Эпоха модернизма в музыке реферат

Обновлено: 05.07.2024

Духовная революция, как новое качество сознания, новое жизнепонимание, требовала для себя новой идейной платформы. Эта платформа была сформулирована на базе интуитивизма А. Берсона и Н. Лосского, ницшеанства, феноменологии Э. Гуссерля, психоанализа З. Фрейда и К. Юнга, экзистенциализма С. Кьеркегора, М. Хайдеггера, К. Ясперса, Н. Бердяева и др.

Работы этих авторов не только сцементировали идейную базу, платформу модернистских поисков в искусстве указанного периода, но и позволили самому художественному направлению действовать ретроспективно, захватывая предшествующие явления культуры (предмодерн, ростки которого обнаружились в творчестве Ф. М. Достоевского, Ш. Бодлера, Э. Бронтэ, Э. Сведенборга, Г. Ибсена и др.), и перспективно, оставляя поле для экспериментов в будущем (постмодерн). Модернизм, борясь за раскрепощение и обновление форм в искусстве, не мог обойтись без общих связей с историей культуры, признав, таким образом, принципы историзма внутри собственного направления.

II. Основные направления в искусстве модернизма

1. Экспрессионизм

Так как мир представал перед экспрессионистами лишенным гармонии, непонятным и бессмысленным, то они отказываются от его изображения в таком виде. За всей бессмысленностью мира они пытались увидеть истинный смысл вещей, всеохватывающие законы, то есть стремились к обобщению. Действительность рисуется в огромных картинах, за которыми исчезают естественные и конкретные черты. Экспрессионисты пытались показать не саму действительность, а лишь абстрактное представление о том, что составляет ее сущность.

Теоретик и художник экспрессионизма Ф. Марк выдвинул тезис, что суметь вновь стать чистыми перед лицом сегодняшнего смятения умов можно только с помощью полной изоляции собственной жизни и собственного дела. Этим экспрессионизм прокладывал дорогу беспредметничеству абстракционизма и идеям принципиального одиночества личности, лежащим в основе экзистенциализма.

3. Абстракционизм

Нельзя не заметить, что художники, не увлеченные развитием формальных идей, обычно переходят рубеж, за которым художественное творчество как выражение образа мира перестает быть самим собой и превращается в чистую эстетику, отвлеченную игру форм и конструкций.

Абстрактивизм - более правильное название, чем абстракционизм, - как конкретное художественное направление, в котором абстракция стала основным принципом формообразования, появился в самом начале XX в., хотя его предпосылки сложились еще в искусстве раннего модерна. В 1892-1893 гг. А. Ван де Велде уже создавал свои абстрактные рисунки и акварели.

Абстрактивизм противоречив. С одной стороны, он возник закономерно в результате усилившихся в искусстве последней трети XIX в. французских импрессионистов и постимпрессионистов тенденций анализа художественной формы, с другой – отражал кризис творческого мышления, выражавшийся в последовательной подмене художественно-образного выражения простой гармонизацией форм, цветовых пятен, линий. А эстетическая конструкция, отвлеченная от конкретно-предметного содержания, какой бы совершенной с формальной точки зрения она ни была, в изобразительном искусстве способна вызывать лишь простые эмоциональные реакции, подобно сигналам светофора. Это, в частности, объясняет, почему абстрактная картина, как правило, остается зашифрованной для зрителя, и ее воздействие сводится лишь к эмоциональному переживанию отвлеченных, произвольных ассоциаций.

В архитектуре, декоративном искусстве восприятие художественного образа происходит в контексте широких композиционных связей с пространственной и историко-культурной средой, и поэтому оно всегда конкретно, даже если выражено в полностью абстрактных формах. Например, содержание геометрического орнамента всегда понятно в его отношении к поверхности, на которой он расположен. Геометрические объемы зданий обусловлены их функцией и конструкцией в архитектурной композиции. Но в произведениях станковой живописи, графики, скульптуры композиция изолирована от окружающей среды и имеет автономный художественный смысл.

Все это говорит, что абстрактное искусство по своей сути является не художественным творчеством, а развитием идей, носящих, безусловно, творческий, но лишь эстетический смысл. Поэтому абстрактивизм не имеет стиля, он несет в себе лишь отдельные формальные признаки.

Абстракционизм обогатил экспрессию палитры и ритмико-динамическую выразительность живописи, предвосхитил важные принципы пластико-пространственных решений в современной архитектуре, оказал влияние на развитие дизайна, индустриального, прикладного и декоративного искусства. Однако, при всем том абстракционизм потерпел крах в главном – в своих претензиях дать философско-художественную концепцию современной эпохи. Прокламируемая абстракционизмом личность, отказавшаяся не только от познания и осмысления реального мира, но и от всякой связи с ним, эмигрирующая в мир своей опустошенной души, оказалась несостоятельной, неспособной решить проблемы века.

4. Сюрреализм

Сюрреалисты считали, что творческая энергия исходит из сферы подсознания, которая проявляет себя во время сна, гипноза, болезненного бреда, внезапных озарений, автоматических действий (случайное блуждание карандаша по бумаге и др.).

Сюрреалистическая программа в изобразительном искусстве осуществлялась, в основном, по двум направлениям. Одни художники вводили бессознательное начало в процесс создания живописных полотен, в которых преобладали свободно текущие образы, произвольные формы, переходящие в абстракцию (Н. Эрнст, А. Масон, Дж. Миро). Другое направление, которое возглавлял С. Дали, основывалось на иллюзорной точности воспроизведения ирреального образа, возникающего в подсознании. Его картины отличаются тщательной манерой письма, точной передачей светотени, перспективы, что характерно для академической живописи. Зритель, поддаваясь убедительности иллюзорной живописи, втягивается в лабиринт обманов и неразрешимых загадок: твердые предметы растекаются, плотные приобретают прозрачность, несовместимые объекты скручиваются и выворачиваются, массивные объемы приобретают невесомость, и все это создает образ невозможный в реальности. Общие особенности искусства сюрреализма: фантастика абсурда, алогизм, парадоксальные сочетания форм, зрительная неустойчивость, изменчивость образов.

Главной целью сюрреалистов было через бессознательное подняться над ограниченностью как материального, так и идеального мира, продолжить бунтарство против выхолощенных духовных ценностей буржуазной цивилизации. Художники этого направления хотели создать на своих полотнах реальность, не отражающую действительность, подсказанную подсознанием, но на практике это порой выливалось в создание патологических отталкивающих образов и эклектику. Отдельные интересные находки сюрреалистов использовались в коммерческих областях декоративного искусства, например, оптические иллюзии, позволяющие видеть на одной картине два различных изображения или сюжета в зависимости от направления взгляда. В то же время художники обратились к имитации черт первобытного искусства, творчества детей и душевнобольных. При всей своей программной заданности произведения сюрреалистов вызывают самые сложные ассоциации. Они одновременно могут отождествляться в нашем восприятии как со злом, так и с добром. Устрашающие видения и идилические грезы, буйство и смирение, отчаяние и вера – эти чувства в различных вариантах проступают в произведениях сюрреалистов, активно воздействуя на зрителя. При всей абсурдности и даже определенной забавности некоторых произведений сюрреализма они способны стимулировать сознание, пробуждать ассоциативное воображение.

Сюрреализм выступил как одно из направлений в живописи, литературе и кино.

Применительно к живописи Бретон выделял в сюрреализме следующие базовые приемы: 1) автоматизм, 2) использование так называемых обманок и 3) сновидческие образы.

В 1924 г. Андре Масон стал делать автоматические рисунки. Используя ручки и индийскую тушь, он позволял своей руке быстро странствовать по листу бумаги, и возникающие при этом случайные линии и пятна вливались в образы, которые он либо развивал дальше, либо оставлял, как есть. В лучших из этих рисунков наблюдается удивительная связность и текстуальное единство. Для художника важны были метафоры образов, то, как один из них превращается в другой. Так голова лошади или рыбы могла трансформироваться в некий сексуальный образ.

Сюрреализм является явным и непосредственным детищем психоанализа, отсюда его обращение к сновидению, к бессознательному и к технике свободных ассоциаций.

Принцип сюрреалистической поэтики – сверхметафоричность. Метафоричность абсолютизируется сюрреализмом и доводится до неожиданного сопряжения несопрягаемых предметов, до капризной произвольности сопоставлений. Именно эта поэтика делает мир расплывчато зыбким: предмет, сравниваясь со многими явлениями, становится похожим на все и потому ни на что не похожим. Это и создает образ таинственной реальности.

Интуитивистская сверхреальная связь с миром является программой не только художника, но и воспринимающей искусство публики. Интуитивизм – основа творческого метода сюрреализма, утверждающего безграничную свободу воображения художника, неконтролируемость творческого процесса какими-либо логическими началами. Личность в творчестве движима сексуальными влечениями и воспринимает увиденное сквозь отверстие в тазобедренной кости (так изображен пейзаж на одной из картин С. Дали).

Литературные и поэтические опыты сюрреализма также отличает автоматизм сцепления свободных ассоциаций . Сюрреалистическая поэзия проигрывает отсутствием юмора, самоиронии, напыщенной серьезностью, что, впрочем, не было характерно для сюрреалистического кинематографа.

Изощренная техника соединения несоединимого и появившаяся в позднем сюрреализме самоирония и юмор позволили ему органично влиться в поэтику современного постмодернизма.

Теоретики поп-арта утверждают, что каждый предмет в определенном контексте превращается в произведение искусства, теряет свое первоначальное значение и приобретает художественные качества. Отсюда задача художника не создание художественного предмета, а придание обыденному предмету художественных качеств путем организации определенного контекста его восприятия. Эстетизация вещного мира становится принципом поп-арта. Художники стремятся добиться броскости, наглядности, доходчивости своих творений, используя для этого поэтику этикетки и рекламы. Поп-арт – это композиция бытовых предметов, иногда в сочетании с муляжем и скульптурой. Смятые автомобили, композиции с включением выцветших фотографий, обрывков газет и афиш, наклеенных на ящики, выкрашенный белой масляной краской рваный ботинок – таковы художественные экспонаты поп-арта.

Поп-арт как художественное направление имеет ряд разновидностей (течений): оп-арт (художественно организованные оптические эффекты, геометризованные комбинации линий и пятен), эл-арт (движущиеся с помощью электромоторов предметы и конструкции), окр-арт (композиции, окружающие зрителя) и т.д.

6. Хеппенинг

В хеппенинге используется световая живопись: свет то и дело меняет цвет и силу, направляется непосредственно на актера или просвечивает сквозь ширмы из разного материала. Часто он сопровождается звуковыми эффектами (звучание человеческого голоса, музыки, а также звяканье, треск, скрежет и т.д.). Звук иногда бывает очень сильным, неожиданным и намеренно вызывает шоковое воздействие. В представление включаются кадры кино и демонстрация диапозитивов. Порой используются и сильно пахнущие вещества.

Хеппенинг устраивается в разных местах: на стоянках автомобилей, во дворах, окруженных большими домами, в подвалах, на чердаках. Пространство хеппенинга, согласно принципам этого действа, не должно ограничивать воображение художника и зрителя. Художник-оформитель часто сознательно создает внутри выбранного для действия помещения ячейки, отделения, ломая представление о реальном пространстве.

Концепцию мира и личности, выдвигаемую хеппенингом, можно сформулировать следующим образом: мир – цепь случайных событий, личность должна быть анархически свободна и субъективно ощущать свою полную свободу действия, но на деле должна быть подчинена единому действию, и поэтому идеальной формой управления ее поведением должно стать манипулирование личностью.

7. Гиперреализм

Теоретическая основа гиперреализма – философско- эстетические идеи франкфуртской школы, утверждающие необходимость ухода от идеологизированных форм образного мышления.

Главной темой гиперреалистической живописи стала обезличенная механизированная жизнь современного города.

Высшая цель искусства – всестороннее развитие социально значимой личности, формирование ее потребностей и ценностных ориентаций. Поэтому искусство способно одухотворить научный и технический прогресс, осветить его идеями гуманизма. Развитие человека, его непрерывное совершенствование идут через общество, во имя людей, а развитие общества – через человека, во имя личности. В этой диалектике человека и человечества – смысл и суть истории. Способствовать историческому прогрессу – высшее гуманное назначение искусства.

Список использованной литературы:

1. Борев Ю. Б. Эстетика. – 4-е изд., доп. – М., 1988.

2. Власов В. Г. Стили в искусстве. – М., 2000.

3. Ильина Т. В. История искусств. Западно-европейское искусство. – М., 1993.

Виртуальный тур, Выставка произведений искусства, История открытия, Глобальный культурный Интернет.

Модернистская музыка относится к музыке, написанной европейской традицией (или классической музыкой), составленной примерно между 1910 и 1975 годами. Ее предшествовала музыка романтизма и пост-романтизма и преуспела в современной классической музыке. Точный момент, когда закончился модернизм, и началась современная музыка, по-прежнему остается предметом дебатов среди экспертов. Иногда модернистская музыка приравнивается к музыке двадцатого века, хотя последняя охватывает хронологическое время, а не эстетический период. Модернистская музыка основана на философских и эстетических ценностях Модернизма, основным принципом которого является разрыв с традициями и постоянными инновациями. Благодаря этому он тесно связан с авангардом. В отличие от предыдущих периодов, практически все композиторы этого периода участвовали в нескольких различных музыкальных движениях, одновременно или поэтапно.

Примеры включают празднование отказа Арнольда Шёнберга от тональности в хроматических пост-тональных и двенадцатицветных произведениях и отступление Игоря Стравинского от метрического ритма.

Определения
Музыковед Карл Далхаус описывает модернизм как:

Экспрессионизм
Новая объективность
гиперреализм
Абстракционизм
неоклассицизм
Neobarbarism
Футуризм
Мифический метод

принципы
Название модернизма относится к серии движений, основанных на концепции, которая, будучи 20-м веком, временем фундаментальных социальных и технологических изменений, искусство должно принимать и развивать эти принципы как эстетическую основу. Модернизм принимает прогрессивный дух конца девятнадцатого века и его привязанность к строгости технического прогресса, поэтому он снимает с себя нормы и формализм искусства того времени и традиции. Таким образом, главной характеристикой модернизма является множественность языка, понимая, что какой-либо конкретный музыкальный язык не занимает доминирующего положения.

Технически говоря, музыкальный модернизм имеет три основные характеристики, которые отличают его от предыдущих периодов:

Расширение или отказ от тональности.
Использование расширенных методов.
Включение звуков и новых звуков в композицию.

Основные методы, стили и движения

Это движение искало разрыв с художественными традициями прошлого и традиционными признаками истории искусства. Он пытался хвалить современную жизнь, это с помощью двух основных тем: машины и движения. Футуризм прибегал к любым средствам выражения; пластика, архитектура, поэзия, реклама, мода, кино и музыка; чтобы снова создать профиль мира.

Руссоло был антецедентом конкретной музыки, звучным языком, в котором использовался любой звук, независимо от того, был ли он создан по своей природе или по технике (гортанная техника, слова или нечленораздельный язык).

Барток был венгерским музыкантом, который выступал в качестве композитора, пианиста и исследователя народной музыки из Восточной Европы (особенно с Балкан). Барток был одним из основателей этномузыковедения, основанным на отношениях, объединяющих этнологию и музыковедение. Из его исследований он разработал очень личный и инновационный стиль.

Вторая венская школа, додекафонизм и сериализм
Арнольд Шёнберг — одна из самых значительных фигур в музыке двадцатого века. Его ранние работы относятся к позднему романтическому стилю, под влиянием Ричарда Вагнера и Густава Малера, но в конце концов он отказался от тональной композиции, чтобы писать атональную музыку. Со временем он разработал технику додекафонизма, предложив в 1923 году заменить традиционную тональную организацию.

Его ученики Антон Веберн и Альбан Берг также разработали и углубили использование двенадцатитонной системы и выделялись для использования такой техники по своим собственным правилам. Эти три известны, как известно, как Ла Тринидад Шенберг или Вторая венская школа. Это имя было создано, чтобы подчеркнуть, что эта новая музыка имела тот же новаторский эффект, что и Первая венская школа Гайдна, Моцарта и Бетховена.

Додекафонизм представлял собой форму атональной музыки с методикой композиции, в которой 12 нот хроматической шкалы рассматриваются как эквивалентные, т. Е. Подчиняются упорядоченному соотношению, которое (в отличие от мажоритарной системы тональности) не устанавливает иерархия между нотами. То, что основоположник двенадцатитонкой музыки, Шёнберг, заключалось в том, чтобы запретить уставом использовать одну ноту больше, чем другую: мелодия двенадцатитона должна иметь 12 заметок в хроматической шкале. Это написано по принципу, что все двенадцать полутонов или нот имеют одинаковую важность. Внутренние отношения устанавливаются из серии, состоящей из двенадцати нот. Композитор решает порядок, в котором они появляются, при условии, что они не повторяют до конца.

неоклассицизм
Неоклассицизм в музыке относится к движению двадцатого века, которое приняло обычную практику традиции с точки зрения гармонии, мелодии, формы, тембров и ритмов, но смешивалось с большими атональными диссонансами и синкопированными ритмами, в качестве отправной точки для сочинения Музыка. Игорь Стравинский, Пол Хиндемит, Сергей Прокофьев, Дмитрий Шостакович и Бела Барток — самые известные композиторы, которые обычно упоминаются в этом стиле, а также плодовитый Дарий Михо и его современники Фрэнсис Пуленк и Артур Хонеггер (The Six).

Неоклассицизм нашел интересную аудиторию в США; Школа Нади Буланже провозгласила музыкальные идеи, основанные на понимании музыки Стравинского. Среди его учеников — неоклассические музыканты, такие как Эллиот Картер (в ранние годы), Аарон Копленд, Рой Харрис, Дариус Михо, Астор Пьяццолла и Вирджил Томсон.

Наиболее слышимой особенностью неоклассицизма являются мелодии, которые используют третий как фиксированный интервал, и хроматически добавляют диссонансные ноты к остинато, гармоническим блокам и свободной смеси полиритмов. Неоклассицизм быстро овладел аудиторией и был интернализован теми, кто выступает против атонализма как истинной современной музыки.

Случайная музыка и радикальный авангард
В то время как модернизм — это авангардная музыка, авангард в нем относится к самым радикальным и противоречивым движениям, где понятие музыки достигает своих пределов, если оно больше не превышает их, используя такие элементы, как шум, записи, чувство юмор, шанс, импровизация, театр, абсурд, насмешка или удивление. Внутри жанров, обычно расположенных внутри этого радикального тока, есть и музыка, и музыка, и музыка, и ритуальная музыка, и композиция процессов, музыкальное происхождение или интуитивная музыка. Среди самых трансцендентных композиторов, которые рисковали в этих приключениях, Джон Кейдж в Америке и Карлхайнц Штокхаузен в Европе.

Случайная музыка или радикальная авангардная музыка — это музыкальная композиционная техника, основанная на использовании элементов, не регулируемых установленными принципами и в которых она приобретает преобладающую роль, это импровизация, основанная на неструктурированных последовательностях. Такие импровизационные черты могут быть зафиксированы при создании автора или в разработке самой интерпретации. Поэтому часто возникает состав случайных фрагментов, в которых исполнитель определяет окончательную структуру произведения, перестраивая каждый из его разделов или даже посредством одновременной интерпретации нескольких из них.

Самые выдающиеся модальности, в которых случайное создание предлагается в современной музыке, — это мобильная форма, которая накладывает разнообразные интерпретационные решения сопоставимого ранга; переменная форма, в которой преобладает импровизация; и так называемая незавершенная работа, которая представляет собой максимальную вероятность выполнения куска. Во всех них обычно включаются классические инструменты с особым вниманием к фортепиано и электронные средства исполнения, такие как синтезаторы, искажающие и записанные ленты.

Минимализм
Несколько композиторов шестидесятых начали изучать то, что мы теперь называем минимализмом. Более конкретное определение минимализма относится к мастерству процессов в музыке, где фрагменты накладываются друг на друга, часто повторяются, чтобы создать всю звуковую рамку. Ранние примеры включают En do (Terry Riley) и Tamborileando (Стив Рейх). Первая из этих работ сделала Райли, которую многие считают отцом минимализма; представляет собой произведение, образованное сжатыми мелодическими клетками, что каждый исполнитель в наборе играет в своем собственном темпе. Минималистическая волна композиторов — Терри Райли, Филиппа Гласса, Стива Рейха, Ла Монте Янга, Джона Адамса и Майкла Наймана — назвала самых важных — хотела сделать музыку доступной для обычных слушателей, выражая конкретные и конкретные вопросы драматического и музыкального формы, не скрывая их по технике, а скорее делая их явными, возвращаясь к основной и второстепенной триадам тональной музыки, но без использования традиционной гармонической функциональности.

Модерни́зм в му́зыке — искусствоведческое понятие, которое хотя и трактуется в музыкознании не всегда однозначно в плане историческом, но, тем не менее, всегда указывает на различные инновационные тенденции в музыке, а также на активное стремление музыкантов заниматься дальнейшей модернизацией её эстетического облика [1] .

Содержание

Критика

Представители модернизма в музыке

Пример высокоидейного модернизма в музыкальной культуре России — творчество Александра Николаевича Скрябина (1872 — 1915).

Ну а кроме уже упомянутых, к числу модернистов относят также и следующих композиторов:

Франция

(1862-1918) (1866-1925) (1875-1937) (1865-1935) (1892-1955) (1892-1974) (1899-1963)

Германия

Австрия

Италия

Россия

Великобритания

Венгрия

Чехословакия

Румыния

Испания

Финляндия

Польша

Мексика

Бразилия

Аргентина

См. также

Примечания

Источники

Литература

Ссылки

Модернизм
Искусство модернизма
История музыки
Эстетика
Экспериментальная музыка
Музыкальные жанры
Композиция (музыка)

Wikimedia Foundation . 2010 .

Полезное

Смотреть что такое "Модернизм в музыке" в других словарях:

МОДЕРНИЗМ — (фр. modernisme, от moderne современный, англ. modernism) неоднозначное понятие, использующееся в науке в нескольких смыслах. В наиболее широком из них оно употребляется в зап. эстетике и искусствознании 20 в. для обозначения большого круга… … Философская энциклопедия

Модернизм (направление искусства) — Модернизм (франц. modernisme, от moderne новейший, современный), главное направление буржуазного искусства эпохи упадка. Первым признаком начинающегося падения художественной культуры в наиболее развитых капиталистических странах было… … Большая советская энциклопедия

МОДЕРНИЗМ — (фр. Moderne новейший, современный) общее название художественно эстетического движения в культуре 20 в., во многом определившего пути развития современного искусства. М. объединяет множество относительно самостоятельных направлений, различных по … Новейший философский словарь

Модернизм — I Модернизм (франц. modernisme, от moderne новейший, современный) главное направление буржуазного искусства эпохи упадка. Первым признаком начинающегося падения художественной культуры в наиболее развитых капиталистических странах было… … Большая советская энциклопедия

Модернизм — (франц. modernisme, от moderne новейший, современный) определение, относимое к ряду художеств. течений 20 в., общим признаком к рых является более или менее решительный разрыв с эстетич. нормами и традициями классич. иск ва. На отд.… … Музыкальная энциклопедия

модернизм — [дэ], а; м. [франц. modernisme от лат. modernus новый современный] В искусстве и архитектуре конца 19 начала 20 в.: направление, основу которого составляют универсальные выразительные формы, замещающие национальные самобытные приёмы и стили (к… … Энциклопедический словарь

МОДЕРНИЗМ — (от фр. moderne новейший, совр.) худож. эстетическая система, сложившаяся в 20 х гг. XX в. как своеобразное отражение духовного кризиса буржуазного об ва, противоречий буржуазного массового и индивидуалистического сознания. М. объединяет… … Эстетика: Словарь

модернизм — (дэ) а; м. (франц. modernisme от лат. modernus новый современный) см. тж. модернистский В искусстве и архитектуре конца 19 начала 20 в.: направление, основу которого составляют универсальные выразительные формы, замещающие национальные самобытные … Словарь многих выражений

Постмодернизм в музыке — Музыка постмодернизма может быть рассмотрена как музыка эпохи постмодерна или музыка, которая следует эстетическим и философским направлениям постмодернизма. Как музыкальный стиль, постмодерн включает характерные черты художественного… … Википедия

ХХ век - время, когда технологии изменили мир. Музыка как неотъемлемая часть человеческой жизни также претерпела глобальные изменения. Композиторы опрокинули многие музыкальные правила прошлого и нашли новые, смелые темы и новые способы их выражения.

Одной из значительных фигур, изменивших музыку в первой половине столетия, был Арнольд Шёнберг - австрийский, затем американский композитор, дирижёр, музыковед. Возглавляемая им группа музыкантов решила, что тональная музыка (логическое построение соразмерных аккордов) исчерпала себя, и они предложили так называемую атональную музыку и 12-тоновой систему композиции (известную как "додекафония" или "серийная техника"). Такая музыка перестала быть мелодичной и гармоничной, не все композиторы восприняли их идеи.

Сергей Рахманинов продолжал сочинять в своем собственном богатом, романтическом стиле. Другие композиторы, например Ян Сибелиус, чувствовали себя отставшими от времени и просто прекратили сочинять музыку.

Успешными стали те композиторы, которые сумели найти золотую середину. Рихард Штраус начинал в 1890-ых в романтическом стиле, но стал одним из первых крупных композиторов, перешедших к модернизму.

Игорь Стравинский, один из самых успешных композиторов двадцатого века, потрясал и восхищал зрителей на протяжении всей своей 70-летней карьеры своими неистовыми "механическими" ритмами и новым типом гармонии.

Как никогда прежде, огромное влияние на музыку оказали политические события первой половины XX века. Войны, революции, социальные и экономические потрясения встряхнули мир в прошлом веке. Многие композиторы и исполнители были отправлены в нацистские концентрационные лагеря из-за своих убеждений, вероисповедания или национальности, было много ограничений и запретов на музыку, которая создавалась.

Многие, спасаясь от сложившихся обстоятельств, вынуждены были иммигрировать со своей родины и искать себя в других странах.

Многие не смогли показать весь свой потенциал, например Дмитрий Дмитриевич Шостакович - русский советский композитор, пианист, педагог и общественный деятель, крупнейший композитор XX века, оказавший огромное влияние на развитие мировой музыкальной культуры, который несмотря на все свои заслуги, имел очень сложные отношения с властью и вынужден был писать в двух стилях - симфонии для власти и более мелкие работы, такие, как струнные квартеты, в которых проявлял собственные взгляды и стиль.

Многие композиторы в поисках вдохновения снова и снова обращаются к народной музыке. Бела Барток, венгерский композитор, изучал крестьянский фольклор (венгерский, румынский, словацкий, турецкий и др.) и соединил фольклорный мелос с приёмами музыкального авангарда, став одним из наиболее глубоких и влиятельных новаторов в музыке XX века. Американские композиторы начали привлекать свою собственную родную музыку - джаз, ведущими композиторами в этом направлении были Джордж Гершвин и Дюк Эллингтон.

Вторая мировая война, Холокост, Хиросима убедили многих послевоенных композиторов, что они должны были оставить прошлое позади и находить все более прогрессивные методы и идеи.

Модернизм в музыке был в том, что впервые музыканты и слушатели поняли, что музыка не должна быть ограничена традиционными направлениями, а может быть совершенно различной, и каждая имеет право на существование.

Читайте также: