Греческий театр эсхил реферат

Обновлено: 06.07.2024

игре. В игровой форме образуются культовые ритуалы, у греков - дионисийские. связанные с природными явлениями. Все эти обрядовые действа приобретали элементы театрализации, носили разный характер. В 5-м веке до нашей эры появляется первый драматург, который является родоначальником театра - Феспис. От него ничего не сохранилось, но все историки театра ставят ему в заслугу то, что он из хора, являющегося основой игрища, выводит героя. Появляется диалог хора и героя, и на этом строится театр.

связанная с принесением козла в жертву богам, в частности Дионису. Аристотель утверждает, что

Корифей (греч. корифшос) в античной драме руководитель хора.

На ранней стадии трагедия начиналась с выхода на орхестру хора во главе с корифеем парода. Корифею принадлежал вступительный речитатив в торжественных анапестах.

Корифей осуществлял контакт между актерами и хором, он двумя-тремя стихами подводил итог услышанному монологу, или сообщал о приходе нового персонажа, или напутствовал уходящего.

Впоследствии этот термин стал использоваться для обозначения людей, добившихся выдающихся успехов в своём деле, чаще всего в искусстве или науке.

В балете - танцующий впереди кордебалета, солирующий танцор (танцовщица).

Таков зародыш трагедии; его развитие до Эсхила состояло:

1.В введении обособленного от хора актёра, который являлся то в одной, то в другой роли и

Эпоха юности Эсхила была временем ожесточённой борьбы между этой пелопоннесской трагедией и исконно аттическим дифирамбом: главой аттического направления был непосредственный предшественник Эсхила, афинянин Фриних. главой пелопоннесского Пратин из Ф:шунта в Пелопоннесе. Эсхил был ещё отроком, когда произошло событие, которое должно было, как казалось, доставить перевес пелопоннесскому направлению, но поведшее, совершенно неожиданно, к торжеству аттического. Этим событием было изгнание Писистратидов в 510г. дон, э. Состоялось оно под давлением Дельф и благодаря вмешательству Спарты, но победители слишком круто воспользовались плодами своей победы и вызвали этим реакцию, результатом которой было изгнание спартанцев из Афин и реформы Клисфена. В связи с этими реформами находилась, несомненно, и состоявшаяся в 508 г. до н. э. замена странствующих хоров на празднествах Диониса хорами граждан (см. Хор). С этого же времени приблизительно начинается и поэтическая деятельность Эсхила: по свидетельству его биографов, он ещё в молодости стал писать трагедии.

Первый юношеский период его творчества продолжался до 484 г., когда он одержал свою первую победу: трагедии этого периода не сохранились; по-видимому, это было временем медленной выработки Эсхилом своего собственного трагического стиля. В этом отношении заслуживают внимания три момента:

Второй период творчества

Для учеников 1-11 классов и дошкольников
Бесплатные сертификаты учителям и участникам

Целью данной работы является углубление знаний об античной литературе, выявление особенностей древнегреческих трагедий.

Ставится задача рассказать о развитии древнегреческого театра, воспитании эстетических чувств.

V век в Греции — золотой век античной культуры, связанный, прежде всего с Афинами, — традиционно называют веком драмы, и даже, более конкретно, веком трагедии. Греческая трагедия возникает в самом конце VI века до нашей эры и расцветает на протяжении V века, когда трагические состязания становятся центром культурной жизни Афин — да и вообще всей Греции.

Одним из величайших достижений античной культуры явилась древнегреческая трагедия. Она родилась в Афинах в период расцвета рабовладельческой демократии.

Театр Древней Греции был государственным учреждением, и организацию театральных представлений брало на себя само государство, назначая для этой цели специальных лиц. Драмы ставились трижды в год на праздниках в честь Диониса. Разыгрывались представления в огромных открытых амфитеатрах. В самом низу, у основания уходящих вверх каменных скамеек располагалась круглая площадка – орхестра , на которой выступали хор и актёры. К ней примыкала скена – палатка, где актёры переодевались и хранили реквизит. Так как зрители сидели со всех сторон, то не было ни плоскостных декораций, ни занавеса. В качестве декораций использовались статуи, ковры, драпировки, ткани.

Все роли (в том числе и женские) играли актёры - мужчины. Они должны были не только хорошо декламировать стихи, но и уметь петь. Это было тем более важно, что актёры носили маски и мимика из игры была исключена. Маски создавали обобщенные образы – или героические, возвышенные или карикатурно - комедийные. Кроме того, маска позволяла зрителям лучше видеть выражение лиц исполнителей. Играли в специальной обуви на очень высоких подошвах – котурнах, которые увеличивали рост актёров, а также придавали их движениям некоторую величавость.

Трагедия происходит от ритуальных действ в честь Диониса. Участники этих действ надевали на себя маски с козлиными бородами и рогами, изображая спутников Диониса — сатиров. Ритуальные представления происходили во время Великих и Малых Дионисий. Песни в честь Диониса именовались в Греции дифирамбами. Дифирамб, как указывает Аристотель, является основой греческой трагедии, которая сохранила на первых порах все черты мифа о Дионисе. Первые трагедии излагали мифы о Дионисе: о его страдании, смерти, воскресении, борьбе и победе над врагами. Но затем поэты стали черпать содержание для своих произведений и из других сказаний. В связи с этим и хор стал изображать не сатиров, а другие мифические существа или людей в зависимости от содержания пьесы.

Трагедия возникла из торжественных песнопений. Она сохранила их величественность и серьезность, ее героями стали сильные личности, наделенные волевым характером и большими страстями. Греческая трагедия всегда изображала какие-нибудь особо тяжелые моменты в жизни целого государства или отдельного человека, страшные Преступления, несчастья и глубокие нравственные страдания. В ней не было места шутке и смеху.

Основой трагедии являлся хор, состоявший из 12 - 15 мужчин. Предводитель хора назывался корифеем. Именно он выводил хор на орхестру под звуки флейты. Из хора выделялись актёры (обычно трое), которые могли разыгрывать драматический конфликт и без участия хора. Но хор оставался важнейшей составляющей трагедии – он был выразителем общественного мнения, мудрым истолкователем происходившего на сцене. Хор исполнял свою партию напевной декламацией в унисон. Иногда он вступал в мелодизированные диалоги с солистами. В наиболее патетических местах актёры исполняли напевные монологи – монодии. Сопровождали представление трагедии духовные инструменты флейта и авлос. Как правило, мелодии к трагедиям сочиняли или подбирали сами драматурги.

Хоровые песни делили трагедию на части, которые в современной драме называются актами. Число частей варьировалось даже у одного и того же автора. Три единства греческой трагедии: места, действия и времени (действие могло совершаться лишь от восхода до захода солнца), которые должны были усилить иллюзию реальности действия.

Древнегреческая трагедия стала первым в истории культуры синтетическим жанром такого уровня. В ней соединились театр, литература, музыка (инструментальная, вокальная - хоровая и сольная), элементы изобразительного искусства, пластика. Влияние древнегреческой трагедии на искусство последующих эпох оказалось огромным. Достаточно сказать, что в ХVII веке она стала прообразом жанра оперы.

Древнегреческие трагедии целиком основывались на мифологии, сюжеты которой были хорошо известны зрителям. Сквозь мифологическую оболочку драматург отражал в трагедии современную ему общественную жизнь, высказывая свои политические, философские и этические воззрения. Всего за 240 лет развития этого жанра только значительными трагиками было создано более 1500 трагедий. Но из произведений древнегреческих трагиков до нас дошли только 7 трагедий Эсхила. Трагедия состояла из пролога, парода (вступительной песни хора, выходящею на орхестру – круглую площадку перед скеной – зданием, на возвышенной площадке перед которым – проскении – актеры разыгрывали представление), трех или четырех эписодиев (действий), стасимов (песен хора между эписодиями), эпода (финал с заключительной песней и уходом хора). В трагедиях также могли быть монологи героя.

Одним из самых выдающихся драматургов Древней Греции был Эсхил (525-456 до н.э.)

Софокл (496-406 до н.э.) – второй великий греческий трагик, в 486 г. до н.э. победивший в состязании Эсхила, 24 раза занимавший первое и ни разу не занимавший последнего третьего места. У Эсхила воля богов справедлива, у Софокла – она всесильна, и ее этический смысл скрыт от смертных.

Софокл считает, что боги всегда правы. Герои Софокла самостоятельнее и человечнее, сами определяют свои поступки. Большое значение имеют актеры, образы людей, их характеры и решения, хотя хор также играет значительную роль.

В “Медея” изображение страдающего человека составляет наиболее характерную черту творчества Еврипида. В самом человеке заложены силы, способные ввергнуть его в пучину страданий. Таким человеком является, в частности, Медея - героиня одноименной трагедии, поставленной в 431 г.

Сюжет трагедии является продолжением мифа о походе аргонавтов. Волшебница Медея – дочь колхидского царя Ээта, внучка бога Гелиоса, полюбила Ясона. Она убила родного брата, дядю Ясона, царя Пелия, ради того, чтобы помочь Ясону добыть золотое руно. Трагедия относится к тому периоду, когда Медея с Ясоном и двумя их детьми живут изгнанниками в Коринфе, где Медея вдруг узнает, что Ясон решил бросить ее и жениться на дочери царя Креонта – Креусе, чтобы обеспечить благополучие детей. Пролог знакомит зрителя с душевным состоянием Медеи. Эврипид решительно отказывается от идеи борьбы Медеи с соперницей, чтобы вернуть мужа. Это гордая женщина, которая не может простить Ясона, ради которого она бросила дом, изменила родине. Она ненавидит его, произносит монолог о тяжелом положении женщины в семье, о неравной морали, требующей верности от жены, но не от мужа. План мщения Медеи определяется не сразу, но испуганный Креонт приказывает ―варварке и ее детям покинуть Коринф. Медея умоляет об отсрочке на один день. От денег Ясона она с презрением отказывается. Бездетный афинский царь Эгей предлагает им убежище в Афинах, но она решает уничтожить дом Ясона. Она посылает детей к Креусе с подарком – роскошным нарядом, пропитанным ядом. В это время у самой Медеи происходит страшная внутренняя борьба между материнскими чувствами и жаждой мести, показанная Эврипидом с огромным мастерством. И когда материнские чувства одерживают верх, молодая жена Ясона и ее отец умирают от яда. Медее не остается ничего, как только убить детей, чтобы не предать их в руки разъяренной толпе. Вбегает вестник и Медея приводит в исполнение свое решение. Заключительный сценический эффект: Гелиос посылает за внучкой колесницу, запряженную драконами, на которой Медея уносится вместе с трупами детей, оставляя подавленного Ясона, который умоляет позволить прикоснуться к детям. Античная эстетика классического периода допускала, что в борьбе за супружеское ложе оскорбленная женщина имеет право идти на самые крайние меры против изменившего ей мужа и своей соперницы. Но месть, жертвой которой становятся собственные дети, не укладывалась в эстетические нормы, требовавшие от трагического героя внутренней цельности.

Атмосфера волшебства, окружающая финал трагедии, не может скрыть глубоко человеческое содержание ее образа. В отличие от героев Софокла, никогда не уклоняющихся от однажды избранного пути, Медея показана в многократных переходах от яростного гнева к мольбам, от негодования к мнимому смирению, в борении противоречивых чувств и мыслей. Глубочайший трагизм образу Медеи придают также горестные размышления о доле женщины, положение которой в афинской семье было и в самом деле незавидным. Сначала находилась под неусыпным присмотром родителей, а потом мужа, она была обречена всю жизнь оставаться затворницей в женской половине дома. К тому же при выдаче замуж никто не спрашивал девушку о ее чувствах, так как браки заключались родителями, стремившимися к выгодной для обеих сторон сделке. Медея видит глубокую несправедливость такого положения вещей, отдающего женщину во власть чужого, незнакомого ей человека, зачастую не склонного слишком обременять себя брачными узами.

Миф об Ипполите – греческий вариант распространенного сюжета о коварной мачехе, которая клевещет мужу на целомудренного юношу, не пожелавшего разделить ее любовь. Федра, жена афинского царя Тезея, влюблена в своего пасынка, страстного охотника и избегающего любви и женщин, т.к. почитает богиню девственницу Артемиду. Завидуя Артемиде, Афродита внушает Федре любовь к Ипполиту. Ипполит, которому Федра открывает свои чувства, приходит в ужас и проклинает ее и всех женщин – причину зла и разврата. Отвергнутая Ипполитом Федра оставляет письмо мужу, в котором обвиняет Ипполита в том, что он ее обесчестил и кончает жизнь самоубийством. Разгневанный и оскорбленный Тезей обращается к своему покровителю и деду Посейдону, который посылает быка-чудовище, пугающего коней Ипполита и он гибнет, разбившись о скалы. В финале появляется Артемида и рассказывает правду Тезею, который оплакивает умирающего у него на руках сына.

Практически все сохранившиеся пьесы Еврипида созданы во время Пелопонесской войны (431–404 до н.э.) между Афинами и Спартой, оказавшей огромное влияние на все аспекты жизни древней Эллады. И первая особенность трагедий Еврипида – животрепещущая современность: героико-патриотические мотивы, враждебное отношение к Спарте, кризис античной рабовладельческой демократии, первый кризис религиозного сознания, связанный с бурным развитием материалистической философии и т.п. В связи с этим особенно показательно отношение Еврипида к мифологии: миф становится для драматурга лишь материалом для отражения современных событий; он позволяет себе менять не только второстепенные детали классической мифологии, но и давать неожиданные рациональные интерпретации известных сюжетов. Боги в произведениях Еврипида зачастую предстают более жестокими, коварными и мстительными, нежели люди (Ипполит, Геракл и др.). В трактовке Еврипида божественное провидение вряд ли могло осознанно заботиться о восстановлении справедливости. Однако главной новацией Еврипида, вызывавшей неприятие у большинства современников, было изображение человеческих характеров. Еврипид, как отмечал в своей Поэтике уже Аристотель, вывел на сцену людей такими, какие они бывают в жизни. Герои и особенно героини Еврипида отнюдь не обладают цельностью, их характеры сложны и противоречивы, а высокие чувства, страсти, мысли тесно переплетаются с низменными. Это придавало трагическим характерам Еврипида многогранность, вызывая у зрителей сложную гамму чувств – от сопереживания до ужаса. Расширяя палитру театрально-изобразительных средств, он широко использовал бытовую лексику; наряду с хором, увеличил объем т.н. монодий (сольное пение актера в трагедии).

Греческие трагедии работали в соответствии со строгими художественными и этическими принципами, хотя они немного изменились в зависимости от доминирующего драматурга того времени. В общем, греческие трагедии отличаются высокорожденным характером обычной нравственной добродетели. Это означает, что персонаж, хотя и не злодейский, демонстрирует реалистичную, но фатальную ошибку, известную как хамартия. В центре внимания трагедии лежат психологические и этические атрибуты главного героя, а не их физические или социологические. По мере того, как действие прогрессирует, собственные недостатки персонажа приводят их к их падению. Хотя выбор персонажа важен, трагический сюжет считается более доминирующим, чем персонаж. Это отражает императив судьбы. Сюжет, как и судьба, движется к его неизбежному трагическому кульминационному моменту, несмотря на все усилия персонажа, чтобы избежать его. Этот ужасный исход был предназначен для того, чтобы вызвать жалость и страх в аудитории, а не ради страдания в одиночку, но за знание, которое принесло страдание. Большинство греческих трагедий включали в себя хор, группу замаскированных исполнителей, которые прокомментировали действие и помогли аудитории обработать ее значение. Такое понимание было частью греческой концепции катарсиса, идея о том, что испытывающие сильные эмоции в безопасной среде вызвала здоровую форму эмоциональной чистки, которая освежала дух.

Три самых влиятельных драматургов Древней Греции были Эсхил, Софокл и Еврипид. Хотя вместе эти трагики написали сотни пьес, осталось всего две дюжины.

Театру уже много столетий, а его популярность не угасает. Это очень сложное искусство, в котором принимает участие огромное количество людей. Где же он возник и как развивался?

Чтобы ответить на эти вопросы, предлагаю просмотреть данную работу. Николаева Полина, представившая эту работу на школьной научно-исследовательской конференции, посвчщенной Дню Российской Науки, стала призёром. Чуть позже Полина достойно выступила с этой работой уже на уровне города на XIII Городской научно-практической конференции "Многоликий Петербург" (получила диплом III степени)

Вложение	Размер
presentation.ppt	2.2 МБ
doklad.doc	66.5 КБ

Предварительный просмотр:

Государственное бюджетное общеобразовательное

учреждение школа № 482

В связи с возникшим интересом к этой теме, было решено посвятить ей данную работу, изучить историю возникновения театра, его первоначального развития, а также понять, какое влияние он оказал на театр современный.

Чтобы ответить на возникшие вопросы, были сформулированы следующие задачи:

Выяснить, когда и почему театр зародился именно в Древней Греции;
Узнать, что он из себя представлял на ранней стадии;
Понять, как относились к актерам, и какое место они занимали в обществе, а также какие костюмы носили;
Узнать, кто были самые известные и талантливые драматурги;
Выяснить, несли ли представления ещё и какой-то иной смысл, нежели развлекательный;
Понять, как осуществлялась плата за представления;
Разъяснить, какими были направления театра (жанры);
Выяснить, где проходили представления;
Узнать, как театр развивался дальше.

Прояснив все эти моменты, мы сможем сравнить древнегреческий и современный театры, увидеть сходства и различия.

1. Почему именно в Греции

Почему именно в Древней Греции зародился театр? В Греции появился со временем пласт людей, у которых не было постоянной задачи выживать. У них появились свободные время и деньги. Им хотелось чего-то ещё. Театр в этом случае был идеален. А как же то, что в театрах могут показать кого-то в дурном свете? Почему бы всех не прогнать, и жить спокойно? Это тут не поможет. В Греции на тот момент была демократия. Значит, разогнавшего всех правителя могли просто не выбрать на следующий срок. А ещё у них было столько мифов, так что недостатка в историях не было. Тут ещё и климат играет большую роль, на морозе плясать не очень приятно. А в других государствах были войны, при которых не до веселья, либо монархи, которым это не нравилось, ну или им не хватало ресурсов для выживания (еда, безопасность, теплый климат). Значит, для Греции все звезды сошлись первыми, вот и всё.

В осенний период, после сбора урожая винограда, существовали праздники, на которых греки наряжались в костюмы козлов и в маски. В таком виде они совершали шествия (вакханалии), сопровождавшиеся плясками и песнями. В этих песнях греки прославляли бога Диониса. То есть, в основе всех этих осенних мероприятий, которые стали называться Великими Дионисиями, лежал религиозный культ.

Кто такой Дионис? Какое место он занимал в пантеоне древнегреческих богов? Дионис – бог веселья, вина. Согласно греческой мифологии, он постоянно гуляет и веселится в компании сатиров, которые в свою очередь восхваляют Диониса и его подвиги. Сатиры это антропоморфные существа с козьими рогами, бородками, копытами.

Историк Плутарх писал, что в 534 г. до н. э. Феспид показал диалог актера в роли Диониса и хора (по сюжету компании Диониса) [1] . Понимая, какую роль выполнял Дионис в древнегреческой мифологии, становится ясно, почему именно эта фигура была выбрана для постановки-развлечения.

Видимо, этот формат пришелся кстати, потому что с этого момента во время Дионисий начали давать спектакли ежегодно. Последующее развитие происходило очень динамично, театр оформился и в какой-то момент даже стал государственным институтом.

3. Актерский состав и просто актеры

Когда театр только появился, на сцене был лишь один актер. Своего рода вторым актером был хор, состоявший из 15 человек. Также в представлении принимали участие танцоры.

С появлением драматургов, людей которые писали пьесы, стало понятно, что одного актера не достаточно. Поэтому Эсхил (драматург) ввел второго актера. Ну а затем ещё один драматург, по имени Софокл, добавил третьего.

Далее количество актёров не увеличивалось. При этом количество персонажей в пьесе могло быть больше. Просто один актер мог играть по несколько ролей. Перевоплощение осуществлялось за счет смены масок, в которых актеры выступали.

Актеры считали своей главной задачей заучивание текста. А произносили этот текст со всевозможными завываниями, пытаясь таким образом передать чувства героев, а также сильнее впечатлить зрителя.

В связи с появлением второго и третьего актеров, роль хора изменилась. Он только комментировал и обобщал события, происходящие на сцене. Но несмотря на это, его роль все равно оставалась важной, так как он помогал зрителю следить за сюжетом и формулировать свое отношение к происходящему на сцене.

Актером в Древней Греции мог стать только свободно рожденный мужчина. Он играл и женские роли, и мужские. Эти артисты были уважаемыми людьми в обществе, занимали высокие государственные должности.

Актеры носили большие яркие маски из кожи или воска (хору они тоже полагались), это было необходимо, так как актера было плохо видно с огромного расстояния, на котором находился зритель от сцены, из-за этого мимика у актера была исключена. Зато все необходимые эмоции и характер героя отображались на масках. Силу и здоровье представлял смуглый цвет маски, болезненность – желтый, хитрость – красный, а гнев – багровый. Гладкий лоб выражал веселое настроение, а морщинистый – мрачное. Кроме того маска выполняла роль рупора, её форма позволяла увеличивать громкость актерского голоса.

Маски были 4 типов: старик, женщина, мужчина, раб. Иногда маска меняла пропорции тела, поэтому актеры вставали на котурны. Это сандалии с высокой подошвой.

Разные герои пьес носили одежду, цвет которой символизировал определенного персонажа. Например, цари ходили в пурпурных плащах, а царицы в белых с пурпурной полосой (этот краситель добывать было очень дорого). Если герой в черном - это траур, короткая одежда - вестник. Так же у актеров были атрибуты. Оливковая ветвь, например, была символом прошения.

5. Произведения и их авторы

Теперь о поэтах и пьесах. Полноценно оценить ситуацию невозможно, так как большинство произведений было утрачено. Известно что поэтов-драматургов было порядка 150 человек. Самыми знаменитыми из них считаются Эсхил, Софокл, Еврипид и Аристофан.

Эсхил нашел способ, которым можно было усилить напряженность от действия. Он уменьшил партии хора и добавил второго актера, тем самым сосредоточив основное внимание на диалоге между ними. Это превращало представление в подлинную драму, за которой зритель следил не отрываясь. Пьесы же постоянно поднимали конфликт между страстями простого человека и духовностью.

Софокл был самым знаменитым автором трагедий. Например, одной из самых популярных пьес была Антигона, написанная как раз им. Всего он написал 125 драм, но только 7 из них дошли до нас.

Еврипид писал пьесы с сильными женскими образами. В своем театре он пытался открыть, показать поиск греками нового мировоззрения. Из 92 его пьес до нас дошло 18.

Самым известным автором комедии был Аристофан. Героями его сочинений были не легендарные личности, а простые жители Афин. Это торговцы, ремесленники, рабы.

6. Конкурс между драматургами

Театральные представления длились три дня, от рассвета до заката, на больших и малых дионисиях. В связи с этим в театре было принято есть, а также брать туда подушки.

Драматические представления проходили как состязания драматургов. В день проводилось три трагедии, и одна сатирическая комедия от одного и того же автора. Всего было девять трагедий и три сатирические комедии от трех авторов в совокупности. Судили на состязаниях особые выбранные лица.

Победителями становились сам драматург и хорег (его назначало правительство). Хорег - это богатый человек, который набирал хор, и брал на себя все расходы. У каждого поэта был свой хорег.

7. Плата за вход и билеты

Сначала, чтобы люди пошли смотреть представления которые длились около трех дней, им выплачивали дневной заработок. Позже к представлениям появился интерес, и они стали платными, стоимостью в 2 обола. Затем по предложению Эвбула, при Перикле, учредили зрелищную кассу, которая пополнялась от остатков с государственных нужд.

Рассадка была свободной, из-за этого нередко начинались драки. Чтобы этого избежать, начали выдавать жетоны с обозначением сектора. При входе жетончики изымались.

В древнегреческом театре было только два жанра: трагедия и комедия. Героями спектаклей становились боги, герои мифов, а также простые люди.

Трагедия - представляло собой нечто довольно серьезное. Само слово образовалось от двух слов: трагос - козел и одэ - песнь, буквально песнь козлов. Козлы, точнее сатиры это спутники Диониса. Название связано с шествиями людей в костюмах сатиров на дионисиях (праздники в честь Диониса). Сюжеты основываются обычно на древнегреческих мифах, которые каждый грек знал очень хорошо. Отличительной чертой трагедии являлась смерть главных героев в конце пьесы.

Комедия - образовалась от двух слов: комос и одэ. Комос - толпа людей, осыпающих друг друга насмешками. Характерны для жанра со временем устоявшиеся комичные образы (Ученый - шарлатан, горе - воин, воришка) и смешные истории, ситуации. В сюжете постоянно затрагиваются бытовые темы. С мифами мало чего общего. Хор, в отличии от трагедии, мог включать большее количество участников. Он состоял из 15-24 человек.

Сатирические комедии - нечто среднее между трагедией и комедией, обычно давалась после трех трагедий.

9. Архитектура (сооружение театра)

С ростом интереса к театру, стали думать, как сделать его более доступным и удобным для посещения. В итоге пришли к этому: сооружение из камня на склоне холмов. Оно состоит из каменных скамеек для зрителей, скены (отсюда наша сцена) и орхестры (отсюда наш оркестр). Скамьи для зрителей поднимались вверх по склону холма, а значит, с любого места было хорошо видно сцену. Театр мог вместить до 27000 человек, то есть, всему городу хватало места.

Почему скамейки были каменными? На самом деле они сначала делались из дерева. Но деревянные скамейки часто приходили в негодность. Например, они могли сгореть. Или в один прекрасный момент под огромным весом просто рухнуть. Именно поэтому со временем деревянные скамьи заменили на каменные.

Скена - это небольшое сооружение, куда актеры бегали переодеваться. Впоследствии его стали раскрашивать. Так скена превратилась в своеобразную декорацию.

Орхестра - это ровная, утрамбованная площадка, на которой играли актеры. Она была круглой или полукруглой и располагалась непосредственно перед скеной. Её название переводится как место для плясок.

Хор располагался на специальной ступеньке между орхестрой и скеной. Места для зрителей назывались театрон.

Театры были построены в ряде греческих городов. Например, самый древний театр находится в Афинах.

10. Дальнейшее развитие театра

В течении всего этого времени театр продолжал развиваться, иногда быстрее, иногда медленнее.

Греческий театр, появившийся более двух с половиной тысяч лет назад, до сих пор остается актуальным. И хотя современные театральные постановки совершенно непохожи на представления времен Софокла, сам формат в виде диалога нескольких актеров на сцене перед публикой остается неизменным. Хотя современный театр обрёл много новых форм, например, балет, опера и т.д. Своё развитие здесь же получил и кинематограф.

Пьесы, дошедшие до нас со времен Эллады, изучаются и продолжают ставится в современных театрах. И шутки, сатира и диалоги, придуманные много лет назад остаются актуальными из-за неизменности человеческой натуры.

Остается сказать спасибо тем людям, которые однажды теплым вечером собрали горожан на склоне холма, чтобы прочитать яркий монолог.

ТЕАТР АНТИЧНЫЙ, понятие античного театра включает в себя историю театра античной Греции, театра эпохи эллинизма и театра древнего Рима.

Древнегреческий театр генетически восходит к культовым обрядам глубокой древности (охота, земледелие, проводы зимы, заупокойный плач). Древнегреческий театр располагался, как правило, на территории Акрополя – крепости, верхней укрепленной части города. До нас дошли древнейшие памятники античного театра в Афинах, в Помпеях, в Аммане (Иордания). Самый крупный театр 350–330 вв. до н.э сохранился в Эпидавре на Пелопонессе.

Устройство античного театра было следующим. Театр состоял из трех частей: орхестры с алтарем Диониса посередине, театрона, который располагался в виде спускавшегося к орхестре амфитеатра, и скены. Орхестра – место действия хора, актеров, статистов. Зрительские места назывались театрон (от theasthai – смотреть). Первые ряды у орхестры предназначались для жрецов, должностных лиц государства и почетных граждан.

Первоначально главным действующим лицом был хор из 12 человек, при Софокле – из 15. В комедии хор состоял из 24 человек и делился на две части – полухории, он выражал точку зрения идеального зрителя. В партиях хора – парабазах – раскрывался смысл спектакля. Постоянное присутствие хора требовало, чтобы действие не выходило за пределы одного дня. Отсюда французские классицисты 17 в. вывели правило единства времени и места. Первоначально актерами были авторы-драматурги, потом стали появляться профессиональные актеры с выработанной техникой, индивидуальной манерой игры. Их называли Мастерами Диониса, и, поскольку организация спектаклей была частью государственного культа, эта профессия была почетной, ей могли заниматься свободные полноправные граждане. Актер на первые роли назывался протагонистом, двое других – девтерагонистом и тритагонистом. Протагонист являлся своего рода антрепренером, именно он приглашал двух других актеров.

Начиналось представление чествованием почетных граждан, затем приносили жертву Дионису, только потом начиналось собственно театральное действие, о чем возвещали звуки флейт: выходил хор с корифеем-запевалой во главе. По мере развития древнегреческого театра удельный вес актера в спектаклях возрастал, хора – сокращался. Текст пьесы всегда был стихотворным, поэтому античных драматургов называли драматическим поэтами.

Структура античной драмы была такова: начальная часть до вступления хора – пролог, первая песня хора, с которой он входил на орхестру, – парод (проход), дальнейшие диалоги – эписодии (привходящие), заключительная часть драмы – эксод (исход), когда хор удалялся из орхестры. У Эсхила хор играл важную роль и был главным действующим лицом. У Софокла он уже второстепенен, у Еврипида песни хора – вставки между актами. Греческая драма (трагедия) совмещала в себе декламацию, пение, пляску и музыку, напоминая оперные представления. Герои были игрушками в руках Судьбы-Рока, которая в образе богов (принцип античной драмы – deus ex maxina, бог из машины) вмешивалась в действие спектакля. В представлении комедии было полно буффонады, гротеска, карикатуры, оно уносило зрителя в мир фантазии, сказки.

Государство принимало участие в организации театральных представлений. Архонты и хореги – должностные лица – организовывали весь театральный процесс: искали авторов, актеров, выплачивали им гонорар, вкладывая в это свои средства. Расцвет античного театра совпал с расцветом демократии, философии, изобразительного искусства, литературы в эпоху Перикла, когда творили Софокл и Еврипид, создатели великих трагедий. На Великих Дионисиях в марте им отводилось главное место. В виде тетралогий трагедии с заключающим их сатировскими драмами распределялись на три дня, после них ставились комедии. Все театральные постановки с 508 до н.э. проводились в виде состязаний – агона. Комиссия во главе с архонтом выбирала победителя, венчала его венком из плюща и увековечивала его имя протоколом на мраморной плите – дидаскалиях. В основе оценок спектаклей – непосредственная реакция зрителей, чьи аплодисменты, свист или крики возмущения сопровождали действие (театральную прессу заменял обмен мнениями на рыночной площади и в цирюльне). Эсхил – отец древнегреческой трагедии, талант которого необычайно высоко ценился, в театральных состязаниях не избежал поражений, и по этой причине был вынужден переселиться из Афин в Сицилию. Софокл, считавшийся баловнем судьбы, одержал 24 полные победы. Меньше всего побед одержал Еврипид. Несмотря на это памятники в театре Диониса в Афинах поставлены всем троим.

Расцвет афинской драматургии (5–4 вв. до н.э.) связан с именами трех авторов: Эсхила, его младшего современника Софокла, и Еврипида, отца психологической драмы. Одновременно творил Аристофан – отец комедии, из произведений которого многое стало известным об особенностях греческой политической и культурной жизни.

Трагедии Эсхила отражали проблемы, волновавшие его современников. К их числу прежде всего относилась проблема рока, т.е. воли богов, возмездия и нравственного долга перед государством (Прикованный Прометей, Персы, Просительницы, Семеро против Фив, трилогия Орестея). Софокла также волновали большие философские и политические проблемы (Эдип царь, Антигона, Аякс, Филоктет, Электра). Еврипид первым стал изображать людей с присущими смертным недостатками и достоинствами, увлечениями, страстями, толкавшими их на преступления (Алкестиада, Медея, Ипполит, Андромаха, Гекуба, Троянки, Вакханки, Ифигения в Авлиде). Герои Еврипида погружены в себя, в свои переживания, внутреннюю борьбу, все безмерно страдают, поэтому его произведениям свойственен глубокий пессимизм. Ломая старые каноны, Еврипид проложил путь драматургии будущего. Недаром Аристотель назвал его самым трагическим поэтом, а Аристофан презирал за равнодушие к государственным проблемам.

У Эсхила хор во главе с корифеем играл ведущую роль. Софокл сократил хоровые части и увеличил число актеров с одного до двух, большое значение приобрел диалог. Еврипид ввел третьего актера. Четвертый актер появлялся в исключительных случаях. Все актеры были мужчинами (женщины не имели полноты политических прав), которые меняли несколько раз костюмы и маски. К ним в последствии прибавились статисты – лица без речей.

Творчество комедиографа Аристофана – политически острая, злободневная сатира, темы, почерпнутые из живой исторической действительности (Всадники, Птицы, Лисистрата, Экклезиазусы, Лягушки). Его комедии наполнены юмором, переодеваниями, путаницей, недоразумениями, песнями, танцами, каламбурами, порой непристойными остротами.

Золотой век античного театра длился недолго. Это был именно век. На протяжении 5 в. до н.э театр сложился, вырос и в эллинистическое время (4 в. до н.э.) стал клониться к упадку. Трагический жанр быстро деградировал. У комедии была другая судьба. В эпоху эллинизма древнеаттическая комедия уступила место средней и новой аттической комедии (авторы: Филемон и Дафил). Их произведения дошли в пересказе римских авторов Теренция и Плавта. Крупнейшим представителем комедии в эпоху эллинизма стал Менандр (Дискол-Угрюмец, Третейский суд, Отрезанная коса). Характерной чертой новой комедии стало полное равнодушие к общественной жизни, уход в жизнь частную. Наряду с театром официальным распространились театры бродячих комедиантов – флиаков и мимов. Они разыгрывали примитивные пьески часто непристойного содержания.

Читайте также: