Синтез в музыке реферат

Обновлено: 07.07.2024

Образ России с древних времён ассоциировался с церковью, с колокольным звоном, с церковным пением. Храмовый синтез искусств — взаимодействие слова, иконописи, хорового пения, архитектуры, внутреннего убранства помещений, в которых совершаются религиозные обряды, — глубоко воздействует на человека, его чувства, эмоции и мысли. Церковь никогда не остаётся в стороне от главных событий человеческой жизни. В храме совершаются таинства крещения и причастия, венчания и благословения человека в последний путь. Частью уклада жизни всегда были церковные праздники: Рождество Христово, Пасха, Троица, Благовещение и др. Каждый из православных праздников посвящён важнейшим событиям жизни Иисуса Христа и Божьей Матери или памяти святых угодников. Праздничные дни отличаются от обыкновенных дней особенными торжествами, обрядами и церемониями.

Важнейшей особенностью православного богослужения является хоровое пение без сопровождения (a capella). Оно сопровождает все части службы: литургию (обедню), вечерню и утреню (в канун больших праздников — всенощное бдение). Каждому событию годового богослужебного цикла соответствует свой круг песнопений — восьмигласие — цикл напевов (гласов), смена которых происходит на воскресной всенощной службе.

В православном богослужении до XVII в. господствовало одноголосное пение — знаменный распев, на смену которому пришло многоголосие. Во второй половине XVIII века получил распространение духовный концерт — многочастное хоровое сочинение с контрастными приёмами изложения, образцы которого представлены в творчестве М. Березовского и Дм. Бортнянского.

Самой простой манерой исполнения богослужения является чтение нараспев Евангелия и Пророчеств (псалмодия), а самым торжественным песнопением службы — кондак, широкий распев, украшенный мелодическими вставками, в которых строфы, исполняемые солистом, перемежаются хоровыми рефренами. Наряду с кондаком распространены такие жанры, как тропарь, стихира, величание — песнопения, выражающие содержание праздника, главные черты события или прославляющие святых. Церковные напевы — плавные, спокойные, либо гимнического характера, обычно небольшого диапазона — позволяют верующим сосредоточиться на текстах Евангелия. В церковном пении слышатся искренность, чистота и возвышенность чувств.

Синтез искусств на уроках – это кладовая произведений, которые, раскрываясь во взаимосвязи друг с другом, раскрывают для нас новое видение мира, внутренний мир самого ученика.

Каждый человек несет в себе частичку Музыки, и главное, чтобы эта частичка была неотъемлемой частью души Человека.

Вложение	Размер
sintez.doc	41.5 КБ

Онлайн-тренажёры музыкального слуха

Теория музыки и у У пражнения на развитие музыкального слуха для учащихся музыкальных школ и колледжей

Современно, удобно, эффективно

Предварительный просмотр:

Чарина Ольга Владимировна ,

Главной целью работы учителя музыки, по-моему, мнению, является – формирование художественной культуры школьников в контексте различных видов творческого познания действительности.

Объектом изучения на уроках является искусство, во вне узкой предметно – деятельной направленности. Навыки и знания не должны быть самоцелью, они – средства и условия развития личности ребенка, а искусство – форма проявления его жизнедеятельности.

Выше сказанное определяет следующие цели уроков музыки:

Всестороннее развитие творческого потенциала школьника и на этой основе формирования его эстетической культуры.
Раскрытие преобразующей силы музыки и ее влияние на внутреннюю сферу человека, на его отношение к окружающей действительности, на идейные, нравственные и эстетические идеалы, на формирование жизненной позиции.
Овладение образным языком музыкального искусства посредством усвоения знаний, формирования умений и навыков с целью постижения внутренней сущности музыки, взаимосвязи ее со смежными искусства – литературой, живописью, театром и др.
Постижение сущности музыкальной интонации, ее драматургии через различные формы музыкальной деятельности.

Намечаными целями обусловлены задачи уроков музыки – как уроков искусства, уроков творчества:

Продуктивное развитие способности эстетического сопереживания действительности и искусства, как умения вступать в особую форму духовного общения с содержательным миром человеческих чувств, эмоций, жизненных реалий.

Эстетическое сопереживание и связанный с ним процесс сотворческого восприятия искусства становятся основой для самостоятельной созидательной деятельности школьников.

Под целостным художественным восприятием понимается отражение существенных свойств и признаков произведений искусства, нацеленное на активное осознание внутренних связей между различными видами творчества.

Педагогической находкой считаю идею комплексного освоения искусства, которое в настоящее время приобретает особую актуальность. При том дефиците духовности, сложившимся в нашем обществе, считаю необходимым развивать духовный мир учащихся всесторонне и полно.

Музыка, литература, изобразительное искусство – эти виды искусства на уроке музыки целостны и неразрывны.

Считаю, что комплексный урок искусства – урок будущего.

Работая над проблемой целостности искусства, предполагаю, что ребенок никогда не поймет того, что оторвано от жизни человека. Делая первые шаги в Мир Музыки, в Мир Искусства, ребенок практически все пытается сравнить со своими собственными ощущениями. И если ему не помочь, то исчезнет самое главное – связь с жизнью.

Изучая музыкальные произведения нужно помнить, что музыка – искусство вызывающее положительные эмоции, несущее гедонистическую функцию. Этого достигнуть помогает преподнесение материала различными способами. Особенно помогают – философские рассуждения о судьбе, красоте и правде, добре и зле, когда дети, высказываясь, опираются на свой жизненный опыт. Очень часто история создания произведения, исторические события вызывают огромный интерес у учеников.

Изобразительное искусство постоянно вдохновляет музыкантов. Ференц Лист признавался, что Рафаэль и Микеланджело помогли ему понять Моцарта и Бетховена. Роберт Шуман считал, что для композитора изучать Рафаэлевские картины так же полезно, как художникам чувствовать симфонии Моцарта.

Я выбрала для своего реферата именно эту тему, потому что считаю, что она очень интересна, как и само сочетание таких искусств, как музыка и живопись…

1. Музыка, звучащая с полотен

Мелодии обычно вызывают у слушателя определённые мысли и чувства, рождают воспоминания, смутные или более или менее ясные картины когда-то увиденного пейзажа или сцены из жизни. И эту картину, возникшую в воображении, можно нарисовать. А у хорошего художника и сама картина приобретает музыкальность, с полотна, написанного им, как бы звучат мелодии.

Французский живописец-романтик Эжен Делакруа любил писать портреты музыкантов. И даже не зная, кто изображён на холсте, можно, взглянув на него, сразу догадаться, что это - музыкант. Вот, к примеру, живописное изображение великого польского композитора Фридерика Шопена. На огненном фоне - напряжённое лицо аскета, погружённого в мучительную думу. Живописными мазками обозначены контуры головы, выступающей словно из пламени. Невольно ощущается музыкальный напор, который вырывается с полотна, слышатся звуки его романтически-мятежной и проникновенной музыки.

2. Голос солнечной Италии

Русские художники и поэты, русские музыканты всегда обладали удивительной способностью глубоко проникать в психологию другого народа и передавать в своих сочинениях национальный колорит иной страны, оставаясь при этом русским.

Карл Брюллов провёл в Италии более десяти лет. Здесь сформировалась его творческая манера, окрепло мастерство живописца. Брюллов был пленён людьми, искусством, красками, самим воздухом этой страны. Восхищёнными глазами смотрел он вокруг, и эта радость вылилась на его полотна и акварели. Гоголь, хорошо знавший Италию, первым заметил, что полотна Брюллова дышат той внутренней музыкой, которой наполнены живые предметы природы.

Картина была написана в традициях классицизма, требовавшего трагизм жизни преображать в нетленную красоту. Несмотря на извержение вулкана, принесшего страдания и смерть, ни одна фигура на полотне Брюллова, ни одно лицо, ни единое платье не измазаны ни грязью, ни пеплом. Нет ни пятна крови, хотя в центре композиции лежит мёртвая женщина. Всё возвышенно, благородно. Герои её, по замечанию Гоголя, заглушают ужас своего положения своею торжествующей красотой.

Незыблемые правила классицизма требовали, чтобы композиция живописного полотна была театральна, по-оперному нарядна.

3. Симфония цвета

Одним из первых западных художников, кто стремился живописными средствами вызвать у зрителей ощущение звучащей музыки, был выдающийся английский романтик Джозеф Тёрнер.

Одно время художник жил в Петворте, в имении лорда Эгремонта. Он создал здесь картины, получившие всемирную известность.

На холстах изображены внутренние помещения богатого английского дома. Однако это не буквальные копии реально существовавших залов, кабинетов, гостиных, спален, а свободные фантазии.

На портрете Джеймса Уистлера изображена молодая женщина в длинном белом платье. Она стоит во весь рост на шкуре волка.

Лицо её, обрамлённое венцом тёмно-каштановых волос, полно достоинства. Женщина внимательно смотрит прямо перед собой. Руки опущены. В одной из них зажата веточка жасмина.

Неожиданным для того времени был колорит полотна: фигура в белом написана на таком же белом фоне. Это был сложный живописный поиск.

Художник так долго работал над портретом, что даже отравился цинковыми белилами. Но задачу решил блестяще.

Это понравилось художнику, и с тех пор он многие свои работы стал называть симфониями, аранжировками, гармониями, ноктюрнами и другими музыкальными терминами.

Разумеется, это не было механическое перенесение приёмов мастерства из музыки в живопись. Иначе были бы нарушены закономерности и того и другого искусства, что привело бы к внешней иллюстративности. А речь идёт о том, что краски художника вызывают у зрителя те же или похожие эмоции, что и музыкальное произведение.

4. Гармония музыки и красок

Микалоюс Константинас Чюрлёнис был тихим, мечтательным человеком. Когда он садился за рояль, то весь преображался.

Его музыка мягка, лирична, красочна, сдержанно драматична. Она рождена литовскими народными напевами, родной природой - трепетная, как осенний воздух, медлительная и плавная, словно течение рек по равнинам Литвы, неброская, как холмы его родины, задумчивая, точно дымка литовских предутренних туманов.

И Чюрлёнис становится живописцем.

Не обычным живописцем. А художником-музыкантом.

Не оставляя музыки, он пишет одну картину за другой - около трёхсот живописных композиций. И каждая - это философская поэма в красках, симфония живописных ритмов, музыкальных видений.

Музыканты называют сонатой сложную инструментальную пьесу, в которой сталкиваются, борясь друг с другом, различные, часто противоположные темы, чтобы в финале прийти к победе основной мелодии. Соната делится на четыре (реже - на три) части. Первая - аллегро - самая напряжённая, быстрая, наиболее активная. В ней конфликт разноречивых чувств с наибольшей полнотой раскрывает душевный мир человека. Эту борьбу трудно передать словами, только музыка способна сделать это.

Море властно влекло к себе музыканта и художника. Оно поражало его воображение своей мощью, праздничным изобилием красок. Жизнь волн сливалась для него с жизнью человека. Широко и размашисто, ровной геометрической грядой, одна за другой наступают на берег волны. Пронизанные солнцем, они искрятся мириадами прозрачных пузырьков, светящимися кусочками янтаря, радужными ракушками, камешками. Холмистый берег, повторяющий очертания волн, противостоит их напору. Белая тень чайки ложится на воду. Настроение скорее радостное, приподнятое. Будто сверкающие на солнце трубы играют бодрый марш.

В Анданте морская стихия утихомирилась. Глубоким сном заснули волны. Спит и подводное царство с затонувшими кораблями. Но бодрствуют светильники на горизонте, широкими лучами освещая небесный свод. От них уходят вниз два ряда светящихся пузырьков. Они ведут в морскую бездну с таинственно мигающими огоньками. И чья-то милосердная рука заботливо поднимает из глубины парусник, возвращая его к жизни. Спокойная, величавая мелодия в темпе анданте звучит с картины.

И наконец, Финал. Стихия разыгралась во всю. Море кипит, беснуется. Огромная волна готова поглотить, искромсать, уничтожить судна. Ещё мгновение, и всё исчезнет. Растворятся и буквы МКC, каким-то чудом появившееся на волне, образованные клочками пены. МКC - это инициалы художника, его подпись под живописными работами - Микалюс Константинас Чюрлёнис. Автор как бы говорит, что волею судеб он сам попал в этот грозный водоворот жизни, где ему суждено погибнуть… но волна не сможет поглотить эти корабли, кажущиеся такими беспомощными перед разбушевавшейся стихией, не уничтожит и его имя… Его творения переживут века.

5. Триумф музыки

Точно так же, как написав несколько вариантов реки Темзы в тумане, он показал англичанам красоту этого будничного и неприглядного для них явления природы. Оказывается, туман вовсе не серый, а окрашен в праздничные, поэтичные тона.

Прежде всего музыки, музыки всегда и везде, требовал от художников и поэтов Поль Верлен. И это не случайно. Колоссальный взлёт музыки к концу XIX столетия заставил деятелей других искусств обратить на неё внимание - и удивиться. Музыка вышла на первый план. И широко распахнули перед ней двери все другие виды искусства.

Я предлагаю начать цикл статей с ответа на вопрос, почему современному музыканту (уже практически вне зависимости от жанра) нужно владеть основами синтеза звука и как это поможет вывести музыку на новый уровень.

Эффективность во главе угла

Создание аранжировки — процесс невероятно творческий, увлекательный и … трудоёмкий. Подбор тембров может отнимать львиную долю времени, так как в современной музыке бывают важны не столько ноты, которые вы играете, сколько то, каким тембром вы их играете и какими эффектами всё это обработано. Если вы не владеете синтезом звука, то подбор тембров зачастую превращается в бесконечный перебор пресетов, хаотичное кручение ручек, скачивание новых VST-синтезаторов, семпл-паков и так далее.

Знание — сила

Умение создавать собственные звуки неразрывно связано с пониманием основ физики звука. А звук — это основа музыки. Понимание того, что такое звук и как вы можете воздействовать и видоизменять его, неизбежно скажется на качестве вашей музыки в целом. Создавая треки, вы начнёте принимать решения более осознанно, понимать, что вы делаете и почему делаете именно это, а не что-то другое. Если вы занимаетесь звукорежиссурой и сами сводите ваши треки, то понимание основ физики и синтеза звука поможет повысить качество ваших миксов.

Оригинальность — наше всё

Очень многие музыканты задаются вопросом, как сделать свою музыку узнаваемой и найти собственное звучание. Умение создавать собственные звуки и цепочки обработок — залог того, что ваш саунд не будет похож ни на кого другого. Если же вы используете готовые пресеты или не приведи наука — семплы и лупы, то ваши треки легко затеряются в море других композиций.

Итого, умение синтезировать собственные тембры — основа вашей оригинальности и первый шаг на пути к поиску собственного звучания.

Умеешь синтезировать? Заработай на этом!

Умение создавать собственные звуки и библиотеки звуков (банки пресетов) — один из вариантов относительно пассивного заработка. Вам достаточно регулярно создавать банки пресетов для синтезаторов, которыми вы хорошо владеете, и выгружать их на цифровые площадки для продажи. Не все музыканты готовы потратить время на освоение синтеза и создание звуков, и всегда есть те, кто готов купить банки пресетов для использования в своих композициях. А для вас это отличный способ немного заработать.

Потенциально такое увлечение может даже сделать вас эндорсером или внештатным саунд-дизайнером в той или иной компании-производителе синтезаторов.

Синтез — это весело

Как бы странно это ни звучало, но провести пару часов за кручением ручек и получением новых звуков — невероятно весёлое и вдохновляющее занятие. Мало того, синтезируя новый тембр, вы можете внезапно нащупать интересный звук, который станет основой вашей новой композиции. А она в свою очередь возможно войдет в историю мировой поп-музыки. 😊

Хотите больше?

Если вам интересен синтез звука, и вы готовы читать статьи на эту тему и дальше — оставляйте лайки и комментарии к этой статье, и мы обязательно продолжим.

По плану у нас заготовлены вот такие темы:

Типы синтеза: какой для чего нужен и где лучше применить.
Что такое звук, гармоники, спектр, форма волны и как эти знания помогут вам при создании звуков.
Из чего состоит любой синтезатор: генераторы, огибающие, LFO, фильтры, эффекты и так далее.
Синтез различных тембров с использованием субаттрактивных, FM, семплерных синтезаторов. С примерами.
Использование синтезаторов для саунд-дизайна.

И, конечно, при наличии запроса могу раскрыть любую интересующую вас тему и ответить на любой вопрос по синтезу.

Читайте также: