Барокко в скульптуре кратко
Обновлено: 02.07.2024
Культура XVII столетия в Европе характеризуется новой вехой в сознании, изменением миропорядка, иным восприятием человеком собственного места в мире и своих возможностей. Осознание человеческого бессилия перед многообразием и могуществом мира, ощущение себя лишь частью, а не центром мироздания прямым образом отразилось в искусстве, а именно – в стиле барокко.
Барокко характеризуется повышенным интересом к мистическим темам, фантастичности, выражается в повышенной экспрессии изображаемого. Религиозная тематика произведений искусства XVII столетия – сюжеты, связанные с мученичеством и религиозной экзальтацией. У светских заказчиков в лице влиятельных политических фигур отзыв вызывали патетичные мотивы.
В политической жизни Европы в XVII веке образовываются абсолютистские национальные государства, что не могло не найти отражения в изменении мира искусства, выразившемся в становлении стилей барокко, классицизма и реализма.
Рассматривая расцвет барокко, можно заметить, что оно ярче других направлений расцвело в странах со сравнительно могущественными силами феодальных устоев, поддерживаемых неоспоримым авторитетом католической церкви: Италии, Испании, Португалии и Фландрии. В XVIII столетии традиции барокко появятся в России.
Барокко имеет выраженную систему изобразительных средств, определённые специфические черты – динамичность, любовь к контрастам, асимметрии, перегруженности декоративными элементами и грандиозность. Произведения стиля барокко – это не единичные (самостоятельные) картины, статуи, здания, это части пространства, с ним гармонично объединённые, связанные, вытекающие из него и составляющие с ним единый микрокосм.
[1] Ильина Т.В. История искусства Западной Европы от Античности до наших дней Учеб.3-е изд., перераб. и доп. М.: Высш. шк., 2013. С. 102.
§ 1. Итальянская школа скульптуры XVII века
Во время становления барокко как художественного стиля в искусстве был значительно усилен декоративный элемент вилл, дворцов, церквей и загородных резиденций, которые всё более тяготели к ансамблю и собственной приобщённости к окружающему пространству посредством парков, аллей, садов, курдонеров, площадей.
Первым скульптором итальянского барокко был Стефано Мадерна (1576 – 1636). Создавая скульптуру в только зарождающемся новом стиле, автор передавал тонкую натуралистическую экспрессию с помощью освещения и архитектурного обрамления.
Скульптурное изображение посвящено памяти слепой мученицы Цецилии, мощи которой были обнаружены в IX столетии в разветвлённых катакомбах святого Каллиста и перенесены папой Пасхалем I в римскую церковь Санта-Чечилия-ин-Трастевере. В момент перестройки церкви в 1599 г. было произведено вскрытие саркофага с мощами святой, тело которой осталось нетленным, чему свидетелем был сам Мадерна. Предположительно скульптор изобразил её тело таким, каким видел его в момент вскрытия гроба: голова отсечена от тела и прикрыта материей, пальцы изящных женских рук сохранили предсмертные послания. Правая рука мученицы сложена щепотью, левая – зажата в кулак. Эти руки стали символом бесконечной веры и преданности Единому Богу и Святой Троице.
Безжизненное тело святой помещено скульптором на ровную визуально холодную белую мраморную доску внутри глубокой открытой ниши над алтарём. Фигура будто мягко светится в полутьме, подчеркивая святость мученичества за истинную веру. Трагическая сцена смерти натуралистично передана скульптором, что во многом предвосхитило эстетику барочной скульптуры в целом.
Ведущим мастером итальянской школы XVII столетия был Джованни Лоренцо Бернини (1598 – 1680). Будучи потомственным скульптором, занимаясь этим искусством с юных лет и овладев им в совершенстве, в историю искусства имя гения Бернини вошло благодаря его творениям, апогеем которых являлись скульптурные алтари.
История самой известной работы Бернини, алтарной группы, восходит к письмам монахини из Испании Терезы, которую католическая церковь признала святой. В этих письмах монахиня описывала чудесные видения, в которых ей являлись ангелы и святые, а также те светлые чувства, которые рождались в её душе в момент прикосновения к божественной силе.
Алтарная группа, в состав которой входит ангел с золотой стрелой и Святая Тереза, фигуры которых выполнены из белого мрамора, расположена на фоне бронзовых лучей Божественного света. Цвет мрамора двух фигур создает чистый светлый образ на фоне колонн темного мрамора.
Довольно много описаний данной скульптуры акцентируют внимание на пластике изображаемого действия, согласно которой ангел стрелой стремится достать сердце святой Терезы, завершив тем самым акт слияния с Богом, а монахиня испытывает подлинный религиозный экстаз с эротическим подтекстом. На мой взгляд, это не совсем так. Мне думается, что подобная трактовка позы святой является несколько поверхностной и основанной на первом впечатлении от увиденного.
Безусловно, запрокинутая голова, приоткрытые веки и рот женщины, слабость тела переданы Бернини весьма чувственно, реалистично и отчасти откровенно, однако, если внимательно рассмотреть фигуру Терезы, можно обратить внимание на её руки, которые не просто давно расслаблены, а будто только что опустились и поддались действию, к которому её подготовил улыбающийся любящей улыбкой ангел. Создается впечатление, что Бернини сумел запечатлеть секунду, между тем, как Тереза поддалась уговорам ангела и согласилась открыть своё сердце Божественной силе, подготовившись к неизведанному сильному чувству, которое пронзит её всю. Изображен не продолжающийся какое-то время акт, не экстаз от присутствия рядом божественного посланника, а запечатлён момент сдачи своей души на волю Господа, которому служит и верна монахиня Тереза. Ангел же спокойно и умиротворённо улыбается, прекрасно понимая трепетные и взволнованные чувства Терезы, которая будто от страха перед неведанным теряет сознание. Ангел поддерживает святую, готовя свою руку к касанию сердца женщины, стараясь не причинить ей вреда. В этом моменте, в лице и позе ангела, в сосредоточенности его руки передана любовь Господа, а в образе Терезы – истинная самозабвенная сила человеческой веры и света служения.
Будучи совершенно нерелигиозным человеком, эта скульптурная композиция воспринимается мной именно так, без каких-либо эротических неоправданных смыслов.
В своей пластической манере, искусно используя цветовую гамму камня, Бернини создает парящую в воздухе легкую композицию, основанную на восприятии тёплого источающего белым мрамором света, отблески которого усилены расположенными позади божественными ниспадающими золотыми лучами. Воздушность, натуралистичность, возвышенность этой композиции роднят искусство скульптуры с живописью.
§ 2. Испанская школа скульптуры XVII века
Испания в XVII столетии переживает стремительный культурный расцвет, который был вскоре ограничен экономическим и политическим упадком феодального режима.
Как и в других странах европейского мира, в Испании религиозная тематика в искусстве была самой востребованной, призванной осуществлять воздействие, впрочем, как и в предшествующие века.
В начале столетия сложилось две ведущие школы – северная школа Кастилии с центром в Вальядолиде, и южная – в Андалузии[1].
Силуэт скульптуры замкнут, основная фигура – Мария, которая держит на коленях снятое с креста тело сына. Вся горечь материнской утраты передана в выражении лица Марии, в скорбящих глазах, молящих поднятых бровях; протянутая рука взывает к Божьей милости и открыта небу, другая – раскрытой ладонью прижимает к себе безжизненное тело. Голова убитого Христа спокойной опущена, тело умиротворённо лежит на белом саване. Трагизм сюжета передан именно в лице Марии, и, на мой взгляд, сомкнутых расслабленных коленях, обессиленной свисающей руке и поникшей голове Христа.
Землисто-серый цвет крашеного дерева, из которого выполнено тело Христа болезненно контрастирует с приглушёнными тонами одежд Марии, которые украшены золотой вышивкой, повторяющейся на белом саване.
Испанская школа менее экспрессивная, она выражает достойную уверенность в праведности религиозных чувств. По изобразительным средствам, на мой взгляд, она не уступает итальянской традиции, имеет свой характер и национальные особенности, выраженные как минимум в используемом материале – более тёплом и мягком – дереве.
§ 3. Скульптура Фландрии, XVII век
Фландрия с конца 60-х годов XVI века находилась под политическим и культурным влиянием Испании, однако, влияние итальянской школы в области скульптуры было крайне велико. Многие мастера Фландрии уезжали в Рим и в последствии привносили в свои работы черты итальянского барокко.
Официально господствующим направлением во Фландрии, как и в Италии, было барокко, однако, оно имело собственные принципиально отличительные черты. Оно не было трагичным или мистическим, оно было – жизнеутверждающим и стойким.
Одним из прославленных имён Фландрии в области искусства скульптуры был Франсуа Дюкенуа (1570 – 1641). Работая длительное время в компании с Бернини в Риме, Дюкенуа перенял итальянский дух барокко, сочетав его с глубокими традициями Античности.
В его лице отразилось мученичество одновременно с непринятием иной судьбы, кроме той, которая ему уготована Господом. Композиция скульптуры продиктована иконографической традицией – Святой Андрей изображается с недлинной бородой и с символом своей казни.
Скульптура производит мощное впечатление благодаря своей композиции, архитектурному обрамлению – нише, искусно переданной фактуре дерева, из которого сделан крест.
В мужской фигуре трагизм воспринимается иначе, чем в женском образе; он не такой тонкий, он – сдержанный. Возможно по этой причине данная скульптура сильнее воспринимается как античная, чем как соответствующая характеристикам стиля барокко.
Стремящаяся к динамичности, экспрессии, натуралистичности скульптура барокко становилась живописной, выходящей из замысла скульптора, воздуха и камня в материальный мир.
Мастера XVII века умело использовали свет, подчеркивая красоту камня, создавая его объемность и пластичность. Переходы тени и света, встроенность в сложную архитектурную конструкцию гармонично выстроенного пространства, а также сюжетность и проникновенность произведений барокко, стали одной из вех развития данного искусства в Европе, существенно обогатив культурное наследие, которое бережно сохранено до наших дней, и сделав скульптуру одновременно самодостаточной и незаменимой в контексте пространства.
Будь то культовая, светская или традиционная, скульптура барокко – движение, вызванное сильным чувством, будь то скорбь, вера, боль, любовь, захваченное и воплощённое мастером в мраморе или дереве, передав всю экспрессию момента.
Список литературы
2. Ильина Т. В. История искусства Западной Европы от Античности до наших дней Учеб.3-е изд., перераб. и доп. М.: Высш. шк., 2013. 368 с.
В эту эпоху было предостаточно мастеров скульптуры в стиле барокко, хотя некоторые были уникальными. Один из таких Бернини (1598–1680 гг.), который возможно, был даже больше известен как скульптор, чем как архитектор. Мастера своего дела, занимавшие высокие места в своей ниши, творили с одержимой производительностью, так как, несмотря на значимость архитектуры барокко, скульптура являлась самой характерной чертой христианского искусства эпохи барокко и, без сомнения, была самой распространенной.
И это случилось, в отличие от архитектуры и живописи, в создании художественной идиомы, в большей степени общей для всей Европы. Она оказала влияние на экстерьер почти каждого предмета искусства, созданного в ту эпоху. Если не вдаваться в философские рассуждения главная особенность барочной скульптуры — ее распространенность.
Виды скульптуры барокко
Пластическое искусство, созданное в эту эпоху, можно охарактеризовать по двум критериям: предметы, используемые чтобы украсить, с целью внести окончательные детали в архитектуру; и скульптура в традиционном смысле этого слова, как предмет сам по себе.
Скульптура в архитектуре барокко
Для архитектуры элементы скульптурного декора применялись три приема.
Практически это был невысокий бордюр, закрывающий покатые стороны кровли, что придавало строению вид снизу, завершающемуся фризом. Такая своеобразие почти всегда декорировалась рядом изваяний, постоянно размещаемых и контрастирующих на фоне небес. К примеру — Базилика Святого Петра в Риме, овальная аллея колонн которая являлась творением Бернини, и Версальский дворец, где место изваяний замещают большие урны и фронтоны. От крыш строений практика распростерлась и на другие места — стены, окружающие сады, бордюры мостов и т.д.
2) Следующее употребление скульптуры в архитектурном искусстве, состояло в замещении колонн в роли опоры — изваяниями, будь то кариатиды (опора в женском образе) либо теламоны (колонны мужского рода).Такое применение имело свою историю, и уходило корнями в период классической Греции, и было популярно позднее, в период барокко в Австрии и Германии.
3) И последнее, наиболее обыденное и гармоничное применение скульптуры с архитектурой было во фризах, гербах, свитках, трофеях и аналогичных компонентах. Комбинирование этих двух искусств дошло до того, что скульптура кажется, или практически становится архитектурой, как в балдахин Бернини в соборе Святого Петра, в котором роли двух форм совмещаются до какой-то степени в соответствии с влиянием барокко.
Традиционная скульптура
Работы, традиционно выполнявшиеся скульптором в прежние века, над гробницами, алтарями, памятными изваяниями и тому подобным, продолжались и в эпоху барокко. Как правило, у него были проекты, которые подходили, или даже могли быть приняты за сценографию, с театральным подходом, сродни постановке на сцене — возможно, уместно в период, когда наблюдался рост мелодрамы и современного театра. Так, в боковом приделе Бернини представляет экстаз святого как театральное событие, причем члены семьи, заказавшие эту работу, изображены в натуральную величину, сидя в ложах, как будто они находятся в театре и смотрят спектакль. (Экстаз Святой Терезы (1647-52) Мрамор, Капелла Корнаро, Рим).
Традиционная барочная скульптура обычно имела два особенных свойства. Во-первых, она была технически гармонична. Мастерство барочных скульпторов представляло собой подлинную виртуозность, например, в передаче внешнего вида человеческой кожи в зависимости от того, был ли субъект мужчиной или женщиной, старым или молодым. Завитки, драпировки, различные ткани, шерсть и шелк, текстура доспехов — все было точно имитировано.
Таково было мастерство скульпторов над своим материалом, что в статуях, высеченных из мрамора, невозможно вывести или представить себе первоначальную форму блока. Микеланджело, олицетворявший идеалы итальянской скульптуры эпохи Возрождения, говорил, что статуя должна создавать впечатление, будто она может катиться с вершины холма вниз, не причиняя ему вреда. Ничего подобного нельзя было сказать о барочных скульптурах. У них есть то, что можно назвать фотографической целью — увековечить движение. Это включает в себя использование свободного, свободного дизайна, а также форм для человеческой формы, гораздо более тонких, чем те, которые считаются желательными скульпторами эпохи Возрождения.
Другой особой характеристикой в скульптуре того периода — и самой важной — было появление движения. Статуи никогда не изображаются в неподвижности или в позах покоя, но всегда в действии, и наиболее характерно в тот момент наименьшего равновесия, который является кульминацией движения, незаметный, но драматический момент, например, когда прыгун больше не поднимается, но еще не начал опускаться и неподвижен, в позе потенциала, в воздухе. Желая изобразить Аполлона в погоне за Дафной, Бернини выбрал самый драматический момент, когда Дафна трансформируется в лавровое дерево, чтобы убежать от бога: момент кульминации действия. (Аполлон и Дафна (1622-25) Мрамор, Галерея Боргезе, Рим.)
Именно из-за предпочтения движения контур, известный как figura serpentinata, змеевидная фигура, пользовался такой модой в семнадцатом веке. Как способ представления человеческой фигуры он впервые вышел на первый план во второй половине XVI века, в период, непосредственно предшествующий барокко. Эта форма облегчала представление тела в акте выполнения спирального движения или в быстром вращении, как у спортсмена, бросающего диск, или в борьбе.
Иногда композиция становилась преувеличенной, что наводило скорее на мысль о волнении, чем о движении. Иногда художник был настолько очарован производимыми им эффектами, своим техническим мастерством, что терял из виду гармонию всей композиции. Однако такой эффект всегда был вероятен, когда от работы мастеров мы переходим к работе подмастерьев.
Одним из достоинств барокко было то, что оно создавало условия, при которых второсортные работы могли быть ассимилированы в выполнение сложных произведений большей художественной ценности. Огромные фонтаны, населенные бородатыми фигурами, сатирами, нимфами, дельфинами и разнообразными чудовищами, которые украшали площади и проспекты барочных городов и садов, украшение больших лестниц во дворцах того времени, вплоть до лепнины и других обильных украшений галерей, салонов, церквей во всех видах интерьера. В этих произведениях общее впечатление создавалось иногда просто оргиастическое; В целом, однако, стиль барокко добился эффекта триумфа.
Стиль барокко был распространен в Европе в XVII-XVIII веках. Он оказывал свое влияние на многие виды искусства: музыку, архитектуру, живопись и скульптуру. Наш топ 10 самых известных скульптур в стиле барокко расскажет о десятке статуй, созданных в ту эпоху.
Эта мраморная скульптура была создана Бернини в 1646-1652 годах. В этой композиции Истина изображена прекрасной девушкой, которая сидит на обломке скалы. В ее руках сияет солнце, а под левой новой располагается земной шар. Бернини планировал добавить в композицию аллегорическую фигуру Времени, стоящего за спиной Истины. Однако скульптор не успел закончить свое творение. После смерти Бернини неоконченный блок мрамора был продан.
Эта мраморная скульптура была создана Мадерно в 1599-1600 годах. На сегодняшний день она располагается в церкви Санта-Чечилия-ин-Трастевере, в Риме. По легенде, именно на этом месте находился дом, где жила святая Цецилия, погибшая примерно в 230 г. Мадерно при создании скульптуры ориентировался на собственное воспоминание о нетленном теле святой, саркофаг которой был вскрыт в 1599 году.
Эта скульптура была вырезана из дерева, которое позже было окрашено. Точная дата создания этой статуи неизвестна, но предполагается, что Монтаньес работал над ней после 1605 года. Эта деревянная скульптура обладает впечатляющими размерами: ее высота составляет 190 см.
Эта скульптура была создана Бернини в 1647-1652 годах. Сейчас она находится в Санта-Мария-делла-Виттория. Скульптура изображает святую Терезу, которую посетило видение ангела с копьем из золота. Статуя настолько реалистична, что кажется, будто любой звук и движение могут разбудить спящую женщину.
Скульптуры барокко выглядят величественно и необычно. Создается впечатление, что случайно ухваченное мгновение застыло в камне, чтобы сохраниться до наших дней.
Виртуальный тур, Выставка произведений искусства, История открытия, Глобальный культурный Интернет.
Барочная скульптура — это скульптура, связанная с барочным стилем периода между началом 17 и серединой 18 веков. В скульптуре барокко группы фигур приобрели новое значение, и было динамичное движение и энергия человеческих форм — они вращались вокруг пустого центрального вихря или простирались наружу в окружающее пространство.
Барочная скульптура следовала за скульптурой Ренессанса и Маньериста и сменилась Рококо и Неоклассической Скульптурой. Рим был самым ранним центром, где сформировался стиль. Стиль распространился на всю Европу, и особенно Франция дала новое направление в конце 17-го века. В конце концов он распространился за пределы Европы в колониальные владения европейских держав, особенно в Латинской Америке и на Филиппинах.
Протестантская Реформация привела к почти полной остановке религиозной скульптуры в большей части Северной Европы, и хотя светская скульптура, особенно для портретных бюстов и гробниц, продолжалась, голландский Золотой Век не имеет значительной скульптурной составляющей, кроме ювелирного дела. Частично в прямой реакции, скульптура была столь же выдающейся в католицизме, как и в позднем средневековье. Статуи правителей и знати становились все более популярными. В 18 веке скульптура продолжалась по линиям барокко — фонтан Треви был завершен только в 1762 году. Стиль рококо лучше подходил для небольших работ.
происхождения
Стиль барокко возник из скульптуры эпохи Возрождения, которая, опираясь на классические греческие и римские скульптуры, идеализировала человеческий облик. Это было изменено маньеризмом, когда художник и ученый Джорджио Вазари (1511–1574) призвал художников придать своим работам уникальный и индивидуальный стиль. Маньеризм ввел идею скульптур, отличающихся сильными контрастами; молодость и возраст, красота и безобразие, мужчины и женщины. Маньеризм также представил фигура змеиной, которая стала основной характеристикой барочной скульптуры. Это было расположение фигур или групп фигур в восходящей спирали, которая придавала работе легкость и движение.
Еще одним важным фактором, повлиявшим на стиль барокко, была католическая церковь, которая искала художественное оружие в борьбе с ростом протестантизма. Трентский собор (1545–1563 гг.) Дал Папе больше полномочий для руководства художественным творчеством и выразил решительное осуждение доктрин гуманизма, которые были центральными в искусстве во времена Ренессанса. Во время понтификата Павла V (1605–1621 гг.) Церковь начала развивать художественные доктрины, чтобы противостоять Реформатору, и поручила новым художникам выполнять их.
Характеристики
Его общие характеристики:
Бернини и скульптура римского барокко
Доминирующей фигурой в скульптуре барокко был Джан Лоренцо Бернини (1598–1680). Он был сыном флорентийского скульптора Пьетро Бернини, которого папа Павел V вызвал в Рим. Молодой Бернини сделал свои первые сольные работы в возрасте пятнадцати лет, а в 1618–25 получил большую комиссию за статуи для вилла кардинала Сципиона Боргезе. Его работы, очень драматичные, предназначенные для того, чтобы их можно было увидеть с разных точек зрения, и поднимающиеся по спирали вверх, оказали огромное влияние на европейскую скульптуру. Он продолжал доминировать над итальянской скульптурой благодаря своим работам о римских фонтанах, Балдекине Святого Петра и гробнице папы Александра VII в Базилике Святого Петра, а также его алтарном ансамбле для церкви Санта-Мария делла Виттория в Риме. Он получил свою последнюю комиссию по фонтанной скульптуре для Фонтана слона (1665–1667), за которой последовала серия ангелов для моста Сант-Анджело в Риме (1667–69).
Бернини умер в 1680 году, но его стиль оказал влияние на скульпторов по всей Европе, особенно во Франции, Баварии, Франции и Австрии.
Мадерно, Моти и другие скульпторы итальянского барокко
Щедрые папские комиссии сделали Рим магнитом для скульпторов в Италии и по всей Европе. Они украшали церкви, площади и, по особой римской традиции, новые популярные фонтаны, созданные папами вокруг города. Стефано Мадерна (1576–1636), родом из Биссоне в Ломбардии, предшествовал работе Бернини. Он начал свою карьеру с изготовления уменьшенных копий классических произведений из бронзы. Его главной крупномасштабной работой была статуя Святого Сесиля (1600 г., для церкви Святой Сесилии в Трастевере в Риме. Тело святого лежит растянуто, как в саркофаге, вызывая чувство пафоса.
Другим ранним важным римским скульптором был Франческо Моти (1580–1654), родившийся в Монтеварки, недалеко от Флоренции. Он сделал знаменитую бронзовую конную статую Александра Фарнезе для главной площади Пьяченцы (1620–1625 гг.) И яркую статую Святой Вероники для базилики Святого Петра, настолько активную, что она, похоже, собирается выпрыгнуть из ниши.
Среди других известных итальянских барочных скульпторов был Алессандро Альгарди (1598–1654), чьей первой крупной комиссией была гробница Папы Римского Льва XI в Ватикане. Его считали соперником Бернини, хотя его работа была похожа по стилю. Среди других его главных работ — большой скульптурный барельеф легендарной встречи Папы Льва I и Аттилы Гунна (1646–1653 гг.), На которой папа убедил Аттилу не нападать на Рим.
Франсуа Дукесной (1597–1643), родившийся во Фландрии, был еще одной важной фигурой итальянского барокко. Он был другом художника Пуссена и был особенно известен своей статуей святой Сусанны в Санта-Мария-де-Лорето в Риме и своей статуей святого Андрея (1629–1633) в Ватикане. Он был назван королевским скульптором Людовика XIII Франции, но умер в 1643 году во время путешествия из Рима в Париж.
Главными скульпторами позднего периода был Никколо Сальви (1697–1751), наиболее известной работой которого был проект фонтана Треви (1732–1751). Фонтан также содержал аллегорические произведения других выдающихся итальянских скульпторов в стиле барокко, в том числе Филиппо делла Валле Пьетро Браччи и Джованни Гросси. Фонтан во всем своем величии и изобилии представлял собой заключительный акт стиля итальянского барокко.
Франция
Основная часть французской барочной скульптуры была призвана прославить не Церковь, а французского монарха Людовика XIV Франции и его преемника Людовика XV. Многое из этого было создано скульпторами новой Королевской академии живописи и скульптуры, основанной в 1648 году, а затем под пристальным наблюдением министра финансов короля Жана-Батиста Кольбера. Французские скульпторы работали в тесном сотрудничестве с художниками, архитекторами и ландшафтными дизайнерами, такими как Андре Ле Нотр, чтобы создать скульптурные эффекты, найденные в Версальском дворце и его садах, других королевских резиденциях и статуях для новых городских площадей, созданных в Париже и других. Французские города. Кольбер также основал Французскую академию в Риме, чтобы французские скульпторы и художники могли изучать классические модели.
В начале периода барокко французские скульпторы находились под сильным влиянием художников Фландрии и Нидерландов. особенно маньеризм Джамболонья, а не скульптура Италии. Среди этих художников были Жермен Пилон (1525–1590), Жан Варин (1604–1672) и Жак Сарразин (1592–1660). Сам Бернини, на пике своей славы, приехал в Париж в 1665 году, чтобы представить свой план Лувра Людовику XIV. Королю не понравился Бернини или его работы, и план был отклонен, хотя Бернини произвел прекрасный бюст Людовика XIV, который теперь выставлен в Версальском дворце.
Лучшие французские скульпторы были заняты изготовлением статуй для фонтанов садов Версальского дворца и других королевских резиденций. Среди них были Пьер Пьюже, Жак Саразен, Франсуа Жирардон, Жан-Батист Туби, Антуан Койсевокс и Эдм Бушардон. Гийом Кусту создал особенно прекрасную группу лошадей для садов Шато-де-Марли.
В поздние годы эпохи барокко Жан-Батист Лемуан (1704–1778), директор Французской академии в Риме, считался лучшим скульптором в стиле рококо, хотя его известность затмила его ученик Жан-Антуан Гудон, возглавлявший переход французской скульптуры от барокко к классицизму.
Нидерланды и Бельгия
После отделения от Испании преобладающе кальвинистские Объединенные Области Нидерландов произвели одного скульптора с международной репутацией; Хендрик де Кейзер (1565–1621). Он также был главным архитектором Амстердама и создателем крупных церквей и памятников. Его самая известная скульптурная работа — могила Вильяма Тихого (1614–1622) в Нью-Керк в Делфте. Гробница была вылеплена из мрамора, первоначально черного, но теперь белого цвета, с бронзовыми статуями, изображающими Уильяма Безмолвного, Славу у его ног и четырех Кардинальных Добродетелей по углам. Поскольку церковь была кальвинистской, женские фигуры кардинальных добродетелей были полностью одеты с головы до ног.
Южные части Нидерландов, которые оставались в основном католическими, создали более сложный стиль барокко, более близкий к римскому. Самым выдающимся скульптором был Артус Квеллин Старший, член семьи знаменитых скульпторов и художников, а также сын другого скульптора, Эразм Квеллин. Он поселился в Антверпене в 1639 году. Он сблизился с Рубенсом, и в его работах к скульптуре применялись многие принципы композиций Рубенса.
Другим важным бельгийским скульптором в стиле барокко был Хендрик Франс Вербрюгген (1654–1724), который вырезал очень сложные скульптуры, полные библейских сцен, флоры и фауны, аллегорий и символов для церемониальных марионеток соборов и церквей в Брюсселе, Лувене, Антверпене, Мехелене, и другие города.
Англия
Ранняя скульптура барокко в Англии находилась под влиянием притока беженцев из религиозных войн на континент. Одним из первых английских скульпторов, принявших этот стиль, был Николас Стоун (также известный как Николас Стоун Старший) (1586–1652). Он учился у другого английского скульптора Исаака Джеймса, а затем в 1601 году у известного голландского скульптора Хендрика де Кейзера, который принял святилище в Англии. Стоун вернулся в Голландию с де Кейзером, женился на его дочери и работал в его студии в Голландии, пока не вернулся в Англию в 1613 году. Стоун адаптировал стиль погребальных памятников в стиле барокко, которым де Кейзер был известен, особенно в могиле Леди Элизабет Кэри (1617–18) и могила сэра Уильяма Керла (1617). Подобно голландским скульпторам, он также адаптировал использование контрастного черно-белого мрамора в погребальных памятниках, тщательно детализированную драпировку и сделал лица и руки с замечательным натурализмом и реализмом. В то же время, когда он работал скульптором, он также сотрудничал как архитектор с Иниго Джонсом.
Другой важной фигурой в английской скульптуре барокко был Луи Франсуа Рубилиак (1707–1767). Рубильяк родился во Франции, работал в студии Николя Кусту в Париже, а в 1730 году выиграл главный приз Французской академии за библейскую рельефную скульптуру. Он отправился в Англию, женился на протестанте и решил, что ему и его семье будет безопаснее в Англии. В Англии он случайно обнаружил пачку банкнот, которую он вернул ее владельцу. Владельцем был Эдвард Уолпол, естественный сын премьер-министра, который помог представить Roubilac аристократическим покровителям. Его самые известные работы включали в себя бюст композитора Генделя, сделанный при жизни Генделя для покровителя садов Воксхолл; и гробница Иосифа и Леди Элизабет Найтгейл (1760). Леди Элизабет трагически погибла от ложных родов, спровоцированных ударом молнии в 1731 году, и похоронный памятник запечатлел с большим реализмом пафос ее смерти. Его скульптуры и бюсты изображали его предметы такими, какими они были; они были одеты в обычную одежду и имели естественные позы и выражения, без претензий на героизм.
Несколько скульпторов приехали из Нидерландов для участия в реконструкции. Среди них был Хуберт Герхард (1550–1622) из Амстердама, студент Джамболоньи, которому немецкий банкир Ганс Фуггер поручил изготовить монументальный фонтан для своего замка в Кирхгайме. Это был первый итальянский фонтан в стиле барокко, построенный к северу от Альп. Вскоре Герхарду было поручено изготовить фонтан в итальянском стиле барокко для городской площади в Аугсбурге и статую святого Михаила, убивающего дракона для резиденции принца в Мюнхене. Скульпторы Ганс Крумпер (1570–1634), Ганс Рейхле (1570–1624) и уроженец Голландии Адриан де Врис (1545–1626) сделали подобные монументальные бронзовые фонтаны и статуи, полные действия и драмы, для церковных фасадов и городских площадей в Баварии.
Одним из самых необычных немецких скульпторов в позднем барокко был Франц Ксавер Мессершмидт, который был известен как религиозной скульптурой, так и серией скульптурных портретов, изображающих экстремальные выражения.
Балтазар Пермозер (1651–1732) провел четырнадцать лет в Италии, с 1675 по 1689, прежде чем стать придворным скульптором в Дрездене. Он работал в Венеции, Риме и Флоренции и привез итальянское барокко в Дрезден, особенно в сады, а также для внутренней отделки дворца Цвингер. Его самая известная работа была скульптурой Апофеоза принца Евгения Савойского, генерала, который победил вторжение турок-османов. Князь изображен ногой на побежденном турке и с атрибутами Геркулеса. Его скульптурная кафедра для Хофкирхе в Дрдсене является еще одним шедевром барочной скульптуры.
Самым драматическим театром барочной скульптуры в Германии была церковная архитектура. Особо сложные переставные и высокие алтари. переполненные статуями и поднимающиеся почти до потолков, были созданы Гансом Рихле, Йоргом Зурном, Гансом Деглером и другими художниками. Семья Михаэля Цюрна произвела несколько поколений очень продуктивных скульпторов, создавая фигуры из полихромного или позолоченного дерева и лепнины. Среди других художников, производящих замечательные ретабли, был Томас Шванталер.
Испания
Появление стиля барокко в Испании, как и в Италии, было в значительной степени обусловлено католической церковью, которая использовала его во время контрреформации как мощное оружие против протестантов. Подавляющее большинство работ было сделано для гробниц, алтарей и часовен. В то же время 17-й век был периодом экономического спада и политической и культурной изоляции; немногие испанские художники путешествовали за границу, и лишь несколько скульпторов из Северной Европы, в частности фламандский художник Хосе де Арсе, приехали в Испанию. В результате испанское барокко развивалось независимо от остальной Европы и имело свои специфические особенности.
Большое количество скульптур было заказано для реставраций, реликвий и погребальных памятников в церквях, а также для скульптур религиозных процессий. Появились новые темы, в частности, работы, посвященные культу Девы Марии. Стиль, рассчитанный на популярность, склонен к реализму. Наиболее часто используемые материалы — это дерево, которое часто окрашивали в разные цвета. Начиная примерно с 1610 года, появился один специфически испанский элемент реализма; скульпторы подарили свои статуи парики из настоящих волос, использовали кусочки хрусталя для слезинок, зубы из настоящей слоновой кости и цвета кожи, окрашенные с осторожным реализмом.
Другим ранним центром испанской скульптуры в стиле барокко был город Севилья, который был значительно обогащен богатством испанских колоний в Новом Свете. Самым важным скульптором ранней севильской школы был Хуан Мартинес Монтаньес (1568–1649), чьи работы изображали баланс и гармонию с минимумом насилия и крови. Другим важным скульптором в Севилье был Педро Рольдан (1624–1699), основной работой которого был роскошный стол, изображающий спуск с Креста Христова, сделанный для Больницы де Кайдад в Севилье (1670–72). Дочь Рольдана, Луиза Рольдан (1654–1704), также добилась известности за свою работу и стала первой женщиной, назначенной королевским скульптором в Испании.
Среди других известных испанских скульпторов в стиле барокко — Алонсо Кано из Гренады (1601–1634), который также был активным художником и скульптором, чьи работы отличались идеализированным натурализмом. Его ученик, Педро де Мена (1628–1688), стал одним из самых важных скульпторов севильской школы с его тонкими и реалистичными статуями святых в натуральную величину.
Правление Карла III в Испании (1760–1788 гг.) Резко оборвало испанское барокко и перешло к неоклассицизму. В 1777 году король постановил, что все алтарные скульптуры и столы должны быть предварительно одобрены Королевской академией Сан-Фернандо, и что мрамор и камень, а не дерево, должны использоваться, когда это возможно, в скульптуре.
Латинская Америка
Самым ранним скульптором и архитектором в стиле барокко, работавшим в Латинской Америке, был Педро де Ногера (1580-), родившийся в Барселоне и ученик в Севилье. В 1619 году он переехал в вице-королевство Перу, где вместе с Мартином Алонсо де Меса он лепил хоровые киоски в стиле барокко Кафедральной базилики Лимы (1619-).
Скульптура в стиле барокко была перенесена в другие части Латинской Америки испанскими и португальскими миссионерами в 18 веке, которые заказали местных художников. Он использовался в основном в церквях. Школа Кито в Эквадоре была важной группой скульпторов в стиле барокко. Видными художниками школы были Бернардо де Легарда и Каспикара.
Caspicara (1723–1796) был эквадорским художником, который делал изящные и декоративные фигуры для показа в церквях. Он был центральной фигурой в так называемой школе в Кито.
Алейджадиньо (1730 или 1738–1814) был сыном португальского колониста и африканского раба. Он известен группой монументальных статуй святых из мыльного камня (1800–1805) для Сантуарио де Бом Хесус де Матозиньюш в Конгоньясе, который в настоящее время является объектом Всемирного наследия ЮНЕСКО. Он также сделал серию фигур Страстей в натуральную величину, изображающих события, приведшие к Распятию Христа (1780–90).
Также как и Испания, Португалия экспортировала в свои колонии модели, техники и темы в различных видах искусства. Величайшим скульптором и выдающимся бразильским архитектором, жившим между барокко и рококо, был Алейхадиньо.
В Польше, в то время присоединившейся к Великому княжеству Литовскому, сохранилась традиция ренессансной погребальной скульптуры, которая постепенно адаптировалась к вкусу барокко. В орнаменте церквей широко использовались лепные украшения, а также алтари из полихромных скульптур с золотыми облачениями.
Читайте также: