Живопись древней индии кратко
Обновлено: 05.07.2024
Культура Древней Индии сформировалась много тысяч лет назад, первые города появились в начале I тысячелетия до н. э. и имели рабовладельческий строй, это отразилось в традициях, религии и в искусстве. Территории Индии были заселены разными народностями, которые создавали произведения искусства и литературы, самые первые находки историки относят к III тысячелетию до н.э.
В основном цивилизация Древней Индии развивались в Северной Индии, так как эти территории были более плодородными. На протяжении многих веков здесь развивалась живопись, архитектура и скульптура.
Для индийского искусства характерно стремление к роскоши и богатству. Архитектурные традиции Индии сохраняют элементы роскошной резьбы по камню и дереву. Древнеиндийская скульптура и живопись богата образами героев и богов, которые стали традиционными для индийской культуры.
Рисунок 1. Барельеф индийского храма. Автор24 — интернет-биржа студенческих работ
Зарождение искусства в Индии
Искусство Индии начиналось с наскальной живописи и было тесно связано с религией и мифологией, но при этом и отражало жизнь того времени. В культурном развитии Индия является целостной системой, которая многие века хранила свои традиции. В своем развитии искусство древней Индии было связано и с шумерской, греческой и даже с китайской культурой.
Самые первые произведения искусства были созданы в период неолита, ценной находкой являются памятники Хараппа (в Пенджабе), которые относятся к бронзовому веку. Артефакты того периода, говорят о развитии ремесел и письменности.
Харапа – древний индийский город, расположен на территории современного Пакистана.
Готовые работы на аналогичную тему
Искусство древней Индии в II в. до н.э. – III в н.э.
В искусстве этого периода можно обнаружить определенную связь с социальными мотивами. Художник Амаравати в своей живописи использовал символы, изображал не только богов и религиозные сюжеты, но и эпизоды из обыденной жизни.
Искусство содержит элементы, которые невозможно объяснить без знаний древних индийских текстов. Такие изображения встречаются до VI века, ими расписан комплекс Аджанта.
Аджанта – индийский храмовый комплекс в виде пещер расположен в штате Махараштра.
Индийская культура VI – X вв.
С эпохой Гупта появляются новые направления и элементы в искусстве. Художники постепенно теряют интерес к образу человека, все больше они обращаются в своих произведениях к богам и их жизни, в это время также распространено изображение природы.
Гупта – эра древнеиндийского календаря.
После X века в живописи уже гораздо реже встречаются изображения природы и ее явлений, художники полностью сосредоточились на буддийских богах, такими изображениями пестрят рукописи, социальные же проблемы того периода художников не волновали.
Ближе к концу XIV века художники начинают в своем творчестве уделять внимания социальной жизни, изображают иностранцев, в живописи присутствует мусульманские мотивы. Изобразительное искусство Индии этого времени дает более наглядное представление о жизни людей, чем многие другие древние источники.
В XVI веке все еще сохранялась эта заинтересованность, появляются изображения простых людей и их ежедневного быта, искусство приобретает новые смыслы.
Скульптура Древней Индии
Обычно скульптурой украшали древние храмовые сооружения, стены были полностью заполненными фигурами Будды, а свободное место между ними покрывали орнаментом. Скульптурными рельефами также изображали легенды из жизни Будды.
Новым поворотом в скульптуре стало изображение Будды в образе человека, такого ранее в индийском искусстве не было. Образ Будды и его учеников и последователей стал передавать представление о личности, познавшей самого себя, облик которой грамотно сочетал в себе физическую и духовную красоту
Помимо буддийских сюжетов в храмах можно было встретить и сюжеты из традиционной жизни, такие скульптуры помещали в ниши или ставили у стен. Это могли быть фигуры духов, божеств, богинь. Получили свое развитие и портретные статуи в виде фигур правителей, уже в то время статуи очень реалистично передавали черты лица, фигуры и даже некоторые детали одежды.
Кроме Будды, есть в индуизме и много других богов, также популярен бог Ганеши, он является сыном Шивы и Парвати. В основном его изображали в виде фигуры человека с головой слона, изображения богов индуистского пантеона, а также их статуи скульптуры дошли до наших дней и имеют огромное значение для мировой культуры.
Декоративно-прикладное искусство
Декоративно-прикладное искусство получило свое развитие в форме литья из бронзы и производства ювелирных изделий. Также индийские мастера из керамики делали посуду, после расписывали ее и украшали изображениями животных, окруженных растениями, в основном распространена была черная и красная краска для росписи, другие цвета тоже использовали, но реже.
Весомый вклад в сохранение культуры и искусства древней Индии внес русский художник Рерих, позже его поддержал его сын, который занимался охраной культурный ценностей древней Индии.
Таким образом, Индия это страна с очень яркой и многоликой культурой, на формирование особого стиля ее искусства, скульптуры, литературы многие века влияли три разных религии – буддизм, ислам и индуизм, в результате что-то забывалось, что-то вновь появлялось и выражалось в искусстве того или иного периода.
Предлагаем вам прикоснуться к прекрасному – к искусству. Такая богатая в культурном плане страна, как Индия, славится своей живописью, начиная с древних времен и заканчивая современностью. Сегодня мы хотим рассказать, какие индийские художники были известны миру в истории и сейчас, как они жили, как творили и чем прославились.
Будет интересно, а главное – познавательно.
Живопись древности
Древняя индийская живопись ассоциируется в первую очередь с пещерами Аджанты и их фресками. Приблизительно со 2 столетия до нашей эры тут жили буддийские монахи. К 5 столетию нашей эры буддизм в Индии, вытесненный индуизмом, пришел в упадок, и монахи покинули территорию.
Чудеса, скрытые за стенами пещеры, были открыты много лет спустя – лишь в 19 веке. В 1819 году охотники из Англии случайно наткнулись на бывшие святыни и обнаружили внутри удивительные по красоте настенные фрески. Они изображали фрагменты жизни главного учителя буддизма, его приближенных, а также правителей Древней Индии и представителей царского двора.
Пещерные фрески Анжанты
В 1920-е годы ставшие знаменитыми фрески пещер Аджанты отреставрировали. Впоследствии их признали гордостью Индии, культурным наследием древних художников, имен которых, увы, не осталось.
Средневековье
Уход монахов буддизма означал окончание эпохи пещерной росписи, но не исчезновение индийского живописного искусства в целом. Напротив, подобные события повлекли за собой новый виток развития, а именно – книжную миниатюру.
Особенность изображений состояла в том, что лица имели немного искаженный вид: оба глаза писались в анфас, нос был острым и длинным настолько, что выходил за щеки. Грудная клетка тоже была нарочито выдающейся.
Древняя индийская книжная миниатюра
16-17 столетия характеризуются развитием раджпутской живописи и могольской миниатюры. Последняя стала особенно популярна при дворе Великих Моголов во время правления Джахангира в 17 веке – с 1605 по 1627 год.
Про Джахангира говорили, что он был пристрастен к алкоголю, опиуму, праздной жизни и женщинам. Отчасти это правда – среди других падишахов империи Моголов он был более склонен к такому образу жизни. Но при этом он считался большим ценителем искусства, взрастил выдающихся художников при дворе, да и сам обладал бесспорным талантом художника.
Могольская миниатюра
До наших дней сохранилось несколько портретов Джахангира.
Одним из самых великих художников – современников и протеже Джахангира был Бичитр. Времена его творчества датируются 1610-1660 годами.
Воспитанный при дворе, он был неплохо образован, знал персидский язык как иностранный. Учителем по рисованию был Абу-ль-Хасан. Художественная карьера началась в придворной мастерской, которая именовалась как китабхана.
Первой работой считается картина, написанная в 1615 году, и уже тогда прослеживается индивидуальный стиль художника. Годом позже он написал портрет падишаха Джахангира, а также собственный автопортрет. Бичитр изобразил себя как молодого человека в районе тридцати лет в одеянии придворного.
Среди остальных художников двора Бичитр отличался отточенной техникой, в основе которой лежала реалистичность и точная передача эмоций на лице. Он стал известен как выдающийся портретист – картины Бичитра изображали главные события в истории империи, правителей, членов императорской семьи, знать, духовников, а иногда даже животных.
Большую известность художник приобрел при царствовании Шаха Джахана – последователя Джахангира. В работах можно проследить некоторое влияние европейских канонов живописи того времени: герои изображались боком или полубоком, в ¾ фигуры, а каждая картина венчалась индивидуальным орнаментом. Позже, в 30-е годы, можно увидеть изменение стиля от некоего романтизма до лаконичности, сдержанности.
Новое время
В 18 веке усиливалась колонизация, и к 19 столетию Индия, претерпевшая века правления мусульман, а затем – европейских колонизаторов, почти полностью утратила свою самобытность. Индийская живопись во многом переняла стиль художников Европы, в первую очередь – Англии. Но 19-20 века богаты замечательными мастерами кисти, и мы хотим рассказать о главных из них.
Раджа Рави Варма
Раджа Рави Варма считается первым индийским художником, всерьез увлекшимся картинами на холсте. Он жил и творил во второй половине 19 века по большей части в Бомбее – нынешнем Мумбаи.
Художник родился в 1848 году на территории современной Кералы в благополучной и довольно богатой семье, знакомой с наукой и искусством: отец – ученый, мать – литератор и поэт, а также трое братьев и сестер.
Раджа Рави Варма
Будучи начинающим художником, Раджа Рави Варма нашел покровительство местного махараджи. Благодаря ему он обучался у известных учителей:
- Рама Найду Свами – раскрывал тайны картин, написанных акварелью;
- Теодор Дженсон – выходец из Европы, специализировался на портретах маслом.
Навыки, способности, знания, привитые учителями, способствовали созданию индивидуального стиля Рави Вармы. Он вобрал черты английского аристократизма и индийской самобытности. Картины художника многие называют очень чувственными, иногда даже слишком, но именно это привлекает сентиментальных индийцев, поэтому до сих пор во многих домах можно увидеть репродукции его работ.
Мотивы картин тоже были самыми разными, порой даже противоположными:
Любой сюжет давался мастеру одинаково хорошо. Реалистичности бытовому жанру придавал тот факт, что он путешествовал по всей Индии в поисках идей, лиц и видел все своими глазами.
Амрита Шер-Гил
Амрита – первая знаменитая женщина в индийской живописи. Она творила в 20 веке, а ее работы удостоены звания национального достояния Индии.
Амриту Шер-Гил также часто называют индийской Фридой Кало. Действительно, у девушек много общего: во внешности, образе жизни, судьбе. Обе с ярким внешним видом, темными волосами и густыми бровями, они своим поведением порождали слухи о множестве любовников и любовниц, а в итоге обеих ждала скоропостижная смерть.
Девушка родилась в начале 1913 года в венгерской столице – в Будапеште. Семья отличалась статусом и образованием: отец был из сикхской аристократии, преподавал санскрит и персидский, мать – еврейка из Венгрии, пела в опере. Также у Амриты была сестра Индира, с которой они с самого детства были близки, вместе устраивали детские показательные выступления.
Амрита Шер-Гил (справа) и ее сестра Индира
Семья жила в Будапеште. Амрита была очень творческой девочкой: играла на фортепиано и скрипке, но лучше всего ей давалось рисование, которым она занималась с пятилетнего возраста.
В 10 лет девочка с матерью переехала во Флоренцию, где поступила в школу искусств, но скоро они вынуждены были уехать в Индию. В 16 лет Амрита снова приехала в Европу, на этот раз в Париж, где стала еще ближе искусству живописи.
Сама Амрита, повзрослев, писала в своем дневнике, что Европа принадлежит многим художникам, а Индия принадлежит только ей.
Амриту Шер-Гил называют самой дорогой художницей в истории Индии.
В середине 30-х годов девушка чувствовала, что ей хочется вернуться на родину. Там она много путешествовала и нашла, наконец, свое призвание – показывать в картинах быт индийского народа, граничащий с нищетой и угнетением. Ярким примером реалистичного взгляда на жизнь индийцев является работа-трилогия, состоящая из картин:
В 1938 году Амриту взял в жены ее двоюродный брат из Венгрии, а тремя годами спустя они перебрались в Лахор, бывший тогда культурной столицей Индии. Юная художница планировала устроить собственную выставку, но неожиданная болезнь, которая перешла в кому, забрала ее жизнь. Это случилось 6 декабря 1941 года. Нет официальной причины ее смерти, но одна из версий – последствия аборта.
Сегодня многие работы Шер-Гил хранятся в Галерее современного искусства в индийской столице. Там же названа улица в ее честь. Племянник Амриты, сын Индиры, впоследствии тоже стал художником и один свой проект, посвященный творчеству тети, выставлял в Лондоне.
Современность
Художественный талант Индии достиг своего пика, пожалуй, в современном мире. Подтверждение тому – большое количество художников нашего времени: пейзажистов, портретистов, абстракционистов, сюрреалистов и других современных направлений. В последнее время Болливуд часто радует своих зрителей фильмами, где главные герои – люди, влюбленные в изобразительное искусство.
Приведем список самых ярких представителей этой творческой профессии среди наших современников.
Наследственный художник, родился в 1976 году. Учился в Калькуттском колледже искусств, сейчас живет в Мумбаи. Главная тема работ – взаимоотношения полов. Воплощает идеи с помощью контрастных цветов акрилом, а также углем.
Появился на свет в 1973 году в Западной Бенгалии. Малая родина с ее первозданной природой, простой пасторалью, а также чтение книг во многом оказали влияние на будущую профессию мальчика. Рисует акварелью, акцентируя внимания на игре светотени.
Земляк Амита Бхара, но родился раньше – в 1961 году. Получил высшее художественное образование в Калькутте, был учеником другого мастера – Бхаттачарджи.
Вся ее жизнь связана с Бангалором. Создает удивительные картины на национальные мотивы, а также делает упор на язык телодвижений. Еще удивительнее то, что она училась художеству самостоятельно.
Родившись в 1963 году, в молодости он получил степень бакалавра в области изобразительного искусства. Впоследствии выставлял свои проекты на множестве выставок, в том числе за границей. Любимый материал – акрил.
Молодой человек рисует исключительно углем. Это трудно и просто одновременно, но всегда невероятно красиво. Всего один цвет, черный, может передать целый спектр чувств.
Уроженец столицы, Арчан прославился благодаря так называемым цифровым работам. Это его собственный стиль, в основе которого лежит абстракционизм, поп-арт и недюжинный талант.
Живет и творит в Мумбаи. Виды родного города, его жители позволяют творцу черпать вдохновение. В основе – жизнь обычных людей, раскрашенная контрастной палитрой. Абид не раз участвовал в выставках в родной стране, в Сингапуре, а также создавал персональные экспозиции.
Заключение
Изобразительное искусство Индии имеет многовековую историю, зародившись на стенах пещер. С течением времени художники меняли свое видение мира, в том числе под влиянием представителей других культур – отсюда знаменитая раджпутская живопись, могольские миниатюры и их творцы.
Имена индийских художников известны миру только начиная с 17 века, но это было только начало. Новое время подарило Индии и человечеству в целом много выдающихся живописцев, и в нашем веке их число только растет.
Древняя индийская фреска
Из литературных источников нам известно, что дворцы и дома богатых людей украшала живопись. Изобразительным искусством занимались как мужчины, так и женщины из высших сословий, а также профессиональные художники. Храмы и другие религиозные здания украшали настенной и станковой живописью. Скульптуры покрывали краской и золотом. Сохранившиеся произведения ранне-индийского изобразительного искусства датируются I в. до н. э. Их можно встретить в одном из пещерных храмов Аджанты.
Изображение антилоп. Мамаллапурам
Стены этого храма расписаны фресками на сюжеты джатак. Так же как и в Санчи, они представляют собой сплошное повествование, отдельные эпизоды не отделяются друг от друга линиями или рамками. Очень реалистично нарисованы слоны (речь идет о воплощении Будды в слона, когда он принес в жертву свои бивни), а между фигурами слонов проложен лиственный орнамент и цветы. Живописная техника была развита достаточно высоко. Метода перспективы не существовало. Для того чтобы показать дистанцию и глубину, предметы и фигуры на дальнем плане располагались выше, чем на переднем. Художники широко пользовались условными изображениями. Скалы, например, изображали в виде кубиков, а горы – кубиков, нагроможденных друг на друга.
На фресках Аджанты кипит повседневная жизнь того времени. Перед нами проходят цари и принцы, придворные, женщины из гарема. Мы видим толпы крестьян, бродяг, паломников и аскетов, разнообразных животных, птиц и множество цветов и других растений, садовых и дикорастущих. Фрески в стиле Аджанты встречаются и на стенах пещерного храма в Багхе, в 160 км севернее Аджанты, а также в других пещерных храмах.
Делали их следующим образом. Стену покрывали слоем глины или коровьего навоза, смешанного с нарезанной соломой или шерстью животных, а потом наносили слой белой глины или гипса. После этого художник рисовал изображение яркими красками. В конце работы поверхность отшлифовывали, чтобы придать ей яркость и прочность. Для того чтобы лучше видеть в сумраке пещеры, художник использовал металлические зеркала, отражающие дневной свет. Роспись в Аджанте продолжалась до VII в.
Данный текст является ознакомительным фрагментом.
Продолжение на ЛитРес
Живопись человекоотступников
Глава 6 ЖИВОПИСЬ
Глава 6 ЖИВОПИСЬ Как и другие школы живописи, абиссинская школа – обобщенный продукт местных и иностранных влияний. Но в случае с Абиссинией иностранный элемент имел очень сильное влияние. В их изобразительном искусстве очень мало африканского. Это искусство вплоть до
Живопись
Живопись Из литературных источников нам известно, что дворцы и дома богатых людей украшала живопись. Изобразительным искусством занимались как мужчины, так и женщины из высших сословий, а также профессиональные художники. Храмы и другие религиозные здания украшали
Таблица VII Ранняя христианская живопись в Риме
Таблица VII Ранняя христианская живопись в Риме Примечание: адреса церквей и катакомб указаны в таблицах II и IV.Со II по IV век н.э.Катакомбы:Присциллы;Святого Себастьяна;Коммодилла;Сан-Каллисто;Святой Домициллы;Святых Марчеллино и Пьетро;Святого Валентина;Хипогеум (склеп) на
Живопись человекоотступников
Живопись человекоотступников Это были, скорее, эскизы, наброски, сделанные сначала легкими штрихами японской туши, а затем раскрашенные. Все они изображали обмороженные конечности "бревен".Если смоченные холодной водой конечности держать на открытом воздухе при сильном
Этрусская живопись и скульптура – архаический период
Этрусская живопись и скульптура – архаический период В этрусском пластическом искусстве нас поражает и скудность, и зачастую среднее качество скульптуры на каменных барельефах; в Греции они всегда замечательны. Этрусские художники предпочитали ваять из глины и
Глава 5 Планировка городов, архитектура, скульптура и живопись
Глава 5 Планировка городов, архитектура, скульптура и живопись По мере расцвета творческого гения греков народы Средиземноморья, среди которых были и этруски, все больше ощущали на себе влияние греческого искусства. Тем не менее архитектура, скульптура и живопись
Живопись
Живопись Самое любопытное в этрусских фресках то, что они вообще сохранились до наших дней. Это единственная большая группа произведений монументальной живописи классического мира доримской эпохи, и дошли они до нас благодаря этрусской традиции украшать стены
Глава 9 Живопись
Глава 9 Живопись В результате раскопок бань, построенных в Гарни в III веке нашей эры, был обнаружен выложенный мозаикой пол одной из комнат – единственный сохранившийся образец изобразительного искусства языческого периода в Армении. Размеры мозаики – 2,9 х 2,9 метра. В
Живопись
Живопись Живопись майя, как это видно из фресок, демонстрирует реалистичное восприятие и еще более развитый реалистичный стиль, чем в какой-либо другой цивилизации из числа солнечных царств Америки. Искусство не предназначалось для масс. Несмотря на это, у майя
Что же такое наскальная живопись?
Перед тем как приступить непосредственно к росписи, художники наносили двухслойную основу: сначала, для выравнивания грубой скальной поверхности, накладывали глиняную штукатурку, а затем известковую. Картина создавалась поэтапно. Первоначально красной охрой прорисовывались контуры, затем они заполнялись коричневой, ярко-красной или черной краской. Почти все красители для картин изготавливались из местных вулканических пород. Так как использовался животный и растительный клей, картины привлекали насекомых, что приводило к появлению пузырьков и трещин на изображениях. В более поздних картинах использовались насыщенные жидкие краски.
Индийская живопись многолика. Большая ее часть замечательна своей сложной композицией, точностью деталей, яркими и насыщенными цветами, многообразием сюжетов — от портретов и событий придворной жизни до бесчисленных изображений богов и богинь.
Живопись Аджанты
Пещерная живопись Аджанты и Эллоры датируется I–V вв. н.э. Она свидетельствует о высоком уровне мастерства художников того времени и точном следовании правилам древнеиндийских трактатов по живописи. Нельзя не обратить внимания на нежные, но одновременно твердые линии, длинные мазки, изящные контуры, тонкие переходы оттенков одного и того же цвета. Ярко очерченные нос, веки и губы выделяют фигуры на плоской поверхности стены. Мягкие позы, гибкое тело, выразительные черты, разнообразие причесок, украшений и орнаментов характерны для изображений на фресках в пещерах. Самыми известными являются пещеры Аджанты, выдолбленные в вулканической скале на Декканском плато. Пещерная живопись выполнена художниками, которых нанимали буддистские монахи. Каменные стены превращались в иллюстрированные книги о жизни и учении Будды, где были изображены костюмы, разнообразные орнаменты, а также стиль придворной жизни того времени. Расположенные рядом с древними торговыми маршрутами, пещеры привлекали торговцев и паломников, которые становились проводниками этого искусства в Китай и Японию.
Техника живописи по стеклу относится к XVI в. — времени правления махараджей в Танджоре (штат Тамилнад). Танджор известен своим особым стилем украшения картин, выполненных на стекле, доске или куске фанеры, покрытом тканью и известью. Сначала делается контур, затем при помощи смеси из древесных опилок и клея на изображение наклеиваются полудрагоценные камни, тонкая золотая пластинка и позолоченный металл. Мастерство ремесленника заключатся в том, чтобы сбалансировать эффект, создаваемый камнями. В основном изображают Кришну в разных позах.
В технике живописи каламкари при помощи обожженных веточек дерева тамаринд, обмакнутых в патоке и железных опилках, создаются контуры. Растительные краски глубоких оттенков используются в изображении эпических сцен. Краска наносится несколько раз, в результате достигается мягкий, но великолепный эффект. Картины в стиле каламкари создаются на мифологические сюжеты, размеры персонажей на них больше реальных. Благодаря великому многообразию выражений ни одна картина не похожа на другую.
Художники стиля пата читра относятся к семье храма Джаганнатх, расположенного в Пури. В этой традиции ткань, хлопок или туссар покрывают смесью из мела, семени тамаринда, смолы, придавая поверхности отделку, похожую по текстуре на кожу. Эта же смесь используется на пальмовых листьях. Рисунки на свитках или пергаменте, вероятно, представляют собой одну из древнейших традиций в живописи. Сюжетами здесь служат рассказы о божествах и чудесах; характерны отчетливость линий и яркость красок.
Живопись на слоновой кости включает чрезвычайно тонкую работу кисточкой с использованием каменных красок. Сначала слоновую кость обрабатывают и полируют. Изображение (обычно могольского императора) обводят, а затем раскрашивают. Однако, в наше время действует запрет на слоновую кость, и поэтому применяется верблюжья.
Живопись Мадхубани
Роспись стен домов
Живопись мадхубани
Народным искусством мадхубани занимаются женщины, проживающие вблизи базарного города с одноименным названием в штате Бихар. Живопись мадхубани необычайно художественна, стилизованна и символична. Для нее характерно изображение главных богов и богинь индуистского пантеона, а также одомашненных и диких животных. Изображения природы и мифологических сцен создавались на протяжении многих веков на стенах жилищ во время сезонных праздников религиозного года и особых событий, например, свадеб. Как художников женщин стали признавать только в последние тридцать лет. Во время сильной засухи 1966-68 гг. о регионе узнал весь мир, когда на развалинах домов были обнаружены удивительные рисунки. В результате Всеиндийский Совет по ремеслам взял регион на заметку. Впоследствии Совет стал поощрять художниц на создание для продажи традиционных картин на бумаге ручной выделки. Но даже в наше время большая часть работ остается безымянной, так как некоторые из женщин отказываются считать себя индивидуальными создателями произведений искусства.
Коммерциализация народного искусства стала настоящим подарком: она позволяет людям по всему миру открывать для себя искусство, имеющее долгое наследие и связанное с жизнью женщин, искусство, которое сохранило свою подлинность и позволило создать новый прибыльный источник занятости для сельских индианок. Всемирно развивающийся рынок в этом виде искусства есть ни что иное, как дань изобретательности женщин мадхубани, которые успешно перенесли свое мастерство бхитти читра или настенной живописи на бумагу и противостояли соблазну слишком вольно трактовать свои традиционные сюжеты в стремлении удовлетворить непредсказуемым вкусам общества.
Искусство Кантры
Искусство раскраски тела
Украшение тела различными стилизованными орнаментами, используя пасту хны, является древней практикой, которой в Индии занимаются во время праздников и особых событий, например, свадеб. Хну (или мехенди, как ее называют на Севере и марутхани — в Тамилнаде) получают из листьев растения хна. Листья толкут до получения густой пасты, которую затем накладывают на ладони и подошвы ног в виде геометрических узоров и оставляют высыхать. Если промыть окрашенные части тела водой, на обработанной области останется изображение. Подобным образом свои ноги разукрашивают танцоры. Доказано, что хна способствует охлаждению тела, в настоящее время она используется в медицинских целях и в качестве краски для волос во всем мире.
Стенная роспись на улице индийского города
Шекхавати — художественная галерея Индии под открытым небом
Шекхавати — это северо-восточный район Раджастхана. В свое время через него пролегал торговый маршрут, по которому возили пряности. Многочисленные разрисованные дома, окаймляющие улочки маленьких городов, делают этот район крупнейшей в мире художественной галереей под открытым небом.
Архитектура 19 и 20 веков — это своего рода демонстрация богатства марвари — торговцев региона, примечательного тем, что больше всего миллионеров и миллиардеров Индии родом из этих мест. Шекхавари назван так в честь своего правителя Рао Шекха, жившего в 15 веке. Стратегически расположенный на маршруте, соединявшем порт Гуджарат с Северной Индией, регион заметно процветал за счет податей, взимавшихся с торговых караванов. После падения благосостояния региона, последовавшего за развитием новых портов, таких как Мумбаи и Калькутта, начался массовый отток торговцев.
Рисунками покрыто практически все: стены, балконы, потолки, арки, колонны, купола кенотафов и даже наземные части колодцев.
Миниатюра Кангры
Современная живопись
О том, что в Индии процветает и развивается современное искусство, международное сообщество по искусству узнало лишь недавно. Как только индийские художники адаптировали традиционные образы и идеи к современной художественной практике, страна стала вносить свою важную лепту в культуру восточного модернизма. Художники, рисующие маслом или акрилопластом, пользуются спросом в Индии. Их работы не предназначены для какой либо функциональной цели, а, подобно современным картинам Запада, являются способами самовыражения. Современное искусство Индии — это по сути две разные культуры, существующие бок о бок. С одной стороны это народное и племенное, а с другой — городское и современное искусство.
Макбул Фида Хусайн — один из самых известных художников на субконтиненте. Начиная с 50-х годов, он оказывает огромное влияние на современную живопись Индии. В своих работах, часть которых написана в стиле неокубизма, он использует индийские мифы и фольклор, создавая поразительные эффекты.
В числе других известных индийских художников современности Сатиш Гуджрал, черпающий свое вдохновение в эмоционально насыщенном прошлом, Франсис Ньютон Суза, и легендарный Кришен Кханна, чья живопись варьирует от сугубо национальной до японской суми-е и че гувера. К современным художникам Индии можно отнести нашего великого соотечественника, большую часть своей жизни прожившего в этой стране, Святослава Рериха. Картины Святослава Рериха необыкновенны своим мастерством, сверканием красок, глубоким смыслом и индивидуальностью стиля.
Виртуальный тур, Выставка произведений искусства, История открытия, Глобальный культурный Интернет.
Индийская живопись имеет очень давнюю традицию и историю в индийском искусстве. Самые ранние индийские картины были наскальными рисунками доисторических времен, петроглифы, найденные в таких местах, как скальные приюты Бхимбетки, некоторые из скальных картин каменного века, найденные среди скальных приютов Бхимбетки, составляют приблизительно 30 000 лет. Буддийская литература Индии изобилует примерами текстов, в которых описываются дворцы армии и аристократический класс, украшенный картинами, но картины пещеры Аджанты являются наиболее значительными из немногих переживаний. Маломасштабная живопись в рукописях, вероятно, также практиковалась в этот период, хотя самые ранние пережитки происходят из средневекового периода. Живопись Моголов представляла собой сплав персидской миниатюры со старыми индийскими традициями, а с 17-го века ее стиль был распространен среди индийских княжеских дворов всех религий, каждый из которых развивался в местном стиле. Картины художников были сделаны для британских клиентов под британским раджем, который с 19-го века также ввел художественные школы по западным линиям, что привело к современной индийской живописи, которая все чаще возвращается к своим индийским корням.
Индийские картины создают эстетический континуум, который простирается от ранней цивилизации до наших дней. Начиная с того, что вначале было по существу религиозным, индийская живопись эволюционировала на протяжении многих лет, чтобы стать сплавом различных культур и традиций.
Шаданга индийской живописи
Вокруг 1-го века до н.э. были сформированы Шаданга или шесть конечности индийской живописи, серия канонов, излагающая основные принципы искусства. Ватсяяна, живший в третьем веке нашей эры, перечисляет их в своем Камасутре, извлекая их из еще более древних произведений.
Жанры индийской живописи
Индийские картины можно широко классифицировать как фрески и миниатюры. Фрески — большие работы, выполненные на стенах твердых сооружений, как в пещерах Аджанты и храме Кайлашнатх. Миниатюрные картины выполнены в очень небольшом масштабе для книг или альбомов на скоропортящемся материале, таком как бумага и ткань. Дворы Бенгалии были пионерами миниатюрной живописи в Индии. Искусство миниатюрной живописи достигло своей славы в период Моголов. Традицию миниатюрных картин выдвигали художники разных школ рисования Раджастхани, такие как Бунди, Кишангарх, Джайпур, Марвар и Мевар. В эту школу также входят картины Рагамала, также как и роспись компании для британских клиентов под британским раджем.
Древнеиндийское искусство увидело появление Бенгальской школы искусств в 1930-х годах, за которой последовало множество форм экспериментов в европейском и индийском стиле. После независимости Индии многие новые жанры искусства были разработаны такими важными художниками, как Джамини Рой, М. Ф. Хусейн, Фрэнсис Ньютон Соуза и Васудео С. Гайтонде. С развитием экономики формы и стили искусства также претерпели много изменений. В 1990-х годах индийская экономика была либерализована и интегрирована в мировую экономику, что привело к свободному распространению культурной информации внутри и снаружи. Художники включают Субодх Гупта, Атул Додия, Деваджоти Рэй, Босе Кришнамачари и Джитиш Кахллат, чьи работы пошли на аукцион на международных рынках. Bharti Dayal решил обработать традиционную живопись Митхилы самым современным способом и создал свой собственный стиль благодаря упражнениям своего воображения, они кажутся свежими и необычными.
Фрески из этого периода изображают в основном религиозные темы буддийских, джайнских и индуистских религий. Есть, однако, и места, где были сделаны картины, чтобы украсить мирские помещения, например, старинную театральную комнату в пещере Джогимара и возможный королевский охотничий домик около 7-го века н.э. — убежище Равана Чхайя.
Картина крупномасштабной настенной живописи, которая доминировала на сцене, стала свидетелем появления миниатюрных картин в XI и XII веках. Этот новый стиль фигурировал сначала в виде иллюстраций, выгравированных на рукописях из пальмового листа. Содержание этих рукописей включало литературу о буддизме и джайнизме. В восточной Индии основными центрами художественной и интеллектуальной деятельности буддийской религии были Наланда, Одантапури, Викрамшила и Сомарпура, расположенные в королевстве Пала (Бенгалия и Бихар).
Восточная Индия
В восточной Индии миниатюрная живопись развилась в 10 веке. Эти миниатюры, изображающие буддийские божества и сцены из жизни Будды, были нарисованы на листьях (около 2,25 на 3 дюйма) рукописей пальмовых листьев, а также их деревянных чехлов. Наиболее распространенные буддийские иллюстрированные рукописи включают в себя тексты Астасахастрика Прайнапарамита, Панчаракша, Карандавюха и Калачакра Тантра. Самые ранние сохранившиеся миниатюры встречаются в рукописи Астасахасрии Праджнапарамиты, датированной в шестой регальный год Махипалы (около 993 года), в настоящее время обладание Азиатским обществом, Калькуттой. Этот стиль исчез из Индии в конце XII века.
Средневековая миниатюрная живопись
Миниатюрные картины — это красивые картины ручной работы, которые довольно красочные, но небольшие по размеру. Изюминкой этих картин является сложная и тонкая малярная работа, которая придает им уникальную индивидуальность. Цвета изготовлены вручную, из минералов, овощей, драгоценных камней, индиго, раковин, чистого золота и серебра. Эволюция картин индийских миниатюр началась в Западных Гималаях, около 17 века
В этих картинах очень мало человеческих персонажей с лицевой стороны. Большинство человеческих персонажей видны с боковым профилем. Черные глаза, заостренный нос и тонкая талия — вот черты этих картин. Цвет кожи человека — Браун и справедливый. Цвет кожи Господа Кришны — Синий. Цвет волос и глаз черный. У женских персонажей длинные волосы. Человеческие персонажи носили украшения на руке, носу, шее, волосах, талии и лодыжках. Мужчины и женщины носят традиционное индийское платье, тапочки и обувь. Мужчины носят тюрбаны на голове. В этих картинах были расписаны деревья, реки, цветы, птицы, земля, небо, дома, традиционные стулья, подушки, шторы, лампы и человеческие персонажи.
В этих картинах использовались натуральные цвета. Для украшения картин используются черный, красный, белый, коричневый, синий и желтый цвета.
Короли, придворные королей, богатые бизнесмены и религиозные лидеры того времени были промоутерами этих миниатюрных картин.
Малва, Декан и Яунпур школы живописи
Новая тенденция в рукописной иллюстрации была установлена рукописью Ниматнамы, написанной в Манду, во время правления Насир-шаха (1500-1510). Это представляет собой синтез коренного и покровительственного персидского стиля, хотя именно последний доминировал над рукописями Манду. Был еще один стиль живописи, известный как Лоди Хуладар, который процветал в господстве султаната Северной Индии, простирающемся от Дели до Яунпура.
Стиль миниатюрной живописи, который вначале процветал в суде Бахмани, а затем в судах Ахмаднагара, Биджапура и Голконды, широко известен как Школа живописи Декана. Одна из самых ранних сохранившихся картин представлена в качестве иллюстраций рукописи Тариф-и-Хусейна Шахи (c.1565), которая сейчас находится в Бхарате Итихасе Самшодхака Мандала, Пуна. Около 400 миниатюрных картин найдены в рукописи Нуджум-уль-Улума (Звезды науки) (1570 г.), хранящейся в библиотеке Честер Битти, Дублин.
Живопись Моголов
Живопись Моголов — особый стиль индийской живописи, как правило, ограничиваясь иллюстрациями к книге и выполненными в миниатюрах, которые возникли, развились и сложились в период империи Великих Моголов 16-19 веков.
Картины Моголов были уникальным сочетанием индийского, персидского и исламского стилей. Поскольку короли-могалы хотели визуальных записей о своих деяниях в качестве охотников и завоевателей, их художники сопровождали их в военных экспедициях или государственных миссиях или записывали свое мастерство как животных-убийц или изображали их в великих династических церемониях браков.
Правление Акбара (1556-1605) открыло новую эру в индийской миниатюрной живописи. После того, как он укрепил свою политическую власть, он построил новую столицу в Фатехпуре Сикри, где он собрал художников из Индии и Персии. Он был первым монархом, который основал в Индии ателье под руководством двух персидских художников-художников, Мир Сайед Али и Абдуса Самада. Ранее оба они служили под патронажем Хумаюна в Кабуле и сопровождали его в Индию, когда он вернулся на трон в 1555 году. Было занято более ста живописцев, большинство из которых были индусами из Гуджарата, Гвалиора и Кашмира, которые дали рождение новой школы живописи, широко известной как Школа миниатюрных картин Великих Моголов.
Одним из первых произведений этой миниатюрной школы была серия Хамзанама, которая, по словам историка суда, Бадаюни, была начата в 1567 году и окончена в 1582. Хамзанама, рассказы об Амире Хамзе, дяде Пророка, были проиллюстрированы Мир Саид Али. Картины Хамзанамы имеют большие размеры, 20 х 27 дюймов и окрашены в ткань. Они находятся в персидском стиле сафави. Преобладают яркие красные, синие и зеленые цвета: розовые, эрозионные скалы и растительность, самолеты и цветущая слива и персиковые деревья напоминают Персию. Однако индийские оттенки появляются в более поздних работах, когда нанимались индийские художники.
После него Джахангир поощрял художников рисовать портреты и сцены в драматургах. Его самыми талантливыми портретистами были Устад Мансур, Абул Хасан и Бишандас.
Шах Джахан (1627-1658) продолжил патронаж живописи. Некоторые из известных художников того времени были Мухаммед Факируллах Хан, Мир Хашим, Мухаммад Надир, Бичитр, Читарман, Анупчатар, Манохар и Хонхар.
Аурангзеб не имел вкуса к изобразительному искусству. Из-за отсутствия покровительства художники мигрировали в Хайдарабад в Декан и в индуистские штаты Раджастхан в поисках новых покровителей.
Раджпутская живопись
Раджпутская живопись, стиль индийской живописи, развивалась и процветала, в 18 веке, в королевских судах Раджпутаны, Индия. Каждое королевство Раджпут развивалось в определенном стиле, но с некоторыми общими чертами. Раджпутские картины изображают ряд тем, события эпопей, таких как Рамаяна и Махабхарата, жизнь Кришны, красивые пейзажи и люди. Миниатюры были предпочтительной средой раджпутской живописи, но в нескольких рукописях также были представлены картины Раджпута, а картины были сделаны даже на стенах дворцов, внутренних палат крепостей, бухт, в частности, шеве Шехавати.
Использовались цвета, извлеченные из определенных минералов, растительных источников, раковин и даже полученные путем обработки драгоценных камней, золота и серебра. Подготовка желаемых цветов была длительным процессом, иногда занимающим недели. Использованные кисти были очень хорошими.
Майсурская живопись
Живопись Майсура — важная форма классической южноиндийской живописи, которая возникла в городе Майсур в Карнатаке. Эти картины известны своей элегантностью, приглушенными цветами и вниманием к деталям. Темы для большинства из этих картин — индуистские боги и богини и сцены из индуистской мифологии. В наше время эти картины стали востребованным сувениром во время праздничных мероприятий в Южной Индии.
Танджорская живопись
Танджорская живопись — важная форма классической южно-индийской живописи, родной для города Танджор в Тамил-Наду. Художественная форма восходит к началу девятнадцатого века, период, в котором доминируют правители Чолы, которые поощряли искусство и литературу. Эти картины известны своей элегантностью, насыщенными цветами и вниманием к деталям. Темы для большинства из этих картин — индуистские боги и богини и сцены из индуистской мифологии. В наше время эти картины стали востребованным сувениром во время праздничных мероприятий в Южной Индии.
Процесс создания картины Танджоре включает в себя множество этапов. Первый этап включает в себя создание предварительного эскиза изображения на базе. Основание состоит из ткани, наклеенной на деревянную основу. Затем меловой порошок или оксид цинка смешивают с водорастворимым клеем и наносят его на основание. Чтобы сделать основу более гладкой, иногда используется мягкий абразив. После того, как рисунок сделан, украшение ювелирных изделий и одежды на изображении выполнено из полудрагоценных камней. Кружева или нитки также используются для украшения ювелирных изделий. Кроме того, золотые фольги наклеены. Наконец, красители используются, чтобы добавить цвета к фигурам в картинах.
Картина Кангра
Этот стиль возник в государстве Гюлер, в первой половине 18 века и достиг своего зенита во время правления Махараджи Сансара Чанда Катоха.
Мадхубани
Живопись Мадхубани — это стиль живописи, практикуемый в регионе Митхила штата Бихар. Темы вращаются вокруг индуистских богов и мифологии, а также сцены из королевского двора и социальных мероприятий, таких как свадьбы. Как правило, пустое место не остается пустым; пробелы заполнены картинами цветов, животных, птиц и даже геометрическими рисунками. В этих картинах художники используют листья, травы и цветы, чтобы сделать цвет, который используется для рисования картин.
Бенгальский Патахитра относится к живописи Западной Бенгалии. Это традиционное и мифологическое наследие Западной Бенгалии. Бенгальский Патахитра разделен на несколько различных аспектов, таких как Дурга Пэт, Хальчитра, Племенной Патахитра, Мединипур Патахитра, Калигат Патахитра и т. Д. Предмет Бенгальской Патахитры — в основном мифологические, религиозные истории, фольклорные и социальные. Калигат Патахитра, последняя традиция Бенгальской Патахитры, разработана Джамини Роем. Художник Бенгальской Патахитры называется Патуа.
Бенгальская школа
Бенгальская школа искусств была влиятельным стилем искусства, который процветал в Индии во времена Британского Раджа в начале 20-го века. Это было связано с индийским национализмом, но также поддерживалось и поддерживалось многими британскими администраторами искусств.
Влияние Бенгальской школы на индийскую художественную сцену постепенно начало ослабевать с распространением постмодернистских идей. КГ Субраманян играет важную роль в этом движении. Сегодня Академия искусств имени Реднова в Банкуре, Индия, также известна художественной академией, созданной художником Аширлялом.
Контекстуальный модернизм в недавнем прошлом нашел свое применение в других смежных областях исследований, особенно в архитектуре.
Народная индийская живопись
Народное искусство — это искусство живое (современное искусство), основанное на прошлом (мифы, традиции и религия) и сделанное определенными группами. Народное искусство основано на коллективной памяти этой группы.
Примеры народной индийской живописи:
Племенная живопись:
Живопись Бхиля
Картина Варли
Гондовочная живопись
Картина Сантхала
Живопись Saora
Картина Курумбы
Сельская живопись:
Картина Паттахитра
Мадхубани
Картина Каламкари
Живопись Колама
Картина Калама
Картины Манданы
Современная индийская живопись
В колониальную эпоху западные влияния начали оказывать влияние на индийское искусство. Некоторые художники разработали стиль, который использовал западные идеи композиции, перспективы и реализма для иллюстрации индийских тем. Другие, такие как Джамини Рой, сознательно черпали вдохновение из народного искусства. Барти Дейал решил использовать традиционную живопись Митхилы самым современным способом и использует как реализм, так и абстракционизм в своей работе с множеством фантазий, смешанных с ними. безупречное чувство равновесия, гармонии и благодати.
Ко времени Независимости в 1947 году несколько индийских школ искусств обеспечили доступ к современным методам и идеям. Для демонстрации этих художников были созданы галереи. Современное индийское искусство обычно показывает влияние западных стилей, но часто вдохновлено индийскими темами и изображениями. Крупные художники начинают получать международное признание, первоначально среди индийской диаспоры, но также среди неиндийских зрителей.
Группа прогрессивных художников, созданная вскоре после того, как Индия стала независимой в 1947 году, была нацелена на создание новых способов выражения Индии в постколониальную эпоху. Учредителями были шесть выдающихся художников — К. Х. Ара, С. К. Бакр, Г. А. Гаде, М. Ф. Хусейн, С. Р. Раза и Ф. Н. Соуза, хотя группа была распущена в 1956 году, она оказала глубокое влияние на изменение идиомы индийского искусства. Почти все индийские крупные художники в 1950-х годах были связаны с группой. Некоторые из тех, кто хорошо известен сегодня, — Бэл Чабда, Маниши Дей, В.С. Гайтонд, Кришен Ханна, Рам Кумар, Тайб Мехта, Беохар Рамманохар Синха и Акбар Падамзее. Другие известные художники, такие как Джахар Дасгупта, Прокаш Кармакар, Джон Уилкинс и Биджон Чудхури обогатили художественную культуру Индии. Они стали иконой современного индийского искусства. Историки искусства, такие как профессор Рай Ананд Кришна, также упомянули о тех работах современных художников, которые отражают индийский дух.
Кроме того, увеличение дискурса об индийском искусстве на английском языке, а также на народных языках Индии, означало, что искусство воспринималось в художественных школах. Критический подход стал строгим, критики, такие как Гита Капур, R. Шива Кумар, способствовал переосмыслению современной художественной практики в Индии. Их голоса представляли индийское искусство не только в Индии, но и во всем мире. Критики также сыграли важную роль в качестве кураторов важных выставок, переориентации модернизма и индийского искусства.
Индийское искусство получило импульс экономической либерализации страны с начала 1990-х годов. Художники из разных областей начали приносить разнообразные стили работы. Таким образом, после либерализации индийское искусство работает не только в рамках академических традиций, но и вне его. На этом этапе художники представили еще более новые концепции, которые до сих пор не были замечены в индийском искусстве. Devajyoti Ray представила новый жанр искусства под названием Pseudorealism. Pseudorealist Art — это оригинальный стиль искусства, который был полностью разработан на индийской земле. Псевдореализм учитывает индийскую концепцию абстракции и использует ее, чтобы превратить обычные сцены индийской жизни в фантастические образы.
В пост-либерализации Индии многие художники зарекомендовали себя на международном арт-рынке, таком как Аниш Капур и Чинтан, чьи мамонтовые произведения привлекли внимание к их огромным размерам. Многие художественные здания и галереи также открылись в США и Европе, чтобы продемонстрировать индийские произведения. Некоторые художники, такие как химан дэнги (художник, гравюре) Бхупат Дуди, Субодх Гупта, Пиу Саркар, Вагарам Чоудхари, Амитава Сенгупта и многие другие совершили магию во всем мире. Чхайя Гош — талантливый художник и довольно активен в галерее Triveni Art Gallery, Нью-Дели.
Читайте также: