Балет 17 века реферат

Обновлено: 03.07.2024

Тема моего реферата – балет в эпоху просвещения, реформы Ж.Ж. Новерра. Я выбрала именно эту тему, потому что сама занимаюсь танцами – это мне близко и интересно. Я считаю, что моя работа будет интересна всем, кто хоть немного знаком с таким видом искусства, как танец и, конечно же, театр. До начала 17 века танцевальный театр был частью всего большого театра, включающего в себя и музыку, и мастерство актеров, декорации, и танцы, исполняемые на сцене, и лишь с 17 века театр стал постепенно разделятся, и к 19 веку театр балета стал самостоятельным видом искусства.

Содержание работы

2Глава 1: Балет в эпоху просвещения…………………………………………………………..4

3Глава 2: Нововведения в балете………………………………………………………………….5

8 Список использованной литературы………………………………………………………….12

Файлы: 1 файл

Балет в эпоху просвещения. Жан Жорж Новер.docx

МОУ гимназия имени А.Л. Кекина

Лосева Юлия Витальевна

Руководитель: Печникова Татьяна Владимировна

2Глава 1: Балет в эпоху просвещения…………………………… ……………………………..4

3Глава 2: Нововведения в балете……………………………………………………………… ….5

8 Список использованной литературы…………………………………………………… …….12

Эпоха просвещения привнесла много нового и интересного в искусство танца и изменила представления зрителя о нем.

Балет в эпоху просвещения.

В период эпохи просвещения возникли первые российские университеты, библиотеки, театр, публичные музеи и относительно независимая пресса. Произошло отделение балета от оперы, появился новый вид театрального спектакля, где выразительными средствами были танец и пантомима. Эпоха Просвещения — одна из этапных в развитии балета. Просветители призывали к отказу от условностей классицизма, к демократизации и реформе балетного театра. Придворному аристократическому бессодержательному балету противопоставляется новая программа, целью которой является – осмысленность, действенность, содержательность. Появились смелые новаторы, каждый из которых по-своему искал новые возможности танцевальной техники, пантомимы, музыки, декораций и костюмов. Они пытались освободить балет от однообразия и штампов. К этому искусству стали относится по-новому, благодаря Просвещению. Жан Жорж Новерр был самым значительным хореографом этого направления, причем не только практиком-новатором, но и автором весьма убедительных публикаций. Его Письма о танце и балета заложили эстетические основы искусства балета, и многие его утверждения не теряют значения и в наши дни. Деятели эпохи Просвещения видели в театре могучее действенное средство пропаганды передовых идей просветительской философии. Танец, под влиянием идей Просвещения, освободился от той искусственности, против которой боролся Новерр. Балет перестал восприниматься как явление придворной жизни.

Балет – как самостоятельный вид театрального искусства.

Нововведения в балете.

Главное достижение эпохи Просвещения заключается в том, что балет теперь становится отдельным видом искусства, теряя свою исторически сложившуюся связь с оперой.

Во второй половине 18 века, в области хореографии уже чувствовалось, что искусство не могло долго оставаться в своей замкнутой форме, зависимой исключительно от воли композиторов. Хореография должна была вылиться в самостоятельное сценическое зрелище. Она ожидала только искусного хореографа, который поставил бы балет на правильный путь.

В 18 веке балет развивался по двум направлениям. Это были благородный и виртуозный танец. В разных странах и разных танцевальных областях проявляют себя талантливые самобытные мастера, такие как Вестрис, Гардель, Дюпре, Новерр.

Особенностью этого времени стала новая мода в одежде, которая подчеркивала легкость и простоту платьев, что сделало танцоров подвижными на сцене. Свобода и легкость проявились не только в одежде – в балетном искусстве стали популярны пируэты и прыжки, которые доселе никогда не использовались.

Великим реформатором танца стал французский балетмейстер Жан Жорж Новерр. Новерр призывал создать действенный, т. е. содержательный и выразительный, танец, в котором события, чувства и мысли героев раскрывались бы в пантомиме и танцевальных движениях. От балетмейстеров Новерр требовал кроме поэтического дара и богатого воображения еще и широкой образованности. Музыку он называл душой балета. Взгляды Новерра оказали огромное влияние на развитие хореографии.

В этом же году Новерру поручено было поставить балет по случаю бракосочетания австрийской эрцгерцогини с неаполитанским королем. Постановка этого произведения была первым успехом Новерра.

С этого времени Новерр считался излюбленным артистом Вены, где постановка каждого его произведения составляла крупное событие. Местная критика ставила его на недосягаемую высоту.

В Вене все произведения Новерра пользовались громадным успехом. Пребывание его в австрийской столице было лучшим периодом его деятельности. Новерр считался любимцем при венском дворе. Он был назначен придворным балетмейстером и заведующим дворцовыми развлечениями. Несмотря на все оказанные милости, Новерра все-таки тянуло на родину, в Париж, где бы он мог применить свой талант. После постановки нескольких балетов в разных городах Италии Новерр был, наконец, в 1770 приглашен в Париж, куда он прибыл с солидной репутацией талантливого хореографа и с обширным багажом сочиненных им балетов.

Не обошлось, конечно, без горьких насмешек по адресу непризнанного пока реформатора. Памфлеты служили для искусства только на пользу. Новер отписывался, доказывая публике, что балет – не танцевальное развлечение и что программу балета следует сочинять раньше музыки. Он это и делал, объясняя содержание своих балетов, требуя, чтобы композитор подлаживался к балетмейстеру, а не наоборот.

Все это время, где бы он ни находился, он продолжал неистово работать: он не только ставил балетные спектакли (Новерр поставил свыше 80 балетов и большое число танцев в операх), он уделял огромное внимание теории танцевального искусства, разрабатывая и развивая его. Его имя стало широко известно, и он находился в переписке с выдающимися людьми своего времени, в том числе с Вольтером, некоторые письма к которому сохранились до настоящего времени. Новерр начал важную работу над созданием балетного словаря. Примерно в 1795 году он прибыл в Сен-Жермен-ан-Лэ. Там он готовил к изданию свой словарь, который так и не успел довершить — 19 октября 1810 года он скончался.

Кроме внутреннего содержания своих балетов, Новерр заботился о декорациях и, особенно о костюмах, в способе ношения которых он совершил коренной переворот.

Большой помехой для мужского персонала была маска. Она была обязательна, и благодаря этому пережитому античного времени артисты были лишены возможности выражать на лице, какие бы то ни было чувства, присвоенные роли. Конечно, Новерр, создавший свои пантомимные балеты, украшенные выразительными танцами, немало хлопотал об уничтожении маски и о полной реформе костюмов.

Танец был всегда, и музыка была всегда, и даже сюжет в танце присутствовал нередко, а вот балет появился всего лишь около четырехсот лет назад.

Мастерство ранних итальянских учителей танцев произвело впечатление на знатных французов, которые сопровождали армию Карла VIII, когда в 1494 году он вступил в Италию, предъявив свои претензии на трон Неаполитанского королевства. В результате итальянские танцмейстеры стали приглашаться ко французскому двору. Тогда же возникла необходимость в нотации – системе записи танца. Автор первой из известных систем, Туан Арбо, начал передавать танцевальные па музыкальными знаками.

На протяжении всего семнадцатого века жанр придворного балета развивался главным образом во Франции. Вначале это были балеты-маскарады, а затем помпезные мелодраматические балеты на рыцарские и фантастические сюжеты, где танцевальные эпизоды сменялись вокальными ариями и декламацией стихов.

Танец стал превращаться в балет, когда его начали исполнять по определенным правилам. Впервые их сформулировал французский балетмейстер Пьер Бошан (1637–1705), живший и творивший во времена короля Людовика XIV. Тогда спектакли придворного балета достигли особого великолепия.

Он записал каноны благородной манеры танца, в основу которой положил принцип выворотности ног (en dehors). Такое положение давало человеческому телу возможность свободно двигаться в разные стороны. Все движения танцовщика он разделил на группы: приседания (плие), прыжки (заноски, антраша, кабриоли, жете, способность зависать в прыжке – элевация), вращения (пируэты, фуэте), положения корпуса (аттитюды, арабески). Выполнение этих движений осуществлялось на основе пяти позиций ног и трех позиций рук (port de bras). Все па классического танца стали производными от этих позиций ног и рук.

Эта классификация Бошана жива по сей день. Более того – в результате французская терминология стала общей для артистов всего мира, как латынь – для медиков.

Наконец, комический танец отличался виртуозностью, допускал утрированные движения и импровизацию. Он был нужен для гротесковых и экзотических танцев, встречавшихся в комедиях театра классицизма.

Так началось формирование балета, развившегося к восемнадцатому веку из интермедий и дивертисментов в самостоятельное искусство.

В театре ставились оперы-балеты композитора Люлли и комедии-балеты драматурга Мольера. В них поначалу участвовали придворные, а спектакли почти не отличались от дворцовых представлений. Танцевали уже упоминавшиеся медленные менуэты, гавоты и паваны. Маски, тяжелые платья и туфли на высоких каблуках мешали женщинам выполнять сложные движения. Поэтому мужские танцы отличались тогда большей грациозностью и изяществом.

Сформировавшись во Франции, новый балетный жанр распространился по всей Европе и вернулся в Италию. Во всех крупных городах появились в семнадцатом веке свои театры, балетмейстеры и исполнители. К восемнадцатому веку сложился свойственный итальянским танцовщикам стиль исполнения, отличавшийся от изысканной манеры, принятой во французской Королевской академии музыки и танца, технической виртуозностью и при этом большей непосредственностью.

Борьба французской и итальянской школ в классическом балете продолжалась чуть ли не до начала двадцатого века. В семнадцатом веке появился свой балет в Нидерландах – и там раньше, чем во Франции, на сцену вышли профессиональные танцовщицы. В конце семнадцатого и начале восемнадцатого века расцвел английский балетный театр. В 1722 году был создан первый придворный театр в Дании, где профессиональные танцовщики участвовали в комедиях-балетах Мольера.

Сюжет о певце, который отправляется в подземное царство на поиски умершей жены, был у композиторов семнадцатого века в числе любимых. Возможно, в Москве поставили балет немецкого композитора Генриха Шютца. Сведений о нем сохранилось немного – особенно современникам почему-то запомнилось па-де-труа Орфея с двумя пирамидами. Балетмейстер, видимо, буквально понял слова греческого мифа о том, что пение Орфея заставляло двигаться деревья и скалы. Колесницы, декорированные в виде фонтанов, замков и пирамид, в балетных спектаклях французских и итальянских трупп были обычным явлением Возможно, пирамиды первого русского балета передвигались на колесах. А может, это были танцовщики в костюмах, имеющих вид пирамиды. Правды уже не узнать.

Первый балетный спектакль в России состоялся в 1673 году, в Преображенском. Затем было еще несколько – сведений о них практически не сохранилось. А после смерти царя Алексея Михайловича театральные представления прекратились надолго – пока любимая сестра царя Петра Алексеевича Наталья не увлеклась драматургией, а сам Петр не решил построить театр в Москве – там, где сейчас Исторический музей. В 1702 году царь взял на службу в Московский театр голландца Якоба Коккия с двумя его сыновьями. Но дело не заладилось – обучать танцевальному искусству голландцы не умели и только жаловались, что нет подходящих исполнителей.

Собрала для вас похожие темы рефератов, посмотрите, почитайте:

Введение

Балет зародился в эпоху Возрождения при княжеских дворах Италии и распространился по всей Европе с растущей популярностью и усовершенствованной техникой исполнения, позже покорив Северную и Южную Америку, Азию и Австралию.

На протяжении большей части XVIII века балет развивался в основном в Италии, в начале XIX века Франция прославилась балетными труппами, а позже — в России. В XX веке балет занял прочное место на сценах США (особенно в Нью-Йорке), Великобритании и Советского Союза.

Цель данного очерка — проследить генезис и развитие балета как формы театрального искусства.

Задача состоит в изучении и анализе литературы по теме эссе.

Балет до 1900 года

В конце средневековья итальянские князья уделяли большое внимание великолепным дворцовым праздникам. Танцы занимали в них важное место, что создавало потребность в профессиональных танцорах.

В середине 17 века произошел отход от строгих форм придворного балета. Теперь артисты балета выступали на сцене, поднятой над уровнем зала и отделенной от зрителей, как, например, в театре итальянского стиля, построенном кардиналом Ришелье во дворце в начале XVII века, сценарий которого открывал дополнительные возможности для создания сценических иллюзий и зрелищных эффектов. Таким образом, была разработана чисто театральная танцевальная форма.

В 1661 году Людовик XIV основал Королевскую академию музыки и танца, которая объединила 13 ведущих танцоров, призванных уважать традиции танца.

Балет в эпоху Просвещения

Балет начал распространяться по всей Европе. До середины 18 века княжеские дворы повсеместно пытались подражать роскоши Версаля, в то же время во многих городах открывались оперные театры, так что танцовщицы и учителя танцев, которые становились все более и более распространенными, могли с легкостью использоваться. Не только во Франции, но и в других странах балетмейстеры предложили важные новшества для развития балета. В Австрии Франц Гильферринг (1710-1768) одним из первых создал спектакли, в которых действие было представлено с помощью мимики и танца. Учитель итальянского языка Дженнаро Магри опубликовал обширный учебник театрального танца, которым он стал в последние годы перед падением старого режима во Франции.

К моменту начала революции 1789 года балет уже зарекомендовал себя как особая форма искусства. Зрители привыкли к условностям сценической мимики, а танец, под влиянием идей Просвещения, освобождал себя от той искусственности, против которой боролся Новерр. Балет больше не воспринимался как явление придворной жизни.

В 1790-х годах, под влиянием современной моды, женский балетный костюм стал намного легче и свободнее, так что под ним были видны линии тела; в то же время она отказалась ходить на каблуке и заменила его легкой туфелькой без каблука.

Романтический балет

Когда в Европе установился мир (1815 г.), новое поколение выросло, не проявляя особого интереса к прошлому. То, что было характерно для предыдущей эпохи, было забыто, родилась новая эстетика романтизма, которая распространилась на все виды искусства. Романтизм не только уничтожал старые формы, которые казались старомодными и непригодными, но и искал новые источники вдохновения. Молодые художники-романтики обратились к явлениям сверхъестественного и экзотического, их привлекла культура далеких земель и серая античность. Первые проявления романтизма были особенно впечатляющими, балет испытывал свое влияние дольше, чем многие другие формы театрального искусства.

Многие представления о балетном искусстве полностью изменились под влиянием Марии Тальони (1804-1884). В отцовском сильфе (1832) она открыла сцену для нового типа балетной героини: воздушной гостьи из другого мира. Ее танец обладал изяществом, чтобы создать это идеальное существо. Хотя Тальони не первая стояла на пальцах, как неоднократно ошибочно утверждали историки, ей удалось превратить то, что до нее было лишь уловкой, в средство выражения, чтобы передать особые качества, присущие неуловимым, тонко-вещественным образам.

Музыка большинства балетов романтического периода была написана композиторами, специализирующимися на жанрах света. Самым главным из них был А. Адам, композитор музыки Жизели и Корсара. Музыка балета того времени была написана на заказ, и не предполагалось, что она будет достаточно серьезной для концертного исполнения; отрывки, предназначенные для танца, были мелодичными и просто структурированными, в то время как музыка предназначалась только для сопровождения эпизодов и создания общего настроения спектакля.

Упадок европейского балета, расцвет балета в России. Пламя романтизма стало тускнеть в середине 19 века. Балет по-прежнему пользовался успехом, но в основном как спектакль с участием красивых женщин. В Париже Жозеф Мазилье (1801-1868) и Сен-Леон поддерживали репутацию оперы вплоть до падения Второй империи в 1870 году. Корсар Мазилье (1856, музыка Адама) и последняя постановка Сен-Леона Коппелье (1870, музыка Л. Делиба) стали высшими достижениями того времени, когда французские артисты балета были изгнаны иностранными звездами. Исключение составила Эмма Ливри (1842-1863), ученица Марии Тальони, умершая от ожогов в возрасте 21 года (ее балетный костюм был зажжен свечой на сцене). Сильвия (1876, музыка Делиба) — единственный сохранившийся французский балет этого периода.

Русский балет С.П. Дягилева

В начале XX века постоянные балетные труппы работали в Дании и Франции, но хореографический театр достиг своего подлинного расцвета только в России. Вскоре балет начал распространяться из России в Европу, Америку, Азию и весь мир. Примечательным в развитии компании в середине века было необыкновенное разнообразие стилей: Каждый хореограф или художественный руководитель труппы предложил свой подход.

Артисты Русского балета — артисты Мариинского и Большого театров: Анна Павлова, Тамара Карзавина, Вацлав Нижинский, Адольф Болм (1884-1951). Художники из окружения Дягилева сочинили либретто, спроектировали декорации и костюмы, а также написали новую музыку.

Первая мировая война и Октябрьская революция лишили Дягилева возможности вернуться на родину. Но его отношения с художественными кругами Европы, а также с эмигрантами из России становились все более тесными. В его труппу вошли художники, которые учились в студиях в Париже и Лондоне.

Балет в США

Мировой балет

В Королевском балете всегда размещалась вторая, небольшая мобильная труппа. В 1990-х годах он обосновался в Бирмингеме и в настоящее время известен как Бирмингемский королевский балет.

Советская Россия и другие страны

Распад Советского Союза и последовавший за ним экономический кризис принесли огромные трудности балетным труппам, которые ранее щедро субсидировались государством. Многие танцоры и учителя покинули страну, чтобы обосноваться в США, Англии, Германии и других западных странах.

Франция

В 1970-е и 1980-е годы французские войска провинций начали получать государственную поддержку и получили международное признание. Отдельный Рейнский балет заслуживает особого внимания.

Германия

Заключение

По мере усиления роли балета вплоть до середины ХХ века труппы стали закрепляться почти в каждой стране Америки, Европы, Азии, в том числе в частях Центральной Азии и Африки, а также в Австралии и Новой Зеландии. Даже в странах с собственными богатыми танцевальными традициями, таких как Испания, Китай, Япония и Малая Азия, балет нашел свое место. К концу 20-го века все более очевидными становились задачи, стоящие перед балетным искусством. В 1980-х годах, когда умерли Баланчин, Эштон и Тюдор (в 1980-х годах) и Роббинс отошел от активной работы, образовался творческий вакуум. Большинство молодых хореографов, работающих в конце 20 века, не были слишком заинтересованы в развитии ресурсов классического танца. Они предпочитали смесь различных танцевальных систем, при этом классический танец выглядел обедневшим, а современный танец не обладал оригинальностью, позволяющей раскрыть физические возможности. Стремясь передать суть современной жизни, хореографы используют технику пальцев, как бы акцентируя внимание на мыслях, но игнорируют традиционные движения рук (порт де бюстгальтер). Искусство поддержки сводится к определенному взаимодействию между партнерами, когда женщину тащат на пол, бросают, кружат вокруг, но почти никогда не поддерживают и не танцуют.

Большинство войск наращивает свой репертуар, в том числе и классика 19 века. (Сильфида, Жизель, Лебединое озеро, Спящая красавица), самые известные балеты мастеров 20-го века. (Фокин, Баланчин, Роббинс, Тюдор и Эштон), популярные постановки МакМиллана, Кранко, Тетли и Килиана, а также работы нового поколения хореографов, таких как Форсайт, Дуато и Джеймс Куделка. В то же время танцоры лучше подготовлены, так как есть больше знающих учителей. Относительно новая область танцевальной медицины дала танцорам доступ к методам профилактики травм.

Есть проблема с танцорами, которые присоединяются к музыке. Широко распространенная популярная музыка не знает разнообразия стилей, во многих странах музыкальное образование находится на низком уровне, в постановке танцев постоянно используются звуковые носители — все это мешает развитию музыкальности танцоров.

Новым явлением последних десятилетий стали балетные конкурсы, первый из которых состоялся в 1964 году в Варне (Болгария). Они привлекают не только призы, но и возможность выступить перед судьями, представляющими самые престижные организации. Мало-помалу в разных странах проводится более десяти конкурсов, некоторые предлагают совместные стипендии. Потребность в балетных мастерах также привела к появлению хореографических конкурсов.

Список литературы

Образовательный сайт для студентов и школьников

2. Балет как искусство. История происхождения в мире.

3. Появление балета в России. Первые труппы, выступления, руководители.

4. История балета в России 20 века.

5. Балет России в 21 веке.

7. Список литературы.

1. Введение.

Такой танец есть выражение духовного мира человека. Именно этим качеством прославился на весь мир русский балет, ставший эталонным для мирового балетного искусства. В России балет достиг совершенства, принял такие формы, к которым стремятся представители этого искусства всех стран мира.

Русский балет – это соцветие имён, разнообразие направлений и тем; это гениальная музыка и сценография; отточенная пластика и высочайшее актёрское мастерство. История русского балета настолько многоаспектна, что её изучение во все времена является актуальным.

2. Балет как искусство. История происхождения в мире.

Балет, как известно, произошёл от танца. Будучи одним из самых старейших видов искусств, он органично вошёл в жизнь человека ещё в древности. Танец является одним из самых древних средств эмоционального выражения человека. В определённый момент танец вышел на совершенно иной уровень, и тогда возник балет. Это произошло в XV – XVI вв., когда в Европе начинает получать широкое распространение придворный танец.

По своей структуре балет весьма разнообразен. Он может быть однократным, многократным, повествовательным с чётко выраженным сюжетом, авангардным или же лишённым сюжета. К такому типу балета относится миниатюра, балет симфония, а также балет-настроение. Если же говорить о жанре балета, то здесь встречаются героический, комический, фольклорный жанры, а также появившиеся в ХХ веке модерн и джаз-балет.

Важнейшая заслуга в процессе превращения танца в театрализованное действо принадлежит Италии. Именно в этой стране в период с XIV до XV вв. появляются профессиональные танцмейстеры, развивается бальный танец, основу которого составляет народный танец. Бальный танец приобретает статус придворного.

Аналогичные процессы происходят и в других странах Европы: Англии, Испании, Франции. В Англии танцевальные сценки, в которых присутствовал сюжет, называли масками, в Италии и Испании – мореской (moresca, morescha). Морески изображали противостояние между христианами и мусульманами и являлись неотъемлемой частью карнавальных шествий и комедий дель арте (commedia dell'arte). Этим термином называли театральные представления в народном духе, построенные на импровизации и показываемые на площадях. Танцы играли в комедиях дель арте существенную роль.

Превращение танца в балет начало происходить в тот момент, когда исполнение его начало подчиняться канонам, которые были установлены Пьером Бошаном – французским балетмейстером, обучавший хореографии самого Людовика. Бошан активно сотрудничал с Люлли. Их стараниями эволюция балета существенно продвинулось вперёд. В 1661 году Бошан стал во главе Академии танца Франции, которая в 1875 году стала Парижской оперой. Бошан сформулировал правила, по которым должны были исполняться танцы в присущей веку благородной манере. Так началось формирование балета, развившегося к XVIII в. из интермедий и дивертисментов в самостоятельное искусство.

Во второй половине XIX века в балете господствуют иные направления: импрессионизм, академизм и модерн. Пришедший им на смену реализм привёл европейский балет к упадку. Только лишь русский балет сумел не только сохранить традиции и формы, но и испытать взлёт.

Балет ХХ века в Европе и США характеризуется отказом от прежних норм и канонов. В моду входят спектакли, в которых на первом месте стоит модерновый танец, бессюжетность, симфонизм, метафоричность. В балетную структуру вводятся элементы джазовой и спортивной лексики, фольклорные мотивы.

Вторая половина ХХ века – это тяготение к постмодернистским традициям. В балет проникают элементы других искусств: фотографии, кино, звуковые и световые эффекты, электронная музыка. Возникают и новые жанры: контактный балет, в котором артист взаимодействует со зрителем; всё большее распространение получают балеты-миниатюры, балеты-новеллы. Наиболее развитым балетное искусство было в США, Великобритании и Франции. Огромную роль в развитии мирового балета сыграли русские танцовщики-эмигранты. Таким образом, можно сказать, что мировой балет, зародившийся во времена европейского Ренессанса, прошёл очень сложный путь развития, впитывая в себя доминирующие тенденции искусства в каждый этап эволюции. Европейский балет, повлияв на становление русского балета, в дальнейшем не смог его превзойти.

3. Появление балета в России. Первые труппы, выступления, руководители.
В России балет возник в настоящем смысле этого слова около 1735 года, т.е. в XVIII веке. К этому времени в России уже достаточно хорошо была подготовлена танцевальная почва для формирования и развития балета, причём почва эта состояла из двух слоёв: национальной и иностранной. Впоследствии народные пляски входили в балет, комедию, оперу и не только в XVIII веке, но и ранее, в зачаточном состоянии, в конце XVII века.

При Петре I время от времени давались интермедии с балетами и театральными представлениями с танцами, но его правление не оказало существенного влияния на эволюцию балета. 1734 год является важной вехой истории русского балета, поскольку в этот год Петербург посетила балетная труппа из Италии, а также французский танцовщик Жан Батист Ланде. Он сыграл очень важную роль в становлении русского балета. Благодаря его стараниям в мае 1738 года было открыто первое в истории России театральное училище, имевшее исключительное значение для становления отечественного балета. [Добровольская; 248].

В 1757 году в Россию приехал Джованни Локателли – балетмейстер, также много сделавший для русского балета. Его балеты, как и другого хореографа – Сакко, явились крупным шагом вперёд и подготовили почву для следующего важного этапа. Речь идёт о периоде, в который вели свою деятельность Д.М.Г. Анджолини и Ф. Гильфердинг. В эпоху Елизаветы Петровны особое распространение получают т.н. музыкальные комедии с песнями и танцами. Далее в истории балета наступает новая эпоха и связана она с эпохой Екатерины II.

К сожалению, большая часть балетов екатерининской эпохи не сохранили имена своих создателей. Между тем без них картина хореографического искусства не является полноценной. Однако те из них, что сохранились в истории, имели общую линию развития (речь идёт о 60 – 70-х гг. восемнадцатого столетия). Для этого периода характерна следующая тенденция: засилье иностранных имён. Что же касается техники танца, то здесь наблюдается её совершенствование. Выступления петербургских танцовщиков происходят на уровне парижских.

Вторая половина Екатерининской эпохи прославилась именами очень талантливых танцовщиков. Прежде всего, это В.М. Балашов и И.Л. Еропкин. О прыжках Еропкина современники писали как о каком-то чуде, которого до сих пор не было на русской сцене, среди русских артистов. Выделяются имена таких балерин, как А. Поморева, М. Коломбусова, Н.П. Берилова. Последняя балерина из указанного выше списка балерин блистала во времена Павла I, являлась воплощением грации и мастером пантомимы.

В конце XVIII века в России появляются крепостные театры и, как следствие, балеты. Набирают обороты домашние театры знатных вельмож, которые стремятся к пышности, роскоши, богатству театральной обстановки. Каждый из них желает заполучить как можно большее количество талантливых актёров, певцов, танцоров, и искали их среди крепостных. Особенно прославился театр графа Н.П. Шереметева.

Стало известно имя Дидло. Важной целью Дидло-педагога было подготовить танцовщиц высокого уровня. Дидло сотрудничал с К.А. Кавосом – видным балетмейстером. Совместно они выдвинули концепцию программности, которая подразумевала единство драматургии – хореографической и музыкальной. Балеты Дидло уже были предвестниками романтизма. В своих постановках Дидло сумел совместить сольный танец и кордебалет, привести их к единому ансамблю.

Итак, в первой трети XIX столетия русский балет подошёл к своей творческой зрелости. Уже можно было говорить об установлении национальной школы, черты которой в дальнейшем стали славой русского балета: виртуозность техники, психологизм и глубина, правдивость и искренность, красота и изящество.

Крупным событием становится открытие в 1825 году в Москве Большого театра. Благодаря этому обстоятельству московская балетная труппа получила в своё распоряжение великолепно оснащённую в техническом плане сцену. Начиная с 1830 года, и петербургские и московские труппы начинают выступать в театрах, имеющих отличное оборудование. Театральное училище обеспечивало балетную сферу кадрами: танцовщиками, художниками, музыкантами.

Большое влияние на русский балет оказала оперная музыка М.И. Глинки, где в танцевальных сценах присутствовали точные музыкальные характеристики, образы в развитии и присутствовало отчётливо выраженное национальное начало.

30 – 40-е гг. – период романтизма. Столкновение реальности и мечты, присущее романтическому воззрению, отразилось на эволюции балета, которая разделилась на два направления. Первому было свойственен ярко выраженный драматизм и стремление к критике действительности. Второе направление базировалось на фантастике, ирреальности образов. В таких балетах часто в качестве действующих лиц выступали призраки, сильфиды, ундины и т.д. Объединял оба направления образ главного героя-мечтателя, который вступал в конфликт с суровой действительностью, а также новаторская черта, которая заключалась в установившемся гармоничном соотношении между танцем и пантомимой. Следует отметить и другой важный факт. Танец теперь сделался первостепенным элементом балета.

Вскоре на смену романтизму в искусстве и литературе приходит реализм (середина XIX века). Однако его веяния не отражаются на балете, поскольку он оставался придворным искусством, и его главными функциями являлись эстетическая и развлекательная. Начало 60-х гг. отмечено сказочными сюжетами и номерами-дивертисментами. Однако в этот период процесс эволюции балета тормозился на уровне приёмов, композиции и форм. Все эти элементы были строго регламентированы.

Композиция спектакля строилась на сочетании танцевальных фрагментов и пантомимных эпизодов, при этом пантомима стала носить служебный характер. Более всего начинает цениться техника и отдаленность формы. Всё это приводит к тому, что из балетного искусства начинает исчезать содержательность.

Итак, освобождаясь от европейского влияния, русский балет постепенно принимал свой неповторимый облик, покоривший весь мир.

4. История балета в России 20 века.

Начало ХХ века характеризуется лидирующими позициями русского балета в мировом балетном искусстве. Теперь школа русского балета – это самый лучший репертуар и капитальные традиции. В этот период, в связи с социальными переменами, обновляются все виды искусства. Их главным назначением становится критическое отражение жизни. Подобных перемен требовал и балет, который теперь обладает полным потенциалом для обновления в отношении стиля и методов. В этот период активно действуют балетмейстеры-реформаторы: А.А. Горский и М.М. Фокин. Они пропагандировали ряд художественных принципов: пластическую естественность, стилистическую правдивость, единство действия. Эти балетмейстеры способствовали замене старых, уже не актуальных форм балета, утвердив вместо них хореографическую драму, в которой главными соавторами балетмейстера становились сценографы.

Фокин и Горский сотрудничали с выдающимися художниками современности: А.Н. Бенуа, К.А. Коровиным, Л.С. Бакстом, А.Я. Головиным, Н.К. Рерихом. В их оформлении спектакли принимали новое, самобытное звучание

К моменту свершения Октябрьской революции (1917) балет уже обрёл славу национального достояния; искусства, содержащего в себе огромную культурную ценность. Из-за свершившегося коренного перелома многие артисты балета эмигрировали, оставшиеся претерпевали идеологическое давление. В то же время, балетный театр стремился сохранить прежние традиции.

В Ленинграде художественным руководителем труппы стал Ф.В. Лопухов. Будучи великолепным знатоком классического наследия, он по натуре был реформатором. Именно с этой позиции он и подходил к классическому репертуару, реставрируя его, внедряя в него новые темы. Лопухов производил свои поиски в области драматической режиссуры. Его заслугой является обогащение балетной пластики новыми элементами: акробатическими, спортивными, игровыми, обрядовыми.

Советский балет 1930-х гг. отличался героической направленностью, психологической усложнённостью героев, широким диапазоном, включавшим в себя и лирику, и трагизм. 30 – 40-е гг. – этап синтезирования форм классического балета и национального танца, отличающегося острой характерностью и национальными красками; соединения сольного и массового начала. Начинает доминировать хореографическая драма. В балетах этого типа все элементы спектакля: танец, музыка, пантомима, художественное оформление оказались подчинены замыслу режиссёра, который разработал драматургию на основе литературного произведения. Кроме того, балеты 30 – 40-х гг. отразили интерес искусства этого периода к истории и национальному фольклору.

Период Великой Отечественной войны ознаменован активной деятельностью ведущих представителей московского и ленинградского балета в эвакуации. В связи с этим, многие провинциальные труппы переживают значительный профессиональный рост. В первые годы после войны в балетном искусстве начинает преобладать патриотическая тема.

5. Балет России в 21 веке.

Как и ранее, Большой и Мариинский театры взрастили поколение ярких талантов, покоряющих сегодня мировую сцену: У. Лопаткина, Д. Вишнёва, Н. Цискаридзе, С. Захарова, М. Александрова, И. Цвирко, Д. Хохлова, Э. Латыпов, Н. Батоева и многие другие.

Сегодня балет продолжает интенсивно развиваться, о чём свидетельствуют не только многочисленные театры и частные труппы, но и регулярно устраиваемые конкурсы артистов балета. Помимо развития классических традиций, активно осваиваются экспериментальные жанры и формы. То же самое касается и репертуара. По-прежнему театры дают классические балеты, но при этом на сцене появляются новые, во многом необычные постановки под музыку самых различных жанров.

Балет XXI века ещё очень молод, однако, многообразие талантливых имён и удачные эксперименты наравне с поддержанием традиций, даёт основание полагать, что это искусство ещё не исчерпано и имеет большие перспективы.

6. Заключение.

В данной работе рассматривалась история русского балета. Появившийся во второй половине XVII века как придворное развлечение, русский балет уже в XVIII веке вырос в большое и самобытное искусство. В XIX – XX веке он и вовсе превзошёл балеты всех стран мира, стал визитной карточкой страны.

Русский балет имел два источника: национальный танец и иностранное влияние. Последнее сначала преобладало в русском искусстве балета: французские и итальянские хореографа и танцовщицы самоотверженно трудились на русской ниве. В дальнейшем ситуация изменилась коренным образом. Русские хореографы и русские танцовщицы подняли отечественный балет до небывалых высот. Усложнение и усовершенствование балетной техники, актёрского мастерства, продуманная и глубокая драматургия – вот этапы эволюции, по которым восходил русский балет. Из развлекательного искусства он превратился в искусство высшей пробы, покорившее весь мир. Каждый из крупных балетмейстеров и танцовщиков России – это самобытный стиль, высочайшее актёрское мастерство, доведённая до совершенства техника. Русский балет – это феномен культуры, источник нравственного совершенства, который необходимо сохранять и подпитывать.

7. Список литературы.

1. Балет. Энциклопедия. – М.: Советская энциклопедия, 1981. – 264 с.

2. Бахрушин Ю.А. История русского балета/Ю.А. Бахрушин. – М.: Советская Россия, 1965. – 227 с.

5. Дживелегов А.К. Итальянская народная комедия/А.К. Дживилегов. — М.: Издательство АН СССР, 1954. — 298 с.

7. Карская Т.Я. Французский ярмарочный театр/Т.Я. Карская. — Л.: Искусство, 1948. — 232 с.

9. Лифарь С.М. История русского балета/С.М. Лифарь. – Париж, 1945. – 307 с.

10. Михневич В.О. Избранные статьи/В.О. Михневич. – М.: Наука, 1986. – 415 с.

11. Предеина Т.Б. Вопросы периодизации истории отечественного балетв XX – XXI веков/Т.Б. Предеина//Вестник Челябинской государственной академии культуры и искусств. 2013. – 1 (33). – 388 с. С. 103 – 106.

12. Слонимский Ю. У колыбели русской Терпсихоры//Ю. Слонимский. Избранное. – М.: Искусство, 1996. – 321 с.

13. Худеков С.Н. Всеобщая история танца/С.Н. Худеков. – М.: Эксмо, 2010. – 608 с.

14. Шмырова Т.И. Развивая образное мышление/Т.И. Шмырова//Советский балет, 1990. – 2. – 64 с. С. 60 – 61.

Читайте также: