Методический доклад по истории искусств

Обновлено: 05.07.2024

Для усвоения материала и расширения кругозора учащихся предусмотрено ведение учебно-исследовательской работы по истории изобразительного искусства. Подобная работа позволяет творчески применить полученные знания, формирует способности к саморазвитию, аналитические способности, умение пользоваться различными источниками информации.

Цель: провести самостоятельное исследование творчества художника, художественного направления или отдельного художественного произведения.

Задачи: овладение приемами анализа произведений искусства, развитие умения видеть, проникать в смысл произведения, оценивать его художественные достоинства.

Данная учебно-исследовательская работа должна быть выполнена в форме реферата и содержать краткие сведения о биографии художника, его художественном стиле и методе работы, должны быть представлены основные темы и сюжеты его работ, приведены примеры его произведений. Необходимо провести подробное описание и анализ 2-3 его главных художественных произведений. В заключении должны быть указаны главные особенности творчества художника, его влияние на развитие изобразительного искусства и значение для мировой культуры.

При составлении содержания реферата, отдельных глав или анализа художественных произведений нужно помнить, что любое описание должно выполняться по плану и традиционно состоит из трёх частей:

1. Вступительная часть: где необходимо дать общее представление о художнике.

2. Основная часть: краткая биография художника, проведение глубокого анализа его творчества, описание его произведений.

3. Заключительная часть: основной вывод, подведение итога.

Основным требованием к реферату является последовательное раскрытие темы исследования. Все части работы должны быть связаны между собой и подчинены выбранной теме (в реферате не должно содержаться аспектов, которые не связаны с выбранной темой). В процессе работы над рефератом необходимо проанализировать различные точки зрения и выполнить обобщение информации. Для выполнения работы необходимо пользоваться различными источниками информации: книги, статьи из журналов (газет), электронные ресурсы локального доступа, Интернет-ресурсы. Объем реферата около 15 страниц.

Правила выполнения и оформления реферата

Работа должна быть выполнена с использованием компьютера и принтера на одной стороне бумаги формата А4.

Форматирование. Шрифт TimesNewRoman, кегель 14, цвет шрифта должен быть черным. Текст следует печатать через полуторный межстрочный интервал, выравнивание текста по ширине. Размеры полей формата: правое, верхнее и нижнее —15мм, левое — 20 мм. Абзацный отступ должен быть одинаковым по всему тексту и составлять 10 мм.

Оформление глав. Каждая из глав начинается с новой страницы. Заголовки следует печатать с прописной буквы. Переносы слов в заголовках не допускаются. Если заголовок состоит из двух предложений, их разделяют точкой. В конце заголовка точку не ставят. Расстояние между заголовком и последующим текстом должно быть не менее 10 мм.

Оформление иллюстраций. Таблицы и иллюстрации размещаются по центру листа и нумеруются последовательно арабскими цифрами.

Структура содержания реферата:

1. Титульный лист. Является первой страницей реферата, заполняется по строго определенным правилам и оформляется на отдельном листе бумаги. Указывается название учебного учреждения, тема реферата, кто выполнил и проверил работу, город и год выполнения.

3. Введение. Во введении указываются: актуальность темы реферата, цель и задачи реферата, методы исследования. Во введении реферата дается краткая характеристика структуры работы и использованных информационных источников. Объем введения – 1-1,5 страницы.

4. Основная часть. Реферат разделяется на главы, обычно в реферате 3-4 главы. Если текст достаточно объёмный, то главы дополнительно делятся на параграфы. Главы и параграфы реферата нумеруются, номера должны соответствовать указанным в содержании реферата. Номер параграфа реферата включает номер соответствующей главы, отделяемый от собственного номера точкой. Заголовки не должны иметь переносов и подчеркиваний, но допускается выделять их полужирным шрифтом. Каждая новая глава начинается с новой страницы, а параграф продолжается на текущей странице.

5. Заключение. В заключении должны быть представлены ответы на поставленные во введении задачи, сформулирован общий вывод и дано заключение о достижении цели реферата. Заключение должно быть кратким, четким, выводы должны вытекать из содержания основной части. Объем заключения – 1 страница.

6. Список иллюстраций. Все иллюстрации – фотографии, репродукции, карты и т.п., должны иметь названия и последовательную нумерацию арабскими числами. Если реферат содержит иллюстрации, то необходимо прилагать список иллюстраций. Список иллюстраций составляется в той последовательности в какой они приведены в реферате, порядковый номер иллюстрации в реферате и в списке иллюстраций должны совпадать. Подписи под репродукциями делаются краткими: порядковый номер, автор произведения (если известен), название. Список иллюстраций должен содержать подробные сведения о репродукциях художественных произведений: автор (если известен), название, техника исполнения (акварель, масло и т.п.), время создания, место хранения (музей, частное собрание и т.п.).

Правила оформления использованных источников:

- Книги: указывается фамилия автора, его инициалы, название книги, место издания, издательство, год издания.

Пример: Ильина Т.В. Введение в искусствознание. – М.: АСТ, Астрель, 2006.

- Статьи из журналов (газет): указывается фамилия автора, его инициалы, название статьи // название издания, год издания, номер журнала и номера страниц размещения статьи.

Пример: Карчевский А. Книга в работе учителя рисования // Художник. - 1981. - №8. С.36-38.

- Электронные ресурсы локального доступа: указывается название, [Электронный ресурс], место издания, издательство, год издания, (носитель информации).

Пример: Большая энциклопедия Кирилла и Мефодия 2000 [Электронный ресурс]. - М. : Кирилл и Мефодий, 2000. - (CD-ROM).

- Интернет-ресурс: указывается название статьи // название интернет сайта.URL: ссылка на интернет страницу (дата обращения).

Для учеников 1-11 классов и дошкольников
Бесплатные сертификаты учителям и участникам

Министерство КУЛЬТУРЫ РОССИЙСКОЙ ФЕДЕРАЦИИ

ФЕДЕРАЛЬНОЕ ГОСУДАРСТВЕННОЕ БЮДЖЕТНОЕ ОБРАЗОВАТЕЛЬНОЕ УЧРЖДЕНИЕ ВЫСШЕГО ОБРАЗОВАНИЯ

Направление подготовки: 53.03.02 музыкально-инструментальное искусство

Профиль подготовки: баян, аккордеон и струнные щипковые инструменты

Доклад по истории искусств

ТЕМА: Теории возникновения искусств

Подготовила студентка 3 курса

(заочная форма обучения)

Теории возникновения искусств

Первобытное искусство

Возникнув в позднем палеолите около 33 тыс. лет до н. э., оно отражало воззрения, условия и образ жизни первобытных охотников (примитивные жилища, пещерные изображения животных, женские статуэтки). Специалисты полагают, что жанры первобытного искусства возникали примерно в такой последовательности: каменная скульптура; наскальная живопись; глиняная посуда. У земледельцев и скотоводов неолита и энеолита появились общинные поселения, мегалиты, свайные постройки; изображения стали передавать отвлеченные понятия, развилось искусство орнамента.

Подлинное возникновение искусства антропологи связывают с появлением homo sapiens, которого иначе именуют кроманьонским человеком.

В глубокой древности для искусства человек использовал подручные материалы – камень, дерево, кость. Много позже, а именно в эпоху земледелия, он открыл для себя первый искусственный материал – огнеупорную глину – и стал активно применять ее для изготовления посуды и скульптуры. Бродячие охотники и собиратели пользовались плетеными корзинами – они удобнее в переноске. Глиняная посуда – признак постоянных земледельческих поселений.

И в живописи, и в скульптуре первобытный человек часто изображал животных. Склонность первобытного человека изображать животных именуют зоологическим или звериным стилем в искусстве, а за свою миниатюрность небольшие фигурки и изображения зверей получили название пластики малых форм. Звериный стиль – условное название распространенных в искусстве древности стилизованных изображений животных (либо их частей). Звериный стиль возник в бронзовом веке, получил развитие в железном веке и в искусстве раннеклассических государств; традиции его сохранились в средневековом искусстве, в народном творчестве. Первоначально связанные с тотемизмом изображения священного зверя со временем превращались в условный мотив орнамента.

Первобытная живопись представляла собой двухмерное изображение объекта, а скульптура – трехмерное или объемное. Таким образом, первобытные творцы освоили все измерения, существующие в современном искусстве, но не владели его главным достижением – техникой передачи объема на плоскости (кстати сказать, ею не владели древние египтяне и греки, средневековые европейцы, китайцы, арабы и многие другие народы, поскольку открытие обратной перспективы произошло только в эпоху Возрождения).

В некоторых пещерах обнаружены высеченные в скале барельефы, а также отдельно стоящие изваяния животных. Известны небольшие статуэтки, которые вырезались из мягкого камня, кости, бивней мамонта. Главным персонажем палеолитического искусства является бизон. Кроме них, найдено множество изображений диких туров, мамонтов и носорогов.

Наскальные рисунки и живопись разнообразны по манере исполнения. Взаимные пропорции изображаемых животных (горный козел, лев, мамонты и бизоны) обычно не соблюдались – огромный тур мог быть изображен рядом с крошечной лошадью. Несоблюдение пропорций не позволяло первобытному художнику подчинить композицию законам перспективы (последняя, кстати сказать, была открыта очень поздно – в XVI в.). Движение в пещерной живописи передается через положение ног (скрещивающиеся ноги, например, изображали животное набегу), наклон тела или поворот головы. Неподвижных фигур почти нет.

Археологи так и не обнаружили в древнекаменном веке пейзажных рисунков. Почему? Может быть, это еще раз доказывает первичность религиозной и вторичность эстетической функции культуры. Животных боялись и им поклонялись, деревьями и растениями только любовались.

Поскольку изображения животных имели магическое назначение, то процесс их создания представлял собой своего рода обряд, поэтому такие рисунки большей частью укрыты глубоко в недрах пещеры, в подземных ходах в несколько сотен метров длиной, причем высота свода нередко не превышает полуметра. В таких местах кроманьонский художник должен был трудиться лежа на спине при свете плошек с горящим животным жиром. Однако чаще наскальные рисунки расположены в доступных местах, на высоте 1,5-2 метра. Они встречаются как на потолках пещер, так и на вертикальных стенах.

При создании наскальной живописи первобытный человек использовал естественные красители и окиси металлов, которые он либо применял в чистом виде, либо смешивал с водой или животным жиром. Эти краски он наносил на камень рукой или кисточками из трубчатых костей с пучками волосков диких зверей на конце, а порой выдувал через трубчатую кость цветной порошок на влажную стену пещеры. Краской не только обводили контур, но закрашивали все изображение. Для выполнения наскальных изображений методом глубокого прореза художнику приходилось пользоваться грубыми режущими инструментами. Массивные каменные резцы были найдены на стоянке Ле Рок де Сер. Для рисунков среднего и позднего палеолита характерна уже более тонкая проработка контура, который передан несколькими неглубокими линиями. В такой же технике выполнены рисунки с росписью, гравюры на кости, бивнях, рогах или каменных плитках.

Таким образом, первобытное искусство представлено в следующих основных видах: графика (рисунки и силуэты); живопись (изображения в цвете, выполненные минеральными красками); скульптуры (фигуры, высеченные из камня или вылепленные из глины); декоративное искусство (резьба по камню и кости); рельефы и барельефы.

Теории возникновения искусства

Теория художественного инстинкта (Платон, А. Шопенгауэр) предполагает тот факт, что искусство возникло бессознательно, так как являлось неотъемлемой частью человека. В силу природного инстинкта первобытные люди получали безотчетное удовольствие, оставляя следы своей моторной активности - углубления и линии, проделанные пальцами по глине, насечки на кости, камне, отпечатки ладоней на стенах пещер.

Т. Липпс, О. Конт, Ж.Л. д`Аламбер были сторонниками теории подражания (имитативной). По ней, краеугольным камнем в возникновении искусства является инстинктивная склонность человека к подражательству, заменившая древним людям слаборазвитый интеллект. Демокрит считал, что искусство возникает из непосредственного подражания животным. Наблюдая за действиями животных, насекомых и птиц, люди научились от паука – ткачеству, от ласточки – постройке домов.

1) этно-фамильная наследственность, передающая ему индивидуальный, уникальный облик;

2) окружающая географическая, социальная среда;

3) определение момента в жизни человека, заставляющего его действовать так или иначе.

Сторонники эноптической, нейропсихологической теории - Д. Льюис-Вильямс, Р. Беднарик, Т. Доусон предположили, что палеолитические рисунки, могут быть фиксацией эноптических картин. Древний человек, встречаясь с явлением внутреннего зрения, сначала пытается объяснить содержание того, что он видит. На этой основе появляются анималистические изображения с эноптической основой или комбинация картины внутреннего зрения с животным.

Экологическая (демографическая) гипотеза (К. Гэмбл, Джохим, Бартон) рассматривает распространение искусства как одно из следствий крупных социальных, демографических и экологических изменений. Теория не говорит непосредственно о происхождении искусства, она лишь объясняет, почему художественная деятельность развивается в тех или иных районах Европы. Это объяснение выглядит следующим образом:

- ухудшается климат вследствие наступления ледника;

- сокращается количество территорий, пригодных для жизни человека;

- происходит отток населения в регионы с более благоприятными природными условиями;

- это приводит к большей открытости групп населения, нарушению прежних внутри- и внешнеобщинных связей, росту плотности населения на определенных территориях, увеличению значения межгрупповых границ и межгрупповых связей;

Гипотеза информационного взрыва (Я.А. Шер, Д. Пфейфер) заключается в том, что появление в разных регионах в разное время тех или иных форм изобразительной деятельности, могло явиться следствием необходимости выработки специальных вспомогательных средств хранения и передачи культурной информации. Необходимость в этом возникала тогда и там, где культура в ходе приспособления ко все усложняющейся среде обитания сама усложнялась настолько, что ее функционирование становилось невозможным без сохранения и использования большого количества самых различных сведений об окружающем мире и о существовании в нем человека. Следы, которые оставлял человек на песке, мягкой земле неизбежно служили непроизвольным средством коммуникации. В дальнейшем он с целью ориентировки в пространстве других людей и самоориентировки мог уже намеренно фиксировать свои следы.

Происхождение искусства может связываться либо с какой-то одной его функцией, которой придается универсальное значение, либо с разными, из которых одни могли играть решающую роль при одних обстоятельствах, а другие - при других. Этот вполне закономерно, т.к. генезис искусства происходил в течение продолжительного промежутка времени, и нет причины, почему бы его назначение и цели должны были оставаться постоянными.

Мой доклад построен на основе разработанного мною открытого урока (можно его провести как внеклассное мероприятие или….

Урок апробирован на практике и получил массу положительных эмоций, впечатлений и пожеланий дальнейшего изучения предмета в подобном формате. В игровой и наглядной форме легко запоминается материал и надолго. Обучающиеся учатся сравнивать и анализировать полученную информацию. Ключевые моменты игры направлены на воссоздание картины прошлого, через изучение наиболее известных полотен художника. Воспитывается чувство любви и уважения к искусству, формируется устойчивый интерес к художественному творчеству. Развивается эмоционально-ценностное отношение к произведениям искусства. Воспитывается и развивается художественный вкус, интеллектуальная и эмоциональная сферы, творческий потенциал. Развиваются коммуникативные способности, т.к. игра проходит в группах.

Урок- игра, с повторением, обобщением, закреплением пройденного материала проходит с постоянным показом презентации, чтобы переключать и привлекать внимание обучающихся ко всем блокам урока. Специально подобранное музыкальное сопровождение к нужным моментам позволяет сделать урок ярким, живым, неповторимым, запоминающимся. Занятие разбито на несколько блоков, разных по своему содержанию по ходу показа презентации:

Далее предложены конверты и в каждом из них есть названия всех семи картин В.И.Сурикова, разрезанные по одному слову и перепутанные. Под звуки зажигательной музыки надо составить из перепутанных отдельных слов и разложить в правильной последовательности названия всех семи знаменитых картин. Кто быстрее и точно справится с заданием.

БЛОК. Игровой момент. Угадать знаменитые картины Сурикова по одному из авторских набросков-зарисовок (на слайдах). Команды поднимают руку, кто быстрее и правильно.

Урок проходит в теплой дружественной обстановке, команды с удовольствием справляются с поставленными задачами, неожиданные задания увлекают детей и всех присутствующих, требуя скорейшего продолжения, а что же будет дальше? Нестандартный урок - игра очень нравится обучающимся. Условия и возможности для применения уроков в подобном формате есть в любой школе искусств, и данные занятия очень востребованы и рекомендуются для обучения по теоретическим дисциплинам в образовательных организациях культуры и искусства.

Цель: изучение творчества В.И. Сурикова через игру в разных видах познавательной и художественной деятельности.

актуализировать и расширить приобретенные знания о жизни и творчестве В.И.Сурикова;
прививать интерес к прошлому своего народа, Родины через самостоятельное извлечение информации об историческом событии или героях прошлого, изображенных в картинах В.И.Сурикова;
воспитывать любовь к своей малой родине, бережное отношение к наследию сибирского художника Василия Сурикова, вызвать у детей чувство гордости за великого сибиряка;
развивать ассоциативно-образное мышление, творческую и познавательную активность через использование нетрадиционной формы проведения урока;
взаимодействовать в команде и создать атмосферу общего успеха через работу в группах и "беспроигрышного" варианта результата урока.

у обучающихся сформируется представление об историческом жанре живописи как трудоемком подготовительном процессе, где художник прибегает к натурным зарисовкам и ищет прототипы для своих полотен в реальной жизни;
углубление знаний обучающихся, полученных на предыдущих уроках, а также их обобщение о жизни и творчестве нашего величайшего земляка.

словесные: беседа-диалог, игровое общение;

наглядные: использование фотографий, репродукций, рисунков, иллюстраций;

практический: игровые задания по командам, художественное творчество.

Тип урока: обобщение и систематизация знаний.

История искусства насчитывает десятки тысяч лет — люди самых древних цивилизаций использовали доступные им методы для изображения значимых для них объектов. С ранних времен и до наших дней появлялось множество художественных течений, каждое из которых имело черты, отражающие политические и социальные особенности того периода, когда они возникали.

Выдающиеся произведения изобразительного искусства от эпохи Возрождения до модернизма, несомненно, оставили свой след в истории. Многие современные художники используют исторические отсылки к искусству прошлого в своих произведениях, поэтому для понимания многих картин решающее значение имеет знание исторического контекста и значения каждого периода для истории искусства в целом. Ниже представлена хронология художественных направлений, их характеристики и выдающиеся представители каждого периода в истории западного искусства.

Доисторическое искусство (~40 000–4 000 до н. э.)

Истоки истории искусства восходят к доисторической эпохе, задолго до появления письменности. Самые ранние артефакты относят к эпохе палеолита или древнего каменного века — это наскальные рисунки, гравюры, живописные изображения, скульптуры и каменные композиции.

Искусство этого периода основывалось на использовании натуральных красителей и резьбе по камню для создания изображений предметов, животных и ритуалов, которые были крайне важны в жизни древних цивилизаций. Одним из самых известных примеров доисторического искусства являются наскальные рисунки эпохи палеолита, обнаруженные в пещерах Ласко во Франции в 1940 году. Их возраст превосходит 20 000 лет, и на них изображены крупные животные и растительность этой местности.

Древнее искусство (~4 000 до н. э.–400 н. э.)

Древнее искусство создавалось развитыми цивилизациями (которыми в данном случае считаются цивилизации с устоявшейся письменностью), включавшими Месопотамию, Египет, Грецию и страны Америки.

Произведения искусства этого периода различались в разных цивилизациях, но большая часть произведений служила одним и тем же целям: рассказывать истории, украшать бытовые предметы (посуду и оружие), изображать религиозные и символические образы, демонстрировать социальный статус. Многие работы создавались для того чтобы рассказывать потомкам истории великих правителей, богов и богинь.

Одно из самых известных произведений древней Месопотамии — Кодекс Хаммурапи, созданный около 1792 года до нашей эры. Этот предмет содержит высеченный на камне свод вавилонских законов, украшенный изображением царя Хаммурапи (шестого царя Вавилонии) и месопотамского бога Шабаша.

Средневековое искусство (500–1400 гг. н. э.)

В этот период в мире появляются и достигают расцвета иллюминированные рукописи (украшенные миниатюрами и орнаментами) и стиль готической архитектуры. Яркие примеры средневекового искусства включают катакомбы в Риме, собор Святой Софии в Стамбуле, Евангелие Линдисфарна, один из самых известных примеров иллюминированной рукописи, и конечно, собор Парижской Богоматери — выдающийся образец готической архитектуры.

Искусство эпохи Возрождения (1400-1600)

Этот стиль живописи, скульптуры и декоративного искусства характеризовался акцентом на природе и индивидуализме, идее о независимом и самостоятельном человеке. Хотя эти гуманистические идеалы присутствовали и в позднем средневековье, но расцвета они достигли в XV–XVI веках, параллельно с социальными и экономическими изменениями, такими как секуляризация.

Ренессанс достиг своего апогея во Флоренции, Италия, во многом благодаря Медичи, богатой купеческой семье. Медичи на протяжении нескольких поклений поддерживали искусство и гуманистические философию и учения. Итальянский дизайнер Филиппо Брунеллески и скульптор Донателло были главными новаторами этого периода.

Высокое Возрождение (1490–1527) породило таких влиятельных художников, как Леонардо да Винчи, Микеланджело и Рафаэль, которые привнесли новые творческие идеи и определили идеалы эмоционального выражения в искусстве на многие поколения вперед. Произведения искусства в эпоху Возрождения характеризовались реализмом, вниманием к деталям и точным изучением анатомии человека. Художники использовали линейную перспективу и создавали глубину за счет интенсивной игры света и тени. Искусство начало стилистически меняться, когда столкновения христианской веры и гуманизма уступили место маньеризму.

Маньеризм (1527–1580)

Некоторые из самых известных художников-маньеристов: Джорджо Вазари, Франческо Сальвиати, Доменико Беккафуми и Бронзино, который считался самым важным художником-маньеристом во Флоренции.

Барокко (1600–1750)

Периоду барокко, следовавшему за маньеризмом, было свойственно преувеличенное изящество в живописи и архитектуре. Он отличался величием и богатством, интересом к развитию человеческого интеллекта и знаний и глобальным открытиям. Произведения художников барокко были стилистически сложными, неоднозначными.

Картины барокко характеризовались драматизмом, как это видно в культовых произведениях итальянского художника Караваджо и голландского живописца Рембрандта. Художники использовали интенсивный контраст между светлым и темным и создавали энергичные композиции, сочетающиеся с богатой цветовой палитрой.

Рококо (1699–1780)

Стиль зародился в Париже и охватывал декоративное искусство, живопись, архитектуру и скульптуру. Эстетика Рококо предполагала более мягкую декоративную манеру изображения по сравнению с изобилием барокко. Рококо отличается легкостью и элегантностью, с акцентом на использование естественных форм, асимметричный дизайн и нежные цвета.

Такие художники, как Антуан Ватто и Франсуа Буше, сочетали мягкую манеру письма, активные мазки кисти и свежие цвета. Стиль рококо проник не только в живопись и архитектуру, но и в украшение серебрянной, фарфоровой посуды и предметов интерьера. Многие стулья и шкафы того времени отличались изогнутыми формами, цветочным орнаментом и частым использованием позолоты.

Неоклассицизм (1750–1850)

Как следует из названия, неоклассический стиль опирался на элементы античной классики. Руины древних цивилизаций в Афинах и Неаполе, обнаруженные во время археологических раскопок, разожгли страсть ко всему прошлому, и художники стремились воссоздать великие произведения древнего искусства. Это привело к возобновлению интереса к классическим идеалам гармонии, простоты и пропорции.

Художники-неоклассики находились под влиянием классических изобразительных элементов, в частности, стремление к идеализму. Естественно, они включали в свои работы актуальные образы своего времени. Например, итальянский скульптор Антонио Канова использовал классические элементы в своих мраморных скульптурах, но избегал холодной искусственности, заметной во многих античных творениях.

Романтизм (1780–1850)

Выдающимися художниками романтизма считаются Генрих Фюссли, создававший странные, мрачные картины, исследующие темные тайны человеческой психологии, и Уильям Блейк, чьи таинственные стихи и изображения передают мистические видения и разочарование в социальных ограничениях.

Реализм (1848–1900)

Реализм зародился во Франции в 1840-х годах и иногда считается одним из первых направлений современного искусства. Реализм стал результатом множества событий: антиромантического движения в Германии, подъема журналистики и появления фотографии. Каждый из них вызывал новый интерес к точному изображению повседневной жизни. Это внимание к точности проявляется в созданных в это время произведениях искусства, которые содержат подробные, правдивые изображения предметов.

Модерн (1890–1910)

Известные художники-модернисты работали в различных направлениях, включавших архитектуру, графику и дизайн интерьеров, изготовление ювелирных изделий и живопись. Чешский графический дизайнер Альфонс Муха наиболее известен своими театральными плакатами с французской актрисой Сарой Бернар. Испанский архитектор и скульптор Антонио Гауди не ограничивался прямыми линиями и создавал изогнутые, яркие конструкции, такие как Храм Святого Семейства в Барселоне.

Импрессионизм (1865–1885)

Художники-импрессионисты стремились запечатлеть свое непосредственное впечатление от определенного момента. Характерные черты — короткие, быстрые мазки кисти и ощущение незавершенности картины. В качестве предмета изображения импрессионисты использовали окружающую их современность, изображая такие ситуации, как танцевальные залы и регаты парусных лодок, а не исторические или мифологические события.

Постимпрессионизм (1885–1910)

Несмотря на то, что постимпрессионисты работали независимо, не объединяясь в группу, у всех известных представителей этого течения были схожие идеи. Они сосредоточили свое внимание на субъективном видении мира и личных символических смыслах, а не на наблюдениях за внешним миром. Часто эти идеи выражались с помощью абстрактных форм.

Постимпрессионистом был Жоржа Сёра, известный своей техникой пуантилизма, в которой для формирования изображения использовались маленькие четкие точки. Винсент Ван Гог также считается художником-постимпрессионистом, искавшим личного выражения в искусстве, часто с помощью резких мазков и темных тонов.

Фовизм (1900–1935)

Возглавляемый Анри Матиссом фовизм основывался на работах Винсента Ван Гога и Джорджа Сера. Будучи первым авангардным движением 20-го века, этот стиль характеризовался использованием интенсивных цветов, линий и мазков кисти, толстым рельефным слоем краски и плоской композицией.

Как видно из многих работ самого Матисса, отделение цвета от его описательного, устоявшегося значения было одним из основных элементов, сформировавших это движение. Фовизм был значимым предшественником кубизма и экспрессионизма.

Экспрессионизм (1905–1920)

Экспрессионизм возник как ответ на все более противоречивые мировоззрения общества начала XX века и утрату духовности. Экспрессионисты изображали внутренний мир человека, беспокойство и живые эмоции с помощью искажения форм и ярких цветов. Художники искали вдохновение во всем, выходящем за рамки сдержанного западного искусства, часто посещали этнографические музеи, чтобы пересмотреть местные народные традиции и способы самовыражения диких племен.

Корни экспрессионизма восходят к Винсенту Ван Гогу, Эдварду Мунку и Джеймсу Энсору. Две выдающиеся арт-группы, работавшие в стиле экспрессионизма, Die Brücke (Мост) и Der Blaue Reiter (Синий всадник), были созданы для коллективного творчества и проведения совместных выставок.

Кубизм (1907–1914)

Сюрреализм (1916–1950)

Сюрреализм возник из художественного движения Дада в 1916 году, представляя собой произведения искусства, бросающие вызов здравому смыслу. Сюрреалисты обвиняли логику и рациональное мышление, в том, что они завели человечество в тупик — к конфлиткам и Первой мировой войне, и считали, что он подавляет воображение. Сюрреалисты находились под влиянием Карла Маркса и теорий Зигмунда Фрейда, исследовавшего психоанализ и силу воображения.

Влиятельные художники-сюрреалисты, такие как Сальвадор Дали, искали корни происходящих вокруг событий в области человеческого подсознания. В частности, картины Дали соединяют в себе точное изображение исторических событий с яркими и причудливыми снами.

Абстрактный экспрессионизм (1940-е–1950-е)

Среди наиболее значимых художников-абстрактных экспрессионистов — Джексон Поллок, известный своим уникальным стилем капельной живописи, и Марк Ротко, который использовал большие цветные блоки для выражения духовных переживаний.

Оп-арт (1950–1960-е)

Английская художница Бриджет Райли — одна из самых известных представителей оп-арта. Ее картина Blaze 1964 года состоит из зигзагообразных черно-белых линий, которые создают иллюзию движения по кругу.

Поп-арт (1950-е–1960-е)

Поп-арт — одно из самых узнаваемых художественных течений XX века. Художники отказались от методов, используемых в абстрактном экспрессионизме. Вместо этого они использовали повседневные, бытовые предметы для создания инновационных произведений искусства, бросающих вызов потребительству и средствам массовой информации. Это включение в изобразительное искусство знакомых, опознаваемых образов было смещением от основной линии модернизма.

Арте повера (1960-е)

Минимализм (1960-е–1970-е)

Движение минимализма возникло в Нью-Йорке, где группа молодых художников начала подвергать сомнению чрезмерно выразительные работы художников-абстрактных экспрессионистов. Вместо этого минималистское искусство сосредоточилось на анонимности, фокусируя внимание зрителей на материальности своих произведений. Художники использовали простые формы, порядок и гармонию и призывали зрителей сосредоточиться именно на том, что они видят перед собой, не проводя параллелей с внешними реалиями, эмоциями и мыслями.

Концептуальное искусство (1960-е–1970-е)

Современное искусство (1970-е–наши дни)

1970-е годы стали началом периода современного искусства, который продолжается сегодня. Современному искусству свойственно разнообразие — появление различных школ и отдельные движения.

История западного искусства — это череда сменяющих друг друга художественных стилей и техник, форм и носителей искусства. Разные течения оставляют после себя выдающиеся живописные полотна, скульптуры, архитектурные сооружения. Каждое творческое направление отражает не только эстетические идеалы, но и мировоззрение людей соответствующего времени. Нам оно помогает заглянуть в прошлое, понять своих предков и найти истоки всего, что создается сегодня вокруг нас.

Читайте также: