Что такое живописность в музыке определение кратко

Обновлено: 30.06.2024

Окружающий нас мир очень многогранен, интересен и неповторим. Каждый человек чувствует, видит и воспринимает его через чувства, мысли, слова, звуки, движения - это и есть жизнь, которая ни на минуту не останавливается.

Вложение	Размер
Семинар "Музыкальная живопись и живописная музыка"	37.44 КБ

Онлайн-тренажёры музыкального слуха - Музыкальная академия

Теория музыки и упражнения на развитие музыкального слуха для учащихся музыкальных школ и колледжей.

Современно, удобно, эффективно

Предварительный просмотр:

МУЗЫКАЛЬНАЯ ЖИВОПИСЬ И ЖИВОПИСНАЯ МУЗЫКА

Нашу встречу мы хотели бы начать словами немецкого писателя и художника Германа Гессе:

Музыка – частица нашей жизни. Она, прежде всего, рассказывает о человеке, о людях в целом, выражает их чувства и мысли, рисует их характер – воплощает все то, что связано с человеком. И на протяжении всей истории своего развития музыка не существовала сама по себе, всегда была связана с другими видами искусства, оказывала на них воздействие и, в свою очередь испытывала на себе их влияние.

Музыка и живопись живут очень дружно и охотно помогают друг другу. Изобразительное искусство вдохновляет композиторов и музыкантов, равно так же, как и музыка будит фантазию художников и скульпторов. Музыка и изобразительное искусство разными средствами выразительности создают образ человека, и в то же время охотно помогают друг другу, чтобы мы, зрители и слушатели, поняли и почувствовали глубину
художественных произведений.

Говоря о произведениях изобразительного искусства, часто употребляют выражение цветовая гамма, а рассуждая о произведениях музыкального искусства - звуковая палитра. Сила звука, тембр перекликаются с насыщенностью цвета, поэтому часто говорят "яркий звук" или "звучный цвет". В музыке, как и в живописи есть своя палитра оттенков.

Музыкальность живописи – это не только угадываемые, предполагаемые звуки- звуки, зарождающиеся в душе композитора, звуки музыкальных инструментов, звуки природы, - но и такие чисто изобразительные свойства картины, как её колорит, композиция линий и цветовых сочетаний, расположение ритмических элементов, вся организация художественного пространства.

Важным выразительным средством как в музыке, так и в живописи является ритм – чередование звуковых или изобразительных элементов в определённой последовательности. С помощью ритмического повтора или контраста художник, композитор соединяют детали в единое целое в пространстве или во времени, создают художественную форму, композицию. Любой рисунок, как в изобразительном искусстве, так и в музыке, рассказывает внимательному зрителю и слушателю о душевных переживаниях их создателей, несёт в себе характерную интонацию. Плавные линии графического, живописного рисунка, как и плавные мелодии, передают мягкость, нежность, покой; ниспадающие, нисходящие линии - успокоение или грусть, печаль; восходящие, взлетающие - радость, свет, энергию, устремлённость. Соединение разных мелодий, интонаций, линий рисунка влечёт за собой напряженность, драматизм образа.

Вслушиваясь в музыкальное произведение, человеческое воображение рисует живописные образы. Таким образом, музыка обретает видимость, а живопись слышимость.

Невозможно себе представить связь этих двух искусств без природы. Природа , музыка и живопись просто неотделимы друг от друга. Пронизанные красотой природы, они смыкаются и взаимопроникают друг в друга. Пора расцвета русской пейзажной живописи, проникнута стихией русской песенности и русской музыки, напоённой ароматом поэтической русской природы.
Удивительный дар был у Левитана: всё, что рождалось под его кистью, начинало петь. Вот как описывали картину "Весна - большая вода". Тонкие, как свечки, по-девичьи стройные берёзки выглядят, как те самые, которые искони воспевались в русских песнях. Отражение берёзок в прозрачной воде как бы составляют их продолжение, их отголосок. Другая картина Левитана "Золотая осень" производит, пожалуй, самое умиротворяющее и целительное впечатление. Согласно, созвучно поют краски дивного холста. Всё в этой картине как будто спето на одном дыхании, написано в одно касание.
Новое направление в искусстве – импрессионизм. Пейзаж стал ведущим жанром у юных художников: Моне, Писсаро, Сезанна, Чюрлёниса. Среди музыкантов импрессионистов прославились своими красивейшими произведениями Клод Дебюсси, Морис Равель, Чюрлёнис.
Художественно, пытался разрешить идею синтеза живописи и музыки литовский композитор, рисовальщик и живописец Микалюс Чюрлёнис ( 1875—1911 ). В своём творчестве он соединил два вида искусства – музыку и живопись. Он исходил из того, что "пространственные " и " временны́е " искусства имеют общую образную природу , но воспринимаются органами чувств по-разному. Поэтому Чюрлёнис интуитивно нашел верный путь: он создавал " музыкальные картины " ( отдельно в музыке и в живописи ), настроения которых, в каждом случае обусловленные спецификой изобразительных средств, вызывали схожие представления, ассоциации, аллюзии, т. е. перекликались между собой во времени и пространстве. Своими картинами он хотел выразить музыку, а красками стремился передать музыкальные звуки.

Связи между искусствами существовали всегда. В одни эпохи они были большими, в другие – меньшими.

Звучащие образы и движущиеся краски сливаются в народном искусстве песни и танца. Но все это еще не цветомузыка как таковая, а лишь ее истоки. Существенные дополнения в развитие проблемы вносит эпоха Возрождения: время гениальных изысканий, как художественных, так и естественнонаучных.
В конце XVI века в Милане, по свидетельству очевидцев, была изобретена музыка цвета. Д. Арчимбальдо, живописец и музыкант, проигрывая своим ученикам определенные тональности, одновременно показывал разноцветные карточки, соответствующие, по его мнению, звучанию данного конкретного лада. Маловероятно, чтобы Арчимбальдо имел в виду новое искусство, но, тем не менее, его теория обучения живописи через звук явилась прообразом цветомузыки.

В течение XVII-XIX веков над проблемой синтеза звука и света работали физики и психологи, изобретатели и конструкторы, художники и музыканты. Ныне наука о цветомузыке переживает стадию невероятных открытий и творческих разработок. Но немного предыстории.

XVII век стал началом научной цветомузыки. В 1665 году И. Ньютон, увлекшись исследованием солнечного света, поставил опыт, заключавшийся в том, что солнечный луч сквозь отверстие в ставне окна падал на стеклянную призму и, преломляясь в ней, давал на экране цветовую дорожку. Так вот, Ньютон искал связь между солнечным спектром и музыкальной октавой, сопоставляя длины разноцветных участков спектра и частоту колебаний звуков гаммы. По Ньютону, нота "до" - красная, "ре" - фиолетовая, "ми" - синяя, "фа" - голубая, "соль" - зеленая, "ля" - желтая, "си" - оранжевая (см. рис.). Ясно, что ученый подходил к проблеме чисто механически, но он дал точное установление высоты, или темперацию цветового ряда.

Со второй половины XIX века проблема синтеза зрительного и слухового восприятия заинтересовала и психологов, изучавших явление так называемого цветного слуха у ряда музыкантов. С конца XIX века начинается цветомузыкальное концертирование в европейских странах и США. В это же время были созданы первые демонстрационные модели цветовых органов. В 1877 году американец Б. Бишоп поместил на фисгармонию небольшой экран из матового стекла, на который через разноцветные фильтры падал свет. Для освещения экрана Бишоп вначале использовал солнечный свет, а затем - электрическую дугу. Играя на фисгармонии, исполнитель должен был одновременно открывать те или иные цветные фильтры, окрашивая тем самым экран. Высокие тона выделялись яркими цветами в центре экрана, тогда как низкие размывали цвета по всей его поверхности.
А. Римингтон, английский художник и изобретатель, выдвинул идею музыки цвета. Свой цветовой орган он построил в 1893 году. Инструмент был похож на гигантский семафор с двенадцатью фонарями, также проецировавшими свет от электрической дуги на экран. Устройство предполагало только воспроизведение цветовой части, музыка исполнялась отдельно на любом музыкальном инструменте. В своих исследованиях Римингтон опирался на физическую параллель между звуком и цветом, но не отвергал и свободу выбора, экспериментирование, полагая, что каждый исполнитель может думать по-своему.

Одновременно с Римингтоном начал свои исследования в Австралии А. Б. Гектор. Он преследовал цель перевода звука в цвет, считая, что каждой музыкальной фразе соответствует цветовая гамма, а каждому музыкальному звуку - определенная цветовая единица. Гектор создал цветомузыкальный театр на открытом воздухе. Вот выдержка из газетной рецензии на один из концертов: "В живописном окружении скал, пампасной травы и статуй цветной свет вписывался прелестно. Траурный марш Шопена сопровождал тонкий цветовой эффект - впечатление красок зари, разгорающихся на южном небе, по воле человека расцветающих изменчивой гармонией. Голубые, янтарные, зеленые тона. Нежное сияние солнечного света и зловещий красный, пурпурный". По всей вероятности, изобретатель ставил своей целью не только расцветить музыку, но и донести смысл ее содержания с помощью воздействия как на слух, так и на зрение.
В истории цветомузыки знаменитым становится имя американца Т. Вилфреда. Его интересовала музыка цвета без звукового сопровождения. В своих опытах он пришел к выводу о необходимости использования цвета, формы и движения, которым в музыке соответствуют мелодия, гармония и ритм. Его цветовой орган представлял собой цветовоспроизводящую клавиатуру для ручного управления. На экране появлялись солирующие фигуры - круг или квадрат, которые, вращаясь, переплетались наподобие рук. Фигуры могли утолщаться, утончаться, приближаться и удаляться. Цвета же являлись аккомпанементом к этому необычному соло. Вилфред много сделал для развития цветового искусства как самостоятельного вида художественного творчества.
В России основоположником цветомузыкального искусства считают композитора А. Н. Скрябина (1872-1915), хотя незадолго до него на эту стезю ступил Н. А. Римский-Корсаков (1844-1908), один из членов знаменитой музыкальной группы "Могучая кучкая". Обладавшие феноменом цветного слуха, эти два композитора-изобретателя каждый по-своему решили проблему цветомузыки. Так, Римский-Корсаков, ориентируясь на собственное восприятие каждого отдельно взятого лада, заключал музыкальные образы своих опер в строго определенные тональности. Так, в опере "Садко" (1894-1896) лейттемы Моря написаны в двух сине-голубых тональностях - Ми мажоре и Ми бемоль мажоре (любопытно, что индивидуальная окраска ноты "ми", а следовательно, и ладов, построенных на этом тоне, у Римского-Корсакова совпадает со спектральными расчетами Ньютона!). Описывая это явление в "Летописи моей музыкальной жизни", Римский-Корсаков всегда подчеркивал значимость своего замысла: звучащие лейтмотивы в сочетании с оттенками синего цвета в декорациях на сцене, психологически воздействуя на слушателя, способствуют лучшему восприятию, а значит, и запоминанию музыкальных образов.
Но только Скрябин, спустя несколько лет, создает первое в музыкальном искусстве произведение, в котором партия цвета выступает на равных с инструментальными партиями и выписана на отдельном нотном стане музыкальной партитуры, - симфоническую поэму "Прометей" (1909-1910). Не случаен и подзаголовок сочинения - Поэма огня, отражающий идею стихийности движения, мощного потока цветности.

Грандиозный замысел Скрябина не мог не сказаться на исполнительском составе произведения, включающем большой состав симфонического оркестра, фортепиано, орган, хор и цветосветовую клавиатуру, освещающую зал чередой цветовых волн. Введение партии света, по мнению композитора, должно было усилить впечатление от музыки. Однако несовершенная в те времена техника не могла полностью выразить задуманное композитором. Первая попытка воспроизвести световую партию окончилась провалом и непризнанием самой гениальной идеи. Дело в том, что выполненная самим композитором машина была слишком примитивной для того, чтобы сопровождать исполнение восхитительно-грандиозной музыки. В музее Скрябина в Москве хранится световой аппарат, созданный композитором в 1911 году. "Тастьере пер люче", или световой клавир, - так называл Скрябин свое детище, аппарат, которому суждено было в первый раз сопровождать исполнение световой симфонии. Устройство представляло собой диск, на который были установлены по кругу двенадцать цветных лампочек с таким же количеством выключателей, соединенных проводами. При исполнении музыки лампочки мигали разными цветами; свет их был тусклым и приглушенным. С таким прибором Скрябин не смог исполнить волнующе-загадочную партию Luce, а мигание лампочек лишь раздражало слушателей. Тем более необходимо отдать должное интуиции Скрябина, своими идеями предугадавшего выразительные средства на многие десятилетия вперед.
Музыка, взаимодействуя с другими видами искусства, обогащается сама, делает богаче и разнообразнее всё, с чем соприкасается. В этом диалоге с различными видами искусства музыка постоянно изменяется, обновляется и в то же время остаётся самою собой, остаётся живым источником человеческих чувств, образов, высоких духовных ценностей.

Синтез искусств – как одна из основ интегрированных занятий

Взаимодействие искусств способствует их взаимообогащению, усиливает их познавательные и воспитательные возможности и воздействие на личность ребёнка.

«Литература, музыка и живопись охватывают духовную жизнь человека всесторонне и полно, а их взаимодействие, синтез обогащают каждое из них новыми чертами

Обращение к синтезу искусств обусловлено и психологическими особенностями ребёнка-дошкольника, художественное творчество которого на этапе дошкольного детства носит синкретический характер (исследования Л.С.Выготского).

Поэтому такой подход в педагогике оказывается наиболее успешным, так как созвучен природе самого ребёнка. Только в детстве человек способен ощущать мир звуков

красок, движений всеми органами чувств.

Дошкольник предрасположен к восприятию произведений различных видов искусства. Вместе с тем восприятие музыки представляет для него большую трудность, чем восприятие других искусств. Это связано, с одной стороны, со спецификой и сложностью музыкального художественного образа, с другой – с возрастными особенностями дошкольника.

Музыкальный образ достаточно абстрактен и предполагает множественность композиторских, исполнительских и слушательских трактовок. В его основе лежит музыкальная интонация, многозначная по своей сути.

Другое отличие музыкального образа – его динамичный характер. Музыкальный образ развёртывается во времени, раскрывая свои свойства в развитии. Эти особенности музыкального образа делает его сложным для дошкольника, который оперирует главным образом представлениями о конкретных предметах и явлениях. Нужно помочь ребёнку войти в мир музыки, понять её содержание и овладеть сложным музыкальным языком.

Значение других видов искусства в развитии музыкального восприятия и художественной культуры ребёнка подчёркивали такие выдающиеся музыканты и педагоги-просветители, как Б.Л.Яворский и Д.Б.Кабалевский. Так, Яворский считал, что детям свойственно целостное восприятие искусства, что синтез музыки, живописи и литературы обогащают музыкальное восприятие, развивает эмоциональную сферу ребёнка.

Искусство всегда раскрывает перед слушателями, зрителями, читателями жизнь во всём её многообразии. Главное – стремиться понять образы различных искусств, не переставая удивляться чудесам, которые они открывают.

Любой счастливой мысли появленье

И дерзость строк, пришедших неспроста, -

Всё возникало с чувства удивленья,

Всё начиналось с чистого листа.

У пульта, за роялем, на арене,

Над глиной, на подмостках, у холста –

Да что искусство – мира сотворенье –

Всё начиналось с чистого листа.

Список использованной литературы:

4. Ванслов В.В.Изобразительное искусство и музыка: черки.2-е изд. Л.: Художник РСФСР,1983.

5. Дмитриева Н.М. Изображение и слово. М.: Искусство,1971.

6. Левина Л.И. Музыка в системе культуры как актуальная проблема музыкознания. М.: Государственная библиотека СССР, 1984.

Тему урока вы сегодня узнаете не со всем обычным способом. Для того чтобы узнать слово вам необходимо набрать указанный номер.
Перед вами часть темы, которая вам должна быть понятна – живописная музыка.

- А что значит живописная музыка? (примеры с прошлого урока)

Живописной музыкой обычно называют такую, которая настолько ярко и убедительно передаёт впечатления композитора от картин природы, что мы начинаем, словно бы видеть эти картины.

- Как вы думаете, что такое музыкальная живопись?

Музыкальной живописью называют живопись, наполненную столь поэтическим чувством, что его трудно передать словами, можно только такой же поэтической мелодией.

(если дети затрудняются ответить на эти вопросы, то можно предложить найти ответ в конце урока).

Сегодня на уроке мы познакомимся с произведениями, рисующими образ. А вот какой вы определите после прослушивания небольшого текста.

Эти строки принадлежат литовскому композитору и художнику Микалоюсу Чюрлёнису.

Размышляя о творчестве М.Чюрлёниса мы будем использовать следующие термины: триптих, цветовая гамма, звуковая палитра, соната.

М.Чюрленис прожил короткую жизнь, 35 лет. В своем творчестве он стремился воплотить идею синтеза искусств. Живописные полотна Чюрлениса относятся к направлению Символизм. Это направление в искусстве начала 20 века, для которого характерны недосказанность, намеки, таинственность, загадочность. Что такое символ?

- Как понять духовное содержание (это скрытое в картине глубокое, жизненно важное) (триптих - произведение искусства, состоящее из трёх картин, объединенных общей идеей)

1. Здесь мы видим побережье с высоты птичьего полёта. Видна мелкая сеть волн, берег, дальние холмы. Плавно вздымающиеся и опускающиеся волны с белой чайкой на фоне. Закройте глаза – и представьте себя совсем маленьким, величиной с ваши ладошки. Посадите себя – маленького на ладонь. А теперь поднесите себя крошку к первой картине и войдите в неё. Вдохните запах солёной воды, потрогайте волны, послушайте их лёгкий звон. Как вы себя чувствуете в этой картине? Могли бы вы зайти вглубь этой спокойной воды? Но пока остановимся и выйдем на сушу…

2. Вторая – глазами человека, который зашёл по колено в воду. Здесь тишина. Светлая печаль, воспоминания о чём то прекрасном, но ушедшем, потонувшем в глубине морских вод. Печаль эта светится двумя огоньками. А теперь посмотрим вниз, на затонувший город. Рука с корабликом…Рука поддерживает, оберегает, вселяет доверие и покой. Осторожно выплывем, покинем картину…

3. Третья картина для самых смелых. Да, это море, но оно не плещется, а обрушивает силу волны которая может уничтожить эти четыре пляшущих кораблика. А может быть они спасутся и на новой такой же волне вновь продолжат свой веселый танец…Не входите слишком глубоко. Встаньте перед огромными волнами, послушайте штормовой гул, ощутите холодные брызги… А теперь вернитесь.

Немного отойдём назад – и ещё раз вглядимся.

Художник поднимает важный вопрос: как спастись в этой жизни, которую символизирует море? Художник задает вопрос: а не поглотит ли меня пучина жизни? Это наглядно видно в финале картины: Инициалы Чюрлениса среди морских волн.

(можно показать янтарь)

Чюрлёнис всю жизнь любил море. С темой моря связаны не только его полотна, но и музыка.

- Сейчас мы её послушаем. Ваша задача расположить эти картины по порядку так, чтобы они подходили к характеру музыки.

- Объясните, почему вы разложили рисунки в таком порядке.

- Разучивание припева, исполнение под фонограмму.

Учитель: Море может быть тихим, безмятежным, спокойным. А может грозным и бушующем. (Показ слайдов с картинами моря)

Разные состояния моря нашли своё звуковое выражение и в музыкальных произведениях. И сейчас я предлагаю вам стать художниками и нарисовать море с помощью цветных карандашей таким, каким вы его услышите.

Задание группам.

Выберите художника (+ помощника), которые будут рисовать: настроение моря, цвет, волнение, масштаб.

А остальные участники команды должны выразить музыкальную картину моря подходящими словами, чтобы описать его настроение. Художники используют цветовую гамму и линию волнения моря.

Остальные – музыкальную палитру и словарь музыкальных эмоций.

- Объясните, почему вы нарисовали море таким. Какие слова подобрали слушатели?

Посмотрите на картины и подберите одно из них, подходящее к музыки.

Картины с изображением моря называются МАРИНЫ, а художники, изображающие море на своих картинах – МАРИНИСТЫ. Самый знаменитый русский маринист - Иван Константинович Айвазовский Он родился очень давно, в 1817 г. в Крыму, в Феодосии, на берегах Чёрного моря. Полюбив море в детстве, художник всю жизнь изображал его в разном настроении. Им написано 6 тыс. картин.

Наша встреча с морем подошла к концу.

Так что же такое музыкальная живопись?

Я рисую море,
Голубые дали.
Вы такого моря
Просто не видали!
У меня такая
Краска голубая,
Что волна любая
Просто как живая!
Я сижу тихонько
Около прибоя -
Окунаю кисточку
В море голубое.
В.Орлов

Реформы в образовании, длящиеся уже несколько лет, постоянно требуют от нас поиска инновационных методов в учебном процессе. Но история развития художественного образования показывает, что есть такие вечные понятия как опыт поколений и преемственность. Именно благодаря им мы можем двигаться вперед. Тема синтеза различных видов искусств дает возможность в процессе соединения знаний в единый сплав сформировать единое видение мира, культуры.

Музыкальное искусство с глубокой древности было теснейшим образом связано с живописью. О синтезе (слиянии и взаимодействии) музыки и живописи, этих двух прекраснейших из искусств, говорилось из века в век. Обращение к истории развития мировой художественной культуры показывает, что существует органическая связь между этими видами искусств, которая еще на заре человечества проявляла себя в виде обрядовых и культовых действий, праздников и пиршественных представлений, народных зрелищ и карнавальных шествий. Живопись и музыку в их единстве постоянно сравнивали, анализировали, проводили параллели. Так, в индийской средневековой эстетике семи основным нотам соответствуют семь цветов — бледно-розовый цвет лепестков лотоса, оранжевый, золотой, цвет жасмина белый или черный, ярко-желтый, пестрый. В китайской системе пять тонов окрашиваются в желтый, белый, зеленый, красный и черный соответственно.

Первые изображения музицирующих людей пришли к нам из глубокой древности. В Египте на стенах храмов запечатлены целые музыкальные ансамбли – юноши и девушки, играющие на кифарах, лютнях, гобоях. В древней Греции певца Орфея всегда изображали с лирой в руках. В Средние века и в эпоху Возрождения на полотнах часто изображали поющих ангелов. А странствующие музыканты на картинах исполняли мелодии на волынках или виолах.

Многие выдающиеся художники прошлого и настоящего писали портреты композиторов, певцов, исполнителей-инструменталистов, раскрывая их богатый внутренний мир, многогранность их личности. Таковы портреты Ф. Шопена (художник Э. Делакруа), М. П. Мусоргского, А. Г. Рубинштейна, А. П. Бородина (художник И. Е. Репин), Н. А. Римского-Корсакова (художник И. Е. Репин), Н. А. Римского-Корсакова (художник В. А. Серов), Ф. И. Шаляпина в роли Бориса Годунова (художник А. Я. Головин), С. С. Прокофьева (художник П. П. Кончаловский), пианиста К. Игумнова (художник П. Корин), певицы Е. Образцовой (художник И. Глазунов) и др.

C dur (F dur) – красный

G dur – оранжевый

H dur – бледно-синий

Dis dur – фиолетовый

Es dur –стальной

B dur – с металлическим блеском

Если у человека богатый духовный мир, если вся душа его населена возвышенными образами, если ему есть что сказать и он стремится к самовыражению, то такой человек не в состоянии ограничиться только одним способом выражения. Все эти виды искусства неразрывно связаны между собой, имеют общую природу, основываются на одних и тех же образах. Они имеют общие законы и правила, целью которых является гармоничная передача ощущений и образов, заставляющих задумываться об одних и тех же вещах, испытывать одну и ту же боль или восторг. Цель каждого истинного искусства – затрагивать наши мысли и чувства, делать нашу душу чище и возвышенней. К этому стремились мастера живописи и творцы великой музыки, к этому побуждала их неутолимая жажда самовыражения. Самовыражения в слове, в музыке, в цвете.

Важным выразительным средством в любом искусстве является ритм - чередование каких-либо элементов (звуковых, изобразительных) в определённой последовательности. С помощью ритмического повтора или контраста художник, композитор соединяют детали в единое целое в пространстве или во времени, создают художественную форму, композицию.

Любой рисунок, как в изобразительном искусстве, так и в музыке, рассказывает внимательному зрителю и слушателю о душевных переживаниях их создателей, несёт в себе характерную интонацию. Плавные линии графического, живописного рисунка, как и плавные мелодии, передают мягкость, нежность, покой; ниспадающие, нисходящие линии - успокоение или грусть, печаль; восходящие, взлетающие - радость, свет, энергию, устремлённость. Соединение разных мелодий, интонаций, линий рисунка влечёт за собой напряженность, драматизм образа.

Звучащая Живопись Клода Моне - французского живописца, одного из основателей импрессионизма. И живописная музыка Чайковского.

Concerto for Piano and Orchestra no.1
in B flat minor, op.23 (2nd movement)
Ivo Pogorelich, piano
London Symphony Orchestra - Claudio Abbado - 1985

Symphony no.6, op.74
"Pathétique" (2nd movement)
Wiener Philharmoniker - Herbert von Karajan

Живопись Уильяма Тёрнера и музыка Бетховена

Concerto for Piano and Orchestra no.3
in C minor, op.37 (2nd movement)
Wilhelm Kempff, piano
Berliner Philharmoniker - Ferdinand Leitner - 1962

"Exsultate, Jubilate" mottetto sacro 1773, K.165
"Tu virginum corona" andante
Kathleen Battle, soprano
Royal Philharmonic Orchestra - André Previn

Читайте также: