К какому времени относится начало формирования национальной школы светского музыкального искусства

Обновлено: 05.07.2024

В начале XVII столетия обучение церковному пению продолжало играть ведущую роль в музыкальном образовании, но претерпевало существенные изменения. Постоянно росло значение письменной традиции обучения, что постепенно приводило к отказу от знаменной нотации и переходу на европейскую линейную нотацию. Возрастала и роль музыкального начала в пении при сохранении духовного. Все это подготовило постепенный переход к партесному пению, что, в свою очередь, служило признаком зарождающегося светского музицирования и музыкального образования.

Стала возрождаться народная ветвь музыкального образования, в течение всего предшествующего времени находившаяся под частичным или полным запретом, так как скоморошество считалось греховным занятием. Начался процесс взаимодействия и взаимопересечения всех трех ветвей музыкального образования.

Вложение	Размер
Музыкальное образование в России в ХVII – первой половине ХIХ вв.	47.5 КБ

Онлайн-тренажёры музыкального слуха

Теория музыки и у У пражнения на развитие музыкального слуха для учащихся музыкальных школ и колледжей

Современно, удобно, эффективно

Предварительный просмотр:

Музыкальное образование в России в ХVII – первой половине ХIХ вв.

Рассматриваемый крупный этап истории музыкального образования можно подразделить на пять периодов (периодизация Е.В.Николаевой).

Первый период: вторая половина XVII – первая четверть XVIII вв., эпоха царствования Алексея Михайловича и Петра I. В период царствования Алексея Михайловича наблюдался всплеск интереса к народному пению, хотя в целом он проходил под влиянием ярко выраженных христианско-славянофильских традиций, и православная ветвь образования была сильна. Ряд кардинальных изменений произошел в эпоху Петра I. Они были связаны с усилением западнических тенденций, проникновением западной моды и традиций музицирования. Сам Петр I предпочитал преимущественно военную музыку, но его ориентация на Запад способствовала внедрению в России светской традиции музицирования, которая объективно связана прежде всего с музыкальными инструментами. Петровские придворные стали привозить модные безделушки – клавесины и другие инструменты, обучаться игре на них и обучать своих детей. При этом в целом отношение к музыке было скорее негативным, она звучала как сопровождение для танцев.

Второй период – 1730-1755 гг., время правления Анны Иоанновны и Елизаветы Петровны. В этот период продолжалось развитие танцевальной музыки, что прежде всего свидетельствовало о развитии светской традиции музицирования. Для удовлетворения потребностей аристократии в придворной музыке стали создаваться учебные заведения, в которых велась подготовка музыкантов. Так, была создана Глуховская школа пения и инструментальной музыки – первое государственное учебное заведение, готовившее не только певчих для царских капелл, но и обучающее игре на гуслях, бандуре и скрипке. Эта школа отличалась демократичностью социального состава обучающихся: в ней учились дети представителей среднего сословия.

Музыкальному обучению стало придаваться большое значение в закрытых учебных заведениях для знати. К примеру, в созданном в 1731 г. Сухопутном шляхетском корпусе мальчиков и юношей обучали танцам и музыке как непременной составляющей умений светского человека.

В Петербурге была также открыта Театральная школа – единственное учебное заведение с совместным обучением мальчиков и девочек из мещанского сословия. В ней велась подготовка артистов широкого профиля, включающая обучение танцам и игре на клавикорде.

Третий период – 1755-1780 гг. Он характеризуется тем, что в царствование Екатерины II вновь усилились западнические тенденции. Это вызвало повышенный интерес к западной моде, включавшей непременное владение музыкальными инструментами, прежде всего клавишными. Началось распространение в России клавесина и первых образцов фортепиано. Несмотря на это, музыка продолжала рассматриваться как средство увеселения знати, и статус профессиональных музыкантов был очень низок.

В этот же период возрастал интерес к народной песне. Светская ветвь музицирования, в которой интенсивно развивалось и пение, стала пересекаться с народной, заимствуя из нее материал. Начали выходить нотные сборники народных песен, которые интонационно готовили слушателей к восприятию фольклора.

Все эти изменения в последние десятилетия XVII в. создали почву для пятого периода, включающего первую треть XIX столетия, который характеризуется бурным развитием светской традиции музыкального образования, прежде всего вокального и фортепианного, в результате которого Россия начала преодолевать имевшийся до того колоссальный отрыв от уровня развития аналогичной традиции в Западной Европе.

Обучение основам игры на фортепиано в России конца XVIII – начала ХIХ вв. велось посредством частного домашнего преподавания. Частными учителями были преимущественно иностранцы, что объяснялось отсутствием в России той поры собственных преподавателей фортепианной игры. Этот вид преподавания сыграл важную историческую роль в развитии российского музыкального образования. Среди множества иностранцев – учителей фортепианной игры было немало людей, далеких от музыки и незнакомых с методиками преподавания. Репертуар и методы частного фортепианного обучения того периода сейчас справедливо кажутся во многом наивными. Но даже в таком виде распространение фортепианного музицирования способствовало популяризации фортепиано, а следовательно, и повышению общей музыкальной культуры значительной части населения. Кроме того, наряду со случайными людьми, в Россию приехали многие крупные музыканты. Это, в первую очередь, ирландский композитор и пианист Дж. Фильд, для которого Россия стала второй родиной и который чрезвычайно много сделал для российской культуры вообще и музыкального образования в частности; А.А.Герке, у которого брали уроки фортепианной игры М.П.Мусоргский и П.И.Чайковский; А.И.Виллуан, воспитатель братьев А.Г. и Н.Г.Рубинштейнов; А.А.Гензельт, создавший одно из первых развернутых руководств по методике обучения игре на фортепиано.

Этот вид музыкального образования нельзя было в полной мере отнести ни к общему, ни к профессиональному. С общим музыкальным образованием его роднило то, что в нем не ставилась цель подготовить музыканта-профессионала; обучение осуществлялось для общего развития. Но в то же время общее (обязательное) музыкальное образование в России того периода существовало только в виде практики церковного пения; обучение игре на фортепиано начиналось только на уровне относительно привилегированных учебных заведений и было платным.

Содержание инструментального обучения (оно велось также на скрипке, виолончели, флейте и т.д., но фортепианное было самым распространенным), включающее сложную систему знаний, умений и навыков, также носило черты профессионализма. Не случайно многие крупные российские музыканты начинали свое музыкальное образование именно в фортепианных классах немузыкальных учебных заведений (П.И.Чайковский, М.П.Мусоргский, Н.С.Зверев и др.)

Все перечисленные особенности музыкального образования в России конца XVIII – первой половины ХIХ вв. свидетельствуют о том, что фортепианное музицирование стало одновременно и одним из направлений будущего профессионального музыкального образования, и средством массового музыкального воспитания и просвещения, которое также осуществлялось главным образом через обучение игре на фортепиано.

В первой половине XIX в. среди наиболее просвещенных представителей аристократии обсуждались и вопросы, связанные с общим музыкальным образованием. Наиболее ярким представителем русских музыкантов-любителей был В.Ф.Одоевский. Выдающийся литератор, разносторонний музыкант и педагог, он стал одним из основателей зарождающегося русского музыкознания. Еще одно направление музыкально-педагогической деятельности В.Ф.Одоевского можно охарактеризовать как поиск теоретических оснований общего музыкального образования. Он был одним из немногих представителей культурной элиты, понимавших, что музыкальное образование должно охватывать всех и без него невозможно полноценное культурное развитие страны. В.Ф.Одоевский, будучи, по сути, квалифицированным музыкантом, понимал также огромную сложность этой задачи. Ему было ясно, что необходим поиск принципиально нового содержания, форм и методов обучения для того, чтобы обучать музыке широкий круг учащихся, не обладающих явными музыкальными способностями.

Быстрое развитие музыкального образования в России с середины XVII до второй трети XIX вв. подготовило почву для расцвета русской музыкальной культуры и создания в России профессионального музыкального образования.

До наступления XVII столетия в России существовали два принципиально различных течения в музыке – православная певческая культура и народное творчество. История музыкального образования в России началась, вместе с возникновением нового, светского направления.

Зарождение музыкальной педагогики

Ближе к концу XVIII века стала развиваться светская традиция музыкального образования. В 1830-е годы появились вокальные пособия русских музыкантов, в которых большое внимание обращалось на содержание музыки, что принципиально отличалось от господствующей до той поры итальянской школы поверхностной виртуозности. Основоположником школы русского вокала по праву считается великий композитор М.И. Глинка.

Братья Рубинштейны – создатели учебных заведений

История музыкального образования в России неразрывными узами соединена с именами братьев Рубинштейнов – крупнейших музыкантов и общественных деятелей своего времени. По инициативе Антона Рубинштейна в 1859 году в Петербурге было создано Русское музыкальное общество, основной целью которого стало музыкальное просветительство.

Следующим шагом в 1860 году явилось открытие в Петербурге общедоступных Музыкальных классов (опять же по инициативе А. Рубинштейна). Основной целью создания классов было привлечение любителей музыки к профессиональному образованию. Несмотря на бесплатное здесь обучение, Рубинштейну удалось собрать мощный педагогический состав, который и составил впоследствии преподавательский костяк первой консерватории, открывшейся в 1862 году в Петербурге. Занятия в консерватории велись по теории музыки и композиции, игре на фортепиано и оркестровых инструментах, вокалу.

Примеру старшего брата следовал и Николай Рубинштейн, только в Москве. По его инициативе открылось московское отделение РМО, а затем и Музыкальные классы, также явившиеся фундаментом Московской консерватории, которая открылась в 1866 году. Одним из первых профессоров консерватории стал гениальный композитор П.И. Чайковский.

История музыкального образования в России в советский период

Наряду с первыми консерваториями, в конце XIX века существовали другие музыкальные учебные заведения – школы и училища, созданные по линии РМО. Также открывались частные музыкальные школы. Расширялась география музыкального образования – учебные заведения были не только в столицах, но и в Одессе, Киеве, Харькове, Твери и других крупных городах.

Революция 1917 года глубоко затронула все без исключения сферы общественной жизни, и музыкальное образование в том числе. Декретом Совнаркома, Петроградская и Московская консерватории освобождались от подчинения РМО и были объявлены гуманитарными вузами. РМО в принципе перестало существовать, также как и Придворная певческая капелла и частные музыкальные школы. С уничтожением высоких сословий были утрачены распространеннее ранее традиции музицирования в домашнем семейном кругу и обязательного обучения музыке молодого поколения. Многие выдающиеся музыканты покинули страну.

Важнейшим фактором сохранения музыкальной культуры было продолжение деятельности Московской и Петроградской консерваторий, в невыносимых условиях, поддерживающих высокий уровень обучения.

Долгие поиски и эксперименты, в конце концов, привели к реорганизации структуры музыкального образования в России. Первую ступень образовали детские музыкальные школы (с 1933 года – семилетние), вторую – училища, и третью, высшую – консерватории. Были также школы 10-летки, совмещающие 1 и 2 ступени. Еще один положительный момент советского периода – власть давала реальную возможность обучения одарённым детям.

Современное музыкальное образование

К середине ХХ века в Советском союзе сформировалась система музыкального образования, и по сей день не потерявшая актуальности. Первой и общедоступной ступенью системы являются музыкальные школы (семи- и пятилетние). Поступить в музыкальную школу может каждый ребёнок при успешном прохождении предварительных испытаний – подробнее об этом читайте в посте “Как поступить в музыкальную школу“.

Профессиональное образование предполагает последовательное обучение в музыкальном училище, затем вузе. По поводу поступления в музыкальные учебные заведения среднего звена читайте – “Как поступить в музыкальное училище?“. Диплом об окончании российского музыкального вуза ценится во всем мире, он свидетельствует о достойном исполнительском уровне, музыкальной и общей гуманитарной подготовке музыканта.

Периодизация.

От истоков до семнадцатого века.

Единственной формой отечественного профессионального музыкального искусства до конца 17 в. являлось церковное пение. Вместе с христианством русские заимствовали из Византии весьма разветвленную и утонченную систему храмового пения – осмогласие и систему его записи – знамена, крюки. Поскольку древнейшие формы этой нотации точно не расшифровываются, открытым остается вопрос: переняла ли Русь церковное пение из Византии непосредственно или через посредство южнославянских стран, но очевидно, что к 15–16 вв. русский знаменный распев представлял собой вполне самобытное художественное явление. Полученными из Византии и устойчивыми принципами оставались: строго вокальный характер церковного творчества – православный канон исключает употребление каких бы то ни было инструментов; теснейшая связь слова и звука; плавность мелодического движения; строчное строение целого (т.е. музыкальная форма выступала как производная от речевой, поэтической). В общем эти принципы в большой мере действительны и для древних эпических фольклорных жанров (календарная обрядовая – языческая песенность имела свои законы). В 16 в. в Москве были основаны образцовые хоры – государевых и патриарших певчих дьяков. В это же время появляются варианты основного знаменного распева, путевой и демественный распевы, имевшие каждый свою систему записи, а также индивидуальные варианты отдельных песнопений, принадлежавшие данному мастеру, местности, монастырю и т.д. В 16 в. возникает и совершенно самобытное русское церковное многоголосие. Несколько позже, в 17 в. получают широкое распространение киевский, греческий, болгарский распевы, отчасти связанные с пением южных и юго-западных православных церквей, но приобретавшие на Руси самостоятельные формы.

С середины 17 в. наступает переломный период в русском церковно-певческом искусстве: утверждается новый стиль хорового многоголосия – партес, распространяемый в Москве певцами украинского, белорусского и польского происхождения и основанный на нормах западноевропейского гармонического письма. Одновременно начинает преобладать пятилинейная нотация, хотя довольно долго еще сохраняется крюковое письмо (старообрядцы пользуются им по сей день). Очень популярной становится духовная псальма (кант), затем появляются и светские хоровые канты – исторические, военные, любовные, шуточные.

Восемнадцатый век.

Русское искусство 18 в., эпохи после реформ Петра I, в значительной мере порывает с прошлым и во многом строится заново. Главное место в культуре образованных слоев общества занимает теперь искусство не церковное, а светское, связанное с западноевропейской системой жанров, музицированием не только вокальным, но и инструментальным. Большое влияние оказывают музыканты-иностранцы, работавшие при петербургском императорском дворе: Франческо Арайя (автор музыки к первому русскому оперному либретто Цефал и Прокрис А.П.Сумарокова, 1755), Джузеппе Сарти (писавший, кроме опер, музыку для придворных торжеств и церковные песнопения на православные тексты), Бальдассаре Галуппи, а также Томмазо Траэтта, Джованни Паизиелло, Доменико Чимароза и другие. В 1730-е годы были созданы придворная итальянская, а потом и французская оперные труппы, придворный оркестр; в спектаклях принимала участие и Придворная певческая капелла, преобразованная из средневекового Хора государевых певчих дьяков. Во второй половине 18 в. в России действовало несколько крепостных театров, появились первые публичные театры в Москве и Петербурге; кроме драм, они ставили оперы и балеты, в которых выступали русские певцы и танцовщики. Оперные спектакли давались и в некоторых провинциальных городах; с 1770 начинают устраиваться публичные концерты.

Наиболее популярным жанром эпохи была опера – как зарубежная, так и русская. В 1770–1780-е годы русскими авторами создано немало произведений в жанре комической оперы – по западным моделям, но на сюжеты из русского быта, с введением народных песен: Мельник – колдун, обманщик и сват Михаила Матвеевича Соколовского; Скупой, Санктпетербургский гостиный двор, Несчастье от кареты Василия Алексеевича Пашкевича, Ямщики на подставе, Американцы Евстигнея Ипатовича Фомина. В жанре оперы-сериа выступили Е.И.Фомин (мелодрама Орфей), Дмитрий Степанович Бортнянский (Сокол, Сын-соперник – на французском языке). К концу века популярным жанром становится духовный концерт a cappella на свободно избранный текст на церковнославянском языке – в службе подобные композиции заняли место причастных стихов; исполнялись они также отдельно, в концертах (Д.С.Бортнянский, М.С.Березовский, С.А.Дегтярев и др.).

С этими произведениями, появившимися в последней трети 18 в., а также с одновременно изданными первыми собраниями народных песен с аккомпанементом и новых камерных песен на стихи русских поэтов (т.н. российские песни Федора Михайловича Дубянского, Осипа (Иосифа) Антоновича Козловского, Григория Николаевича Теплова), с инструментальными композициями Ивана Евстафьевича Хандошкина и Д.С.Бортнянского – связывается начало формирования национальной композиторской школы.

Становление русской композиторской школы.

Девятнадцатый век.

Глинка и Даргомыжский.

Вторая половина 19 в.

С конца 1860-х годов музыкальная жизнь России меняется. Бывшее ранее привилегией высших слоев музыкальное просвещение распространяется в разных кругах общества. Открываются Петербургское (директор Антон Григорьевич Рубинштейн) и Московское (директор Николай Григорьевич Рубинштейн) отделения Императорского русского музыкального общества (ИРМО), которые стали проводить регулярные циклы общедоступных симфонических и камерных музыкальных собраний, музыкальные конкурсы. ИРМО явилось учредителем консерваторий в обеих столицах (Петербург – 1862, Москва – 1866, возглавлялись братьями Рубинштейнами); в течение 1860–1890-х годов отделения ИРМО и музыкальные классы при них открылись во многих крупных городах, к концу века они переросли в училища или консерватории.

В Петербурге некоторое время существовала Бесплатная музыкальная школа (БМШ), созданная в 1862 хоровым дирижером, автором церковной музыки Гавриилом Алексеевичем Ломакиным (1812–1855) и композитором, пианистом, педагогом Милием Алексеевичем Балакиревым. БМШ предоставляла начальное музыкальное образование всем желающим и вела широкую концертную деятельность. Кроме Балакирева, во главе БМШ в течение ряда лет стоял Николай Андреевич Римский-Корсаков, и при нем концерты школы стали основным местом исполнения новой музыки русских композиторов; со второй половины 1880-х годов инициатива перешла к Русским симфоническим концертам, организованным меценатом Митрофаном Петровичем Беляевым.

В 1860–1870-е годы выдвигаются на передний план, вместе с ранее культивированными оперой, программно-симфонической музыкой и романсом, новые для русской композиторской практики жанры: многочастный симфонический цикл (формально первая симфония, созданная в России, принадлежит перу А.Г.Рубинштейна; по смыслу же первые русские симфонии – это Первая симфония двадцатилетнего Римского-Корсакова, 1865, и Первая симфония, Зимние грезы, Чайковского, 1866), концерт для солирующего инструмента с оркестром (особенно широко представлен у Чайковского); серьезное развитие получает также балетная музыка (Чайковский, затем Глазунов); несколько позже развивается культура камерного ансамбля и светского хорового пения. Россия всегда поражала иностранцев великолепными хорами, преимущественно церковными (т.е. мужскими или состоящими из мужчин и мальчиков), однако светское хоровое пение долгое время оставалось в тени. Толчок к его распространению дало Русское хоровое общество, устроенное в Москве по инициативе профессора консерватории К.К.Альбрехта и купца-любителя И.П.Попова: оно просуществовало с 1878 по 1917, в 1887 в хор были введены женские голоса (в церковном пении подобное явление наблюдается позже – после 1905); общество имело свои классы, давало самостоятельные концерты и принимало участие в исполнении произведений кантатно-ораториального жанра.

Беляевский кружок. Что касается творчества авторов более позднего, т.н. беляевского поколения петербургской школы (в это время собрания кружка часто происходили в доме мецената и издателя М.П.Беляева), то наиболее значительными представляются симфонизм А.К.Глазунова (восемь симфоний, 1881–1906, сюиты, увертюры, поэмы и др., а также партитуры музыки к балетам), симфонические и фортепианные произведения А.К.Лядова. Авторы этого поколения опирались на достижения кучкизма, но в целом были несколько более умеренны в своих исканиях.

Московская школа

Несколько позже начинают свой путь два крупнейших композитора нового поколения – Игорь Федорович Стравинский и Сергей Сергеевич Прокофьев (оба петербуржцы, ученики Н.А.Римского-Корсакова): эстетика их ранних произведений, преемственно связанная с петербургской школой, а также, в случае Прокофьева, и с влиянием Скрябина, носит уже постсимволистский характер и соприкасается с новыми – неоклассицистскими, конструктивистскими, футуристическими – художественными течениями.

Исполнительское искусство.

В области музыкально-исполнительского искусства русская культура в течение 19 – начала 20 вв. прошла огромный путь: от салонов и усадебных театров к залам дворянских собраний и консерваторий, к новым зданиям оперных театров; от любительского музицирования – к созданию профессиональных отечественных школ пения и игры на всех инструментах, от частных учителей – до высших учебных заведений, открытых к началу 20 в. во многих крупных городах страны. В конце 19 – начале 20 вв. русская исполнительская школа была представлена, например, певцами Федором Ивановичем Шаляпиным, Антониной Васильевной Неждановой, Леонидом Витальевичем Собиновым, Иваном Васильевичем Ершовым, дирижерами Эдуардом Францевичем Направником (бессменный дирижер Мариинского театра на протяжении более полувека), Василием Ильичом Сафоновым, Александром Ильичем Зилоти, Сергеем Александровичем Кусевицким, пианистами С.В.Рахманиновым, А.Н.Скрябиным, Анной Николаевной Есиповой, Иосифом Гофманом, скрипачами Леопольдом Ауэром и его учениками, виолончелистами Анатолием Андреевичем Брандуковым, Александром Валериановичем Вержбиловичем и др.

Музыковедение.

Двадцатый век.

Первые два десятилетия 20 в.,

Первое советское десятилетие.

Шостакович и Прокофьев.

Политика советского государства в области музыки.

1950-е–1990-е.

В первом направлении ведущей фигурой являлся Георгий Васильевич Свиридов (1915–1998) со своими последователями, среди которых особенно интересна фигура Валерия Александровича Гаврилина; во втором – Андрей Михайлович Волконский, Эдисон Васильевич Денисов, Альфред Гарриевич Шнитке, София Асгатовна Губайдулина, до некоторой степени Николай Николаевич Каретников, Родион Константинович Щедрин и др. Заметным было в этот период также влияние стиля Д.Д.Шостаковича: наиболее отчетливо оно представлено в симфоническом творчестве Бориса Ивановича Тищенко и Мечислава Самуиловича Вайнберга. В Ленинграде обратили на себя внимание Сергей Михайлович Слонимский и Галина Ивановна Уствольская.

Приблизительно до начала XVIII века европейская музыка не имела четких национальных различий. Господствующая христианская церковь несла свои, общие для всех стран каноны, европейская светская музыка была подвержена итальянскому, французскому, немецкому стилю в зависимости от исторического периода.

Эпоха романтизма дала музыкальному миру новые эстетические принципы, которые утвердили не обобщенное начало, а яркие, индивидуальные образы. Широкое распространение национальные музыкальные традиции получили к 1850 году.

Все же общий интерес народному творчеству, стремление прикоснуться к самобытным национальным традициям пошатнули господство германо-итальянских романтических тенденций и дали толчок к эволюции национальных музыкальных школ. Национальная музыка наиболее ярко отразилась в оперных и вокальных произведениях.

Русская национальная школа

Ближайшим его последователем стал Александр Сергеевич Даргомыжский (1813-1869), творчество которого также послужило ориентиром для музыкантов.

Чешская национальная школа

На развитие чешской национальной школы серьезное влияние оказала геополитическая обстановка, сложившаяся в XIX веке. В начале столетия Богемия была территорией, зависимой от Австро-венгерской империи. Постоянная конфронтация с метрополией привела к массовому росту патриотических настроений и стала катализатором появления столь значительных фигур в искусстве, как Дворжак и Сметана.

Отцом чешской национальной школы является композитор, дирижер и литератор Бедржих Сметана (1824-1884), с детских лет известный как талантливый пианист и скрипач. Находясь в постоянном конфликте с австрийским режимом, Сметана несколько лет проводит в Швеции. Помимо композиторской деятельности, он руководил Филармоническим обществом Гетеборга, а с 1866 по 1847 год, по возвращении в Прагу, возглавил Национальный театр.

Национальная школа Испании

Испанская музыка длительный период находилась под влиянием традиций итальянских мастеров, а любая попытка обратиться к национальным мотивам считалась, по меньшей мере, дерзостью. Музыкальное искусство страны, практически лишенной национальной оперы, нашло опору в оригинальном жанре тонадильи.

Скандинавская, польская, венгерская национальные школы

Польская национальная школа. Безусловно, польская национальная музыка ассоциируется, прежде всего, с великим Фридериком Шопеном, чей патриотизм и пылкая любовь к родине в сочетании с музыкальной гениальностью известна всему миру.

Блестящий виртуозный исполнитель Ян Падеревский посвятил жизнь двум светлым идеалам: музыке и борьбе за свободу порабощенной родины. В 1919 году он был назначен премьер-министром и министром иностранных дел Польши, а позже, во время нацистской оккупации, возглавил Национальный совет в эмиграции. Среди музыкального наследия Падеревского – Симфония си минор и многочисленные произведения для фортепиано.

Читайте также: