History of painting кратко
Обновлено: 04.07.2024
Следующее контур представляет собой обзор и актуальный справочник по истории живописи:
История живописи - живопись - это изготовление картин, то есть нанесение краски, пигмента, цвета или другой среды на поверхность (опорную основу, такую как бумага, холст или стена); Средство обычно наносится на основу с помощью кисти, но можно использовать и другие инструменты, такие как ножи, губки и аэрографы. История живописи уходит корнями в прошлое, с артефактов доисторических людей, и охватывает все культуры. Он представляет собой непрерывную, хотя и периодически прерываемую традицию античности.
Содержание
Доисторическая живопись
Древняя живопись
История западной живописи
Средневековая живопись
Живопись эпохи Возрождения
Барочная живопись
Живопись 18 века
Живопись 19 века
Живопись 20 века
Этот список находится в случайном порядке. Приведена дата начала стиля или движения.
Живопись — это вид изобразительного искусства, представляющий собой способ запечатления окружающего мира красками на поверхности. Основное выразительное средство живописи — цвет, воздействующий на общее восприятие зрителем картины, позволяющий обращать внимание на важные детали, усиливающий эмоциональную составляющую произведения. Оттенки и тона, необходимые художнику для точной передачи колера, объема, пространства достигаются путем смешивания красок на палитре.
Виды живописи
Различают следующие основные виды живописи:
Существует еще и декоративная живопись, главное призвание которой — украшать. Отличается чистыми, сочными цветами, тщательно проработанными формами, логическим построением композиции. К особенностям направления относятся: нарушение перспективы, изменение пропорций, отсутствие объема, наличие контура и орнаментальных узоров. Декоративная живопись может быть и станковой, и монументальной.
Основные стили живописи
На протяжении многовекового развития изобразительного искусства образовались все новые стили написания произведений. Некоторые стили существовали совсем не долго и не нашли поддержку в обществе. Другие же стали эталонами, на которые ориентируются и современные художники. Рассмотрим основные стили живописи:
Жанры живописи
В зависимости от сюжета, произведения изобразительного искусства принято делить на такие жанры живописи:
Техники живописи
История возникновения и развития живописи
История живописи берет свое начало с той поры, когда человек впервые изобразил что-то на поверхности с помощью краски. Случилось это, согласно научным данным, 40-12 тысяч лет назад, в эпоху позднего палеолита. Об этом свидетельствуют сохранившиеся наскальные росписи в пещерах на территориях Южной Франции, Северной Испании и других стран.
От античности до наших дней
Искусство передачи светотени принадлежит древним грекам, далеко продвинувшимся в направлении реалистичной живописи. Однако популярность наполненных объемом и чувственностью монументальных произведений быстро угасла, уступив место вазописи. Зато новый прием полюбился римлянам, питавшим страсть к украшательству интерьеров. В высокохудожественных росписях стен прослеживается использование воздушной и линейной перспектив.
Живопись в средние века обрела религиозный характер. Художники более не стремились отображать на холстах реальность. Стала важна передача духовности. Даже если произведение не являлось иконой, все равно оно было лишено объема и перспективы. Персонажи располагались на одной линии и выглядели плоскими, примитивными.
Все изменилось с приходом эпохи Ренессанса. Художники, следя за настроениями в обществе, старались угадать модные тенденции в живописи и следовать им. Пейзаж и портрет стали независимыми жанрами. Появились новые техники. Все выглядело чинно и благородно вплоть до 17-18 вв., когда католическая церковь утратила былую значимость и власть. Мастера живописи, не опасаясь более инквизиции, начали писать максимально правдивые картины, отображающие истинный облик людей той эпохи, их обыденную жизнь.
В этот же период формируются новые стили: рококо, барокко, маньеризм, классицизм. Появился и романтизм, вскоре сменившийся более эффектным и неоднозначным импрессионизмом. Кардинальные перемены история живописи претерпевает в начале 20 века. Возникает абстракционизм — направление, призванное донести до зрителя эмоции художника, состояние его души в момент создания полотна.
Больше нет необходимости писать согласно канонам. Художники стремятся к самовыражению. Их фантазия дает толчок к зарождению новых стилей и их направлений, ответвлений. Несмотря на это, даже в нынешнем 21 веке любовь к классической живописи остается в силе.
Живопись родилась практически одновременно с появлением самого человечества. Пещерный человек обрел способность ходить прямо, использовать орудия труда и обустраивать для себя элементарное жилище. Вместе с этим он почувствовал потребность изображать окружающий мир.Первые рисунки были созданы примерно 30 000 – 10 000 лет до н.э. Их нашли археологи в пещерах на Юге Франции и в Испании. Древние художники рисовали то, что видели вокруг себя – животных, природу, сцены сражений. Уже в те времена они использовали некоторое подобие красок, которые делали из природных материалов, и кисти из волоса животных.
Вслед за периодом древности пришел античный период. Живопись продолжала развиваться. В это время ее рассматривали как нечто общее с другими эстетическими направлениями – скульптурой, архитектурой. Произведения искусства использовались для украшения жилищ, религиозных и погребальных центров. В период античности зародились многие приемы живописи – объемно-пространственное изображение, принцип светотени, элементы перспективы.
Следующий значимый период в истории живописи – Средневековье. В эту мрачную эпоху любые направления искусства были связаны с религией. Однако полотна, написанные в том время, поражают нас и сегодня своей экспрессией, игрой цвета, выразительностью очертаний. Символика – также характерная черта средневековой живописи. Более поздние художники, чье творчество было связано с иконописью и другими религиозными мотивами, черпали вдохновение именно в этом периоде.
На смену мрачному Средневековью пришел светлый период Ренессанса – эпохи Возрождения. В это время появляется множество новых техник и необычных веяний в живописи. Портрет и пейзаж становятся самостоятельными жанрами. Появляются новые приемы выразительности, которые художники используют для отображения внутреннего мира человека, его эмоций.
Женский портрет (эпоха Ренессанса)
В 17 – 18 веках живопись становится еще более серьезным искусством. Это период, когда католическая церковь утрачивает свои позиции. Ее безраздельное господство ставится под сомнение. Художники начинают все больше обращаться к реальным образам. Они рисуют людей, природу, бытовые сцены и события повседневной жизни.В это время формируется ряд направлений авторской живописи – маньеризм, барокко, рококо, классицизм. Появляются национальные школы в Италии, Нидерландах, Германии, России и других крупных странах.
В 19 веке изобразительное искусство становится принадлежностью развитого общества. Особенности того или иного направления живописи зависят от настроений в массах. Появляется романтизм – стремление к идеалу и совершенству. Позже на смену ему приходит импрессионизм – более реалистичный, беспристрастный, эффектный.
С приходом технического прогресса в 20 веке, глобально меняется и живопись. Техничность, жесткость форм, некоторое утрирование – вот характерные черты направлений, возникших в начале столетия. Абстракционизм, авангардизм, андеграуд – это течения, которые относятся к абстрактной живописи.
К концу 20 века и по сегодняшний день в живописи продолжают происходить изменения. С одной стороны – это появление инновационных цифровых технологий, позволяющих создавать уникальные современные произведения. Но современные художники не менее охотно обращаются и к истокам – масляной и акварельной живописи, потому как классическое искусство, созданное при помощи кисти красок и холста, и по сей день не утрачивает своей актуальности.
Первое всестороннее исследование живописи Древней Греции и Древнего Рима выпущено в Кембридже
В Древней Греции и Древнем Риме живопись играла такую же важную роль, как и в любой другой период истории искусства. Особенно высоко ценились картины на деревянных досках. Однако до нас дошли лишь разрозненные фрагменты этой художественной традиции, развивавшейся практически непрерывно на протяжении более двух тысячелетий — начиная со среднего бронзового века и вплоть до падения Византийской империи.
От античных шедевров на дереве, например, не сохранилось в буквальном смысле вообще ничего. Нам остаются лишь дразнящие упоминания в классической литературе, связанные с некоторыми знаменитейшими именами в истории искусства — например, Апеллеса, главного живописца времен Александра Македонского. Ссылки на его утраченные работы вдохновляли такого художника Возрождения, как Боттичелли, на создание подражательных реконструкций, но от оригиналов не осталось практически никаких следов.
Куда более богатым материалом мы располагаем в области монументальной настенной живописи — в особенности той, что сохранилась в защищенных от внешних воздействий закрытых гробницах.
В последние десятилетия в македонских захоронениях IV века до н.э. обнаружены выдающиеся работы, показывающие мастерство греческих живописцев, творивших приблизительно в то же время, что и Апеллес. И эти находки продолжаются.
А наши знания о древнеримской живописи сложились не только на основании росписей, обнаруженных при начатых еще XVIII веке раскопках в Геркулануме, Помпеях и вокруг них, но и благодаря находкам по всей территории Римской империи.
Главы организованы в хронологическом порядке от периода минойской и микенской цивилизаций через архаическую и классическую Грецию до эллинистического периода и Римской империи.
Сделанный Анной Чаплин 65-страничный обзор эгейской живописи — один из лучших на сегодняшний день, а Стефан Штайнгребер в своей главе об этрусской живописи с VII по V век до н.э. знакомит читателя с имеющимися у нас в распоряжении богатыми материалами практически по годам их находок.
Все главы труда — актуальные исследования, написанные с учетом данных новейших находок и публикаций. В книге дан всеобъемлющий обзор античной живописи — сопоставимых по масштабу работ такого рода не выходило, пожалуй, уже восемь десятилетий, несмотря на наличие множества узких специализированных исследований. Уважаемым авторам, среди которых есть несколько почетных профессоров, удалось соединить авторитетность изложения материала с вниманием к неизбежным проблемам интерпретации и разногласиям, характерным для этой области знания.
Марк Ротко. Черный на фиолетовом. Фрагмент. 1958. Холст, масло, акрил, темпера. Галерея Тейт Модерн, Лондон
Сэр Герберт Рид завершил свое обозрение современной живописи мрачной картиной утраты высоких ценностей и самоуспокоенности. Он писал эту книгу в период, когда творческий порыв абстрактного экспрессионизма в Америке и параллельного ему неформального стиля в Европе вырождался в пустой жест. Спустя поколение этот момент стал восприниматься как очередной исторический перелом. Возникли новые стили и направления, заявили о себе молодые художники, направившие в 1960-е годы свои усилия на критику языка и содержания живописи. Многих из них это привело к полному отказу от живописи в пользу новых видов искусства, которые сулили желанную альтернативу, — в пользу перформанса, кино, видео и всесторонней документации. Другие считали, что живопись подлежит переосмыслению и новой разработке изнутри.
Одновременно коренной сдвиг претерпело само зрение человека: новые горизонты открылись не только перед художниками, но и перед их аудиторией. В те же 1960-е годы люди увидели свою планету с Луны. Передовые технологии обрели визуальное выражение в цветном телевидении и повсеместном распространении цветной фотографии. Влияние этих процессов на искусство было огромно. Они непосредственно сказались в увлечении технологиями, которые вдохновляли кинетическое искусство и во многом определяли обращение художников к видеосъемке. Менее очевидной, но более существенной была постепенная перемена в представлении человека о своем отношении к миру, о временны́х и пространственных координатах жизни. Для этого неизведанного опыта художникам предстояло найти новые формы выражения.
Еще одной приметой времени стало укоренение художественного рынка и системы искусства вообще в мире потребления. Началось активное освоение потенциала модернизма в качестве коммерческой инвестиции и средства культурной дипломатии. Вошли в обиход звездные репутации и роскошные каталоги, полным ходом заработала реклама искусства, резко усилилась конкуренция художественных учреждений. Для многих художников, не желавших подчиняться этой безудержной коммерческой машине, образцом стал Марсель Дюшан. Стратегии антиискусства, пущенные им в ход полувеком ранее, подсказывали возможности хотя бы временно переиграть систему. В моду вошли исследования статуса объекта искусства и функции художника, в 1970-е годы распространившиеся на устройство искусства в целом.
На этом фоне живопись, вопреки периодическим объявлениям о ее смерти, продолжала свое развитие. Главной переменой в ее существовании стало то, что, как и скульптура, она лишилась доминирующей позиции в ряду художественных дисциплин. А в ней самой выявились три основные тенденции.
Вторую тенденцию можно охарактеризовать как освоение фигуративной образности ради заполнения средствами живописи разрыва между искусством и жизнью. В этой области основными фигурами также оказались американцы, часто насыщавшие живопись графическим или фотографическим материалом: Джаспер Джонс, Роберт Раушенберг, Энди Уорхол.
Третьей тенденцией стала живопись, стремящаяся превзойти свой материал, — живопись как идея. В данном случае решающую роль сыграли в самом начале 1960-х годов европейцы — Ив Кляйн и Пьеро Мандзони.
Три указанные тенденции развивались параллельно и время от времени пересекались.
Барнетт Ньюман. Кто боится красного, желтого и синего III. 1966–1967. Холст, масло. Стеделейк музеум, Амстердам
Моррис Луис в некотором смысле соединял в себе качества Ротко и Ньюмана. Его лучшие работы представляют собой большие полотна в откровенно неформальной манере c диагональными полосами краски у боковых краев и пустым центром или c пятнами- потеками глухого, тяжелого цвета, спускающимися, подобно занавесу, поверх нижнего, более яркого красочного слоя. Традиция абстрактного экспрессионизма на время получила дальнейшее развитие в абсолютно нейтральной, свободной от каких бы то ни было атмосферных или мистических подтекстов живописи таких художников, как Стелла, Ноланд, Джулс Олитски, Ларри Пунс или, в Англии, Джон Хойленд и Джон Уокер. Благодаря ровной глянцевой поверхности картин и отсутствию видимых следов кисти этот недолговечный стиль называли постживописной абстракцией или живописью жестких контуров.
В искусстве 1960-х годов господствовал размах. В живописи сменяли друг друга формы и мотивы; множились варианты мишеней, полос, многоугольников, фигурных холстов; краска набивалась на холст, накатывалась на него валиками и распылялась аэрозолями; в норму входили все более громадные форматы картин. Олитски, Ньюман и Эллсворт Келли время от времени обращались, помимо живописи, к скульптуре, а некоторые скульпторы, в частности Энтони Каро, расписывали свои работы, придавая цвету трехмерную форму и удвоенную интенсивность, которая, впрочем, вскоре ослабевала из-за потускнения краски.
Не лишенные пересечений поиски оп-арта и постживописной абстракции в скором времени навлекли на себя критическую реакцию. Представители этих направлений, заслужившие серьезную репутацию, в частности Ноланд, Стелла и Райли, начали усложнять и нередко смягчать свою исходную манеру, создавая более четкие, атмосферные, живописные образы. Стелла варьировал фигурные холсты, принесшие ему известность, в виде картонных, а позднее деревянных рельефов. Таким образом, обсуждаемое направление вступило в неизбежную маньеристскую фазу, когда живопись вновь попала в зависимость от вкуса, мастерства технического исполнения, способности изумлять и очаровывать глаз. И все же в своих лучших проявлениях, особенно когда картины были столь велики, что зритель терялся в них, оп-арт и постживописная абстракция производили мощное чувственное воздействие.
Для европейских художников того же направления, многие из которых трагически умерли молодыми, значение сохраняло важность, и замыслы их часто были весьма идеалистическими. Окрашенная поверхность оставалась носителем некоторого послания, то есть по-прежнему выполняла функцию, несущественную для нее с точки зрения американцев. В Европе 1960-х годов редукция живописи имела больше общих черт с супрематизмом Малевича, чем с фактичностью американского минимализма. Поверхность очищалась ради того, чтобы ничто по возможности не мешало выражению главной идеи. В некоторых случаях — так же как для Малевича — сохраняло важность и пространство. Если Малевич искал бесконечного пространства из интуитивных и философских соображений, то европейские абстракционисты 1960-х годов искали его, ориентируясь также на технологические достижения. В известном смысле их стремление выразить в живописи чувства бесконечности и вневременности были реакцией на современное им общество, подобной той, с которой выступали поп-артисты, изображая технологизированный мир вещей. В то же время европейцы резко отвергали как прямое изображение внешней реальности, так и материализм грубого факта в духе Стеллы. В их искусстве сохранялся элемент алхимии, а вместе с ним — особая чуткость к взаимоотношениям человека с материалами, формами, красками и их значениями. Таким образом, европейское искусство этого направления стремилось не столько к специализации формального языка живописи, сколько к расширению ее смыслового горизонта. И обе эти тенденции — материалистическая и философская — повлияли на художников следующего поколения.
Читайте также: