Особенности русской школы живописи
Обновлено: 02.07.2024
В формировании русской школы создания живописного образа человека огромная роль принадлежит иконописи.
Развитие искусства иконописи по-новому поставило вопросы организации наблюдений человека в Древней Руси XII в. Конечно, мы еще не можем говорить о постановке вопросов, но тем не менее можно выделить позитивные стороны в этих начинаниях. Искусство иконописи повлияло на развитие русского портретного жанра и, мы считаем, что еще в этих средневековых школах был заложен принцип особой духовной трактовки изображаемого в портрете, которая и сегодня остается национальной чертой нашего русского искусства вообще.
О новых требованиях к живописи и методам преподавания, появившихся во второй половине XVII в. в основе которых лежало внимательное наблюдение и изучение натуры, свидетельствуют высказывания русского иконописца Иосифа Владимирова. Владимиров в художнике видел не только исполнителя определенных шаблонов, требовал от него собственных наблюдений жизни, причем постоянных, где бы он ни был.
В 1758 г. создается Академия художеств в Петербурге, которая стала законодателем современного художественного вкуса, новых подходов в методике преподавания, в том числе и живописи.
Анализ истории обучения портретированию в русской художественной школе показывает, что еще крупнейшие мастера придавали большое значение развитию художественной наблюдательности в процессе подготовки молодых художников. По мнению многих академиков, развитие наблюдательности учащихся должно опираться на разум, который контролирует впечатления, приводит отдельные ощущения, полученные от наблюдения природы, в определенный порядок.
Для развития профессиональной целенаправленности наблюдений учеников в академическую систему обучения в конце XVIII в. Д.Г. Левицким были введены композиционные задания на бытовые темы. Обращение к жанровым сценам требовало от учащихся наиболее полного и многостороннего выявления характерных особенностей портретируемого, что возможно лишь в результате постоянных наблюдений человека в жизни, умения обобщать свои впечатления. Причем, чтобы заинтересовать учащихся, сюжеты для композиций преподаватель задавал преимущественно из учебной жизни Академии (толкование урока воспитателем, работа художника).
Во избежание слепого копирования натуры педагогами использовался очень интересный методический прием, который, по-нашему мнению, безосновательно не практикуется в современном процессе обучения. В натурных постановках рядом с моделью обязательно ставилась в той же среде и условиях освещения гипсовая отливка головы. Ясная лепка объема гипса давала возможность учащимся постоянно проверять тональное решение своего портрета, сознательно изучать модель, приобретая новые знания (этот прием использовался мастерами и весь XIX в.).
В разработанной в стенах Академии трех знатнейших искусств методике обучения живописи есть много ценных положений, которые не потеряли своего значения и сегодня. Например, вот еще один прогрессивный метод подготовки будущих художников, который, к сожалению, в дальнейшем был забыт. В натурном классе всегда одновременно работали два дежурных преподавателя: один из них ставил натуру и поправлял ученические работы, другой – параллельно с ними выполнял учебную постановку.
Как мы видим, именно на примере портрета в России происходило становление первого жанра изобразительного искусства, выражавшего своеобразность, самобытность русской национальной школы живописи и соответственно методики ее обучения. К концу XVIII в. в России живопись развивалась как предмет, раскрывая формы, методы, приемы, технику изобразительного искусства.
Развитию идеи о необходимости жизненных наблюдений в изобразительной деятельности русская художественная школа во многом обязана западноевропейской. Академизм, распространившийся из Европы в XVII – XVIII вв., привнес в Россию новшества и в обучение – основу метода преподавания в академии составляла работа с натуры. При этом была выработана четкая система художественного образования и эстетического воспитания, были найдены удачные формы и методы обучения живописи, создавалась благоприятная почва для усовершенствования методики преподавания и поиска новых, более эффективных методов и приемов обучения. Появившиеся в отечественной и зарубежной педагогике новые направления ставили вопрос о воспитании всесторонне развитого человека путем создания определенных условий для творческой жизни через целостное понимание процесса обучения.
В первой половине XIX в. в Российской академии художеств методы преподавания портрета еще более совершенствуются и русская школа живописи поднимается на уровень самого лучшего в Европе художественного учебного заведения. Именно в начале XIX в. были окончательно сформулированы основные положения художественного образования и воспитания, многолетние педагогические поиски закладывали научные основы методики преподавания живописи портрета, которые постепенно сложились в особую академическую традицию. Портрет как жанр занял определенную нишу в комплексе художественных дисциплин, обучение ему шло по строгой системе, считаясь одним из важных и сложных заданий. Многие хорошо известные люди позировали в качестве модели, так как уровень выполнения портретов выпускниками был очень высоким, что давало возможность судить о степени сходства и верном решении образа.
Обращение преподавателей академии к жанровым заданиям усложняет задачи воспитанников, требуя подробного изучения человека в обыденной жизни, более точной и всесторонней передачи физического и эмоционального состояния человека, конкретизации его социальной характеристики. В портретных постановках возрастает смысловая нагрузка фона – вводятся обстановочные элементы, а это есть еще одна сфера для организации наблюдения. Работу над портретом требовалось начинать со своеобразного портретного рисунка и быстрого цветового этюда. Здесь художник, фиксируя характер портретируемого, выявляя цветовые особенности постановки, позволял себе некоторую импрессионистическую небрежность исполнения рисунка к портрету, отказавшись от доскональной академической проработки, которая, в свою очередь, не должна мешать схожести. Для совершенствования мастерства будущего портретиста преподаватели часто меняли натурщиков, которыми нередко становились сами ученики, и предъявляли высокие требования к краткосрочным заданиям.
Венецианов признает самым важным условием объективности в изобразительном искусстве знание художником законов зрительного восприятия, поскольку они позволяют воссоздавать точную картину того, что предстает перед человеком в натуре. Это предпочтение, отдаваемое глазу, а не предмету как таковому имело для того времени глубоко прогрессивный смысл. (На Западе такой подход в обучении привел к импрессионизму.)
Сам по себе процесс живописи заключался, судя по некоторым сохранившимся неоконченным работам, в общей легкой тоновой прописке рисунка с обозначением светотени и основных масс. Этим художник добивался создания на холсте своего рода тонального подобия того куска природы, который он изображал. На втором и последнем этапе работы ученик, выбрав один наиболее определенный по форме и цвету предмет, тщательно выделывал его, а затем доводил до такой же степени выделанности и всё остальное. Таким образом, если сначала рекомендовалось писать от общего к частному, то в ходе дальнейшей работы, наоборот, – от частного к целому. Обращение к подобному методу обуславливалось прежде всего самим характером тональной живописи, когда создание общей тональности (в первой прокладке) позволяет, не нарушая достигнутого обобщения, вести работу от частного [4, с. 156].
Портрет рассматривался Ступиным очень своеобразно, прежде всего как этюд с натуры, а не как изображение данного человека.
Огромным успехом пользовались разработанные А.П. Сапожниковым новые методические подходы в системе преподавания в специальных художественных учебных заведениях. Установив ученикам методические модели рядом с натурой для постоянного наблюдения и сравнения, Сапожников сам получал возможность на их основе наглядно и просто раскрывать самые сложные моменты анализа формы предмета [6, с. 24].
Однако во второй половине XIX в. система преподавания Академии художеств претерпевает кризис и приходит к противоречию с современными ей требованиями жизни. Академики требовали выправления натуры в портретах по идеальным пропорциям античных образцов, и слепое изучение антиков постепенно привело к снижению живописных качеств работ, так называемой их сухости, поскольку заученные приемы совершенно препятствовали изучению живой натуры как таковой.
Приехавший в это время из Италии К.П. Брюллов возродил педагогические идеи высокого искусства в своей педагогической практике, внедрив в основу обучения живописи реализм и непосредственность жизненных наблюдений, глубокое и разумное познание природы. Он требовал от своих учеников постоянных наблюдений за жизнью в любое свободное время, ее изучения, отзывчивости на современность.
Развитие русского реалистического искусства второй половины XIX в., изменение педагогической структуры в образовании внесли перемены и в преподавание живописи портрета. На русскую школу сильное влияние оказало творчество передвижников, обративших внимание художников на наблюдение реальной жизни.
В конце XIX в. В.Г. Перов и И.Н. Крамской в своей творческой деятельности создали психологический тип реалистического портрета, обратившись к интеллектуальной жизни модели (показ в минуты сосредоточения), к состоянию души портретируемого. Таковы, например, портреты Ф.М. Достоевского, А.Н. Островского, А.Н. Толстого. Подобный подход реализуется через отказ от каких-либо добавлений аксессуаров и пояснений бытового характера. В живописном решении господствует боковое освещение, позволяющее объединять части изображения в большие однотонные массы, приглушенный колорит отвергает яркость красок – аскетический идеал портрета, как непозволяемая роскошь [20, с. 90].
В.И. Суриков указывал, что особое значение цельное видение приобретает в портрете, будет ли это быстрый этюд головы или длительный ряд сеансов – всё равно. В процессе работы наступает момент, когда всё должно собраться в непрерывную связь. Чем лучше художник владеет этим искусством выражения непрерывного единства, тем большей жизненностью и простотой будет обладать созданный им портрет [11, с. 21].
Очень интересны взгляды на живопись портрета и на роль деталей и общего в этом жанре одного из выдающихся русских живописцев Н.П. Федотова. Художник всегда тщательно вписывал все детали, но в его живописи при этом было настоящее обобщение. Федотов писал так: «…маленькая картинка, в темном углу сидит очаровательная девушка. На шее у неё что-то надето. С первого взгляда не разберешь что, как это бывает в темноте. Я начинаю рассматривать – на шее у нее бусы, на бусах блики, в блике отражается окно, а в окне пейзаж.
Вопросам наблюдения и познания натуры первостепенную роль отводил адъюнкт-профессор Академии художеств П.П. Чистяков. Он считал, что расширить творческие возможности и свободу художника возможно через активизацию познавательной деятельности воспитанников, основанную только на последовательном и объективном изучении окружающей действительности.
П.П. Чистяков считал это важным, поскольку начинающий ученик не умеет организовывать свою работу, работает бессистемно. Ему безразлично, с чего начинать рисунок, а о том, как его закончить, он и не думает. Обычно он прежде всего берется за исполнение деталей, рисуя их в том порядке, как они ему случайно бросаются в глаза, и совершенно не оценивая при этом роли и значения каждой детали в системе целого.
В итоге из всей суммы перечисленных в рисунке деталей не получается изображения, сколько-нибудь сходного с натурой, так как детали рассматривались и исполнялись отдельно от целого, вне связи с целым и не в подчинении ему.
Как следствие, необходимо добиваться того, чтобы учащийся постоянно сравнивал детали с целым и подчинял их ему. А из этого вытекает требование вести работу постоянно над всеми частями рисунка одновременно.
В XX в. успешно развивается творчество великих мастеров классического русского реализма. И.Е. Репин, будучи в этот период профессором, руководителем мастерской исторической и портретной живописи Академии, прекрасно знавший методику преподавания в частных студиях Западной Европы того времени, выступает и за сохранение традиций реалистической школы искусства. В процессе обучения он большое значение придавал развитию остроты и непосредственности наблюдения учеников, их эмоционального восприятия. К примеру, И.Е. Репин перед своими воспитанниками ставил задачи решения индивидуальных особенностей изображаемого человека, требовал производить живописный отбор – усиление характерного, определенное образное видение модели. Поэтому на каждой последующей постановке ставил новые, более сложные задачи, неожиданные позы, сочетание натуры с разнообразными аксессуарами. Он хотел видеть в работах своих воспитанников эмоциональную выразительность, высокую художественную культуру исполнения [2, с. 26].
К.А. Коровин считал, что среди изобразительных средств в образной передаче человека в живописи громадная роль принадлежит колориту. Особенности колористического решения всегда обусловлены стоящими перед художником творческими задачами, идейным содержание картины.
Также следует отметить огромный вклад в развитие методики преподавания портретной живописи выдающегося художника-педагога, ученика И.Е. Репина, Д.Н. Кардовского. К своей педагогической деятельности он приступает в 1907 г., работая сначала в качестве помощника в мастерской Репина, а затем становится профессором. Кардовский прошел хорошую академическую школу у прославленного педагога П.П. Чистякова, а также освоил курс обучения в школе художника Антона Ашбе в Мюнхене.
Художественная культура ценна тем, что предполагает общение между людьми через века. Изучая памятники культуры - произведения живописи, скульптуры, литературы - мы как бы вступаем в диалог с их авторами, с теми людьми, которые в них запечатлены.
В последнее время интерес общества к отечественному культурному наследию постоянно растет.
В истории русской культуры выделяются два больших этапа развития: русская средневековая культура, которая охватывает период с Х по XYIII вв. и русская культура нового времени, которая занимает период с XYIII по XIX вв.
В моем исследовании хронология затрагивает этап нового времени в истории культуры 17-18 вв.
На каждом этапе развития культуры имеются свои особенности, которые определяют развитие всех областей жизни общества.
Культура нового времени отличалась светским характером. В ХVIII столетии окончательно сформировались светская живопись, скульптура, архитектура, литература, возникло свободное от религиозного влияния образование.
В новое время изменилось место человека в культуре. Человек стал главным объектом внимания живописи, литературы, скульптуры. Человек переместился с периферии в центр культуры, которая стала антропоцентричной. Этому можно найти вполне понятное объяснение. При Петре I люди совершили невиданные преобразования в стране. Выросла новая порода образованных, энергичных, смелых людей, которым не были страшны никакие трудности. Разумеется, искусство не могло обойти их своим вниманием.
В отличие от средневековой культуры, культура нового времени всегда была широко открыта для внешних влияний: шли они из разных стран. При Петре I - из Голландии, Англии, Германии, в правление Анны Ивановны - в большей мере из Германии, в царствование Елизаветы Петровны и Екатерины II - преимущественно из Франции и Италии.
Способы проникновения в Россию культурных влияний Запада были различны. В 1757 году была учреждена Академия 3-х знатнейших художеств, призванная играть важную роль в подготовке национальных кадров мастеров архитектуры, скульптуры и живописи. Охват явлений жизни изобразительным искусством в это время значительно расширился.
Несмотря на нормативность программ обучения, Академия давала своим воспитанникам прекрасную профессиональную подготовку, особенно в области рисунка. Очень важны для расширения кругозора были и заграничные командировки выпускников. С середины XVIII в. Академия художеств стала отправлять своих выпускников для продолжения образования в Италию и Францию. Широко практиковалось приглашение иностранцев для работы в Россию.
Русскую изобразительную культуру нового времени характеризует процесс ускоренного развития. С одной стороны, это было обусловлено объективным характером изменения темпов исторического движения, с другой - необходимостью в кратчайшие сроки преодолеть культурную отсталость России от Запада. Немаловажное значение для этого процесса имела также ориентация в культуре на все новое, передовое и смелое отрицание отжившего, старого, что было совершенно нехарактерно для средневековья.
В эпоху культуры нового времени рождается живопись. Русскую живопись XVIII - XIX вв. отличает: светский характер, новые сюжеты, деление на жанры (портреты, пейзаж, исторический, натюрморт, бытовой). Именно в этот период, когда местоположение человека в культуре изменяется, портретная живопись становится главной в художественной культуре. XVIII столетие в русской культуре называют веком портрета.
Портреты XVIII века классифицируются следующим образом: парадный, интимный, камерный, аллегорический.
Портрет - один из основных жанров искусства, изображающий одного человека или нескольких людей. Художник в написании портрета должен передать характер человека, а через характер показать и общество, и эпоху, в которой живет его герой. В живописи портрет часто сочетается с элементами интерьера, пейзажа, может быть дан на фоне исторических событий.
Портрет во всех его разновидностях продолжал оставаться самым популярным живописным, а вскоре и скульптурным, жанром в среде русского дворянства. В первой половине XIX века модным становится интерьерный портрет, в котором модель предстает в окружении многочисленных вещей. Теперь не только одеяния или награды рассказывают о персонаже. Вещи, окружающие человека часто позволяют выстроить целое повествование о его жизни.
Первым русским художником нового времени является И.Никитин. В его портретах, как в зеркале, отразилось все новое, что появилось в живописи и культуре петровской эпохи. Именно в это время живописцы увидели индивидуальное своеобразие личности и захотели передать на холсте человека с его неповторимым внутренним миром. В русском портрете есть сердечность, романтическая любовь к человеку, глубоко и проникновенно раскрывается внутренний мир человека.
Мастерами русской живописи второй половины XVIII века были Ф.Рокотов, Д.Левицкий, В.Боровиковский.
Истоки русского портрета
Благодатную почву для этого подготовили еще иконописцы. Постепенно иконы становились реалистичнее, церковные каноны рушились, а в живописи развивалось светское направление.
Так, в 1553-1554 гг. церковным собором было дозволено на иконах изображать еще и сюжеты притч, что дало толчок к внедрению в иконопись бытовых мотивов. А некоторые индивидуальные черты при изображении святых были заметны еще на иконах Дионисия (икона митрополита Петра). В летописных сводах передано несколько изображений царя Ивана Грозного, а в Золотой палате Московского Кремля создана целая галерея с изображениями исторических деятелей.
Искусство русского портрета в XVIIІ веке и основные его направления
Развитие русского портретного искусства происходило в трех направлениях:
• отечественная школа живописи(творчество И. Никитина,И. Вишнякова, А.
Ф.Рокотов. "Портрет неизвестного в треуголке"
Матвеева, И. Аргунова, А. Антропова, Ф. Рокотова, Д. Левицкого, В.Боровиковского);
• традиции средневековой парсуны – портретного изображения, близкого к иконе (С. Ушаков, К. Золотарёв, И. Рефусицкий);
• живопись иностранцев на территории России — россика (Л. Токке, Л.-Ж.-Ф. Лагрене, Л.-Ж. Лоррен, И.-Г. Таннауэр, Л. Каравакк).
Основным магистральным направлением была деятельность российской школы портретной живописи. Художники того времени активно перенимали европейские традиции, овладевали художественными принципами, формировали свой почерк и свои взгляды на творчество. Феноменом нового времени стал светский портрет, развитие пошло в ногу с основными стилями, доминирующими в ту или иную эпоху (барокко, рококо, классицизм, сентиментализм и предромантизм).
В начале XVIIІ века, а для провинции — и на протяжении всего столетия, актуальными оставались парсуны И именно парсуна считается родоначальницей светского портрета.
Третье направление в развитии портретного жанра в русской живописи 18 века — россика — связано с живописью иностранцев, приехавших в Россию. Некоторых из них даже вызывали (Луи Токке) специально для того, чтобы написать портрет императрицы. Художники-россисты пытаются своими методами и через свое понимание изобразить русский быт и русского человека. Параллельно они передают свои приемы и язык нового искусства местным художникам.
Виды портретов в русской школе 18 века
Если с середины XVIII века самыми распространенными видами портрета были камерный и полупарадный, то со второй половины XVIII века популярными становятся такие виды портрета, как:
• парадный (внимание уделяется и передаче богатства быта, одежды, и перенесению на полотно индивидуальных особенностей человека, портретируемый изображался в полный рост). Парадный портрет выполнялись на заказ, поэтому запечатлены на них монархи, знатные вельможи, видные государственные деятели, военноначальники. Облаченные в парадные платья с богатыми украшениями в блеске всех своих орденов и медалей они предстают в полный рост. Фоном чаще всего является природные или архитектурные достоинства. Такие портреты украшали парадные залы королевских дворцов и домов титулованных особ. Они передаивались потомками, хранили традиции прошлого.
• полупарадный (человек изображался не в полный рост, а по пояс или по колени);
• камерный (изображение по плечи, по грудь, максимум – по пояс, зачастую — на нейтральном фоне). Камерный портрет мог быть выполнен на заказ, а мог быть написан художником по собственному желанию. На таких портретах были запечатлены и влиятельные особы и простолюдины. В камерном портрете нет места пышности и напыщенности, излишней красивости и лести. Такой портрет невелик по размерам, он как бы сближает героя и зрителя.
При таком понимании задач портретного искусства существенное значение приобретали подробности одежды и фона, так называемые околичности, облегчающие внешнюю характеристику. Живописцы XVIII века мастерски передавали сверкание лат, пушистую поверхность меха, блеск и упругую тяжесть атласа, легкую паутину кружев. Это определяло высокие декоративные качества портретов XVIII века.
Национальная специфика русской портретной живописи
С появлением новых жанров усовершенствуются и выразительные средства, используемые художниками.
Русские мастера портрета научились правильно
выстраивать картинную плоскость,
анатомически верно передавать человеческое тело,
овладели искусством перспективы,
основами масляной техники и законами колорита.
Воспринимая новшества западноевропейской живописи, русские художники не только освоили чужие традиции и пересмотрели содержательную часть портретного изображения, но и
выработали свои композиционные схемы;
тональность и стилевые установки.
Работая над проектом я сделала вывод:
Русский портрет XVIII века стал жанром, воплотившим и специфические русские черты:
На портретах изображались люди, которые полнокровно и целостно воспринимают мир.
Особое внимание уделялось одежде, аксессуарам, драгоценностям – как своеобразной оправе лица.
Цветовая гамма русских портретов была более яркой и насыщенной.
Отсутствие группового (семейного) портрета.
Прошло совсем немного времени, и русские мастера портретной школы создали такие произведения, которые стали в один ряд с наилучшими образцами западноевропейской портретной живописи.
Эта публикация была добавлена более года назад. С тех пор прошло много времени и многое могло поменяться – учитывайте это.
Знание стилей помогает понять историю искусства, учит разбираться в современном искусстве, "видеть" смысл и ценность произведения.
Стиль в изобразительном искусстве - это единство определенных особенностей, признаков, художественных традиций. общих для искусства данного периода.
Представляем вам восемь стилей в русской живописи XVIII - XXвв.: классицизм, романтизм, реализм, импрессионизм, символизм, модерн, авангард и соцреализм (краткую информацию о художественных стилях). Большинство определений и теорий стиля опирается на классическую историю искусства, которую можно рассматривать как непрерывный процесс возникновения, развития и смены стилей. Слово "стиль" происходит от греческого stylos, означающего "палочка для письма".
В истории русского изобразительного искусства можно условно выделить два периода, граница между которыми происходит в эпоху правления Петра I. Конец XVII и начало XVIII века - время крутых перемен не только в политике, но и в культуре России. (До этого на Руси почти восемь столетий с момента принятия христианства в 989 году и до конца XVII столетия господствовала религиозная церковная культура).
В начале XVIII века русская культура испытывает неизбежное влияние европейского художественного опыта. Особенность развития русского искусства заключалась в том, что освоение общеевропейских стилей в России протекало стремительно. Всего за несколько десятилетий русскому искусству суждено было превратиться из религиозного в светское. При этом русское искусство перенесло европейский опыт на свою национальную почву, не порывая связи с древнерусскими традициями иконописи. По мнению многих исследователей, аналогов такому развитию в европейском искусстве нет.
Сохранились уникальные произведения переходного стиля - от иконописи, плоскостного изображения на деревянной основе, к объемному изображению на холсте. Первые попытки светского портрета - это парсуны, парадные портреты с условным изображением фигур и пространства. Парсуна означает изображение персоны, т.е. не некоего святого, а определенного, реального человека. Парсуна - своего рода мостик, пройдя который, русское искусство начинает новый этап своего развития.
В начале XVIII века сложился первый общенациональный стиль - русское барокко (декоративная пышность). Иван Никитин (1690 - 1742) - один из первых художников Нового времени. Алексей Антропов (1716 - 1795) - наиболее яркий выразитель русского барокко в живописи.
В середине XVIII века в России сложился стиль рококо (легкость, изящество). Иван Вишняков (1699 - 1761) - автор парадных портретов, Иван Аргунов (1729 - 1802) - портретист.
В эпоху правления Екатерины II (1762 - 1796) возникает и развивается новый стиль - классицизм. Следует отметить, что каждый последующий стиль зарождается в недрах предыдущего. Смена стилей не происходит в одночасье. Разные стили сосуществуют параллельно, представленные творчеством различных художников, а часто, в творчестве одного художника мы наблюдаем этапы увлечения разными стилями.
Во второй трети XIX века черты классицизма и романтизма по-прежнему сосуществуют в творчестве великих академиков Карла Брюллова (1799 - 1852) и Александра Иванова (1806 - 1858), но уже в недрах романтизма зарождаются черты нового направления - реализма. И ярчайший тому пример - творчество А. Иванова.
Художники - реалисты стремились изображать жизнь "как она есть", без приукрашивания, а зачастую и заостряя свое критическое отношение к действительности. Особенно ярко это проявилось в творчестве художников - передвижников. И хотя на рубеже XIX - XX веков реалистические традиции передвижников уходят в прошлое и на первый план выходит новый стиль - модерн, те или иные черты реалистического направления будут появляться в творчестве художников последующих поколений.
Конец XIX - начало XX столетия - бурный период в истории русской живописи: появляются самые разные течения. Русский модерн представлен творчеством художников Мира искусства и Союза русских художников. Выразителями философии символизма стали Михаил Врубель (1856 - 1910) и Виктор Борисович Мусатов (1870 - 1905). Их современником был Константин Коровин (1861 - 1939), основатель русского импрессионизма.
Русский импрессионизм стал стартовой площадкой для всех авангардистских художественных течений XX века, начало которого являло собой пеструю картину разностилья. В этот период сформировались совершенно новые для искусства направления: абстракционизм Василия Кандинского (1866 - 1944), супрематизм Казимира Малевича (1878 - 1935), лучизм Михаила Ларионова (1881 - 1964), кубизм Аристарха Лентулова (1882 - 1943), примитивизм Натальи Гончаровой (1881 - 1962), аналитический метод Павла Филонова (1883 - 1941), сюрреализм Марка Шагала (1887 - 19850).
Такое яркое явление в русской живописи, как обращение к своим отечественным корням, глубоко и разнообразно проявилось в творчестве легко узнаваемых по особой манере письма Бориса Кустодиева (1878 - 1927), которого привлекла тема русского быта, праздников и гуляний, и Михаила Нестерова (1862 - 1942), который внес в русскую живопись особую проникновенную ноту, стремясь воплотить соборный образ Святой Руси.
В начале 30-х годов XX века официально признанным направлением в СССР провозглашается социалистический реализм, главной чертой которого была идейность и воспитание советских людей в духе социализма. Но и в это время многие художники создавали не только полотна официального характера, но и искренние произведения о жизни страны, о труде и праздниках советского народа.
Портретная живопись — своего рода промышленность. Сам характер портретного рынка предполагает высокую степень унификации. Портреты достаточно четко делятся на торжественные (парадные) и более камерные (приватные). Они, в свою очередь, предполагают определенный набор форматов, поз и атрибутов, а также соответствующий прейскурант, который учитывает, сам ли художник исполнял портрет от начала до конца или поручал менее ответственные участки работы подмастерьям.
Алексей Антропов. Портрет Петра III. 1762 год Государственная Третьяковская галерея
Читайте также: