизайну бытовых вещей. В эпоху бурного развития промышленности горстка людей осмелилась противопоставить свое мнение неумолимому прогрессу. Для Уильяма Морриса (William Morris), которого нередко называют родоначальником английского дизайна, это время стало непростым временем: ему приходилось противостоять самому духу своей эпохи.
Обои Morris и другие творения Уильяма Морриса
На заре истории дизайна. Искусство Прерафаэлитов
Главной их целью стала борьба против условностей викторианской эпохи, слепому подражанию классическим канонам. Самыми видными членами прерафаэлитского движения были поэт и живописец Данте Габриэль Россетти, живописцы Уильям Холман Хант, Джон Эверетт Милле, Мэдокс Браун, Эдвард Бёрн-Джонс, Уильям Моррис, Артур Хьюз, Уолтер Крейн, Джон Уильям Уотерхаус.
Изабелла и горшок с базиликом. 1868
Дизайн ар-нуво
Европейский авангардный дизайн 1910-х — 1920-х гг.
Говоря о дизайне начала 20 века, следует учесть вклад художников в общее дело. Часто в то время художники становились дизайнерами и дизайнеры начинали создавать ар-объекты и художественные инсталляции.
Искусство европейского авангарда
Формообразование в дизайне основывается на эстетике универсальной абстрактной геометрической формы. Его выработка напрямую связана с формированием модернистских и авангардных течений в искусстве первой половины XX в.
На основе достижений супрематизма, конструктивизма и неопластицизма в области формообразования и под влиянием кубизма, футуризма и дадаизма сложились художественно-эстетические установки новой визуально-проектной культуры.
Модернизм включил в себя два течения – модернистское и авангардное.
Модернистские течения: импрессионизм, неоимпрессионизм, постимпрессионизм, модерн (стиль), фовизм, экспрессионизм, примитивизм, кубизм, живописный реализм, социальный реализм.
Авангардные течения: футуризм, абстрактное искусство.
Абстрактное искусство включило в себя негеометризованное и геометризованное искусство.
Геометризованное искусство включило в себя: супрематизм, конструктивизм, неопластицизм, дадаизм, метафизическая живопись, сюрреализм.
Picabia, Francis (French, 1879-1953)
Дизайн
В это время формируются дизайнерские школы, объединенные общей идеей.
Советский авангардный дизайн 1920-х гг.
Среди пионеров советского дизайна, тех, кто включился в процесс формирования производственного искусства в первые пятнадцать лет после Октябрьской революции, можно условно выделить три поколения. Художники первого поколения, как правило, еще до революции получили систематическое художественное образование и активно участвовали в формировании и развитии левых течений изобразительного искусства. Дизайнеры, как правило, были не только дизайнерами: В. Татлин, К. Малевич, А. Родченко, А. Веснин, Л. Попова, А. Лавинский, Л. Лисицкий, А. Экстер, В. Степанова, Г. Клуцис, А. Ган и др.
Пионеры советского дизайна второго поколения – это те, кто не успел до революции получить систематическое художественное образование. Многие из них не имели достаточных профессиональных навыков, им практически не от чего было отказываться в своем творчестве. И художники третьего поколения – это те, кто уже стал обучаться новым появившимся канонам супрематизма и конструктивизма у своих учителей.
Школа Баухауз и модернистский дизайн в Европе в конце 1920-х — 1930-е гг.
20-30 годы сформировали определённый подход к графическому дизайну и рекламе. Этот подход характеризуется:
Графический дизайн в 20-30 годы теряют остроту жеста, яркие стилистические характеристики, элитарность, но обретают черты массового феномена. 20-30 годы XX века — время господства стиля арт-деко. Намечается переход к стилистике массового дизайна 50-х.
Уроки швейцарской школы
Swiss International Style, была основана в 1927 году художниками-графиками Я. Чихольдом, Й. Мюллер-Брокманном. Продолжив исследования немецких типографов, швейцарцы создали новые виды шрифтов без засечек, облегчающих чтение и запоминание текстов.
Основное направление развития школы — улучшение зрительного восприятия графических работ и применение системы модульной сетки.
Швейцарский стиль отличает:
- функциональность
- простота, лаконичность, точность
- свободное пространство
- асимметричная компоновка работ
- шрифты без засечек
- читаемость.
Во всех работы представителей швейцарской школы используются гарнитуры без засечек.
А. Хофман, К. Герстне, Г. Материя и другие дизайнеры швейцарской школы стали первыми использовать крупные, часто чёрно-белые, фотографии, новые шрифты без засечек, геометрические и буквенные композиции, создающие настроение.
Рекламные и технические тексты, выполненные таким образом, привлекают к себе внимание, лучше воспринимаются.
Промышленный дизайн в США в середине XX века
В послевоенное время наблюдается рост новых экономических и культурных тенденций, а соответственно и заинтересованность в развитии сферы торговли. Из-за появления мультинациональных корпораций ускоряются и коммуникативные процессы. В таких условиях стала необходима коммуникативная ясность — усвоение информации людьми разных национальностей. Графический дизайн, развивавшийся в Швейцарии в 1950-е годы был направлен на решение этих задач. Прежде всего дизайнеры занялись распространением своих визуальных методов по всему миру.
Модернистский промышленный дизайн в Европе после Второй мировой войны
Вторая мировая война и последующие войны США с Японией и Вьетнамом обнажили связь между промышленностью и политическими действиями. Поскольку крупным заказчиком на дизайн выступали крупные концерны и промышленные объединения, фирменный стиль которых использовал в то время в основном шрифт Гельветику, то эти визуальные образы стали восприниматься негативно. Дизайнеры приняли попытку создания своего идеалистического общества, поэтому в это время дизайн начинает иметь политический оппозиционный характер.
Япония. Государственные информационные центры по развитию дизайна (1952 г.), международные конференции, Фонд японского дизайна. Роль в формировании японского дизайна компаний Toyota, Nisan, Honda, Sony, Mitsubishi. Становлению японского дизайна как коммерческого. Обучение дизайнерским навыкам в школе – как часть государственной политики (человек, воспитанный в любви к красоте, не позволит себе брак на производстве; развитие чувства прекрасного способствует развитию внутреннего рынка; способствует формированию всесторонне развитого человека, гуманизации характера). Единство в современном японском дизайненациональных и интернациональных мотивов и принципов. Основные черты японского дизайна: практическая направленность, единство пользы и красоты, опора на традицию, связь с природой, синтетичность, посредством дизайна должна раскрываться сущность, истинность вещи.
Новая волна — умеренный постмодернизм (1970-1980 гг.)
Катализатором деформации стиля стало творчество союза двух дизайнеров: З. Одрематта и Р. Тисси. Изначально ими был выбран классический швейцарский стиль типографики с контрастом прямых и изогнутых, горизонтальных и наклонных, массивных и тонких, как форм так и линий. Но, не имея профессионального образования, в классику дизайнеры внесли свой, авторский стиль — некий элемент спонтанности в изображении. Выражался этот элемент в оригинальных комбинациях форм и линий, мягкой иронии — то, что развлекало зрителя. Используя эксперименты, Одерматт и Тисси не отступали от использования модульной сетки, в их тактике развития стиля соединялись концепт и интуиция.
Баухауз — самая влиятельная школа прикладного искусства, дизайна и архитектуры XX века. За четырнадцать лет своего существования она произвела художественную революцию, стала тем местом, где художники и ремесленники разных стран пытались переосмыслить мир. Представители Баухауза стали основоположниками принципа практической полезности и рациональности форм, заложили новый подход к обучению, работе с городскими ландшафтами, мебелью и предметами быта.
В этой статье мы расскажем про основные этапы ее становления и про то, как и кем были заложены принципы самого смелого учебного учреждения XX века. Также вы узнаете о досуге и знаменитых вечеринках студентов Баухауза и о некоторых работах, созданных его мастерами и студентами.
Баухауз в Веймаре 1919-1925
Первое здание университета Баухауз в Веймаре, построенное в 1904 году
25 апреля 1919 года в Веймаре открылась Высшая школа строительства и художественного конструирования — Баухауз. Ее директором стал Вальтер Гропиус. Еще находясь на фронте Первой мировой войны, будучи уже известным архитектором, Вальтер мечтал об учебном заведении, которое изменило бы значение дизайна и мир вообще. Такая возможность представилась ему на посту директора крупнейшей школы дизайна XX века.
Эта гравюра по дереву Лионеля Фейнингера была включена Вальтером Гропиусом в основополагающий манифест и программу Баухауза в 1919 году
Подход к отбору и обучению студентов
Гропиус решил, что у студентов Баухауза должно быть по два наставника по каждому предмету. Мастера и ремесленники обучали профессии, художники прививали эстетическое вдохновение и чувство вкуса. Первыми преподавателями стали Иоганнес Иттен, Лионель Фейнингер и Герхард Маркс. Позднее к ними присоединились Василий Кандинский, Пауль Клее, Ласло Мохой-Надь. Многие из первых студентов впоследствии оставались в Баухаузе в качестве мастеров.
Студентам Баухауза было от семнадцати до сорока пяти лет. Учитывая тяжелый военный период, Гропиус убедил Веймарское министерство образования отменить плату за обучение и назначить финансовую помощь тем студентам, чьи работы были коммерчески успешны.
Поступить в Баухауз могли и мужчины, и женщины. В первые годы девушки распределялись преимущественно в ткацкие и текстильные цеха. Гропиус считал, что работа с металлом и архитектура не подходят женскому типу мышления. Интересно, что одна из самых известных студенток Веймарского Баухауза Марианна Брандт работала именно в металлическом цехе и в 1928 году стала его руководителем.
Гропиус сам придумал программу обучения в Баухаузе. Большая ее часть была связана с ручной работой. Он был уверен, что ручной и машинный труд не различаются по своей сути, а отличаются только возможными масштабами производства. Только человек, знающий ремесло и работающий с материалами, способен качественно и профессионально управлять машинами. Он хотел, чтобы студенты не чертили на бумаге, а работали с материалами и создавали реальные объекты.
Учебная программа Баухауза в Веймаре
Первая учебная программа Баухауза состояла из трех курсов: подготовительного, практического и строительного. На подготовительном студенты изучали основы формы и работы с материалами. На практическом — занимались ремеслом, создавали продукцию для массового потребления, детально изучая проблемы формы и цвета. В каждой мастерской обучали работе с определенным материалом: камнем, деревом, металлом, глиной, стеклом, текстилем, цветом. На строительном курсе подмастерья работали уже на строительных площадках.
Диаграмма Гропиуса
Такой подход к обучению давал ученикам Баухауза возможность почувствовать радость от создания новых объектов. Студенты должны были понимать, что их будущее связано с промышленностью и массовым производством.
Одним из первых преподавателей подготовительного курса стал швейцарский художник Иоганнес Иттен, которому Гропиус лично предложил присоединиться к школе. Из Вены, где Иттен преподавал, с ним приехало шестнадцать учеников, они стали первыми студентами Баухауза.
Йоханнес Иттен занимается с учениками физическими упражнениями на крыше школы, 1931
Форкурс длился один семестр: студенты должны были раскрепоститься и освободиться от условностей; выбрать профессию и материал, с которым интересно работать; изучить законы цвета и формы. После курса студенты переходили в интересующие их мастерские для изучения непосредственно ремесла.
Для расслабления и концентрации студентов Иттен начинал занятия с медитации и дыхательных упражнений. На курсе художественной грамоты они, наоборот, хаотично двигались и танцевали, чтобы понять, как изобразить ритм на бумаге.
После ухода Иттена из Баухауза в 1923 году подготовительный курс стал вести Ласло Мохой-Надь, а с 1928 — художник и дизайнер Джозеф Альберс.
Выставка 1923 года в Веймаре
Спустя 4 года после основания Баухауза правительство Тюрингии (куда входит Веймар) начало активно интересоваться результатами его работы, возник вопрос о целесообразности подобного использования денег налогоплательщиков. В 1923 году в Веймаре состоялась выставка работ студентов Баухауза.
Юстус Шмидт Постер к выставке Баухауза в Веймаре, 1923
Основным экспонатом на выставке стал образцовый жилой дом Хауз-ам-Хорн — пример функционального строительства, оснащенный всем необходимым для современной жизни. Такой дом был доступен обычному рабочему, был экологичен и воплощал основные принципы Баухауза.
Жилой дом Хауз-ам-Хорн Интерьер кухни дома
Театральный курс
Одной из причин формирования театрального курса было желание объединить студентов и преподавателей, сформировать между ними дружеские отношения. Предполагалось, что театр должен не только использовать художественные приемы, но и законы механики, оптики и прочие научные знания.
Оформлением сцены театра в Дессау также занимался Шлеммер, который присоединился к Баухаузу еще в 1920 году. Именно Шлеммер нарисовал знаменитый логотип Баухауза.
Работа курсов
У каждого мастера Баухауза был свой подход к преподаванию теории и ведению практических занятий. Рисование, конструирование, пение, психологические практики или танцы — все это способствовало раскрытию личности, осознанности и творческого потенциала студентов. Мы уже рассказывали о самых знаменитых предметах, придуманных в стенах Баухауза. Ниже представлены менее известные работы и наброски, созданные в процессе обучения.
Василий Кандинский присоединился к школе в 1922 году, позднее стал помощником директора и проработал в этой должности до 1933 года. Он был одним из самых влиятельных мастеров Баухауса. Его занятия включали в себя теорию цвета, аналитический рисунок и основы художественного проектирования. В классе Кандинского студенты изучали отношение цвета к форме через анализ отдельных элементов, таких как линия, точка и плоскость.
Танцы нон-стоп
В Баухаузе были организованы музыкальные и танцевальные вечера, лекции и концерты. На них могли приходить не только студенты, преподаватели, другие дизайнеры и архитекторы, но и местные жители. Таким образом художники могли пообщаться с простыми людьми, для которых они проектируют свои объекты, а люди, не связанные с искусством, узнать немного больше о дизайне и архитектуре.
Четыре ученика Баухауза в кружке: Роберт Ленц, Хин Бредендик, Лони Нейман и Герман Готель
Баухауз в Дессау 1925-1931
Здание школы со стороны входа Комплекс Баухауза в Дессау. Общежитие справа
Новое здание в Дессау, построенное по проекту Гропиуса, включало в себя зону с мастерскими и классными комнатами, сцену и обеденный зал для студентов, административный сектор, двадцать восемь апартаментов, а также прачечные и ванные комнаты. Комплекс был возведен всего за год — к 1926 году.
В Дессау произошли некоторые изменения в расписании. Теперь один класс вел только один мастер (обязательное участие в обучении художника и ремесленника больше не требовалось). Был значительно расширен архитектурный факультет, добавлен курс типографии и верстки.
Мастера школы на крыше здания в 1926 в Дессау Пауль Клее и Василий Кандинский за завтраком. Дессау, 1929
В 1925 году преподаватели и последователи Баухауза отказались от использования в своих работах прописных букв, поддержав тем самым шрифт Universal, разработанный австрийским графическим дизайнером Гербертом Байером. Германское общество инициативу не поддержало — в немецком языке с прописных букв начинаются существительные.
Герберт Байер создал типографскую идентичность Баухауза
Закрытие Баухауза
Вальтер Гропиус был директором школы 9 лет, в 1928 году его сменил Ханнес Мейер , руководивший курсом архитектуры. Гропиус сам выбрал себе преемника. Недопонимание с муниципальными властями вынудили Мейера покинуть пост уже спустя 2 года. В 1930 году руководство принял Людвиг Мис ван дер Роэ .
Мис оставался директором до окончательного закрытия Баухауза в 1933 году в Берлине, куда школа переехала годом ранее. Здание школы в Дессау заняла национал-социалистическая партия.
Почему Баухауз так важен?
Баухауз был первым подобным учебным заведением, его идеи и принципы мгновенно распространились среди креативного сообщества XX-века и остаются актуальными по сей день.
Мы подготовили для вас подборку интересных материалов, если вы хотите узнать о Баухаузе больше
Смотреть
Лекция Артема Дежурко в Еврейском музее и центре толерантности:
на английском
— Документальный фильм DW Documentary 2019 года. Три сорокаминутные серии рассказывают о применении идей Баухауза его последователями в современном мире;
Читать
— Книги и журналы Баухауза в открытом доступе ;
— Наша статья про историю Баухауза и культовые объекты, созданные в его стенах;
— Биография Людвига ван дер Роэ , выдающегося архитектора и последнего директора Баухауза;
— Интервью директора Фонда Баухауза в Дессау Филиппа Освальта . О работе Фонда, популяризации и осмыслении идей Баухауза в контексте современной культуры;
на английском
Сама профессия дизайнера с течением времени теряет первоначальные очертания, растворяется в других видах деятельности. Поэтому и важна история дизайна: она позволяет проникнуться очертаниями и первоначальным значением.
Когда же он появился на свет?
Первый журнал и магические сенсации
В предисловии журнала были четко обозначены цели, которые преследовали фанаты направления:
1. Сделать так, чтобы форма на 100% соответствовала внутреннему содержанию вещи;
2. Подарить предмету украшения или богатые орнаменты.
Почему-то большинство поклонников школы обратили внимание на второй момент, стараясь как можно сильнее украсить вещь. А внутреннее содержание осталось в сторонке.
Первая в мире должность дизайнера появилась в 1907 году. Петер Беренс, архитектор из Германии получил в это время пост художественного директора одного из производителей электроники. В списке задач Беренса были:
- Формирование и развитие имиджа предприятия;
- Эффективная реклама его продукции; производимых изделий и другие.
Первым дизайнером Великобритании стал Кристофер Дрессер, который в 1870-х годах занимался созданием дизайна посуды, керамики и украшений.
Вопрос о возникновении дизайна до сих пор заставляет ученых ломать копья в дискуссиях. Но история направления поистине удивительная и потрясающая.
Продемонстрировать изменение представлений людей о красоте на протяжении всего развития человечества способна история дизайна интерьера. Смена эпох рождала новые понятия об удобстве, стиле оформления жилья, поэтому появлялись новые планировки, менялась форма мебели. Покажем, как происходила подобная трансформация со времён Древнего мира по сегодняшний день, обозначим самые популярные направления. Читайте и узнаете все о формировании эстетики, помогающей делать жилое пространство удобным, комфортным и внешне привлекательным.
Исторические стили
Давно замечено, что история интерьера и формирование стилей в точности повторяет историю человеческой культуры. Её развитие приводило к усложнению традиций и обычаев. На все это обязательно накладывался религиозный отпечаток. Поэтому со временем жилье становилось не просто центром домашнего тепла и уюта, его старались украшать, приближать к эталону эстетических потребностей владельцев.
Трудно сказать, когда официально начитается история возникновения дизайна. Можно и первобытных людей назвать декораторами. Наскальные рисунки, оставшиеся от них, говорят о наличии сильной тяги к украшательству жилого пространства у пещерных людей. Правители Древнего Египта не жалели средств на создание роскошных дворцов и могил. Но от них мало, что осталось.
Самой древней современной цивилизацией по праву считается Китай. Когда европейские нации ещё только формировались, здесь уже были богатые традиции, обычаи и своя письменность. Страна жила очень изолированно ото всего остального мира на протяжении десятки веков. Это объясняет, почему её культура смогла остаться самобытной. Она не влияла на формирование западного мира. Поэтому следов китайской цивилизации в нем очень мало.
Впервые вопрос о функциональности предметов и их эстетической составляющей был поднят в период античности. Памятники архитектуры этого времени наглядно демонстрируют наличие чёткого стиля, приверженность которому прослеживалась во всем: в строительстве храмов, общественных зданий, домов богатых людей и простых рядовых граждан. Все эти здания возводились по принципу строгой симметрии. Выдерживались правильные геометрические пропорции, строго соблюдалось соотношение малого и большого. Они оба составляли единое целое: большое было его частью, а малое частью большого.
Поэтому внутри любого строения пространство разделялось следующим образом: в центре одно большое помещение, вся остальная площадь делилась на равные квадраты меньшего размера. Они обязательно были одинаковыми. Подобное построение долгие века оставалось эталоном архитектурного искусства.
К стилям Древнего мира, кроме стиля Древнего Египта, Римма и Византии можно отнести стиль Древней Греции. Он базируется на античности, но в нем присутствует ярко выраженный национальный колорит.
Другие этапные вехи концептуального развития стилей
Первое ассоциируется со строительством христианских храмов и церквей, второе с католическими соборами. Романские церкви замки были основательными, приземистыми. Они возводились при помощи ровной каменной кладки, стены покрывала черепичная крыша. У здания обязательно был большой двор, который по периметру огораживался высоченным забором. За ним скрывались городские жители во время военных атак врагов.
Готические соборы росли вверх, они тянули к богу свои остроконечную кровлю. Панорамное арочное остекление, острые шпили, витражи, скульптуры химер на фасадах. Внутри все было довольно скромно, но за счёт архитектуры здания, интерьер казался излишне изысканным.
В период Средневековья художники, архитекторы, скульпторы считались такими же ремесленниками, как каменщики. Часто человек одной профессии умел делать все: чертить проект дома, возводить стены, а потом украшать их живописными рисунками. Таким был учёный Брунелли, Таким был Леонардо да Винчи, Микеланджело и Агостио Рамелли. Их талант, их труд способствовал тому, что сложные технические новинки перестали быть диковинкой. Изобретение новых технологий дало толчок развитию всех сфер жизни человека. Началась эпоха Ренессанса (XV-XVI века), которая определила новые особенности формирования предметной среды. Облик здания сначала рождался на бумаге, создавались чертежи, а потом уже по ним проекты реализовывались в материалах.
Ренессанс
Правящая верхушка непомерно богатела, у неё появлялись деньги, которые позволяли создавать роскошные апартаменты. Они должны были подчёркивать материальный статус хозяина и дарить ему новое качество жизни. Любой исторический интерьер того времени скрупулёзно продумывался, прорабатывались самые маленькие детали. Оформление внутреннего пространства составляло одно целое. Но оно собиралось из отдельных элементов. Каждый, по своей сути, произведение искусства.
Для Ренессанса характерны большие помещения, в которых обязательно присутствуют скруглённые арки и отделка резным деревом. Но мебель была очень простой и неказистой. При её изготовлении ещё не использовались дизайнерские изыски. Порой было не очень удобно пользоваться ею. Текстиль служил не красоте, а практичной стороне вопроса. При помощи него закрывались двери и окна, спасались от сквозняков, утеплялись, как могли. Дворцы и замки строились из камня. Окна стеклиться активно стали чуть позже. Поэтому единственной защитой от ветра становилась плотная ткань и гобелены.
Дворцовые стили
Когда уже можно было подводить итоги нового художественного восприятия бытия, рождённого в эпоху Ренессанса, сформировался стиль под названием маньеризм. Он был популярным всего 25 лет, но сыграл большую роль в эстетике дизайна. Маньеризм позволил совершить переход от массивных тяжёлых форм Ренессанса к новому направлению, сделавшему ставку на лёгкость и роскошь, пышность и богатство. Сформировалась основа, из которой потом вышли барокко (XVI – XVIII), классицизм (конец XVIII) и ампир (начало XIX).
Перепутать барокко с каким-либо другим стилем очень сложно. Он не просто архитектурное направление, а образ жизни. Тот, кто выбирает его, любит величие, пышность. Ему должен нравиться грандиозный пространственный размах.
Общая история стилей интерьера развивалась всегда последовательно. Одно направление сменяется другим. Часто толчок рождению новой эстетической концепции давал какой-нибудь правитель. Так случилось и с ампиром.
Помогали ему в этом главные художники французского двора Шарль Персье и Пьер Фонтен. Первый был искусным декоратором, второй конструировал мебель. Новое направление отличалось парадностью, в оформлении дворцов и резиденций чувствовалась излишняя торжественность и театральность.
Было много колонн, пилястров, лепных карнизов, античных скульптур (грифонов, сфинксов). Все эти элементы устанавливались в строго симметричном порядке, перед декоратором стояла задача – создать монументальный интерьер, используя богатое декорирование и военную символику. Все должно подчёркивать могущество и власть императора, поэтому многие называют ампир королевским дизайном.
Сегодня можно увидеть, как широко используются исторические стили в интерьере жилого дома. Многим нравится их манерность, пышность, грандиозность. Их выбирают владельцы недвижимости, которые предпочитают всегда и во всем подчёркивать свой высокий материальный статус.
Видео описание
Видео – краткий гид по стилям интерьера, современные интерпретации исторических направлений дизайна
Современные стили
Следующий этап развития дизайна – промышленная революция. Она началась, когда английские техники придумали паровой двигатель (вторая половина XVIII века). Родился новый класс богатых людей – промышленники. Им стали доступными произведения искусства. А так как ценность таких предметов им была не очень понятна, предпочтение отдавалось более дешёвым аналогам – репликам живописи, скульптуры. Поменялось и отношение к жизни.
На первое место вышло удобство. Сначала создавалось оно, а потом ему придавался эстетичный внешний вид. Так как нового ничего не было, дизайнеры пробовали смешивать уже имеющиеся стили и создавать нужный продукт. Это время эклектики и национального романтизма.
Чуть позже на свет появился очень дорогой арт-деко. В нем было собрано все лучшее, что уже было из разных исторических эпох, поэтому в одном интерьере иногда можно найти мотивы египетской культуры, элементы ампира, рококо.
Визитная карточка направления – большие зеркала в массивной тяжёлой оправе, чёткие линии, наличие изгибов, обилие роскошного декора. В качестве основного лейтмотива выступает принт с изображением животных или растений, абстрактных геометрических фигур. В комнате много изящных статуэток, выполненных из металла или камня.
Результат игры от противного – стиль модерн (последние десятилетия XIX). Он полная противоположность традиционным классическим канонам. Посудите сами, главный принцип построения интерьера – отсутствие симметрии во всем, отсутствие прямых линий и углов, только плавные линии, волны, круги, эллипсы. Присутствует большая любовь к витражам и к большому количеству тканей. Они используются для пошива штор, накидок на мебель, наволочек для подушек, скатертей. Сегодня модерн выбирает тот, кто ведёт активный образ жизни, тот, кому нравятся плавные обтекаемые формы и мебель с закруглёнными углами.
Технический прогресс сильно изменил стиль жизни современного человека. Появилось большое количество вещей, в создании которых участвовали инженеры, архитекторы, художники. Промышленность штамповала их в большом количестве, заметно снижалась их стоимость, но полностью утрачивалась эксклюзивность. Поэтому возникла потребность в создании интерьерных стилей, в которые подобные вещи хорошо вписывались.
Стили XX века – конструктивизм, деконструктивизм, поп-арт, гламур, хай-тек, минимализм. Их основателями считали художников, архитекторов и инженеров, которые провозглашали полный отказ от существующих норм и канонов в пользу поиска чего-то нового и необычного. Большую роль в становлении современных стилей сыграла немецкая школа Бауха́ус.
Видео описание
В этом видео рассказывается об истории, основных понятиях и видах дизайна:
Говоря об истории дизайна, нельзя упомянуть ещё одну группу стилей, не относящихся к какому-то одному историческому промежутку. Это направления, отражающие национальный колорит разных народов. Кода мир стал доступным для путешествий, многие смогли увидеть, насколько самобытной является культура Индии, Японии, Китая, Африки, России. Тот, кто влюбляется сегодня в какую-нибудь одну страну, у себя дома пытается воссоздавать её атмосферу. И это тоже происходит с использованием основных принципов этнического дизайна.
Видео описание
Наглядно о принципах создания этнических интерьеров смотрите в этом видео:
Коротко о главном
Начиная с доисторических эпох, человек стремился украсить своё жилье. Для этого он всегда использовал то, что может произвести своими руками или при помощи механических приспособлений.
Смена стилей имеет хронологический порядок. Их история начинается с Древнего Мира (египетский стиль, стиль Древнего Рима, Византии и Греции). Затем наступает эпоха Средневековья, приходят романское и готическое направление.
Далее эпоха Ренессанса, её сменяют дворцовые стили (барокко, классицизм, ампир). Историческое наследие продолжает эклектика и национальный романтизм. Время промышленной революции подарило миру модерн, арт-деко, конструктивизм, поп-арт, хай-тек, минимализм.
Читайте также: