Портреты 20 века реферат

Обновлено: 07.07.2024

В истории русской художественной культуры начала ХХ столетия было одним из блестящих периодов – плодотворным, разноликим, стремительным в своем развитии. Вначале ХХ века еще работали живописцы старшего поколения. Но важно не только, сколько блестящих талантов было, важно их невероятное многообразие, характеризующее в целом картину того времени.

Новое время — время больших надежд и свершений — рождало потребность в монументальном стиле, в синтезе искусств. Художники мечтали о таком искусстве, которое вошло бы в жизнь, в быт людей, было бы способно формировать представление о мире и характер человека.

На рубеже столетия стоят три крупнейших художника В. Серов, М. Врубель, К. Коровин.

Портретная живопись Михаила Врубеля отличается от портретов, Серова и Коровина, писавших в стиле реализма. Он пытается разрабатывать свою оригинальную художественную манеру.

Врубель, при написание портрета оперирует символами.

В начале 20 столетия он был первым кто, обратился к символизму.

Художник блестяще владел даром сообщать мгновенному характер вечного.

Врубель мыслил не бытовыми категориями окружающей жизни, в своих портретах он оперирует “вечными” понятиями, мечтает поисках истины и красоты. В его творчестве фантазия соединена с реальностью, природа наделена способностью, чувствовать и думать, а человеческие чувства усилены.

В своих портретах художник показал светлое и темное начало человеческой души, возможность их одновременного существования и перетекания друг в друга. Это тема хорошо раскрыта в работе “Девочка на фоне персидского ковра ” и других полотнах последующего периода (Илл.1). Стремясь наиболее точно передать внутреннее состояние натурщика, Врубель совершал подлинные открытия в сфере художественной формы. Он “гранил” фигуры и лица их плоскостями, конструируя их форму. Постигал самоценность цветного пятна и добивался того, что бы краски на его полотнах сияли внутренним светом.

Врубель выводил образ человека из–под власти бытовой конкретности, обобщая его ради создания символа, вбирающего в себя большие человеческие страсти, страдания и надежды. Трудный переход к искусству у Врубеля произошел стремительно и бесповоротно.

Другой крупнейший живописец рубежа столетия – Валентин Серов. Начиная 80х годов 19 века и до конца жизни, Серов шел впереди и вел за собой других русских мастеров.

В работе над портретом Серов видел высшею цель художника. Он переводил свои образы в широкий общечеловеческий план, выражал в них понятия юности, красоты, счастья.

Его живопись словно улыбалась, радовала солнцем и воздухом, горела чистыми красками. Серов учился в малом выражать нечто большое.

Валентину Серову принадлежат наиболее известные портреты того времени. Один из них “Девочка с персиками” (Илл.2). “По мери постепенного углубления в содержание картину зритель понимает это не просто портрет это выхваченный из жизни момент. Образ созданный художником наполнен жизнью, умиротворением и спокойствием”[6].

Другой пример это “Девушка, освещенная солнцем” (Илл.3.). В нем художник представляет мастерство света. С помощью кистей и красок он смог отобразить красоту и гармонию мира в общественном потоки будней. Серов очень серьезно подходит к работе над портретом, его волновало не внешнее сходство, а внутренний мир модели. Со временем взгляд художника на модель становился все сильнее и зорче. Серов дает острую почти гротескную характеристику модели. Вмести с тем он создает формы героически, прекрасного. Художник очень часто пишет портреты художников, писателей, артистов. Само смотрение выразит представление о красоте человека в свидетельских его творческих возможностей показательно для мастера.

Позднее работы Серова вводят нас в проблематику “большого стиля”. По мысли Серова, это единственный стиль должен быть ощутим и в карандашном наброске и в портрете. Так это новая тенденция развития искусства 20 века получила ворожение в портретной живописи Валентина Серова.

Третьим художником был Константин Коровин. Своим творчеством он быстро повлиял на развитие русской живописи.

В работе над портретом Коровин предпочитал этюд как одну из форм станковой живописи, что совпадало с его импрессионистическим выделением натуры. Французы, становившиеся учителями Коровина, помоги ему понять все богатые возможности цвета”.

Природа наделила художника редким колористическим даром, и художник высоко развил его. Безукоризненно владея искусством живописи, всегда подчиняя гармонию, многокрасочную палитру мира, он создавал жизнеутверждающие образы, прославляя жизнь и ее краски. Уже в училище за Коровиным закреплялась репутация колориста.

Те мотивы, которых выбирал Коровин, давали ему повод для декоративного решения многих своих партнеров.

Почти в каждом холсте художника есть своя, пусть маленькая, цветовая “находка”, свое открытие. Он писал быстро и реалистично, легко и свободно. В его портретах ощущается смелость, вдохновение, обожание натуры, точное “ попадание”, которое еще при жизни художника заставляло критиков говорить об “абсолютном глазе” Константина Коровина.

Творчество Коровина являло собой лучший пример национального выражения импрессионистического портретного письма, которое стало достоянием в живописи начала 20 века.

Именно эти три художника В. Серов, М. Врубель, К. Коровин наиболее сильно повлияли на развитие портрета как жанра. Живя, на рубеже веков каждый из этих живописцев принес в портретную живопись, свой новый стиль. Продолжателями, которого стали последователи.

Так Михаил Врубель был первым художником, рисовавшим в стиле символизма. Творческий метод Врубеля отличался – он гранил фигуры плоскостями и добивался нового звучания цветового пятна.

Валентин Серов в своих портретах дает четкую характеристику внутреннего мира человека. На полотнах, но запечатлеет момент из жизни.

Константин Коровин принес в русский портрет импрессионизм и этюдное письмо в работах художника особо точно и ярко выражен цвет.

Все три художника оказали огромное влияние на формирование творческого метода друг друга. Так благодаря дружбе с Коровиным в ранних портретах Серова виден легкий намек на импрессионизм, а Врубель занимается лепкой фигуры при помощи мазка и поисками колористического решения.

Так при творческом симбиозе М.Врубеля, В.Серова К.Коровина появляется новый, отличающийся от раннего, портрет, характерный для начала искусства 20 века. Триумвират этих художников стоящих на рубеже веков, определил наиболее существенные успехи в искусстве[7].

Глава II Портрет в творчестве К.А. Коровина

Раздел: Культура и искусство
Количество знаков с пробелами: 55286
Количество таблиц: 0
Количество изображений: 0

Содержание работы

1. Введение;
2. Часть первая: Возникновение и развитие жанра в живописи и скульптуре;
3. Часть вторая: Композиционно-художественные особенности портретного жанра 20 века;
4. Часть третья: Стилистические особенности скульптурных портретов от эпохи рабовладельческой деспотии до эпохи возрождения;
5. Заключение;
6. Список используемой литературы.

Файлы: 1 файл

Портрет.doc

Министерство образования и науки Российской Федерации

Казанский государственный архитектурно- строительный университет

Реферат на тему:

студентка гр. 3ДП101

ИАИД, Гаязова Н.М.

Принял: доцент каф.

2. Часть первая: Возникновение и развитие жанра в живописи и скульптуре;

3. Часть вторая: Композиционно-художественные особенности портретного жанра 20 века;

4. Часть третья: Стилистические особенности скульптурных портретов от эпохи рабовладельческой деспотии до эпохи возрождения;

6. Список используемой литературы.

Зрителю невольно передается отношение художника к модели. Важным является все то, что выражает эмоции, отношение к жизни, к людям: мимика изображенного лица, выражение глаз, линия губ, поворот головы, осанка, жест.

Возникновение и развитие жанра в живописи и скульптуре.

Зарождение портретного искусства относится к глубокой древности. Первые значительные образцы портрета встречаются в древневосточной, главным образом древнеегипетской, скульптуре. (Сохранившиеся изображения лиц предшествующего периода — искусства Месопотамии, являются имперсональными изображениями божеств и не несут индивидуальных черт).

В скульптуре устанавливаются строгие каноны определенных типов композиции — тип идущей фигуры с выдвинутой вперед ногой (всегда левой), тип коленопреклоненной фигуры, фигуры, сидящей на корточках или на троне, с симметрично положенными на колени руками. Статуи раскрашивались (на некоторых памятниках остатки краски сохранились). Употреблялись инкрустированные вставные глаза в статуи из полудрагоценных камней. Портретная скульптура Древнего царства все еще находится в полном контакте с архитектурой и подчиняется геометризированным принципам. Для всех портретов Древнего царства характерны обобщенная моделировка формы лица, расширяющийся книзу нос, подчеркнуто большие губы. В эпоху V династии власть фараона постепенно ослабевает, и начинают появляться портреты земельной знати, частных лиц. Пропорции тела удлиняются, увеличивается красивая линия силуэта.

Со временем содержание древнеегипетского портрета углубляется (особенно в одухотворённых образах эпохи Нового царства периода Эль-Амарны, XIV в. до н.э.).

Древняя Греция

У древних греков долгое время портрета в строгом смысле слова не существовало. У них был обычай награждать победителей спортивных игр постановкой их статуй в публичных местах, однако это были идеальные фигуры атлетов, которые изображали их лишь в общих чертах, идеализированно, и были выполнены по идеальному канону красоты. Эллинские республики даже запрещали общественным деятелям и частным лицам заказывать свои реалистические портреты, считая, что они могут развить в гражданах тщеславие и противоречат принципу равенства между ними. В эпоху классики создаются обобщённые, идеализированные скульптурные портреты поэтов, философов, общественных деятелей.

Только в V веке до н. э. впервые появились у греков настоящие портретные гермы и статуи, а именно в числе произведений Димитрия Алопекского, жившего во времена Перикла.

Источники рассказывают о существовании в Греции живописного портрета, в частности превозносится Апеллес, но ничего из работ этого периода не сохранилось.

Древний Рим

Из Греции искусство портретов перешло к римлянам, которые к прежним родам пластических портретных изображений, (статуе и герме), прибавили новый род — бюст. Многие греческие ремесленники работали в Риме, правда, уже с соблюдением желаний римского заказчика.

Развитие древнеримского портрета было связано с усилением интереса к индивидуальному человеку, с расширением круга портретируемых. Риму свойственен нарождающийся интерес к конкретному человеку (в отличие от интереса к человеку вообще в искусстве Древней Греции). В основе художественной структуры многих древнеримского портрета — чёткая и скрупулёзная передача неповторимых черт модели при соблюдении единства индивидуального и типического. В отличие от древнегреческого портрета с его тягой к идеализации (греки считали, что хороший человек обязательно должен быть красивым — калокагатия), римский скульптурный портрет оказался максимально натуралистичным и до сих пор считается одним из наиболее реалистичных образцов жанра за всю историю искусства. Древние римляне обладали такой верой в себя, что считали личность человека достойной уважения в том виде, какая она есть, без всяких приукрас и идеализаций, со всеми морщинами, лысинами и избыточным весом (см. к примеру портрет императора Вителлия).

Одним из корней подобного реализма стала техника: римский портрет развился из посмертных масок, которые было принято снимать с умерших и хранить у домашнего алтарявместе с фигурками лар пенатов. Они изготавливались из воска. В случае смерти представителя рода маски предков неслись в погребальной процессии, чтобы подчеркнуть древность аристократического рода. (Это являлось рудиментом культа предков). Кроме восковых масок, в ларариуме хранились бронзовые, мраморные и терракотовые бюсты предков. Маски-слепки делались непосредственно с лиц усопших и потом обрабатывались с целью придания им большего натуроподобия. Это привело к прекрасному знанию римскими мастерами особенностей мускулатуры человеческого лица и его мимики, что повлекло за собой прекрасные результаты уже при обычном позировании. Корни подобного погребального культа были восприняты римлянами у этрусков, у которых портрет также был чрезвычайно развит.

Во времена Республики стало принято воздвигать в публичных местах статуи (уже в полный рост) политических должностных лиц или военный командиров. Подобная честь оказывалась по решению Сената, обычно в ознаменование побед, триумфов, политических достижений. Подобные портреты обычно сопровождались посвятительной надписью, рассказывающей о заслугах. В случае преступления человека его изображения уничтожались. С наступлением времен Империи портрет императора и его семьи стал одним из мощнейших средств пропаганды.

Наряду с портретными бюстами и статуями, широкое распространение получили портреты на монетах, камеях и т. п., отчасти живописные портреты. Искусство чеканки было так развито, что по профилям на монетах (сопровождаемых надписями) современные исследователи опознают безымянные мраморные головы. Ранние образцы станковой портретной живописи представляют фаюмские портреты), исполнявшие функцию погребальных масок. Во многом связанные с традициями древневосточного портрета и с религиозно-магическими представлениями, вместе с тем они создавались под воздействием античного искусства, непосредственно с натуры, несли в себе ярко выраженное сходство с конкретным человеком, а в поздних образцах — специфическую духовность..

Портрет Средневековья

Византийская и Западная Римская империя не наследуют реалистический римский портрет. Мастера этих периодов изображают свои модели обобщенно и спиритуализировано, вдобавок, происходит значительный регресс технического мастерства, благодаря чему портреты различных императоров практически не отличимы, а идентифицировать по однообразным профилям на монетах мраморный бюст (также выполненный по канону) практически невозможно.

В следующее тысячелетие Европа не дает качественных образцов портрета. Происходит полный упадок жанра. Средневековая культура была сосредоточена на борьбе спиритуалистических и стихийно-материалистических тенденций, что наложило на развитие портрета особый отпечаток. Средневековый художник, ограниченный строгими церковными канонами, редко обращался к портрету. Личностное начало в его понимании растворялось в религиозной соборности. В период Средневековья реалистический, натуралистический портрет встречается очень редко. Упрощенные и стандартизованные черты изображенного персонажа позволяют идентифицировать его только с определенной общественной ролью.

Средневековый портрет в большинстве своих образцов имперсонален. В то же время некоторым готическим скульптурам, а также фрескам и мозаикам византийских, русских и др. церквей присущи духовная характерность, ясная физиономическая определённость: художники понемногу придают святым черты лица реальных людей. Автопортреты находят в миниатюрах писцов.

За пределами Европы

На территориях Востока, ситуация с портретным жанром в это время была более благоприятной. (Китайский портрет, вероятно, восходит к 1000 г. до н.э., хотя сохранившиеся памятники относятся только к 1000 н. э.). Большой конкретностью отличается средневековый китайский портрет (особенно периода Сун, X—XIII вв.). Несмотря на подчинение строгому типологическому канону, средневековые китайские мастера создали множество ярко индивидуализированных светских портретов, часто выявляя в моделях черты интеллектуализма.

Перуанская культура индейцев мочика (I—VIII вв.) была одной из немногих древних цивилизаций Нового Света, где существовали портреты. Эти работы точно представляют анатомические особенности людей. Модели изображали так узнаваемо, что не было необходимости в атрибутах или подписях с именами. Мы легко узнаем членов элиты, священников, воинов и даже ремесленников. Встречаются люди разных возрастов. Женских портретов до сих пор не найдено ни одного. Есть специфический акцент на представлении деталей головных уборов, причесок, украшения тела.

В начале XX в. под натиском быстро развивающейся фотографии показалось, что портретная живопись утратила свое значение. Однако. напротив, именно благодаря этому живопись освободилась от сопутствующей задачи точного копирования и приобрела большую свободу. Но при этом художники потеряли объединяющие их идеи и общие цели. Искусство XX в. — это постоянные художественные искания как формы, новых средств выразительности, так и содержания.

Особое место в искусстве XX в. занимают П. Пикассо и А. Матисс. Их творческие эксперименты с формой и цветом породили новые представления об изобразительном искусстве и новый взгляд на окружающий мир.

В современном искусстве часто видят свободу сочетания разных форм искусства прошлого. Зритель не сразу догадывается, что попадает в стихию кирнавала; здесь переплетается не просто реальность с выдуманным, но н возвышенное с низменным. доброе со злым. Именно поэтому идет разговор о потере человеком цельности мироощущения, а значит и потери себя как полноценной личности. Разрушается идея портрета в его традиционном понимании.

В картинах знаменитого сюрреалиста С. Дали обрывки реальности, причудливо соединяясь, образуют новый абсурдный и тревожный смысл, похожий на видения сна.

С. Дали. Лицо Мэй Уэст (в качестве сюрреалистической комнаты). Темпера. США. XX в.

Э. Уорнол. Мерилин Монро. Диптих. Шелкография. США. XX в.

В России XX в. искусство портрета также чрезвычайно разнообразно по форме и содержанию. Для художников становится значимым стремление создать образ жизни своей страны через образы своих современников. Портрет выхолит за привычные рамки жанра, превращаясь в сложную композиционную картину. Одной из существенных тем стала связь современности с прошлым.

З.Е. Серебрякова. За туапетом. Автопортрет. Масло. Россия. XX в.

Внимательно рассмотри представленные в учебнике репродукции работ мастеров портрета. Запомни фамилии художников. Их творчество сыграло большую роль в становлении нашего современного видения мира.

Д.Д. Жилинский. Желтый букет. Масло. Россия. XX в.

Чтобы лучше знать свою историю, свою культуру, необходимо посещать художественные музеи и выставки.

Т.Т. Салахов. Портрет композитора Кара Караева. Масло. Россия. XX в.

Для учеников 1-11 классов и дошкольников
Бесплатные сертификаты учителям и участникам

А теперь давайте посмотрим, как менялась манера рисования портретов в разные эпохи. Каждый век предлагает новый образ, но вот в каком веке изменения образов наиболее заметны?

Я думаю, здесь однозначный ответ – как бы ни менялась мода на женские типажи, одежду, как бы ни менялся язык изобразительного искусства, но портрет в XX веке претерпел такие изменения, каких не было за всю историю искусства! И, конечно, не только портрет. Изменилось решительно все. Давайте попробуем разобраться, почему так произошло?

На сегодняшнем уроке мы с вами познакомимся с особенностями портретного жанра в 20 веке, узнаем, в чем его особенности. И даже создадим постер со своим изображением в стиле Энди Уорхола.

Изменился, конечно, не только портрет – все изобразительное искусство стало стремительно меняться. Предпосылки к этому были заложены ещё в предыдущем, 19 веке. Бурное развитие промышленности, революции, философия, отвергающая религию.

Это все дало мощный толчок для поиска новых форм в искусстве основываясь на невиданной доселе свободы художника, творца. Схожие процессы были и в других видах искусств – в музыке, театре, литературе.

Но вернемся к изобразительному искусству и к предмету нашего разговора – к портрету. Самым очевидным фактором, повлиявшим на этот жанр стало изобретение фотографии. Вместе с появлением на свет фотоснимков из портретного искусства почти полностью уходит функция передачи сходства портрета с моделью. Нет больше смысла вкладывать столько сил и времени чтобы просто изобразить на хосте реалистичную копию, ведь фотограф справится с этим за считанные часы. А в наше время, это может занять даже секунды. И это поставило перед художниками другие задачи – изобразить внутренний мир человека, передать его характер, запечатлеть неповторимую личность человека. И художники стали решать эти задачи по-своему.

Давайте проследим за тем, как будет меняться портрет от времени и личного стиля художника на примере портретов Амбруаза Воллара – маршана, или торговца произведениями искусства. Ах, хотела бы и я быть Амбруазом Волларом, чтобы иметь такую же портретную галерею! Как гласит известная шутка в мире искусства, что ни одну из самых красивых женщин 20 века не писали так часто, как Амбруаза Воллара.

Если посмотреть на его фотографию, которых тоже сохранилось в великом множестве, многое из этого описания мы сможем увидеть и сами. Как точно описан и потупленный взгляд, и крайне неулыбчивое лицо. Также по фотографии мы можем понять, что он много читает, и любит кошек. Посмотрите, даже на этой фотографии видно сколько у него картин, которые стоят за его креслом, отвернутые от зрителя.

А вот следующий портрет, Огюста Ренуара раскрывает другую грань Амбруаза Воллара – здесь он не такой угрюмый, и изображен за внимательным раглядыванием и любованием статуэткой. Эти предметы искусства, которые лежат на столе перед Волларом смягчают его черты. Огюст Ренуар в начале своей карьеры, в возрасте 13 лет расписывал фарфоровые блюдца и другую посуду, что повлияло на его стиль. Его живопись очень мягкая, светлая, немного декоратиная. Ренуар трижды писал Воллара, и на всех его портретах маршан не выглядит угрюмым. И хоть он не улыбается, все же его черты заметно мягче. Кроме того, любимую цветовую палитру Ренуара можно легко узнать и на этом портрете.

На следующем портрете, который принадлежит Феликсу Валлотону, Амбруазу Воллару всего 36 лет. На этом портрете он выглядит молодо, но все так же угрюм. Здесь нет произведений искусства, книг, нет и кошки. Нет кабинета, и почти нет фона, есть только его цвет – золотисто-коричневый. Воллар не окружен своими обычными атрибутами, по которым его можно легко и сразу узнать. Тем не менее, здесь он уже делец, пусть и не такой известный, но самостоятельный. Воллар уже как 9 лет открыл свое собственное дело, устроил несколько персональных выставок ещё никому неизвестных художников. Мы видим человека далекого от сентиментализма, нет мечтательного выражения, скорее всего это уверенный практик.

А вот Поль Сезанн портрета Воллаара написал в благодарность за славу. Однажды маршан заглянул в мастерскую к Сезанну и скупил все за один раз, более 150 картин, что дало художнику возможность работать дальше, а спустя 3 три года даровало признание. Отношения между художником и торговцем картин бывали очень сложные, но один в благодарность написал другому портрет, а другой, спустя несколько лет – книгу.

Следующая работа – это литография, в то время как до этого мы рассматривали живопись маслом по холсту. На этой литографии мы видим самого Воллара, стул, на котором он и сидит, и ещё любимого кота. На литографии Воллар уже не так похож сам на себя, но вот стиль самого Пикассо здесь проявляется остро. Это, а также и возвращение котика в руки Воллара явно указывают на коммерческий характер этого произведения. Черты Воллара тем не менее сохраняются и здесь – его любовь к кошкам, аккуратный и модный галстучек (Воллар всегда был импозантным мужчиной). А если сравнивать эту литографию со следующей работой – легко становиться понять, что у этих работ одна и та же композиционная схема, но посмотрите какие они разные! Насколько разной может быть авторская подача одного и того же материала. Ай да Пикассо!

Читайте также: