Коллективное искусство театра реферат

Обновлено: 05.07.2024

2. История театра. Понятие и происхождение.

3. Театр в Древней Греции и Риме.

4. Актёры театра Древней Греции и Рима.

5. Виды театра и структура театра. Драматический театр, театр оперы и балета, кукольный театр и др.

7. Список литературы.

1. Введение.

Театр является одним из главных видов зрелищного искусства, возник в Древней Греции. Это особенное, специфическое искусство, которое и сегодня, как и в древности, продолжает притягивать к себе большие массы людей. Говоря о театре, прежде всего, принято указывать на его синтетическую природу. Театр – это соединение литературы, актёрского мастерства, режиссуры, музыки, пластики, живописи, техники сцены. Причём это соединение качественное и всегда неповторимое. Уникальность театра в этом и состоит. Всякий раз играемый спектакль выглядит иначе, чем в предыдущий раз. Актёры не играют одинаково, а зрители реагируют по-разному. Это делает театр живым, одухотворённым искусством, который, в то же время, не может существовать без публики, т. к. он питается реакцией и эмоциями зрителей.

2. История театра. Понятие и происхождение.

Предпосылки к возникновению театра возникли ещё в древности. Чтобы понять это, достаточно обратиться к ритуалам, к празднествам, бытовавшим в первобытном обществе. Люди охотно играли, воспроизводили различные ситуации, показывали поразившие их явления. И эти действия можно считать зачатком театра. Полноценным это искусство сделалось тогда, когда у представлений появились зрители, т. е. в Древней Греции и в Древнем Риме.

Развиваясь, театральное искусство вобрало в свою структуру практически все существующие виды искусств, что позволило ему стать особенным в восприятии зрителей. С давних времён театр ассоциируется с культурным подъёмом, с расцветом интеллектуальной и творческой жизни. Главной своей задачей театр видит в том, чтобы вовлечь зрителя в тот круг проблем, который поднимает постановка, и побудить его к эмоциональной и интеллектуальной активности.

3. Театр в Древней Греции и Риме.

Родиной театра в полном смысле этого слова является Древняя Греция. Датой первого представления считается 534 год до н. э. Именно тогда древнегреческая публика увидела первую в истории человечества трагедию, принадлежащую перу Афина Феспида. Поскольку по данным учёных это произошло 27 марта, то теперь этот день празднуется как день театра. После этого события трагедийные или комедийные представления стали в Древней Греции традицией.

В большинстве случаев основу трагедий составляли мифы, однако авторы старались через этот материал преломить современные проблемы. Древнегреческая комедия (или аттическая комедия) являлась синтезом общественной проблематики и обрядов, игры, веселья и представляла собой острую сатиру существующих недостатков. Театр играл огромную роль в жизни афинян, являлся для них настоящей школой.

Благоприятными условиями для развития театра послужил подъём афинской демократии. Свободные граждане получили возможность принимать участие во всех общественных делах. В круг этого влияния входил и театр, который своего пика достиг в V веке до н.э. Представлен он множеством имён, среди которых выделяются титаны: Эсхил, Софокл, Еврипид и Аристофан. Первые три драматурга писали трагедии, а Аристофан был комедиографом. Их драматургический опыт был переложен в теоретический труд, который и сегодня востребован учёными. Речь идёт о поэтике Аристотеля.

В Древней Греции театр почти сразу приобрёл статус государственного; в нём вели свою деятельность соответствующие должностные лица, которые координировали вопросы организации и финансирования.

Театральные представления всегда были приурочены к дням почитания бога Диониса, а потому проводились три раза в год. Они были построены по принципу состязаний: между собой соревновались три трагических поэта и столько же комедийных. Трагедийная секция включала в себя одну сатирскую драму и три трагедийные пьесы; комическая секция – всего одну комедийную пьесу. В финале подводились итоги, и имена победителей конкурса в номинациях драматург, актёр и хорег фиксировались документально.

Греки строили огромные и открытые сооружения для театра, позволявшие вмещать в себя огромное количество зрителей – по несколько десятков тысяч. Античные театры сохранились и до наших дней и являются уникальными памятниками культуры.

С течением времени театр эволюционировал, и в процессе его совершенствования менялась внутренняя сущность этого вида искусства: если поначалу на первых ролях выступал хор, а актёр был вспомогательным звеном, то потом они поменялись местами, и именно история личности становилась главной. Это привело к изменению структуры пьесы: уменьшились партии хора (при сохранении его присутствия), увеличилось число актёров и – как результат – сюжеты приобрели динамичность и остроту. Театр одновременно был связан и с культом и с искусством. В первую очередь, он был связан и Дионисом, о чём свидетельствовал алтарь, размещённый в орхестре. Религиозное начало древнегреческого театра доминировало.

Сложилось и традиционное строение древнегреческого театра, при этом ориентиром для всех остальных служил афинский образец. Театры возводились, как правило, на подножиях холмов (это делалось из экономических соображений). Театр состоял из нескольких частей: орхестра (место для хора и актёров), скены ( площадь со зданием) и помещения для зрителей.

Однако, как и идейно-смысловая основа древнегреческого театра, внешняя его часть также видоизменялась, но принцип основного деления оставался прежним. Это происходило в основные периоды его существования – классический и эллинистический. Театр играл огромную роль в жизни людей во все периоды, являлся культурно-религиозным центром. Благодаря древнегреческому театру развилось искусство драматургии, представленное искусством Эсхила, Софокла, Аристофана и многих других, чьё творчество впоследствии оказало ключевое влияние на мировую литературу.

Римский театр в своей основе ориентировался на древнегреческий образец. Как и в Древней Греции, рождение этого искусства имело религиозную подоплёку, только празднества, впоследствии переросшие в театральные действа, устраивались в честь римского бога Сатурна. Праздники в его честь стали именоваться Сатурналием. Римляне совершали на них различные обряды, носящие как религиозный, так и игровой характер. Иногда в структуру празднества приносились карнавальные элементы. Не обходилось и без музыки, сатирических песен (фесцинины).

Тенденция к подобным зрелищам сложилась ещё в далёкой старине, когда были распространены пляски и мимические представления этрусков, позже с добавлением диалогов, сопровождающихся жестами.

Актёрство, начавшееся распространяться в Древнем Риме, получило большой отклик у молодёжи, которая с увлечением подражала им. В своих представлениях они стремились обличить существующие социальные пороки и даже определённых знатных лиц, что потом стало запрещено. В 240 г. до н.э. было дано первое представление по специально сочинённым трагедийному и комедийному произведениям (автор Ливий Андроник), который также руководствовался древнегреческим опытом.

Тем не менее, следует отметить, что в Риме театр не имел столь важного социального значения, как это было у греков. Во главу угла римляне ставили развлекательную функцию и зрелищность. Всё это строилось на формах, изобретённых в Древней Греции. Римляне больше тяготели к сатире, к шутке, нежели к трагедии. Поначалу в древнеримской литературе оригинальных произведений в этом жанре не было, и на сцене ставились переводные древнегреческие пьесы, адаптированные под римскую действительность.

Проблема существовала ещё и в отношении к мифам. У греков мифология была основой для культурных начинаний, а римляне не испытывали большой потребности в том, чтобы перекладывать мифы в театральные пьесы, поэтому драматургический процесс в данном направлении не отличался интенсивностью. Не испытывали интереса к мифам и древнеримские зрители. Поэтому показ переводных пьес (в пересказе) был единственным способом привлечь их, ведь сюжеты древнегреческих трагиков были способны захватить внимание зрителей.

Но римляне, берясь за трагедии греков, проявляли вольность и безжалостно кроили структуру пьес. Из-за пересказов трансформировалась композиция и общая концепция. Хор был практически устранён, вместо него были введены новые песни, либо монологи, читаемые корифеями. Дуэты актёров, либо монодии стали заменой хоровых песен. Таким образом, трагедия в Древнем Риме имела совсем другое лицо, нежели на её родине.

Римская комедия, напротив, развивалась очень интенсивно и своеобразно. Точка исхода римской комедии – комическое представление ателлана с использованием масок, носящих ярко выраженный характер. Среди масок было четыре постоянных, и все они обладали чётко обозначенными особенностями. Важное обстоятельство – актёры-маски сами сочиняли текст по ходу действия, то есть, в основе представления лежала импровизация.

Выдающимся римским комедиографом считается Т. М. Плавт, который, имея актёрский опыт, знал законы театра, а потому сумел создать великолепные комедии. Другая важная фигура римской драматургии – Г. Невий, проявивший себя и как комедиограф, и как сочинитель трагедий. Именно его литературные традиции продолжил Т. М. Плавт, чьим преемником стал Теренций, заложивший основы психологизма в драматургии.

Таким образом, театр Древней Греции и Древнего Рима можно отнести к величайшим культурным достижениям человечества, которые были важны не только для античной эпохи, но и последующих эпох в развитии человечества.

4. Актёры театра Древней Греции и Рима.

В театральных представлениях Древней Греции участвовали хор и актёры. Количество хористов превышало количество актёров, которых, как правило, было не больше трёх. В связи с этим можно обозначить одну специфическую черту, связанную с профессией древнегреческого актёра. Она заключается в исполнении одним актёром нескольких ролей, в том числе и женских, в пределах одной пьесы. Главная роль обычно принадлежала автору пьесу.

Если говорить о классификации актёров, то здесь можно говорить не только о трагиках и комиках. Артисты оценивались высшими лицами по масштабу их мастерства, и в соответствии с этим они подразделялись на следующие категории: протагонист, девтерагонист и тритагонист.

Большую роль в актёрском самовыражении играл костюм. У трагиков это были одеяния – или белые или цветные, очень длинные, достававшие до полы, на ногах у них были котурны – высокие сапоги, имеющие толстую подошву, чтобы казаться выше. Актёры-трагики выступали в характерных трагических масках, с использованием париков. Всё в этом костюме было направлено на то, чтобы облагородить облик актёра, придать ему торжественное звучание.

Костюм комедийного актёра выполнял противоположную функцию – сделать его смешным. Для этого комики надевали маски гротескового характера, укороченные одеяния с подкладными подушками для зрительного увеличения массы тела, чтобы добиться комического эффекта.

Пользовались масками и хористы. Они носили костюмы и маски, изображая людей, животных и даже неодушевлённые объекты. Таким образом, костюмы актёров были неотъемлемой частью их мастерства и спектакля в целом.

В Древнем Риме актёры не были профессионалами и состояли только из мужчин. Эта профессия не относилась к уважаемым профессиям. Если зрителям не нравилась игра, то они могли подвергнуть актёра осмеянию или даже избить. Уже тогда актёрские труппы набирались антрепренёрами – хозяевами актёров, который также продумывал все нюансы представления и его организацию. Актёры готовились к спектаклю на репетициях, где отрабатывали мизансцены, думали над пластическим и мимическим решением роли, костюмами и масками.

Охарактеризовать актёрские амплуа театра Древнего Рима следует по типам представлений. Об ателлане и актёрах-масках уже говорилось выше. Существовал и другой тип театрального действа – паллиаты, в которых главными действующими лицами были раб и его господин, при этом первый разным хитроумными способами устраивал дела второго.

Жанр мим, который объединил в себе все специфические моменты римской культуры, требовал соответствующих актёров, которые могли бы изобразить, как обычных людей, так и разбойников, которые довольно часто являлись персонажами историй этого жанра.

Вторым популярным жанром была пантомима – представление без слов. Актёры, участвующие в пантомиме, должны были обладать выразительной пластикой. От артистов, работающих в жанре пирриха, который представлял собой имитацию боя, воплощаемого в танце, требовалось хореографическое мастерство. Пантомима и пирриха шли в амфитеатрах, подобно гладиаторским боям. Актёрское мастерство древних греков и римлян, их жизнь и традиции представляют собой интереснейший объект для изучения.

5. Виды театра и структура театра. Драматический театр, театр оперы и балета, кукольный театр и др.

Современный театр подразделяется на две основных части: для артистов и для зрителей, то есть сцену и зрительный зал соответственно. Сцена в наше время в основном имеет тип коробки (т.е. п-образна) и замкнута. Общение со зрителем происходит через портал. Обязательное условие (по крайней мере, в традиционном театре) – одежда сцены, состоящая из арлекина и занавеса, падуг и кулис, задника.

Занавес – это плотное полотно, разделяющее зрительный зал и сцену. Полотно имеет яркий цвет, чаще всего тёмный или бордовый, возможно его украшение бахромой или вышивкой, символизирующей суть театра. Классический пример – чайка на занавесе МХАТа. Занавес может раздвигаться, либо подниматься. Его функция – делать сцену невидимой для глаз зрителя в необходимые моменты. Арлекин – горизонтально расположенное полотнище, находящееся в органическом единстве с занавесом и всем помещением.

Кулисы предназначены для пространственного деления сцены, для её углубления. Падуги, помимо всего прочего, выполняют и техническую функцию – закрывают от зрителя осветительные приборы. В отличие от занавеса, кулисы и падуги не призваны привлекать к себе внимание, поэтому они не бывают ярких цветов. Зато имеют разнообразные фасоны: гладкие, со сборками, со сборками вручную.

Задник закрывает заднюю часть сцены, как это и следует из названия. Но на этом его назначение не ограничивается. Задник – это ещё и фон, сопровождающий сценическое действие, а также логическое завершение ансамбля сценической коробки. Как и кулисы, задник работает на изменения пространства сцены, на создание перспективы. Ткань для задника выбирается неплотная и светлая.

Зрительный зал также сложен по своей структуре, в которую входят партер, ложи, амфитеатр, балконы, ярусы, бельэтаж, бенуары. В нём всё устроено для удобства зрителей, которые получают возможность обозревать спектакль из центрального пространства, сбоку и сверху.

По мере развития театрального искусства произошло его разделение на два основных вида: профессиональный и самодеятельный. Профессиональный театр – это юридически зафиксированное учреждение, творческий коллектив которого состоит из профессионалов со специальным образованием. Театр такого типа имеет сложную материальную базу, зависит от коммерческого успеха и наполняемости зрительного зала.

Жанры профессионального театра: драматический, театр оперы и балета, детский театр, кукольный театр, театр оперетты. Драматический театр осуществляет постановки на основе драматургических произведений. Однако искусство драматического театра синтезировано, т.к. оно использует другие виды искусства: музыку, танец, пластику.

Театр оперы и балета базируется на постановке обозначенных в названии жанров. Для такого театра обязательна масштабная сцена, качественное техническое оснащение, сложные и разнообразные декорации. В своём штате театр оперы и балета имеет не только певцов и танцоров, но также хор, оркестр, кордебалет, дирижёра, балетмейстера и множество других специалистов.

Детский театр (ТЮЗ) – это коллектив взрослых актёров, представляющих постановки для детей. Его главной особенностью является то, что даже детские роли в нём исполняют взрослые. В ТЮЗы подбирают особенных актёров – как по фактуре, так и по внутреннему содержанию.

Кукольный театр – театр, совмещающий в своей труппе актёров-людей и актёров-кукол. При таком театре обычно функционирует мастерская, где изготавливают кукол. Репертуар в кукольном театре преимущественно сказочный. Такой театр очень зрелищный и кроме художественно-эстетического направления имеет и воспитательную функцию.

В театре оперетты, как и в театре оперы и балета, главным художественным средством являются музыка и танец; слово в нём, хотя и присутствует, менее значимо. Оперетта носит более лёгкий и развлекательный характер, чем опера. Оперетты – это комические музыкальные произведения, в них не бывает трагического сюжета. И хотя оперетту часто обвиняют в легкомыслии, музыку в этом жанре создавали крупные композиторы.

Если говорить о любительском театре, то его главное отличие заключается в привлечении непрофессионалов, в отсутствии юридического статуса. Актёры, играющие в нём, не получают зарплаты, всё в таком театре держится на энтузиазме, в том числе, и материальная база.

Таким образом, современный театр – это многообразное и многожанровое искусство, которое делает культурную жизнь насыщенной и богатой, позволяет говорить о многих проблемах языком метафор и символов. Его корни лежат в античном театре, что даёт право назвать его одним из самых древних искусств на земле.

6. Заключение.

На основе всего вышесказанного можно установить следующее. Театр возник в античности – тогда же и сформировалась его синтетическая природа. Театр наилучшим образом отвечал потребностям человека в игре, представлениях, перевоплощениях. Поначалу он тесно был связан с верованиями древних греков и римлян, но постепенно религиозное начало ушло из театральной структуры. Его назначением стало служить людям, а не богам. Театр на протяжении долгих веков не только развлекал, но и просвещал, и воспитывал, и обогащал личность эмоциями. Истинный театр всегда стремился очистить душу человека, заставить его пережить катарсис. Театр – это возможность мощно воздействовать на умы и сознание людей, поэтому на театральных деятелях лежит большая ответственность.

7. Список литературы.

1. Головня В.В. История античного театра. – М.: Искусство, 1972. – 400 с.

Собрала для вас похожие темы рефератов, посмотрите, почитайте:

Введение

Театр — это вид искусства, который художественно исследует мир через драматические действия, исполняемые актерами на глазах у зрителей.

Главным элементом театрального зрелища является сценическое действие в исполнении творческого коллектива. Общее театральное произведение включает в себя содержание автора, чтение режиссера, выступление актера с участием музыки, хореографии, художественного оформления. Театр сочетает в себе различные жанры сценического искусства — будь то драма или балет, опера или пантомима.

Театр не всегда был таким, каким мы его знаем. За свою долгую историю она изменилась не раз. Истоки театрального искусства восходят к религиозным образам и карнавальным актам, где доказало свою ценность взаимодействие различных искусств — литературы, музыки, хореографии, изобразительного искусства. Театр как вид искусства живет в свое время, в конкретной исторической реальности, и должен быть понятен зрителям.

Цель викторины — увидеть театр как вид искусства.

В соответствии с поставленной целью были определены следующие задачи:

рассмотрим искусство театра.
Рассмотрим краткую историю театра.
посмотреть на развитие древнего театра
открыть для себя происхождение важнейших театральных жанров.
рассмотреть значение фигуры режиссера и актера, системы К.С. Станиславского

Предмет тестовой работы — история искусств.

Тема — театральное искусство.

Теоретической основой работы стали научные исследования местных авторов, таких как Радугин А. А., Быстрова А. и другие.

Театральное искусство

Как и любой другой вид искусства (музыка, живопись, литература), театр имеет свои особенности. Это искусство синтетическое: пьеса (спектакль) состоит из текста пьесы, произведения режиссера, актера, художника и композитора. В опере и балете музыка играет решающую роль.

Актер реализует сюжет пьесы. Актер включает действие и придает театральность всему, что происходит на сцене. Декорации создают на сцене интерьер помещения, пейзаж, вид на городскую улицу, но все это останется мертвым реквизитом, если только актер не вдохновит вещи своим сценическим поведением.

В кино зритель видит результат творческого процесса, в театре — сам процесс. Это то, что делает выступление таким особенным. Каждое дальнейшее исполнение роли, которую актер обогащает новыми жизненными наблюдениями, размышлениями, учитывает опыт общения со зрителями. Актер может выразить жизнь только через себя, только через свою пластичность и интонацию, он присваивает и передает опыт взаимоотношений многих людей, превращает себя в персонажа. Театр является менее массовым искусством, чем кино, и не может воспроизводить свои спектакли без художественных потерь с помощью кино или телевидения (исчезает живой контакт между актером и зрителем).

В театре есть сложный реципиент — зрители. Он не изолирован, он — часть аудитории. Аудитория находится в области взаимной индукции, эмоционально и интеллектуально. В театре человек находится в эстетически игривой позиции. В театре зритель воспринимает смысл спектакля и его визуального контрагента.

Театр оказывает влияние на зрителей двумя способами:

Театр синтетический и включает в себя музыку, танцы, прикладное искусство (реквизит: посуда, костюмы), а также живопись, скульптуру, архитектуру (декорации), иногда кино.

Краткая история развития театра

Театральное искусство восходит к древности, к тотемическим танцам, ритуальной имитации звериных привычек, совершению обрядов с использованием специальных костюмов, масок, татуировок и окраски тела. На ранних этапах развития театра драматурги и исполнители объединялись в одном лице.

В древности на представления собирались до полутора десятков тысяч зрителей. Действие спектаклей разворачивалось в лоне природы, как будто оно оставалось событием самой жизни. Это придало древнему театру естественность и живость.

В средние века театр развивался в формах, восходящих к литургической драме, которая исполнялась во время службы. В XIII-XIV веках из богослужения возникли жанры, отделенные от богослужения — тайны, чудеса, эти церковные произведения проникают в народные мотивы и спектакли. Формы народного театра исполняются как светским творчеством, так и в виде уличных представлений бродячими актерами. В XV веке рождается самый демократичный жанр средневекового театра — фарс, остроумно изображающий жизнь и нравственность современников.

В эпоху Возрождения популярные формы театрального искусства пропитались гуманизмом (итальянская маскарадная комедия), театр стал философским, средством анализа состояния мира (Шекспир), инструментом социальной борьбы (Лопе де Вега).

В XVIII веке Век. театр пронизан воспитательными идеями (Дидро, Лессинг), он становится средством социальной борьбы третьего класса с феодализмом. Актеры пытаются выразить социальную позицию персонажа.

В первой половине XIX века распространился романтический театр. Она характеризуется повышенной эмоциональностью, лиризмом, мятежным пафосом и характерна при изображении персонажей.

Русское сценическое искусство XIX века — это театр реализма, острых социальных проблем, критического отношения к действительности, сатирической репрезентации, типизации жизни, психологического анализа личности.

В первой трети ХХ века в театре была проведена большая реформа: театр пришел к режиссеру. Это завоевание двадцатого века. Режиссеры Станиславский, В. Мейерхольд, М. Райнхардт, А. Аппиа, Х. Крейг, Л. Курбас создали новые научные теории оленеводства. В настоящее время основным принципом выступления является ансамбль. Режиссер руководит этим ансамблем (труппой), интерпретирует идею драматурга, воплощает пьесу в спектакле и организует весь ход спектакля.

Древний театр

Концепция древнего театра включает в себя историю Древней Греции, театр эллинистического периода и театр Древнего Рима.

Театр занимал большое место в жизни греческого полиса. Выступления длились три дня во время фестиваля Диониса в январе и марте. В эти дни авторы представили сразу три трагедии, конкурируя друг с другом. Специальных помещений для театра не было: на склоне Акрополя были сняты скамейки для зрителей, а внизу, перед сценой, была установлена круглая платформа — оркестр. Поскольку сцена была далека от зрителей, актеры (женские роли играли мужчины, женщины действовали только в мимике) надевали маски, указывающие на тип персонажа: женщина, старик, король и другие. Для того, чтобы зрители хорошо видели актеров, в театре использовали специальную обувь на высокой подошве (иногда 25-50 см) — котурний, а актер жестовал энергично. Сценическая речь была торжественной и содержательной, текст произносился голосом особого звучания и с особыми интонациями, отличающимися от повседневного языка. В этом заключалась сила и неотразимость влияния театра на каждого человека, и политика Афин платила за каждого бедного гражданина, чтобы все жители могли присутствовать на театральных представлениях, которые были частью праздничного ритуала.

В III-II веках до н.э. театр в Риме играет большую роль, сюжет пьес заимствован у греков, но персонажи имеют римское происхождение.

Организация римского театра имела свои особенности. Хор не принимал участия в спектакле, актеры не носили масок. Проблемы римских драматургов не достигли нравственной вершины греческой древности. Только два драматурга полностью пришли в наше время: Плавта и Теренс, комедианты, один из которых пришел из низших слоев общества, а другой был рабом, брошенным своим хозяином на произвол судьбы талантов. Сюжет их комедии взят из пьес Новозаветной комедии, ее главный герой — умный, любопытный раб. Трагический жанр представлен только произведениями философа Сенека-тауки, написавшего пьесы на мифологические темы для узкого круга избранных, которые, строго говоря, не имеют никакого отношения к театру.

С утверждением Римской империи пантомимы очень распространены. Тем не менее, римская драматургия оказала большое влияние на драматургию нового периода классицизма: Корнеля, Расина (в пост-античной Европе греческий был известен лишь немногим).

Происхождение рода

Водевиль — это своего рода комедия с поющими парами и танцами. Он возник во Франции, с начала XIX века распространился по всей Европе. Лучшие комедии характеризуются пылким весельем, текущим представлением реальности.

Драма — один из ведущих жанров драмы, начиная с Просвещения, который изображает мир реального человека в его остром конфликте, но не в отчаянных отношениях с обществом или с самим собой. В XX веке драма характеризовалась серьезным содержанием, отражала различные аспекты жизни человека и общества, изучала психологию человека.

Мелодрама — игра с острой интригой, преувеличенной эмоциональностью, резким контрастом между добром и злом, моральной и поучительной тенденцией. Он появился в конце XVII века во Франции, в России — в 20-х годах XIX века.

Мим — комедийный жанр в старинном народном театре, короткие импровизационные сцены с сатирико-развлекательным характером.

Тайна — жанр средневекового западноевропейского религиозного театра. Тайны были представлены на городских площадях. Религиозные сцены в них чередовались с интерлюдиями.

Монодром — драматическое произведение в исполнении актера.

Моралистические пьесы — жанр западноевропейского театра XV-XVI веков. Это были аллегорические, самодостаточные драмы, которые исполнялись такими профессионалами, как менестрели или жонглеры. Как правило, пьесы интерпретируют жизнь человека. Среди аллегорических персонажей были такие фигуры, как смерть, обжорство, добрые дела и другие пороки и добродетели.

Морально-музыкально-сценические произведения, в основном комического характера, используя средства поп- и хаус-музыки, драмы, хореографии и оперы, этот жанр стал популярным в США в конце XIX века.

Пасторальный — опера, пантомима или балет, действие которых связано с идеализированным образом пасторальной жизни.

Соит — комический и сатирический жанр французского театра XV-XVII века, своего рода фарс.

Трагикомедия — драматическое произведение с признаками как комедии, так и трагедии. Она основана на чувстве относительности существующих критериев жизни; драматург видит одно и то же явление и в комическом, и в трагическом освещении, столь характерном для 20-го века.

Экстравагантность — жанр театральных постановок, в котором для фантастических сцен используются сценические эффекты. Развивается в Италии в XVII веке.

Флиаки — популярные театральные постановки в Древней Греции, особенно распространенные в греческих колониях в III — IV веках до н.э.: короткие импровизационные анекдоты из повседневной жизни о счастливых приключениях богов и героев.

Значение фигуры режиссера и актера

Но со временем театр развивался, и требования к нему росли. Зрителям хотелось увидеть весь гармоничный мир спектакля, где все гармонично: актеры, сценическая атмосфера, ритм и цвета. В театре нужен был особенный человек — тот, кто отвечает за все, знает все и знает все. Директор стал этим человеком. В современном понимании режиссер — это не только интерпретатор пьес, но и организатор театрального процесса, идеолог театра.

Первый завершенный зрелый режиссерский театр появился в России в конце 1990-х годов XIX века и был основан К.С. Станиславским и В.И. Немировичем-Данченко. Директора следующих поколений, студенты и преемники — В.Мейерхольд и Е. Немирович-Данченко — слева от стен этого же театра. Вахтангов. Все вместе они стали строителями русского и советского театра, светилами мировой театральной культуры.

В 20 веке театральная практика обогатилась многими экспериментальными формами: театр абсурда, камерный театр, политический театр, уличный театр и др.

Станиславская система К.С.

Главный принцип системы Станиславского — главный принцип любого реалистического искусства — правда жизни. Это основа всей системы.

Пять основных принципов системы КШ Станиславского, которые должны быть основаны на профессиональной (сценической) подготовке советского актера:

Принцип истины жизни;
Принцип идеологической деятельности искусства, нашедший свое выражение в доктрине сверхзадачи;
Принцип, по которому действие как агент сцены переживает и как основной материал в искусстве актера;
Принцип органического творчества актера;
Принцип творческого преобразования актера в образ.

Заключение

Театральное искусство уходит корнями в глубину. На ранних стадиях развития театра драматург и исполнитель объединялись в одном лице.

Долгое время главным героем в театре был актер, а режиссеру отводилась вспомогательная роль. В современном понимании режиссер — это не только интерпретатор пьес, но и организатор театрального процесса, идеолог театра.

Станиславский разработал принципы действия в Театре опыта и применил их на практике в искусстве. Система Станиславского дала ключ к осознанному овладению творческим процессом и предложила такое сценическое поведение, которое приводит к трансформации актера в образ.

Список литературы

Образовательный сайт для студентов и школьников

Актер — носитель специфики театра
В самой тесной связи с коллективным началом в театральном искусстве находится другая специфическая особенность театра: его синтетическая природа. Театр — синтез многих искусств, вступающих во взаимодействие друг с другом. К ним принадлежат литература, живопись, архитектура, музыка, вокальное искусство, искусство танца и т. д. В числе этих искусств находится одно такое, которое принадлежит только театру. Это — искусство актера. Актер неотделим от театра, и театр неотделим от актера. Вот почему мы можем сказать, что актер — носитель специфики театра. Синтез искусств в театре — их органическое соединение в спектакле — возможен только в том случае, если каждое из этих искусств будет выполнять определенную театральную функцию. При выполнении этой театральной функции произведение любого из искусств приобретает новое для него театральное качество. Ибо театральная живопись не то же самое, что просто живопись, театральная музыка не то же самое, что просто музыка, и т.д. Только актерское искусство театрально по своей природе. Разумеется, значение пьесы для спектакля несоизмеримо со значением декорации. Декорация призвана выполнять вспомогательную роль, тогда как пьеса — это идейно-художественная первооснова будущего спектакля. И все же пьеса — не то же самое, что поэма или повесть, хотя бы и написанная в форме диалога. В чем же наиболее существенное (в интересующем нас смысле) отличие пьесы от поэмы, декорации от картины, сценической конструкции от архитектурной постройки? Поэма, картина имеют самостоятельное значение. Поэт, живописец обращаются непосредственно к читателю или зрителю. Автор пьесы как произведения литературы тоже может обратиться к своему читателю непосредственно, но только вне театра. В театре же и драматург, и режиссер, и декоратор, и музыкант говорят со зрителем через актера или в связи с актером. В самом деле, разве звучащее на сцене слово драматурга, которое автор не наполнил жизнью, не сделал своим словом, воспринимается как живое? Может ли формально выполненное указание режиссера или предложенная режиссером, но не пережитая актером мизансцена оказаться убедительной для зрителя? Конечно, нет! Может показаться, что с декоративным оформлением и музыкой дело обстоит иначе. Представьте себе, что начинается спектакль, раскрывается занавес, и, хотя на сцене нет ни одного актера, зрительный зал бурно аплодирует великолепной декорации, созданной художником. Получается, что художник адресуется к зрителю совершенно непосредственно, а вовсе не через актера. Но вот выходят действующие лица, возникает диалог. И вы начинаете чувствовать, что по мере того как развертывается действие, внутри вас постепенно нарастает глухое раздражение против декорации, которой вы только что восхищались. Вы чувствуете, что она отвлекает вас от сценического действия, мешает вам воспринимать актерскую игру. Вы начинаете понимать, что между декорацией и актерской игрой есть какой-то внутренний конфликт: либо актеры ведут себя не так, как нужно себя вести в условиях, связанных с данной декорацией, либо декорация неправильно характеризует место действия. Одно с другим не согласуется, нет синтеза искусств, без которого нет театра. Часто бывает, что публика, восторженно встретившая ту или иную декорацию в начале акта, бранит ее, когда действие кончилось. Это означает, что публика положительно оценила работу художника безотносительно к данному спектаклю как произведение искусства живописи, но не приняла ее как театральную декорацию, как элемент спектакля. Это означает, что декорация не выполнила своей театральной функции. Чтобы выполнить свое театральное назначение, она должна отразиться в актерской игре, в поведении действующих лиц на сцене. Если художник повесит в глубине сцены великолепный задник, превосходно изображающий море, а актеры будут вести себя на сцене так, как это свойственно людям, находящимся в комнате, а не на морском берегу, задник останется мертвым. Любая часть декорации, любой предмет, помещенный на сцену, но не оживленный выраженным через действие отношением стера, остается мертвым и должен быть удален со сцены. Любой звук, прозвучавший по воле режиссера или музыканта, но никак не воспринятый актером и не отразившийся в его сценическом поведении, должен умолкнуть, ибо он не приобрел театрального качества. Театральное бытие всему, что находится на сцене, сообщает актер. Все, что создается в театре в расчете на то, чтобы получить полноту своей жизни через актера, театрально. Все, что претендует на самостоятельное значение, на самодовлеющее бытие, антитеатрально. Вот признак, по которому мы отличаем пьесу от поэмы или повести, декорацию от картины, сценическую конструкцию от архитектурного сооружения.

Театр – это главный вид зрелищных искусств. Истоки его находятся в глубокой древности: первыми театральными представлениями можно считать первобытные языческие обряды. А вот своему названию театр обязан древней Греции: в античные времена именно этим словом назывались зрительские места.

Что же делает театральное искусство уникальным? Что делает театр театром?

Театральное искусство имеет синтетическую природу.

В театре практически все виды искусства сливаются воедино. Один драматический спектакль может включать в себя одновременно литературу (текст пьесы, сценарий), изобразительное искусство (декорации, реквизит, костюмы), инструментальную и вокальную музыку (исполняемую на сцене, за сценой или звучащую в записи), хореографию (постановочные и/или импровизационные актерские танцы) и т.д. Кроме того, современный театр широко использует технические возможности (конструкция сцены, ее машинерия, использование световой и звуковой аппаратуры, разнообразные сценические эффекты, например, дым, проекция изображений и пр.). Даже научные достижения театр научился использовать в своих целях! Мало кто задумывается об этом, но в основе творчества актера и режиссера лежат научные разработки нескольких поколений психологов. Медицина и физиология напрямую связаны с обязательными для актера занятиями по сценическому движению, акробатике, сценической речи и вокалу. Огромный клад в развитие театра внесли исследования историков и литературоведов.

Театральное искусство – это коллективный творческий процесс.

В создание спектакля вовлечено огромное количество людей. Актеры (часто – несколько составов), режиссер, помощники режиссера, композитор, художники по декорациям, костюмам, реквизиту, портные, бутафоры, музыканты, гримеры, костюмеры… Кроме них над спектаклем трудятся рабочие сцены (осветители, звуковики, специалисты по прочим сценическим эффектам). Администрация театра, бухгалтеры, продюсеры, специалисты по рекламе – все эти люди тоже вносят большой вклад в создание художественного произведения.

От слаженности работы всего театрального коллектива зависит вся судьба спектакля: начиная с принятия решения о постановке и заканчивая юбилейным трехсотым представлением. Стоит ли говорить о том, как сложно такому количеству людей скоординировать свои действия, прийти к творческому консенсусу и создать что-то новое и прекрасное в мире искусства?

Конечно, внимательный и восприимчивый зритель, способный отключиться от собственных мыслей и погрузиться в искусство – это подарок для актера. Таких, к сожалению, меньшинство. Большая часть воспринимает искусство на наивно-реалистическом уровне и даже не стремится проникнуть в своих мыслях дальше сюжета. И тем не менее, все остальные компоненты тоже воздействуют на зрителя, пусть даже это происходит незаметно для него самого.

Из совместности создания спектакля театральным коллективом и зрителем возникает еще одна особенность театрального искусства.

Театральное искусство сиюминутно.

Читайте также: