Методическое сообщение по аккордеону

Обновлено: 01.05.2024

Автор: Карпова Светлана Владимировна
Должность: преподаватель
Учебное заведение: МКОУ ДО "Курчатовская ДШИ"
Населённый пункт: г. Курчатов, Курская область
Наименование материала: методический доклад
Тема: Воспитание музыкального ритма у учащихся в классе аккордеона, баяна
Раздел: дополнительное образование

Курчатовская ДШИ

отделение народных инструментов

Методический доклад

: Воспитание музыкального ритма у учащихся в классе

аккордеона, баяна

подготовил преподаватель по классу аккордеон Карпова Светлана Владимировна Курчатов 2016г.
Содержание:

Введение……………………………………………………………………….2 1. Значение музыкального ритма……………………………………………. 2 2. Особенности музыкального ритма…………………………………………..4 3. Навыки развития чувства ритма……………………………………………..5 4. Формирование музыкально-исполнительского ритма…………………….10 Заключение……………………………………………………………………15 Список используемой литературы…………………………………………..16 2
Введение

Для учеников 1-11 классов и дошкольников
Бесплатные сертификаты учителям и участникам

муниципальное бюджетное учреждение дополнительного образования

Преподаватель МБУДОДШИ

Тамалинского района

Карташова Е.А.

Музыкальный образ в произведении - 4

Основные этапы работы над музыкальным образом - 5

Список литературы - 11

Каждый преподаватель детской музыкальной школы, школы искусств работает с детьми различной степени одаренности и индивидуальности. Поэтому, преподаватель должен обладать знаниями, уметь найти правильный подход к каждому ученику, находить верное решение в различных ситуациях в ограниченное время урока.

С первых уроков преподаватель должен обращать внимание ученика на построение произведения, эмоциональное ощущение музыкального материала.

Работа над музыкальным произведением представляет собой единый целостный процесс. И чтобы сохранить любовь к музыке и интерес к музыкальным занятиям, нужно чтобы работа над музыкальным произведением не была однообразной, а доставляла радость и удовольствие ученику и преподавателю.

Таким образом учеников с первых уроков нужно научить правильно разучивать музыкальный материал, работать над музыкальным образом, понимать содержание произведения.

Музыкальный образ в произведении.

Музыкальное искусство способно создавать и изменять духовные ценности, внутренний мир человека. Поэтому музыкальный образ очень трудно описать, так как он влияет на эмоции и чувства, на психику, фантазию и созерцание.

Музыка – это сам человек, его мысли, эмоции, чувства, подсознание. По определению доктора искусствоведения Казанцевой Л.П. музыкальное содержание – это воплощенная в звучании духовная сторона музыки, созданная композитором с помощью жанров, форм, высоты звука, различных техник и сформированная музыкантом-исполнителем в понимании слушателя. Музыкальное содержание, музыкальный образ зависит от композитора, от мастерства исполнителя, т. е. как исполнитель передал слушателю музыкальный образ, авторский замысел.

Музыкальное произведение является воплощением внутреннего мира самого композитора. Если исполнитель сумел завлечь музыкой слушателя, то содержание произведения ему понятно.

Процесс работы исполнителя над произведением представляет собой постепенное углубление в суть художественных образов музыкального произведения. Осознание содержания музыкального материала помогает исполнителю определить образ, выбрать средства, методы, технологию для дальнейшей работы над произведением. Конечный результат будет зависеть от мастерства музыканта. Во время исполнения произведения на сцене основное внимание обращено на яркое раскрытие художественного и музыкального образа.

Основные этапы работы над музыкальным образом.

Работа над музыкальным образом, содержанием представляет собой единый целостный процесс, который можно разделить на несколько этапов.

1. Знакомство с музыкальным произведением.

На первом этапе необходимо рассказать, познакомить ученика с музыкальным произведением. Познакомить его с композитором или народе, особенностях его творчества. Эпохе, в которой композитор жил и творил это произведение. О стиле и манере исполнения; о его содержании, характере, сюжете. Также музыкальное произведение можно воспроизвести преподавателю или прослушать в записи, или посмотреть видео.

Задача преподавателя пробудить в ученике желание познакомиться с произведением, научиться мыслить самостоятельно и эмоционально воспринимать музыку.

2. Анализ, разбор произведения.

После того как ученик познакомился с произведением, он приступает к разбору. Начальный этап работы над произведением не должен быть неряшливым, небрежным. Правильный разбор является очень важным этапом в работе над музыкальным произведением.

Знакомство с текстом начинается со зрительного охвата нотной строки. Можно предложить ученику назвать длительности, темп, знаки, какие ритмические рисунки он видит, ноты, динамику, есть ли повторения и т. д., а также дать прохлопать ритмический рисунок. Т. е. в беседе провести максимальный анализ текста:

- охватить общее строение и характер;

- основные моменты трактовки;

- характерные технические приемы;

- обратить внимание на темп, тональность (знаки при ключе), размер.

Таким образом создаётся связь: слышу, вижу, ощущаю, передаю.

Затем ученик, глядя в ноты, проигрывает музыкальное произведение в медленном темпе.

3. Выбор аппликатуры

Удобная аппликатура помогает беглости пальцев, снижает утомляемость рук. Рациональный выбор аппликатуры является ответственным моментом на начальном этапе работы над произведением.

Могут быть несколько вариантов аппликатурных решений, это зависит от размера и особенности руки, а также от технической подготовки конкретного ученика.

Удачно подобранная аппликатура помогает быстрому запоминанию музыкального материала, технической уверенности. Удобной может считаться та аппликатура, с помощью которой лучше всего можно выразить авторскую мысль.

4. Работа над интонацией.

Основой любого музыкального произведения является отражение внутреннего мира человека, его переживания, чувства, его состояние. Интонация уточняет звук в мелодии. При заучивании правильной аппликатуры огромное значение имеет работа над интонацией. В этой связи очень полезно использование сольфеджирование. Необходимо определить с учеником интонационные (смысловые) акценты.

5. Ритмический контроль.

Контроль над ритмом развивает чувство единого дыхания, понимание целостности формы музыкального произведения.

Нужно, чтобы ученик считал вслух уже в начальном периоде разбора, и при исполнении готового, выученного произведения. Причем, в медленном темпе следует считать мелкими долями, а в подвижном темпе переходить на крупные доли. Поэтому преподаватель должен заставлять учащегося в классе играть нотный материал считая, и требовать, чтобы то же самое он делал дома.

6. Фразировка и звукоизвлечение в музыкальном материале.

Фразировка – это художественно-смысловое расчленение музыкальной речи. Работа фразировкой – это значит научить ребенка придавать фразе определенную выпуклость, сделать фразу более ярче и гибче.

Поэтому приступая к работе над образом, необходимо понять его структуру, отношение одной фразы к другой, так как фразировка всегда индивидуальна, она зависит от музыкального ощущения исполнителя. Значительная роль в работе над фразировкой по классу баяна и аккордеона принадлежит меху, т. е. ведение меха. Работая над произведением, необходимо прививать ученику навык определения точки изменения направления движения меха. В основном, это окончание фраз, предложений, периодов.

Особое внимание уделяется кульминации. Ученик должен научиться ощущать динамическую шкалу за счет постепнного крещендо и диминуэндо. В работе над музыкальным образом и содержанием произведения, кульминацию всегда изображают ярко и убедительно. Если ученик усвоит это условие на раннем этапе работы над произведением, то, в дальнейшем, сможет развивать самостоятельно музыкальную мысль, выражать свои чувства музыкой.

Работа над звукоизвлечением должна быть тесно связана с развитием слуховых способностей учащихся. Слуховой контроль должен быть строгим и организованным.

Преподаватель обязан научить ученика замечать неточности в своем исполнении, правильно реагировать на плохое звучание и настойчиво добиваться хороших результатов.

7. Выразительность исполнения. Динамический план произведения.

Выразительное исполнение - это донесение до слушателя основной идеи произведения в образной, яркой и убедительной форме.

Важная сторона выразительного исполнения – это точность воспроизведения нотной записи. То есть, если произведение грустное, то играть нужно грустно, веселая – живо и радостно, лирическая – напевно и задушевно, торжественная – величественно.

Одним из важных моментов при работе над произведением является – динамика. Учащийся должен учиться выстраивать динамический план таким образом, чтобы кульминация соответствовала их значимости в общем эмоциональном и смысловом контексте. С их помощью ученик добьется плавного нарастания эмоционального напряжения на пути к центральной кульминационной точке и без резких переходов осуществит спад. Баян и аккордеон обладают особыми возможностями постепенного усиления и ослабления звучания. Благодаря такой динамической гибкости исполнение даже отдельных звуков может быть живым, выразительным.

Соблюдение указанных в нотах динамических оттенков, умение наметить их самостоятельно и точно реализовать, имеет важное для ученика значение при выразительном раскрытии музыкального содержания пьес. Начальный этап работы над музыкальным образом опирается на знание основных динамических оттенков, терминов и навыки их воспроизведения.

8. Техническое овладение произведением.

Одна из основных сторон работы на начальном этапе разучивания произведения касается технического овладения произведения.

При работе над технически сложными местами особая роль должна отводиться игре в медленном темпе. Ритмическая сторона, фразировка, нюансировка должны вырабатываться с самого начального периода, начиная с медленного темпа, постоянно доводя до нужного темпа. Необходимо чередовать медленные темпы с быстрыми и умеренными. Для более прочного закрепления трудной фигурации полезно поиграть ее различными ритмическими фигурами, в том числе пунктирными.

9. Игра на память.

Для достижения свободы исполнения при выступлениях на экзаменах, вечерах и концертах необходима игра на память.

Для того, чтобы более быстрее и точнее выучить произведение на память, необходимо проанализировать текст. Т. е. как строится мелодия – поступенно или скачкообразно, куда она идет – вверх или вниз, почему, по каким интервалам; какой ритмический рисунок; есть ли повторяющиеся места, в чем разница. Подобный подробный анализ способствует более быстрому запоминанию нотного текста, включает в работу не только слухомоторный вид памяти, но и аналитическую, зрительную, эмоциональную память.

Также можно применить метод запоминания И.Гофмана. Он выделил четыре способа разучивания произведения, которые помогают охватить все произведение:

– за инструментом с нотами,

– без инструмента с нотами,

– за инструментом без нот.

– без инструмента и без нот.

Результатом работы должно быть свободное и уверенное владение учащимся всеми средствами выражения художественного содержания произведения.

10. Исполнение на эстраде.

Особую роль играет репертуар, его сложность. Если ученику технически трудно исполнять текст, то на сцене он будет ошибаться. Публичные выступления раскрывают все слабые стороны исполнительства. В день концерта можно играть по нотам в умеренном темпе отдельные сложные эпизоды.

Врожденная исполнительская яркость - признак несомненной артистической одаренности. Она свойственна не каждому обучающемуся, но в ее развитии преподаватель может добиться положительных результатов. Состояние внутренней раскрепощенности, творческой свободы, особого сближения с миром образов изучаемых произведений, является необходимым условием для полноценной игры учащегося. В эстрадном исполнении активизируется внимание на художественное воплощение музыкального содержания произведения, на раскрытие музыкального образа.

Технические и выразительные возможности современного баяна и аккордеона так велики и разнообразны, что позволяют без существенных изменений исполнять произведения, написанные для других инструментов. Научить ученика пользовать возможностями современного инструмента, значит подготовить его к творческой работе над созданием музыкального образа.

Вся работа направлена на то, чтобы произведение звучало в концертном исполнении ярко, выразительно, эмоционально. Удачное, наполненное и глубоко продуманное исполнение, завершающее работу над музыкальным произведением, всегда имеет важное значение для ученика.

Список литературы

В докладе говориться о разного рода проблемах, которые стоят перед исполнителем. Одна из проблем сценического самочувствия – это излишнее волнение. На эстраде остается лишь тот, кто преодолел ощущение панического страха перед слушателями. Важное значение приобретает тренировка эмоционального состояния, регулируемая самим исполнителем.
Сценическое волнение у каждого ученика проявляется по-разному. Задача преподавателя приучить ученика к сцене, как приучают к инструменту. Чтобы выработать устойчивое положительное самочувствие на сцене, важно правильно подготовить ученика к выступлению и грамотно оценить его игру. Чтобы научиться держаться на сцене, нужно как можно чаще выступать.

Оценить 803 0

Муниципальное бюджетное образовательное учреждение дополнительного образования

«О проблеме сценического самочувствия

Коновалова Надежда Николаевна

1.Тренировка эмоционального состояния музыканта

2.Причины, приводящие к сценическому волнению.

3.Основные методы устранения и преодоления волнения

4.Рольпедагога в подготовке к концерту.

5.Развитие правильной реакции исполнителя во время публичного выступления на свою игру и анализ его после концерта.

«Цель творчества – самоотдача,

Кто может стать профессиональным музыкантом? Тот, кто талантлив. Кого можно назвать талантливым в музыке? Того, кто от природы наделен выдающимися музыкальными, духовными, умственными и физическими способностями?

Для профессии музыканта годится тот, кто уже в первые обучения показал, что его врожденные способности легко и быстро поддаются развитию.

Как свидетельствует всеобщая практика обычно те, кто избирает музыку как специальность, выделяются из массы детей, обучающихся музыке, приблизительно в возрасте от 12 до 14 лет. Но кто же знает, сколько из них станет настоящими артистами и когда? При подготовке профессионального музыканта задача, стоящая перед преподавателем, необычайно сложная и многосторонняя.

Вся работа музыканта над произведением направлена к тому, чтобы оно зазвучало в концертном исполнении. На это же ориентировано все, с чем связан музыкант: педагогика, методика и т д. Публичное выступление венчает большую, кропотливую работу исполнителя. Конечно, все не могут заниматься концертной – исполнительской деятельностью. Подавляющее большинство аккордеонистов – преподавателей занято педагогической деятельностью.

Не многие педагоги продолжают занятия на инструменте и принимают участие в концертах. Причин для оправдания множество, но истина в том, что у аккордеонистов еще не заложены основательно традиции свободного музицирования на инструменте.

Овладение исполнительским мастерством требует от аккордеониста серьезной, вдумчивой работы над множеством компонентов. Разного рода проблемы стоят перед исполнителем. Одна из них носит особый характер. Это излишнее волнение, вынуждающее иных, поистине талантливых музыкантов, в конце концов, отказаться от концертных выступлений и искать себя в других видах музыкально-художественной деятельности.

На эстраде остается тот, кто силой своего таланта, интуитивно или осознано преодолел ощущение панического страха перед слушателями.

Этот род сценического волнения, приводящий не редко к потере самообладания, с давних пор был предметом исследований педагогов, психологов и самих преподавателей.

Уже тогда утверждали, что в задачи профессионально-музыкального обучения должны входить формирование таких качеств исполнителя, как культура внимания, воля и сила характера, высокая этичность. Рассматривались вопросы исполнительской деятельности музыканта в педагогически-психологическом плане.

На современном уровне развития исполнительства были получены интереснейшие данные о возможностях использования достижений современной психологии в целях оптимизации состоянии психики музыканта на эстраде (сцене).

Установлено, какое важное значение приобретает тренировка эмоционального состояния, регулируемая самим исполнителем. Она включает ряд приемов, основанных на выполнении физических дыхательных и других упражнений (на расслабление или напряжение мышц), на использовании слова в качестве стимулятора функций организма, фиксации внимания на положительных эмоциях и отвлечения внимания отрицательных, а также приемов, основанных на закреплении успешных результатов тренировок, превращение их в привычки, в обычное состояние музыканта – исполнителя на сцене. Недооценка теоретического анализа своих практических действий оборачивается плохими результатами именно в плане исполнительства.

Из своей педагогической практики я знаю, что почти все учащиеся ощущают эти отрицательные эмоции во время выступления на концерте. Разных детей сценическое волнение проявляется по-разному. Легкое волнение преодолевается самим исполнителем на эстраде и постепенно исчезает.

Среди педагогов бытует мнение, что если пьеса выучена хорошо, твердо, то никакого волнения не будет, однако жизнь доказывает, что такое утверждение ошибочно.

Некоторые учащиеся хорошо и добросовестно работающие в классе на сцене совершенно теряются. В действительности это преподаватель должен приучить ученика к сцене, как приучают к инструменту.

Преподавателям детских музыкальных школ не следует забывать о том, что в детском возрасте наиболее плодотворно формируются все качества, составляющие в последствии личность музыканта. Ведь известно, что исполнитель-ребенок во время публичного выступления волнуется как правило, гораздо меньше, чем участник концерта по старше, у которого сильнее напряжение, которое может перерасти в нервозность и панику перед выходом на сцену и во время выступления. Психика ребенка направлена в основном на выражение положительных эмоций. Это серьезная предпосылка для формирования глубокой, постоянной удовлетворенности от собственной игры на аккордеоне, от общения с музыкой и выступления на концерте. Первая мелодия, подобранная по слуху на инструменте – событие в жизни ребенка. Оно не должно не остаться незамеченным ни родителями, ни, в особенности преподавателем.

Необходимо помнить, что у педагога любого участка художественного воспитания есть один надежный помощник. Это – сама природа ребенка. Никогда человек так глубоко и непосредственно не взволнует красота какой-то вещи, как в детстве; никакому другому возрасту не свойственны та пылкая безграничная фантазия, та яркая и горячая восприимчивость к эмоциям, которыми обладает ребенок.

Уроки должны приносить радость учащимся. Это относится и к их домашним занятиям: лишь работая с охотой, можно рассчитывать на успешное развитие своих способностей. Учащиеся, которые идут на занятия со страхом, никогда не смогут извлечь из них настоящей пользы. Нужно любить и хотеть музицировать – иначе обучение не оправдает своего назначения.

Опытный преподаватель никогда не станет перегружать своих учащихся слишком многочисленными и слишком сложными занятиями, которые лишь утомляют учащегося и ведут к потере желания работать. Поэтому педагогу нужно помнить – что он воспитывает здоровых детей, а не молодых неврастеников. Само по себе обучение игре на инструменте уже предъявляет достаточно требований к нервной системе учащихся. Игра наизусть, многочисленные репетиции, прослушивания и публичные выступления повергают учащихся известному нервному напряжению. Это многогранное напряжение должно постоянно компенсироваться радостью игры, возможностью спонтанного самовыражения за инструментом. Предотвратить подобные нервные перегрузки удается индивидуально.

Только внимательное ведение ученика – с понятным преподнесением учебного материала, использованием сравнений и конкретных примеров, с поощрением, с исправлением ошибок терпеливыми объяснениями – дает хорошие результаты. Для этого, разумеется, недостаточно, чтобы преподаватель по специальности был просто хорошим специалистом. Он должен быть помимо этого хорошим педагогом и психологом, должен знать особенности детей в зависимости от их возраста и характера.

Естественно, основой нормального процесса формирования исполнителя, является наличие у него музыкальных способностей. В музыкальных школах обучаются дети с различными музыкальными данными, недостаточными в ряде случаев для профессионального обучения. Основная задача школы – общее музыкальное образование. Профессиональное обучение – лишь вторая задача, и она может быть поставлена только перед частью учеников.

Во всяком случае и педагог-аккордеонист, и его ученик, должны быть твердо убеждены в том, что для любого вида деятельности непременным условием является отличное владение инструментом, немыслимое без решения широкого комплекса задач от профессионального овладения техникой игры на аккордеоне до глубокого интеллектуального постижения логики музыкального постижения логики музыкального развития исполняемого произведения.

Ощутить себя артистом в процессе обучения игре на инструменте должен каждый, независимо от того, кем он станет в будущем.Иными словами, воспитывать эстрадные навыки надо в такой же последовательности, в какой работают с учеником над преодолением всех других трудностей: начинать с небольшого и не сложного и постепенно переходить к большому и сложному.

Вначале следует научить ребенка максимально сосредотачиваться на исполнении отдельной фразы, полностью постичь ее содержание, а затем точно также работать над более крупными элементами форм, предложением, периодом и т.д., и наконец, над целым произведением. Для формирования положительных сценических эмоций, главным фактором является равномерное развитие всех профессиональных навыков.

Недостаточное владение каким-либо из них и приводит исполнителя к неуверенности, волнению, к потере самообладания на сцене. Большинство педагогов осознают это и уделяют много сил и времени работе в данном направлении. Но некоторые из них стремятся лишь к техническому совершенству в узком понимании: добиваются беглости пальцев, точности выполнении скачков, свободного исполнения различных фактур и т.п., обращая меньше внимания на привитие навыков чтения нот с листа, развитие слухового контроля и музыкальной памяти, умение самостоятельно разбираться в содержании, форме, стиле произведения, на приобретение навыков полифонического мышления.

А ведь все эти профессиональные навыки имеют непосредственное отношение к исполнительству и существенно влияют на сценическое самочувствие музыканта.

Для формирования положительного состояния психики ученика перед выступлением, педагогу необходимо создать и закрепить в ребенке твердую уверенность в правильной трактовке пьесы. Ученик должен быть уверен, что сыграть надо именно так, как говорил педагог на уроке и никак иначе.

Еще одна сторона проблемы отсутствия сценического самочувствия – это правильная оценка педагога творческих возможностей своего ученика. Недооценка приведет к тому, что ученику не интересно выступать, а переоценка тоже отрицательно сказывается, так как завышенная программа обречена на неудачу. Чтобы выработать устойчивое положительное самочувствие на сцене, важно не только правильно подготовить ученика к выступлению, но и грамотно оценить его выступление.

Валерия Владимировна Листова никогда не спешила сразу же определить дальнейший путь развития ученика. Она разговаривала с каждым учеником как с будущим большим музыкантом. По ее мнению, лучше ошибиться в сторону переоценки способностей ученика, чем сделать промах, признав его заведомо неинтересным.

Чтобы научиться держаться на сцене, нужно как можно чаще выступать, чаще создавать в классе концертную обстановку, призывать и родителей к созданию такой обстановки дома.

Современный аккордеон – сложный инструмент, с двумя клавиатурами, с двояким воздействием исполнителя на качество звука (меховое и туше), обладающей значительным весом и габаритами – все это требует предельной координации движений исполнительского аппарата аккордеониста в целом; не разрозненности рук, пальцев, корпуса, а именно целостного, органичного функционирования его (аппарата) в самом широком значении понятия.

Аккордеонист на сцене, как правило, подвержен воздействию отрицательных факторов в большой степени, чем музыкант любой другой специализации, например, пианист или скрипач, которые имеют традиции исполнительства, педагогики, закрепленные теорией. А аккордеонная теория исполнительства еще очень молода, но так или иначе, а сценические навыки необходимо неразрывно связывать с содержанием музыки подчинить привитие тех или иных профессиональных умений и навыков осмыслению и раскрытию содержания музыкального произведения.

Список используемой литературы:

Хочу отметить, что именно на первых уроках у ребёнка можно пробудить интерес к музыке или же уничтожить его навсегда.

Большое значение в формировании исполнительских навыков учащихся имеет начальный период обучения, поскольку именно на этом этапе закладываются основные навыки, в частности постановочные моменты, технологические приёмы и другие. Начнём с элементарного приёма образования звука на аккордеоне: приведение клавиши и меха. При этом подключается целый механизм движения: палец, затем клавиша, далее- рычаг, клапан, воздух, резонатор, планка, язычок, и наконец, мы слышим звук. Такой сложный процесс звукообразования предполагает и умение достичь нужного качества звучания. Известно, что при обучении игре на аккордеоне, важнейшие особенности звукоизвлечения связаны с движением меха, поэтому целесообразнее начинать формирование двигательных навыков именно с меховедения. От выше перечисленного напрямую зависит последующее развитие ученика.

Приступая с учащимися к освоению игровых навыков, преподаватель должен начать с объяснения каким образом на аккордеоне извлекается звук.

Организация игрового аппарата учащихся по классу аккордеона, особенно на начальном этапе, является одним из самых сложных элементов в процессе обучения. Важно на первых этапах обучения, чтобы ученик понял: громкость звука на аккордеоне не зависит от силы удара, нажатия или давления пальцев на клавишу. Звук меняется за счёт различного ведения меха.

а) удар, б) толчок, в) кистевой удар, глиссандо и другие способы ведения меха, должны быть в арсенале юного музыканта.

В отличие от фортепиано, где звуковая градация зависит от удара, сама по себе заставляя при ровном звуке работать все пальцы одинаково, аккордеон прощает неполный нажим или недостаток в силе удара того или иного пальца. Громкость от этого не изменяется. Но в дальнейшем, при исполнении каких-то пассажей в быстром темпе, пальцы будут не полностью нажимать на клавиши, либо вообще проскочив по верху клавиши вскользь, не ощущать нажатие - пострадает артикуляция, не будет чёткости произношения, а также звучание каждой ноты по своей временной продолжительности будет различным. Аккордеон- это инструмент с богатой звуковой палитрой, поэтому работа над качеством звука, над различными приёмами звукоизвлечения- обязательна!

Что такое май? Что же в декабре?

Это хорошо! Это холода!

Там цветут цветы Снег уже везде

Современный уровень искусства игры на аккордеоне основан на широком использовании различных приёмов меха, но без специальной подготовки учащихся может произойти мышечное зажатие, что в конечном итоге приводит к потере художественной выразительности произведений, поэтому педагог, помогая ученику добиваться намеченной цели, постоянно должен быть на чеку. И если преподаватель не уделяет должного внимания этой проблеме, значит он ещё не воспитал и в себе высокий критерий требовательности при работе над звукообразованием.

Этой работой я пытаюсь показать, какие возникают вопросы со звукоизвлечением при работе с начинающими и с какими проблемами приходится сталкиваться.

Помимо непосредственных профессиональных знаний, каждый преподаватель должен быть хорошим психологом, это помогает более глубоко раскрыть у учащихся стороны трудолюбия, характера, войти с ним в более тесный контакт общения, завоевать доверие, что очень важно. От этого будут зависеть дальнейшие результаты.

Звук — основное средство выразительности. У профессиональных музыкантов даже простые, технически несложные произведения звучат чрезвычайно привлекательно. Это результат большой работы над культурой звука.
Работа над звуком разнообразна и специфична для каждого инструмента. Так, например, на аккордеоне легко филировать звук, так как инструмент обладает большим запасом воздуха в мехе, однако на этом инструменте нет возможности выделять разные по силе звуки аккорда.
Работа над звуком заключается в освоении тембра, динамики, штрихов. Тесно связана с меховедением, филировкой звука. Выразительный звук – основа художественного исполнения музыкального произведения.

Работа над качеством звука и динамикой занимает важное место в занятиях на музыкальном инструменте. Звук на аккордеоне извлекаться при нажиме на клавиши с одновременным, предыдущем, или последующим движением меха. На характер звука влияют: тембр, сила и способ звукоизвлечения.

Сила звука зависит от интенсивности ведения меха. Для выработки различной силы звука полезно исполнять выполнить упражнения на одном звуке или созвучие поочередно в следующих вариантах: ppp, pp, p, mp, mf, f, ff, fff, ff, f, mf, mp, p, pp, ppp и затем так: p, f, mp, mf, pp, и т. п. Или например , играть крещендо и диминуэндо.

Ученик должен не только владеть основными динамическими нюансами — пиано, меццо - форте, форте, но и уметь сопоставлять звучания различной силы, постепенно ослаблять и усиливать звучание от определенной начальной и конечной силы звука, уметь воспроизвести длительное и быстрое звуковое нарастание и т. д.

На первых занятиях целесообразно работать над упражнениями, написанными в медленном темпе, постепенно переходя к освоению всей палитры нюансов от пианиссимо до фортиссимо.

Особое внимание следует обратить на отработку внезапных переходов от одного нюанса к другому. Этот исполнительский навык, ученики усваивают с большим трудом, поэтому в начале нужно помочь ученику определить начальную и конечную силу звучания и время для нарастания и ослабления.

Красивое звучание тесно связанно с умением правильно интонировать на инструменте. Проблема интонирования очень сложная и сопровождает исполнителя на протяжении всего периода обучения: в музыкальной школе, в музыкальном училище, консерватории. Следовательно, начиная с первых шагов в музыке, нужно уделять ей внимание. В решении этой серьёзной проблемы требуется особый подход к методике работы с начинающими аккордеонистами, используется опыт других исполнительских школ, и их приемы переносятся на аккордеон.

Прежде всего, нужно определить, что же такое интонация. Долгое время в истории исполнительства вниманием не пользовалось развитие музыкального слуха. И только в конце XIX века исполнительская педагогика пришла к мысли, что активность, высокая культура слуха - основа творческой работы исполнителя. Были определены следующие аспекты воспитания слуховой культуры: развитие внимания, памяти, формирование навыков слухового различения звучания в высотном, ритмическом, тембровом, динамическом, фактурно-пространственном отношениях. Велико значение внутреннего слуха, слуховых представлений, воображения.

Отечественные музыканты много работали над изучением слуховой культуры. Приведу некоторые их высказывания:

Б.В.Асафьев говорил: "Музыку слушают многие, а слышат немногие”, "Музыка всегда интонационная и иначе не мыслима”.

Интонация – специфическая форма мышления человека о действительности. Истинно слышать музыку – постигать ее интонационный смысл.

Б.М.Теплов писал: "Музыкальное переживание – это эмоциональное переживание, и иначе, как эмоциональным путем нельзя понять содержание музыки”.

Таким образом ,в восприятии интонационного содержания музыки главную роль играют интеллектуальная и эмоциональная стороны. Важной стороной является слухо - интонационная работа, постижение выразительных отношений между тонами. Внутренний слух важная составляющая слухо - интонационной культуры музыканта. Очень важно для исполнителя услышать нотный текст внутри себя, мысленно его озвучить.

Музыкальная педагогика все чаще выражает озабоченность тем, что в практике обучения игре на аккордеоне широко распространен метод, при котором основное внимание направлено не на активизацию слуха и музыкального мышления, а только на развитие игровых движений и навыков.

На работу над интонированием на начальном этапе обучения игре на аккордеоне должны быть направлены постановка исполнительского аппарата, навыки звукоизвлечения, меховедения, развитие музыкального слуха, координация движений и, конечно же, репертуар.

На начальном этапе обучения достаточно долгий период времени занимает приспособление, адаптация к инструменту (это зависит от возраста, физических данных ребенка), также трудности возникают при освоении навыков меховедения и звукоизвлечения. Именно на решение этих задач направлено внимание педагога с первых уроков, а на активизацию музыкального слуха – нет. А ведь музыкальная интонация – носитель музыкальной мысли. Значит, выразительное интонирование является основой исполнительства и должно воспитываться, как и меховедение и звукоизвлечение, с начала обучения игре на аккордеоне.

Процесс интонирования очень сложный, и понять ученику его невозможно, да и не нужно. Достаточно того, чтобы педагог понимал этот процесс. Как было сказано выше, музыкальное интонирование связано с интонированием речевым. Как и в человеческой речи, смысл и эмоциональная окраска передаются с той или иной интонацией (вопросительная, восклицательная, повествовательная и т.д.). С определенной интонацией произносятся слова, фразы, предложения, интонацию имеет отдельный звук (А! А? А…). Поэтому на начальном этапе обучения игре на аккордеоне нужно связывать нотный материал со словом, используя доступные ребенку тексты. Многие песни в сборниках даны со словами, так как сама природа инструмента (аккордеона) располагает к пению, аккомпанементу. Пение, несомненно, влияет на понимание музыки и ее эмоциональное исполнение.

Такая важная задача как пение с первых уроков способствует развитию интонации и внутреннего слуха ученика. Основным в работе над интонированием в классе аккордеона является умение ученика определить во фразе главное по смыслу слово, выделить его, найти ударный слог в слове, которое будет являться кульминацией, связать все это с музыкальным звучанием.

Дождик, дождик, припусти!
Дай цветочкам подрасти.

Чтобы ощутить ритм, нужно прохлопать или простучать ритм песенки с текстом:

Слова "припусти”, "подрасти” включают в себя две сильные доли. Ударение в этих словах помогает определить главные акцентируемые ноты. После этого исполнить песенку на инструменте, сначала с произношением текста вслух, а затем "про себя”.

В процессе работы нужно воспитывать в ученике способность слышать все, что он играет на аккордеоне. Для этого объяснить, что звук нужно услышать до того, как он будет взят. Поэтому перед началом звучания необходимо брать дыхание. Развитие звука происходит не только за счет ведения меха левой рукой, но и благодаря слуховому восприятию. Нужно развивать в ученике предслышание: постепенное усиление (приближение) звука, затем кульминацию, после чего постепенное ослабление звука. На этом этапе ученику можно объяснить понятие "динамика”, познакомив его с градациями силы звука (громко, тихо, постепенное усиление звука, постепенное ослабление звука).

В процессе проведенной работы ученик может сам построить простую музыкальную фразу, сопровождающуюся текстом.

На следующем этапе обучения слово уже не сопровождает мелодию. С помощью педагога ученик должен понять структуру музыкальной фразы, определяя кульминации, динамические оттенки, подобрать штрихи и приемы игры, соответствующие характеру произведения, наиболее полно раскрывающие его смысл. Главное в данной работе – логика интонирования. Обязательно нужно добиться с учеником характера исполняемой пьесы, поощряя эмоциональную сторону этого процесса.

В процессе работы над интонированием на аккордеоне на начальном этапе обучения следует закладывать у ученика основы умения интонировать. Нужно научить ребенка понимать и чувствовать исполняемую музыку. Добиваться этого помогают тщательно подобранные упражнения и репертуар, который учитывает все сложности обучения интонированию.

Исходными пунктами в технологии формирования навыков меховедения являются: посадка, регулировка ремней, установка инструмента. Особо обратить внимание на регулировку рабочего ремня. Слишком тесный ремень будет сковывать движения левой руки, свободный – не позволит ученику выполнить качественно ни один из приемов, способов управления мехом.

Правый наплечный ремень регулируется таким образом, чтобы гриф упирался во внутреннюю часть бедра правой ноги. Левый наплечный ремень натягивается после того, как отрегулирован правый, и положение аккордеона зафиксировано. От регулировки правого ремня зависит управление мехом на разжим, левого – на устойчивость инструмента при игре на сжим. Следует подобрать стул, который соответствовал бы росту ученика (ноги должны быть согнуты в коленях под прямым углом). Практическое освоение элементарных навыков меховедения начинается уже на первых уроках. Извлечение первого звука на баяне – событие для ученика. Очень важно создать соответствующую значимости момента обстановку в классе.

Пользуясь тем или иным приемом игры, важно верно совмещать ведение меха и нажим пальцев на клавиши. В зависимости от смысла пьесы одни и те же приемы могут быть по-разному сыграны.

Часто учащиеся играют кричащим, форсированным звуком. Здесь следует обратить внимание на технологию изменения силы звука движением меха.

В зависимости от характера произведения исполнитель должен уметь произвести необходимый силы удар кистью и пальцами. Нередко для извлечения звука аккордеонисты слишком резко ударяют по клавишам. Из–за этого возникают стуки, сухие звуки, рывки.

Качество извлекаемого звука во многом зависит, от того насколько аккордеонист владеет движением меха. Выработка правильного движения меха на начальном этапе обучения должна занимать не меньшее место, чем вопросы кистевого звукоизвлечения. Здесь прежде всего надо научить равномерно с одинаковой силой менять движение меха в сжим и разжим на каких –либо чередующихся звуках во время следить чтобы перед сменой меха и после сила звучания не колебалась. Полезно научит менять мех на одном выдержанном звуке; смену меха делать внезапно. Но без изменения силы сжима.

Чтобы добиться плавной смены меха на звуке, надо, чтобы учащийся до момента и в момент смены движения меха имел одно, неизменное положение руки под левым ремнем.

Самое удобное положение руки – опора ее на три точки: 1) ладонные мышцы и мышцы большого пальца располагаются около переднего края левой крышки аккордеона; 2) тыльная сторона запястья в предплечевой части опирается на ремень; 3)предплечье внутренней своей стороной опирается на задний край левой крышки.

Постоянно держать так руку не следует – это ее утомляет.

При разжиме меха основной точкой опоры левой руки является запястье

( точка 2); при сжиме – Запястье и предплечье (точки 1,3).

Если в произведении очень большие фразы или выдержанные звуки, которые не удается сыграть на движении меха в одну сторону, надо менять мех на сильной доли такта или вступлениях других голосов, чтобы не нарушить логику музыкальной мысли.

Умело пользоваться движением меха (особенно в сжим), экономить запас воздуха при начале движения, а не в конце, так же очень важный момент в процессе обучения игры на аккордеоне. Это связанно с силой звука, темпом, длительностями и количеством взятых одновременно нот.

Существует два основных приема ведения меха: 1) мех постоянно напряженный (непрерывный) при исполнении какого – то небольшого музыкального построения; 2) мех пульсирующий, когда отдельные созвучия исполняются с некоторыми остановками в движении меха.

Нельзя играть одним приемом меха разнообразные произведения. При широкой напевности (легато, полифоническая пьеса) мех постоянно напряженный. При игре танцевальной музыки, отдельных ударных аккордов – мех пульсирующий.

Полезной тренировкой для умелого ведения меха является игра внизу левой клавиатуры (здесь труднее играть и неудобнее – происходит потому, что при движении меха веерообразно мал рычаг нажима с низу).

Особое движение меха позволяет выполнять различные приемы и штрихи. Можно, например, поучить хорошее начало музыкальной фразы на пианиссимо, для этого следует нажать на клавиши, а только потом вести плавно мех.

Как известно, различные инструменты имеют различные способы звукоизвлечения. Например, чтобы на аккордеоне передать специфику звучания фортепиано, необходимо производить впечатление удара (играть звуки толчком меха). Исполнение пьесы же на органе такие толчки исключает, т. к. характер подачи звука в органной музыки глубокий и мягкий.

Играя любое произведение каждое движение меха должно быть, рассчитано в соответствии с содержанием произведение. На начальном этапе ученика надо научить трём основным типам движения меха:

1) ровное движение. Оно обусловлено неизменной скоростью ведения меха и постоянным одинаковым усилием левой руки. Частая ошибка, не сохраняется ровное звучание при смене меха.

2)ускорение или замедление движения меха. Характерной ошибкой является резкое крещендо или диминуэндо.

3)меховой рывок. (sf). Учащийся легко с этим справляется, если потом идет после сфорцандо диминуэндо.

Труднее отработать ударение с последующим сохранением силы звучности. Этому будет способствовать ровное, напряженное движение меха после рывка. Характер звучания произведения зависит не только от ведения меха, но и различных способов прикосновения пальцев к клавишам. Или туше (1.нажим полный или не полный, 2.удар легкий пальцевой или кистевой, или одновременно пальцевое – кистевой. 3.толчок, применяется для получения более тяжелого стаккато).

Большую роль играет и филировка звука, когда какой – то отдельный выдержанный звук или созвучие усиливается и ослабляется из–за различной скорости ведения меха (изменения динамики протяжении одного звука).

Уметь филировать звук, так как скрипачу, певцу, баянисту совершенно необходимо. Этот прием игры является трудным в исполнительстве, особенно момент окончания мотивов, фраз, предложений.

Основная трудность заключатся в умении избежать неровности затухания звука, сохраняя при этом красоту и особую выразительность звучания. Достигается это умелым и соразмерным сдерживанием меха до окончательной остановки его, пока полностью не прекратится звучание. Чаще всего филировка применяется в конце произведения или его части. В этом случае филированию предшествует общее диминуэндо и ритенуто. Иногда филирование звучности сочетается с ферматой. Филирование звучности может применяться и в нутрии произведения для большей законченности фразы, предложения. Часто филирование применять не следует, так кА это будет назойливо, снизит качество исполнения, вносит однообразие в исполнительскую палитру музыканта. Наличие хорошего музыкального вкуса у ученика поможет ему так соразмерить замедление движения меха, что законченность музыкальной мысли наиболее точно будет соответствовать характеру исполняемого произведения.

Читайте также: