Античные сюжеты в живописи реферат

Обновлено: 05.07.2024

Огромным шагом вперед для человечества стало появление и развитие античного искусства. В отличие от древнеегипетских античные памятники создавались для того, чтобы радовать глаз, а не напоминать о загробном мире. Храмы Древней Греции и Древнего Рима не похожи на мрачные гробницы и пирамиды, они легки, светлы и воздушны. Главный объект изображения мастеров античной живописи и скульптуры — человек, живущий реальной жизнью, побеждающий противника в спортивном соревновании или на поле брани, испытывающий чувства радости и счастья или боли и отчаяния

Работа состоит из 1 файл

Лит-ра и живопись античности.docx

Санкт-Петербургский государственный университет технологии и дизайна

Северо-Западный институт печати

ИДРиКТ Кафедра рекламы

Реферат студента II курса группы Рк - 2

Девятко Петра Владимировича

Живопись и литература в античности

У нас нет образцов, чтобы судить о высших достижениях античной живописи. До нас не дошли шедевры прославленных греческих живописцев, чьи имена и названия работ известны благодаря трудам Павсания, Плиния Старшего и др., а также многочисленным стихотворным эпиграммам. Полностью погибла античная станковая живопись, хотя уже в классический период существовали пинакотеки (картинные галереи и хранилища произведений живописи).

Нестенная живопись сохранилась, главным образом, благодаря извержению Везувия 79 года. Однако фрески из Помпей, Геркуланума, Стабий - в значительной степени ремесленные работы весьма среднего качества. Знаменитые фаюмские потреты - и вовсе ширпотреб.

В античной живописи впервые появились светотень, объемность, линейная перспектива, возрожденные художниками Ренессанса. Тогда же возникли различные техники (истинная фреска, темпера, энкаустика), монохромная живопись, гризайль и т.д.

В античной живописи уже представлены все основные жанры: исторический, мифологический, бытовой, батальный, портрет, пейзаж, натюрморт.

Технология античной фрески требовала беглости в работе и быстроты исполнения (нужно было успеть, пока не засохнет штукатурка). Известно, что многие художники-импрессионисты восхищались живостью помпейских фресок, написанных свободными сочными мазками, без предварительных набросков.

Фре́ска (от итал. affresco - свежий), aффреско - живопись по сырой штукатурке, одна из техник стенных росписей, противоположность а секко (росписи по сухому). При высыхании содержащаяся в штукатурке известь образует тонкую прозрачную кальциевую плёнку, делающую фреску долговечной.

Мозаика. Фаюмские портреты - созданные в технике энкаустики погребальные портреты в Римском Египте I-III веков н. э. Своё название получили по месту первой крупной находки в Фаюмском оазисе в 1887 году британской экспедицией во главе с Флиндерсом Питри. Являются элементом видоизмененной под греко-римским влиянием местной погребальной традиции: портрет заменяет традиционную погребальную маску на мумии.

Портрет юноши. II век н. э. Золотой венок - типичный для Греции погребальный атрибут. При написании портрета мастер пользовался энкаустикой и темперой.

На сегодняшний день известно около 900 погребальных портретов. Большинство из них были найдены в некрополе Фаюма. Благодаря сухому египетскому климату многие портреты очень хорошо сохранились, даже краски выглядят в большинстве случаев ещё свежими.

Важная особенность фаюмских портретов - использование тончайшего сусального золота. На некоторых портретах был позолочен весь фон, на других золотом выполнены только венки или головные повязки, иногда подчеркнуты драгоценности и детали одежды.
Основа портретов - древесина различных пород: местных (платан, липа, смоква, тис) и импортированных (кедр, сосна, ель, кипарис, дуб).
Некоторые портреты выполнены на загрунтованном клеем полотне

Фаюмские портреты - лучшие сохранившиеся образцы античной живописи. Они изображают лица жителей древнего Египта в Эллинистический и Римский периоды в I-III веках нашей эры. После завоевания Египта Александром Македонским время правления фараонов завершилось. В период правления династии Птолемеев - наследников империи Александра, произошли значительные изменения в искусстве и архитектуре. Погребальный портрет - уникальная художественная форма своего времени - процветал в эллинистическом Египте. Стилистически связанные с традициями греко-римской живописи, но созданные для типично египетских нужд, заменившие погребальные маски мумий, фаюмские портреты - это поразительно реалистические изображения мужчин и женщин всех возрастов.

Изобразительное искусство Римской империи впитало в себя достижения всех завоеванных земель и народов. Дворцы и общественные здания украшались настенными росписями и картинами, главным сюжетом которых были эпизоды греческой и римской мифологии, а также пейзажные зарисовки. В период империи особое внимание получила портретная скульптура, характерной особенностью которой являлся исключительный реализм в передаче черт изображаемого лица. Многие произведения скульптуры представляли прекрасно выполненные копии классических греческих и эллинистических произведений искусства. Особенно распространенным видом искусства была мозаика и обработка, драгоценных металлов и бронзы.

В живописи, где римляне также выказали себя усердными учениками греков, они проявили больше оригинальности, чем в скульптуре, К сожалению, живопись менее долговечна, нежели скульптура, поэтому образцов первой сохранилось меньше, чем примеров второй. Их выделяют приятные цвета, живые краски, свобода живописной манеры, свидетельствующие об огромном таланте римских художников. Рим отличался портретным искусством, там в избытке можно было встретить уличных художников, за несколько центов тут же создающих портреты горожан.

Римская живопись, отталкиваясь непосредственно от греческих образцов, использовала различные возможности для пластического изображения: цветовая и воздушная перспектива, свет и тени создавали иллюзию пространства. Художники часто изображали сцены из повседневной жизни и натюрморты. О живописи эпохи Римской империи мы можем судить прежде всего по фрескам, покрывавшим стены домов знати. Само по себе искусство декорирования восходит к греческой традиции расписывания стен и обустройства внутренних двориков скульптурами. Орнаментальная живопись интерьеров в течение I века до н. э. вытеснялась имитацией архитектурного декора и свелась в итоге к живописи и скульптуре 'тромлей', что отражало тяготение к пышности.

Неплохо сохранились фрески нескольких вилл города Помпеи, засыпанных пеплом в результате извержения вулкана Везувия. Они показывают, что художники свободно владели всеми живописными средствами, (богатой палитрой, игрой света и тени, точным рисунком и т. п.). Станковая живопись не сохранилась, но из письменных источников известно, что ведущим жанром был портрет. Наряду с жилищем римляне расписывали -домашнюю мебель и посуду.

В отличие от Египта и Греции, искусство использовалось римлянами не для выражения возвышенных чувств и идей, а больше для демонстрации богатства, престижа, статуса.

Античная литература (от лат. Antiquus - древний) — литература древних греков иримлян, которая развивалась в бассейне Средиземного моря (на Балканском и Апеннинском полуостровах и на прилегающих островах и побережьях). Ее письменные памятники, созданные на диалектах греческого языка и латыни , относятся к 1 тысячелетию до н.э. и началу 1 тысячелетия н.э. Античная литература состоит из двух национальных литератур: древнегреческой и д ревнеримской. Исторически греческая литература предшествовала римской.

В античной литературе сформировались основные жанры европейской литературы в их архаических формах и основы науки о литературе. Эстетическая наука античности определила три основные литературные рода: эпос, лирику и драму ( Аристотель), эта классификация сохраняет свое базовое значение поныне.

Для античной литературы, как и для каждой литературы, берущей свое начало от родового общества, характерны специфические черты, резко отличающие ее от современного искусства.

Древнейшие формы литературы связаны с мифом, магией, религиозным культом, ритуалом. Пережитки этой связи можно наблюдать в литературе античности вплоть до времен ее упадка.

Система литературы казалась неизменной, и поэты последующих поколений пытались идти путем предыдущих. У каждого жанра был основоположник, давший его совершенный образец: Гомер - для эпоса, Архилох - для ямба, Пиндар или Анакреонт - для соответствующих лирических жан ров, Эсхил, Софокл и Еврипид - для трагедии т.д. Степень совершенства каждого нового произведения или писателя определялась степенью приближения к этим образцам.

Из традиционности следует и строгая система жанров античной литературы, которой была проникнута и последующая европейская литература и литературоведение . Жанры были четкими и устойчивыми. Античное литературное мышление было жанровым: когда поэт брался писать стих, то каким бы индивидуальным по содержанию он ни был, автор с самого начала знал, к какому жанру произведение будет принадлежать и к какому древнему образцу следует стремиться.

Система стилей в античной литературе полностью подчинялась системе жанров. Для низких жанров был характерен низкий стиль, близкий к разговорному, высоким - высокий стиль, который формировался искусственно. Средства формирования высокого стиля были разработаны риторикой: среди них различались отбор слов, сочетание слов и стилистические фигуры (метафоры, метонимии и т.п.). Например, учение об отборе слов рекомендовало избегать слов, которые не применялись в предыдущих образцах высоких жанров. Учение о сочетании слов рекомендовало переставлять слова и членить фразы для достижения ритмичного благозвучия.

Античная литература сохраняла тесную связь с мировоззренческими особенностями родового, полисного, государственного строя и отражала их. Греческая и частично римская литература демонстрируют тесную связь с религией, философией, полити кой, моралью,ораторским искусством, без которых их существование в классическую эпоху теряло весь свой смысл. В пору своего классического расцвета они были далеки от развлекательности, лишь в конце античности стали частью досуга. Современная служба в христианской церкви унаследовала некоторые особенности древнегреческого театрального представления и религиозных мистерий - вполне серьезный характер, присутствие всех членов общины и их символическое участие в действе, высокая тематика, музыкальное сопровождение и зрелищные эффекты, высоконравственная цель духовного очищения (катарсиса по Аристотелю) человека.

Широкое распространение живопись имела и в уже более развитых культурах Древнего мира. До наших дней сохранились прекрасные росписи храмов и гробниц Древнего Египта, фрески, созданные представителями крито-минойской цивилизации и живописные произведения мастеров эпохи Античности.

Живопись Древнего Египта (4 тыс. до н. э. – 4 в. н. э.) имела свои характерные особенности, поскольку создание изображений здесь было всегда подчинено строгим правилам, так называемому канону. Например, лицо человека или божества было принято изображать в профиль, так же как руки и ноги, а верхнюю часть туловища – анфас. В те времена художники не умели еще передавать игру цвета и изображать полутона. Основными цветами были белый, черный, красный, синий, желтый и зеленый.

Нильская охота. XIV в. до н. э. Роспись из гробницы Небамона. Древний Египет. Природа в живописных произведениях египтян также выглядела весьма схематично, хотя в изображениях птиц, животных и растений древние мастера достигали порой удивительного правдоподобия.

Некоторые ученые склонны считать, что искусство Древнего Египта повлияло и на живописные произведения, появившиеся на острове Крит во 2 тыс. до н. э. И хотя общие принципы живописной передачи человеческого тела схожи с Древним Египтом (например, совмещение ракурсов в профиль и анфас), крито-минойская живопись все же была не столь схематична и носила скорее светский характер. Шествия, праздники, соревнования, обряды и пиры – вот основные темы, которые использовали художники крито-минойского периода. Живопись была главным украшением дворцовых покоев, примером чему служит знаменитый Кносский дворец. Стены дворца заполняли росписи в виде фризов или панелей. В них преобладали яркие и светлые оттенки, которые не служили раскраской внутри контура, как в египетских памятниках, а наносились цветовым пятном, динамичным и подвижным.

Считается, что именно критские мастера первыми начали использовать технику фрески, то есть роспись по сырой штукатурке. Фрески могли представлять собой масштабные картины, которые занимали значительные площади. Для их создания требовались качественные краски, и критские художники освоили технику приготовления красителей в совершенстве. Они использовали минеральные вещества, в которые добавляли различные связующие ингредиенты. В результате цвета получались достаточно яркими, и использовалась вся палитра – красный, желтый, зеленый, черный, синий. Краски были настолько стойкими, что многие фрески, изготовленные в этот период, смогли сохраниться до наших дней. Их отличает исключительная декоративность и контрастность цветовых сопоставлений, что говорит об учете художниками освещения рассеянным или слабым светом, поскольку в постройках того времени практически не было окон, а в качестве источника естественного света служил открытый потолок.

Роспись керамики дает нам также основное представление о живописи Древней Греции, других образцов которой практически не сохранилось до наших дней. Поначалу это были простые узоры, но в течение столетий роспись развивалась и усложнялась и уже могла представлять собой целые сюжеты с детальным изображением людей, их одежды, предметов быта. Сама техника росписи также менялась. Керамику обжигали, и ее цвет становился красно-коричневым. На этом фоне рисовали черные изображения. Такой стиль получил название черно фигурный.

Ваза с осьминогом. Середина 2 тыс. до н. э. Высокого уровня исполнения критские мастера достигли не только в монументальной живописи, но и в росписи керамических изделий, прекрасным свидетельством чему служит сосуд с изображением осьминога. Кажется, что обитатель морских глубин словно движется по поверхности сосуда и готов обвить его своими щупальцами.

Краснофигурный килик Греция. 480 г. до н. э. В дальнейшем пространство между фигурами стали покрывать черным лаком, а очертания фигур имели естественный цвет красной глины. Так появился краснофигурный стиль. Росписи по керамике с белым фоном стали высшим уровнем греческих мастеров. Здесь использовалась разнообразная палитра цветов – белый, желтый, оранжевый, красный, коричневый, зеленый и другие.

В Древней Греции несомненно существовали и другие виды живописи. Литературные источники подтверждают, что IV в. до н. э. является периодом расцвета этого вида искусства. Живописцы создавали станковые картины разных жанров: натюрморты, портреты, военные сцены, исторические картины. В IV в. до н. э. в городе Сикион появляется одна из первых академий живописи со своими правилами преподавания теории живописи с использованием приемов перспективы. К сожалению, картины мастеров, творивших в это время, до нас не дошли.

Есть среди легенд Древней Греции и предание о том, как появилась первая картина: одна девушка не хотела расставаться со своим возлюбленным, который должен был идти на войну. Во время их ночного свидания светила полная луна, и когда тень юноши возникла на белой стене, девушка взяла кусок угля и обвела ее. Их свидание оказалось последним, юноша погиб, но силуэт его тени так и остался на стене, и эта теневая картина еще долго хранилась в одном из храмов города Коринфа.

Принято считать, что уже во второй половине V в. до н. э., когда жили Зевксис и Паррасий, художниками были разработаны основные принципы линейной и воздушной перспективы, а также светотеневой моделировки. По свидетельствам древних, работам живописцев уже в то время был свойственен особенно тонкий и богатый колорит.

Согласно историкам, в Древней Греции существовали и свои картинные галереи, например, часть постройки на афинском Акрополе, называвшаяся Пинакотека.

Многие картины древних греков создавались по принципу заполнения силуэта – сначала на картине рисовался контур фигуры, почти так же, как сказано в легенде, и лишь потом контур начинали раскрашивать. Изначально красок было всего четыре – белая, черная, красная и желтая. Они основывались на цветных минералах и замешивались на яичном желтке или на растопленном воске и разводились водой. Картины писались на досках или на сырой штукатурке. По свидетельству Витрувия, в Древней Греции для отделки наружных и внутренних стен сооружений использовалась известковая штукатурка в несколько слоев с выглаженной до блеска поверхностью.

В I в. до н. э. древнеримская живопись начала отходить от этрусских традиций и обратилась к греческим. Древние римляне считали, что живопись является только средством передачи образов, поэтому она не должна быть корпусной или пластически грузной. Тематика картин часто восходила к установленным образцам, которые воспроизводились по памяти. Нередко создавались и копии с произведений греческих мастеров.

Единственными сохранившимися образцами станковой античной живописи являются фаюмские портреты, изображающие жителей древнего Египта в I—III веках н. э., когда страна находилась под властью Древнего Рима. После завоевания Египта сначала Александром Македонским, а затем Римом в местном искусстве произошли значительные изменения, одной из отличительных черт которого стал погребальный портрет – уникальная художественная форма своего времени. Фаюмские портреты – это поразительно реалистичные изображения мужчин и женщин всех возрастов. Они создавались еще при жизни заказчика и могли находиться в его доме, а после смерти выполняли функцию погребальной маски для мумии умершего.

Важная особенность фаюмских портретов – использование тончайшего сусального золота. На некоторых из них позолочен весь фон, на других золотом выполнены только венки или головные повязки, иногда подчеркнуты драгоценности и детали одежды. Основу для этих своеобразных картин составляла древесина различных пород: местных (платан, липа, смоква, тис) и импортированных (кедр, сосна, ель, кипарис, дуб). Некоторые портреты выполнены на загрунтованном клеем полотне. Произведения более раннего периода писались в технике энкаустики, позднее художники стали использовать темперу.

Геракл с Телефом Роспись из Геркуланума I в. до н. э. Во времена правления императора Октавиана Августа ( 63–14 гг. до н. э.) начинается активное развитие зодчества, в связи с чем жилые помещения стали все чаще украшаться живописными композициями. Так, появилась целая система высокохудожественной древнеримской росписи, представление о которой дают памятники, сохранившиеся в городах Помпеи и Геркуланум, скрытых вплоть до XVIII в. под слоем вулканического пепла. Помпейские и геркуланумские росписи знакомят нас с главными особенностями античных фресок.

Фрески Виллы Мистерий. II–III вв. до н. э. Античные росписи из Помпей и Геркуланума свидетельствуют о том, что древние живописцы прекрасно владели приемами перспективы и передачи иллюзорного пространства, достигнув также высочайшего мастерства в изображении людей, животных, цветов и плодов.

Существующая ныне европейская цивилизация во многом, если не во всём, обязана цивилизации античности. Влияние её на все области жизни последующих эпох, включая художественную культуру, в которой этой явление проявилось особо ярко, велико, многосторонне, сложно и необычайно интересно. Однако долетевший до нас из Греции и Рима голос античности на пути своём звучал и воспринимался по-разному.

Эстетическое сознание нашего времени находится в сложных отношениях с классической древностью. На него воздействуют по меньшей мере два фактора: с одной стороны, утончённое знание о самой античности благодаря достижениям современной науки, с другой – освоение художественного образа античности, эволюционировавшего на протяжении нескольких предшествующих культурных эпох.

Возрождению принадлежит честь открытия античного искусства, которое в течении многих лет средневековья оставалось почти неизвестным. Античность, этот забытый мир, вновь является возрождению, как древняя сказочная птица Феникс. Колонны начинают служить опорой в скульптуре замечается рост пластического начала, а в живописи возникает трёхмерное пространство и светотень.

Всё это придаёт образам больше красочности и жизненности. Обретение этих забытых качеств наполняло людей возрождения гордостью; восхищаясь своими художниками, они сравнивали их с великими греками Фидием и Поликлетом. Мы так привыкли что возрождение - это возрождение античности, что историки искусства, в сущности почти не касались вопроса о том, какую же именно античность возрождали Бренеллески, Донателло и их подражатели.

Помимо сообщества культур в историческом пространстве и времени есть ещё сообщество в мире ценностей. И потому возможны совпадения в решении одной задачи учеников, сидящих на разных скамейках.

Эллинизм не обошёлся без патетики, эротики, бытовых и пейзажных мотивов. Антифил. Но конечно писал сцены из придворной жизни, запечатлев царя Птолемея на охоте.

Больше всего совпадений с культурой др. греческой и др. римской. Итальянцы не только учились у древних, но и открыто им подражали. Их роднила историческая судьба.

Многие произведения искусства выполнялись на заказ, с целью последующего принесения в дар Церкви. Именно Церковь в период этого времени имела самое большее влияние. Характерными чертами искусства в средневековье были традиционализм, каноничность, символизм и дидактизм.

Анализируя жизнь средневековья, становиться понятно, что вся красота и гармония античного искусства, была забыта на несколько веков. У творческих людей не было свободы самовыражения.

Историки итальянского искусства накопили множество наблюдений над тем, какие произведения античного искусства вдохновляли мастеров возрождения. Нередко, даже не подражая античным шедеврам, только в силу природной чуткости и догадливости, они создавали образы, овеянные духом античности, со светотенями и насыщенными цветами. Сильное влияние римских образцов видно уже в кафедре пизанского баптистерия, выполненного Николо Пизано в XIII веке.

Кафедра пизанского баптистерия.

Данный методический материал в виде м/м презентации необходим для проведения цикла уроков по мировой художественной культуре по теме "Античные сюжеты в мировой живописи". Дан материал по русской живописи (А .А. Иванов и Брюллов К. П.). Дается анализ картин данных художников.

Античные сюжеты в живописи

А.А. Иванов - выдающийся русский живописец, пейзажист, портретист, родился 16 (28) июля 1806 года в Петербурге, в семье профессора исторической живописи А. И. Иванова. Постников С.П. Портрет Иванова А. А. 1873 (Государственная Третьяковская галерея, Москва) испрашивающий у Ахиллеса тело Гектора 1824 Приам, (Государственная Третьяковская галерея, Москва)

Античные сюжеты в живописи

Черты античности в творчестве А. Иванова •Первый свой успех А.А. Иванов переживает в восемнадцать лет; за картину на сюжет "Илиады" Гомера "Приам, испрашивающий у Ахиллеса тело Гектора" ему присуждают Малую золотую медаль. В 1830 году на средства Общества поощрения художников он едет в Италию. В 1831-1858 годах он постоянно жил в Италии. •В 1824г. Иванов написал первую крупную картину масляными красками – “Приам, испрашивающий у Ахиллеса тело Гектора”, за которую получил малую золотую медаль. Уже в этой ранней вещи Иванов обнаруживает стремление к психологической выразительности и археологической точности. А это он нашел в античности. После появления картины критика отметила внимательное отношение художника к тексту Гомера и сильную экспрессию действующих лиц картины. •Картина продемонстрировала полное владение секретами классицистической (античной) школы: строгость композиции, изящество линейного ритма, тщательностью живописной отделки, богатство цвета. Критика благожелательно отмечала умение молодого художника вдумчиво вникать в суть сюжета.

Античные сюжеты в живописи

Аполлон, Гиацинт и Кипарис, играют и поют 18311834ГТГ, Москва Изучение античных памятников и живописи великих мастеров нашло отражение в его картине "Апполон, Гиацинт и Кипарис". Картина стала гимном лирическому настроению, светлому чувству дружбы, вдохновенному творчеству. Картина осталась незаконченной. Несмотря на это, она одно из самых совершенных произведений русского классицизма. Прекрасно сгруппированные фигуры кажутся оживленными статуями.

Античные сюжеты в живописи

Черты античности в творчестве А. Иванова •Древесная листва чудесно контрастирует с цветом обнаженных тел: нежным цветом тела Гиацинта, смуглым – Кипариса и словно выточенной из слоновой кости фигурой Аполлона. Картина представляет собой музыкально слаженную, гармоническую композицию. Иванов сознательно добивался музыкальной красоты плавных линий и пластического совершенства формы. Замечательно вдохновенное лицо Аполлона. Взяв за основу образа голову Аполлона Бельведерского, Иванов вдохнул в нее новую жизнь – жизнь чувства. Этот метод переработки античных образов стал для Иванова основным в течение всей первой половины его творчества. •Изображение античного бога муз, обучающего петь и играть на флейте мальчиков, стало своеобразной прелюдией позднейшего творчества художника. Иванов любил эту раннюю небольшую по размерам картину. Он не хотел с ней расставаться, она ему была дорога и всегда висела в мастерской. В этом произведении живописец дал возвышенно-поэтическое истолкование принципов классицизма (следование канонам античности). В картине еще нет каких-либо новаторских открытий, но она удивительно поэтична, проникнута атмосферой сосредоточенности и погруженности в искусство, которое Иванов ценил в жизни более всего.

Читайте также: