Реферат на тему скульптуры скопаса

Обновлено: 30.06.2024

Скопас – знаменитый древнегреческий скульптор периода поздней классики.
Родился на острове Парос и создавал свои произведения в разных областях Греции: Беотии, Аттике, Малой Азии, Аркадии между 370 и 330-ми годами.
Для его памятников характерна пафосность и взволнованность чувств.
Античные авторы упоминают более двадцати произведений Скопаса, хотя до нашего времени их дошло намного меньше.
Скопас в числе других мастеров украшал рельефные фризы галикарнасского мавзолея. Выраженная в Менаде пластикой круглой скульптуры смена чувств, ощущавшаяся при обходе скульптуры, здесь разворачивается на плоской ленте фриза.
Разнообразие ракурсов в рельефах дополняется мастерским сопоставлением лёгких девичьих тел и тяжёлых мужских, которые изображены в беспощадной и жестокой борьбе.
Скопас разыгрывает сочетания из двух-трёх фигур, показывая их с разных сторон и в разные моменты движения. Сила эмоционального накала здесь присутствует в несоизмеримо большей мере, чем в произведениях пятого века до н.э.
Красота нового мира, показанного Скопасом в искусстве, заключается в развитии драматизма, во вспышках человеческих страстей, в переплетении сложных чувств. И в то же время заметна утрата монументальной ясности высокой классики. Ведь именно в произведениях этого периода разум человека побеждал, как высшее начало, в столкновении с разгулом стихий.
В рельефах периода поздней классики господствует не гармонично-целостное, как в зофоре Парфенона, а взволнованное и острое мировосприятие, ведь и созданы они были в период разрушения привычных для времени классицизма представлений. Согласно этим представлениям человек призван для разумного господства в окружающем мире. Так даже на примере одного памятника мы можем видеть слабость и силу возможностей, присущих позднеклассическому искусству.
Это искусство открыло немало нового в характере чувств и эмоций человека, но это достижение было осуществлено за счёт утраты покоя и гармонии высокой классики.
Пракситель – знаменитый древнегреческий скульптор, младший современник Скопаса. Родился около 390-го года до н.э. Выражал в своих произведениях совсем иные настроения, чем Скопас.
Пракситель происходил из рода ваятелей. Его дед – Пракситель Старший – был скульптором. Отец – Кефисодот Старший – был известным в Греции мастером, автором статуи Эйрены с Плутосом.

Билет 19.

1. Искусство Византии 6 века(эпоха Юстиниана)

Главными силами, на которые опирался император Юстиниан, были армия и церковь, нашедшая в его лице ревностного покровителя. При Юстиниане сложился специфический для Византии союз духовной и светской власти, основанный на главенстве василевсов – императоров,

В эпоху Юстиниана высочайшего подъема достигло византийское зодчество. На границах страны возводятся многочисленные укрепления, в городах сооружаются храмы и дворцы, отмеченные грандиозностью масштабов и имперским великолепием. В это время были основаны две главные святыни Константинополя – патриарший собор св. Софии и церковь св. Апостолов.

Святая София явилась высшим достижением византийского зодчества: за все последующие столетия истории Византии не было создано храма, равного этому. Гигантское по объему сооружение, творение малоазийских архитекторов Анфимия из Тралл и Исидора из Милета – стало воплощением силы византийского государства и торжества христианской религии.

По своему плану храм св. Софии – трехнефная базилика, то есть прямоугольное здание, но прямоугольное пространство здесь венчает огромный круглый купол (так называемая купольная базилика). С двух сторон этот купол поддержан двумя более низкими полукуполами, к каждому из которых, в свою очередь, прилегает по три полукупола меньшей величины. Таким образом, все продолговатое пространство центрального нефа образует систему нарастающих ввысь, к центру, полукуполов.

Наружный вид храма св. Софии с его гладкими стенами отличается суровой простотой. Но внутри помещения впечатление резко меняется. Юстиниан задумал построить здание не только самое большое, но и самое богатое по внутренней отделке. Церковь украшают более ста малахитовых и порфировых колонн, специально привезенных из различных античных храмов, плиты разноцветного мрамора ценнейших пород, замечательные мозаики, с их блеском золотого фона и великолепием красок, тысячи канделябров из массивного серебра. Над амвоном – возвышением, на котором произносится проповедь – был балдахин из драгоценных металлов, увенчанный золотым крестом. Из золота были чаши, сосуды, переплеты священных книг. Небывалая роскошь этого собора настолько изумила послов киевского князя Владимира, которые в X веке побывали в Царьграде (так именовали главный город Византии на Руси), что они, как повествует летопись, не могли понять, на земле они находятся, или на небе.

Св. София не стала образцом для последующего развития византийского зодчества, однако дала для него мощный импульс: на многие века здесь утвердился тип купольного храма.

В большинстве византийских церквей купол, символизирующий небесный свод, возвышается в центре постройки. Какой бы ни была планировка – круглой, квадратной, многогранной – все такие здания называют центрическими. Самыми распространенными среди них с VII века становятся крестово-купольные храмы, по своему плану напоминающие равноконечный (греческий) крест, вписанный в квадрат?

Центрическая композиция привлекала византийских зодчих уравновешенностью и чувством покоя, а планировка (крест) более всего удовлетворяла требованиям христианской символики.

Если выразительность античного храма заключалась по преимуществу во внешнем облике (поскольку все обряды и празднества происходили снаружи, на площади), то главная содержательность и красота христианской церкви сосредоточена в интерьере, ведь христианский храм – это место, где собираются верующие для участия в таинстве. Стремление создать внутри храма особую, как бы отделенную от внешнего мира среду, вызвало особое внимание к внутреннему декоративному убранству, связанному с нуждами христианского богослужения.

Богатство оформления интерьера создавалось, прежде всего, мозаиками, украшавшими своды и верхнюю часть стен. Мозаика – это один из основных видов монументального искусства, представляющий собой изображение или узор из отдельных, очень плотно пригнанных друг к другу разноцветных кусочков стекла, цветных камней, металлов, эмали и пр.

Уникальные образцы византийской мозаики хранят церкви и мавзолеи Равенны, города в Северной Италии, близ Адриатического моря. Наиболее ранний среди них – декор мавзолея византийской царицы Галлы Плацидии(середина V века). Внутри мавзолея, над входом помещена замечательная композиция, представляющая Христа – доброго пастыря среди холмистого пейзажа. Он молод и безбород: так изображали Христа в первые века христианства, когда еще были живы античные представления о вечной юности, как атрибуте божества. Торжественным жестом Иисус водружает крест, главный символ христианства.

Древнейшие сохранившиеся иконы, близкие файюмским портретам, относятся к VI веку. Они обычно изображают одного святого, чаще всего по пояс или погрудно, строго в фас или трехчетвертном повороте. Взгляд святого, полный духовной глубины, обращен прямо на зрителя, ведь между ним и молящимся должна возникать некая мистическая связь.

Период блестящего расцвета (VI – VII века) сменился трагическим для византийского искусства временем. В VIII – IX веках в стране бушевалоиконоборческое движение, связанное с запретом изображений на христианские темы. Иконоборцы, на стороне которых стояли император и его двор, патриарх и высший круг духовенства, восстали против того, чтобы изображать Бога и святых в человеческом облике, основываясь на теологических аргументах о невозможности воспроизвести божественную сущность Христа в материальной форме.

В период иконоборчества иконы были официально запрещены, множество их было уничтожено. Церкви украшались главным образом изображениями христианских символов и орнаментальными росписями. Культивировалось светское искусство: живописные пейзажи, изображения животных и птиц, сюжетов античных мифов и даже состязаний на ипподроме. Эти росписи были почти полностью уничтожены сторонниками иконопочитания (в основном это широкие слои простого народа, низшего духовенства, привыкшие поклоняться иконам) после того, как оно было восстановлено.

После победы над иконоборчеством, заклейменном в 843 году как ересь, в византийском искусстве происходят важнейшие для его дальнейшего развития явления. Они связаны с началом сложения иконографического канона – постоянных иконографических схем, от которых не полагалось отступать при изображении священных сюжетов. Росписи храмов приводятся в стройную систему, каждая композиция обретает строго определенное место.

Однако новым художественным идеалам не суждено было по-настоящему окрепнуть на почве угасающей Византии. Видимо, не случайно покинул империю самый талантливый константинопольский мастер второй половины XIV века Феофан Грек, предпочтя ей Русь.

В 1453 году Византия, покоренная турками, перестала существовать, однако ее культура оставила глубокий след в истории человечества. Сохранив живую античную традицию, византийцы первыми в средневековом мире разработали художественную систему, отвечавшую новым духовным и общественным идеалам, и выступили по отношению к другим народам средневековой Европы своеобразными учителями и наставниками.

Скульптура Леохара

Леохар - древнегреческий скульптор середины 4 века до н. э. Представитель академического направления в искусстве поздней классики. Будучи афинянином, работал не только в Афинах, но и в Олимпии, Дельфах, Галикарнасе (совместно со Скопасом). Изваял из золота и слоновой кости несколько портретных статуй членов семьи македонского царя Филиппа (в технике хрисоэлефантинной скульптуры), был, подобно Лисиппу, придворным мастером его сына Александра Македонского ("Александр на львиной охоте", бронза). Создавал изображения богов ("Артемида Версальская", римская мраморная копия, Лувр) и мифологические сцены.

Расцвет искусства Леохара относится к 350-320 годам до н. э. В это время он отлил очень популярную в древности группу, изображавшую прекрасного юношу Ганимеда, которого уносит на Олимп посланный Зевсом орел, а также статую Аполлона, получившую мировую известность по именем "Аполлона Бельведерского" (название от ватиканского дворца Бельведер, где выставлена статуя) - оба произведения сохранились в римских мраморных
копиях (Музей Пио-Клементино, Ватикан). В статуе Аполлона Бельведерского, лучшем произведении Леохара, дошедшем до нас в римской копии, пленяет не только совершенство образа, но и мастерство техники исполнения. Статуя, открытая в эпоху Возрождения, долгое время считалась лучшим произведением античности и воспета в многочисленных стихах и описаниях. Произведения Леохара выполнены с необыкновенным техническим мастерством, его творчество высоко ценил Платон.
"Диана-охотница" или "Диана Версальская", скульптура, выполненная Леохаром приблизительно в 340 году до н.э. Не сохранилась. Скульптуры такого типа известны археологам по раскопкам в Лептис-Магне и Анталье. Одна из копий находится в Лувре.
Артемида одета в дорийский хитон и гиматий. Правой рукой она готовится извлечь из колчана стрелу, левая покоится на голове сопровождающего её оленёнка. Голова повёрнута вправо, в сторону вероятной добычи.
"Аполлон Бельведерский", бронзовая статуя, исполненная Леохаром приблизительно в 330 до. н. э. Статуя не сохранилась, но сохранились в римских мраморных копиях. Одна из мраморных статуй находится в Бельведере, одном из зданий Ватиканского музея. Она была найдена в развалинах виллы Нерона в Антии где-то в начале XVI века.
Статуя изображает Аполлона, древнегреческого бога солнца и света, в образе молодого прекрасного юноши, стреляющего из лука. Бронзовая статуя Леохара, исполненная ок. ., во времена поздней классики, не сохранилась.
Монторсоли, ученик Микеланджело, восстановил кисти рук, но сделал это неверно: в правой руке Аполлон должен был держать лавровый венок, в его левой руке был лук, на что указывает колчан за спиной Аполлона. Эти атрибуты в руках божества означали, что Аполлон карает грешников и очищает кающихся.

Скопас. Менада. Середина 4 в. до н. э. Уменьшенная мраморная римская копия с утраченного оригинала. Дрезден. Альбертинум.

Скопас (ок. 395–350 гг до н. э.)

Трагические противоречия позднеклассической эпохи воплотились в творчестве скульптора Скопаса. Сохраняя традиции монументального искусства высокой классики, Скопас насыщает свои произведения большим драматизмом, стремится к многогранному раскрытию образов, сложных чувств и переживаний человека. Герои Скопаса, подобно героям высокой классики, продолжают воплощать совершенные качества сильных и доблестных людей. Но порывы страсти нарушают их гармоническую ясность, придают образам патетический характер. Скопас открывает область трагического в самом человеке, вводит в искусство темы страдания, внутреннего надлома.

Наиболее характерное представление о творчестве Скопаса дает его Менада (Вакханка). Художник изобразил ее в порыве бурного стремительного танца. Мчится неистовая спутница Диониса с ножом в правой руке и растерзанным козленком на правом плече. Фигура вакханки резко изогнута, голова запрокинута, распущенные волосы тяжелой волной падают на плечи. Такого порыва чувств и вихря движений не знала греческая классика.

Скопас. Голова раненого воина с западного фронтона храма Афины Алей в Тегее. Мрамор. 370— 360 гг. до н. э.

Вместо правильной яйцевидной головы с овалоидным лицом и неподвижными чертами Скопас создал новый тип – кубической, сидящей на мощной шее, искаженной страданием, с небольшими, сильно запавшими глазами, сверкающими из затененных глазниц скорбным, страдальческим светом. Такова голова воина, хранящаяся в Афинах, с западного фронтона храма Афины Алеи.

К зрелым работам принадлежат рельефы Скопаса, созданные для Галикарнасского мавзолея, над которым работали, согласно Плинию, четыре греческих мастера – Скопас, Тимофей, Бриаксид и Леохар.

Грек, обнажённый, в почти фронтальной позе, отклонившись в сильном ракурсе, прикрывается щитом от стремительно наступающей воительницы-амазонки. Её короткий хитон резко натянут между ног, тяжёлый плащ от сильного движения реет на ветру двумя скрещенными массивными концами.

Скопас. Фрагмент рельефного фриза восточной стены Галикарнасского мавзолея. Амазономахия. Сер IV в. до н. э.

Античные писатели называют Скопаса, Праксителя и Лисиппа тремя величайшими скульпторами второй половины 4-го века до нашей эры. Эта триада современников полностью изменила характер греческой скульптуры. Школы, которые они основали, разработки, которые они сделали в искусстве, сильно повлияли на историю скульптуры, а затем итальянского Ренессанса, а через него и современного искусства.

Скопас

Скопас - один из трех великих греческих скульпторов и архитекторов 4-го века до н.э.. Получил широкую известность прежде всего своей работой над Мавзолеем Галикарнаса. Оказал важное влияние на высокий классический стиль и развитие европейского искусства.

Работы Скопаса

Будучи космополитическим художником, который путешествовал и работал в Азии, Скопас был одним из первых представителей греческой скульптуры, представившим глубоко эмоциональные выражения на лицах своих мраморных фигур.

Согласно древним письмам, Скопас работал над тремя главными памятниками 4-го века: храм Афины Алеа в Тегее, храм Артемиды в Эфесе и Мавзолей в Галикарнасе - один из самых красивых храмов Пелопоннеса, который украсил и построил в сотрудничестве с другими художниками. Он также создал статую Диониса для города Книдос, создал статую Ники (Победы), которая изготовлена из парижского мрамора и сейчас находится в Лувре.

К талантам Скопаса относится и самый красивый комплекс статуй Нереид (Посейдон, Фетида и Нереиды, несущие мертвое тело Ахиллеса).

Многие искусствоведы полагают, что в техническом плане Скопас был близок к Праксителю, но если последний предпочитал смелую выразительность и энергии, Скопас изображал чувства в моменты отдыха своих героев.

Храм Афины Алеа в Тегее - единственный сохранившийся оригинал Скопаса. Стиль и пропорции храма демонстрируют сильное афинское влияние.

Другие работы, известные по римским копиям, включают статую Мелеагра (Музей Фогга, Кембридж, Массачусетс), Аполлона Китароедуса (Вилла Боргезе, Рим) и знаменитого Людовизи Ареса (Палаццо Альтемпс, Рим).

Пракситель

Пракситель, родившийся в 395 году до нашей эры, был сыном или близким родственником известного художника Кефизодота, у которого он изучал искусство скульптуры. Карьера Праксителя, одного из самых известных и величайших скульпторов древней Греции, соединяла поздний классический период и эллинистический период греческого искусства.

Работы Праксителя

Одна из его главных задач как скульптора заключалась в том, чтобы привнести в свои работы как можно больше реализма, что впоследствии повлияло на реалистическое направление греческой скульптуры. Он постоянно пробовал новые методы работы, чтобы быть максимально естественным, тем самым раздвигая границы своего творчества. Для достижения такого натурализма, он обработал камень и бронзу, чтобы создать изгибы, свет и тень. Он разработал специальную технику для полировки мраморной скульптуры, которая придала его работам жизненность. Это определило его тонкий и чувственный стиль. Превратив индивидуальный и величественный стиль своих непосредственных предшественников в стиль нежной грации и чувственного обаяния, он значительно повлиял на последующее развитие греческой скульптуры.

Единственная известная сохранившаяся работа от руки Праксителя, мраморная статуя Гермеса, несущего Младенца Диониса, характеризуется тонкой моделировкой форм и изысканной отделкой.

Афродита Книдская считалась римским писателем Плинием не только самой прекрасной статуей Праксителя, но и лучшей в мире. Пракситель был одним из первых скульпторов, серьезно работавших с женской формой. Его Афродита обнажена - это смелое новшество того времени.

Его непосредственные предшественники создавали произведения, которые были отделены друг от друга и величественны по стилю, в то время как Пракситель внес более гуманистическую, нежную грацию в греческую скульптуру. Ни один другой скульптор не подходил так близко к этому.

Лисипп

Лисипп был одним из величайших скульпторов позднеклассического периода греческой скульптуры. Будучи официальным скульптором Александра Македонского, его творчество характеризовалось естественным натурализмом и тонкими пропорциями. Его отличает и особая плодовитость: Лисипп создал более 1500 произведений, некоторые из которых были колоссальными. Известен своими мраморными и бронзовыми скульптурами атлетов, героев и богов.

Работы Лисиппа

Лисипп был новатором в обозначении масштабов на мужских фигурах. Его работа характеризуется более тонкими пропорциями тела - он уменьшил размер головы и вытянул конечности, что сделало его фигуры более высокими и статными. Лисипп продолжал расширять границы своей мраморной скульптуры. В его работе появляется новое ощущение движения: голова, конечности, туловище - все лица в разных направлениях, что указывает на внезапное изменение действия. Он также тщательно работал с волосами, веками, ногтями и другими деталями своих героев.

Римские писатели того времени, в том числе Плиний, ссылаются на Лисиппа и его стиль лепки, отмечая изящество и элегантность, а также симметрию и баланс его фигур. Лисиппу удалось создать новые и поразительные версии Богов, включая Зевса и Бога Солнца.

Вместе со Скопасом и Праксителем Лисипп помог осуществить переход в эллинистический период искусства. Он остается ключевой фигурой в истории скульптуры с классической древности.

Скопас. Голова раненого воина с западного фронтона храма Афины Алеи в Тегее. Мрамор, 370-360 годы до н.э. Афины, Национальный археологический музей.

Скопас, Бриаксид, Леохар, Тимофей. Амазономахия. Фрагменты рельефного фриза Галикарнасского мавзолея. Около середины IV века до н.э. Британский музей.

Скопас. Вакханка. Уменьшенная мраморная копия греческого оригинала около середины IV века до н.э. Дрезден, Государственное собрание скульптуры.

База колонны из храма Артемиды в Эфесе. Около 340 года. Британский музей

"Важнейшее новшество в поздней скульптуре появилось благодаря Скопасу. Он разрушил Фидиев "нормативный идеал".

Образ одного из величайших скульпторов Греции считается "неуловимым". Уроженец острова Парос, он, очевидно, являлся сыном скульптора Аристандра. Продолжая традицию своих предшественников, мастер работал для различных греческих городов, много ездил, но в отличие от них олицетворял новый тип странствующего художника, у которого не было стацианарной мастерской и постоянного места жительства. Скопас был ваятелем и архитектором в одном лице, и выше говорилось, что выстроенный им храм Афины Алеи в Тегее был в своём роде пластическим произведением.

Фрагментарно дошедшие работы мастера свидетельствуют о том, что он первым стал изображать "пафос" - страсть, и изображать так, что пришлось покончить с прежним скульптурным идеалом. Вместо правильной яйцевидной головы с овалоидным лицом и неподвижными чертами Скопас создал новый тип - кубической, сидящей на мощной шее, искажённой страданием, с небольшими, сильно запавшими глазами, сверкающими из затенённых глазниц скорбным, страдальческим светом. Такова голова воина, хранящаяся в Афинах, с западного фронтона храма Афины Алеи в Тегее, и созданного и украшенного скульптурой под руководством Скопаса. Голова дышит открытым пафосом, впервые триумфально вошедшим в искусство. Ранее воины так не изображались: при всех вариациях иконографических жестов и поз лица сохраняли невозмутимость: изредка только скорбно изгибались брови или слегка опускались уголки губ. Теперь же вся структура лица меняется, деформируется.. (Подробнее . )"

Читайте также: