Декоративно прикладное искусство 20 века кратко
Обновлено: 30.06.2024
Свидетельство и скидка на обучение каждому участнику
Зарегистрироваться 15–17 марта 2022 г.
Декоративное искусство , род пластических искусств, произведения которого наряду с архитектурой художественно формируют окружающую человека материальную среду и вносят в неё эстетическое идейно-образное начало.
Включает различные искусства, служащие для украшения произведений архитектуры и садово-паркового искусства (монументально-декоративное искусство), создающие художественные предметы для общественного и частного быта (декоративно-прикладное искусство), художественно оформляющие празднества, зрелища, экспозиции и т. д. (оформительское искусство).
Декоративно-прикладное искусство
Декоративно-прикладное искусство (от лат. decoro — украшаю) — раздел изобразительного искусства, охватывающий создание художественных изделий , имеющих утилитарное и художественное назначение. Собирательный термин, условно объединяет два обширных рода искусств: декоративное и прикладное. В отличие от произведений изящного искусства, предназначенных для эстетического наслаждения и относящихся к чистому искусству, многочисленные проявления декоративно-прикладного творчества могут иметь практическое употребление в повседневной жизни.
Произведения декоративно-прикладного искусства составляют часть предметной среды, окружающей человека, и эстетически ее обогащают.
Произведения декоративно-прикладного искусства отвечают нескольким требованиям: обладают эстетическим качеством; рассчитаны на художественный эффект; служат для оформления быта и интерьера . Такими произведениями являются: одежда, плательные и декоративные ткани, ковры, мебель, художественное стекло, фарфор, фаянс, ювелирные и другие художественные изделия. В научной литературе со второй половины XIX века утвердилась классификация отраслей декоративно-прикладного искусства по материалу (металл, керамика, текстиль, дерево), по технике обработки материала (резьба, роспись, вышивка , набойка, литьё, чеканка, интарсия и т. д.) и по функциональным признакам использования предмета (мебель, посуда, игрушки). Эта классификация обусловлена важной ролью конструктивно-технологического начала в декоративно-прикладном искусстве и его непосредственной связью с производством.
Возникнув в глубокой древности, декоративно-прикладное искусство стало одной из важнейших областей народного творчества. Его история связана с художественным ремеслом, художественной промышленностью, с деятельностью профессиональных художников и народных мастеров, а с начала XX века — с художественным конструированием и дизайном.
История развития декоративного искусства
Декоративно-прикладное искусство существовало уже на ранней стадии развития человеческого общества и на протяжении многих веков являлось важнейшей, а для ряда племён и народностей основной областью художественного творчества. Древнейшим произведениям декоративно-прикладного искусства свойственны исключительная содержательность образов, внимание к эстетике материала, к рациональному построению формы, подчёркнутой декором . В традиционном народном творчестве эта тенденция удержалась вплоть до наших дней.
Человек издавна стремился украсить свое жилище и все, с чем ему приходилось сталкиваться в быту. При изготовлении любой вещи народный мастер думал не только о ее практическом назначении, но и о красоте. Из самых простых материалов — дерева, металла, камня, глины — создавал он истинные произведения искусства, передававшие поэтическое представление мастера об окружающем мире.
В народном искусстве всегда находила свое отражение родная природа. Знакомые каждому с детства травы и цветы, изображения птиц и зверей, неба и солнца, земли и воды, преображенные фантазией художника, превращались в изделии в яркий, выразительный орнамент.
С началом классового расслоения общества всё большее значение приобретает интерес к богатству материала и декора , к их редкостности и изысканности. Выделяются изделия, служащие целям представительности (предметы для культовых ритуалов или придворных церемоний, для убранства домов знати), в которых ради повышения их эмоционального звучания мастера нередко жертвуют бытовой целесообразностью построения формы.
Современные изделия декоративно-прикладного искусства создаются с учетом как народных традиций так с веяниями моды сегодняшнего дня. До сих пор самыми популярными предметами этого искусства, овеянными дымкой старинных традиций, являются изделия из стали и бронзы, ковры, сделанные вручную и украшенные традиционным орнаментом, — в восточных странах; керамика, предметы из морских раковин — в южных; ритуальные маски — в Африке; изделия из янтаря — в прибалтийском регионе; фарфор, перегородчатая эмаль, ткани, расписанные цветами, фруктами, фантастическими животными, — в Китае и Японии, Корее.
Стилизация в декоративно-прикладном искусстве
Декоративно-прикладное искусство имеет свой язык и свои законы. Выражая представление о прекрасном своими специфическими средствами, оно никогда не стремится слепо копировать окружающий мир, а передает только самое характерное и выразительное. Художник творчески перерабатывает формы, найденные в природе, с учетом конкретного материала, его декоративных достоинств и особенностей технологической обработки.
Язык декоративно-прикладного искусства отличается стилизацией или, напротив, необычайной точностью форм; выявлением и обыгрыванием фактуры и пластических свойств материала; использованием орнаментов, включающих как мотивы традиционных изображений, так и авангардные формы. Композиционное построение декора в предметах декоративно-прикладного искусства всегда основано на гармонии частей и целого.
Стилизация в изобразительном искусстве известна с древнейших времён. Как метод художественного творчества она достигла высокого уровня в ассирийско-вавилонских, персидских, древнеегипетских и древнегреческих орнаментах, в которых наряду с геометрическими линиями и узорами часто использовались стилизованные с высокой художественностью и вкусом объекты флоры и фауны, как реальные, так и вымышленные, и даже фигуры людей. В наши дни орнаментальные композиции с элементами стилизации находят широкое применение в настенных росписях, мозаике, лепных, резных, чеканных и кованых украшениях и изделиях, в вышивке, в расцветке тканей.
Творческая стилизация в изобразительном искусстве обязательно носит индивидуальный характер, подразумевает авторское видение и художественную переработку явлений и объектов окружающей действительности и, как результат, отображение их с элементами новизны.
Наряду с творческой стилизацией существует подражательная стилизация, которая предполагает наличие готового образца для подражания и заключается в подражании стилю той или иной эпохи, известным художественным течениям, стилям и приёмам творчества того или иного народа, стилям знаменитых мастеров. Однако, несмотря на уже имеющийся образец, подражательная стилизация не должна иметь характер прямого копирования. Подражая тому или иному стилю, создатель стилизованного произведения должен стремиться внести в него свою индивидуальность, например, избранным сюжетом, новым видением колорита или общим композиционным решением. Именно степень этой художественной новизны и будет, как правило, во многом определять ценность стилизованного произведения.
Декоративная композиция – это композиция, имеющая высокую степень выразительности и модифицированные, стилизованные или же абстрактные элементы, которые придавая ей декоративный вид, усиливают её чувственное восприятие. Таким образом, главной целью декоративной композиции является достижение ею максимальной выразительности и эмоциональности с частичным или же полным (в беспредметных композициях) отказом от достоверности, которая становится излишней или даже мешающей.
Основные общие черты, возникающие в процессе стилизации у объектов и элементов декоративной композиции, - это простота форм, их обобщённость и символичность, эксцентричность, геометричность, красочность, чувственность.
Декоративной стилизации свойственна обобщённость и символичность изображаемых объектов и форм. Этот художественный метод подразумевает сознательный отказ от полной достоверности изображения и его подробной деталировки. Метод стилизации требует отделить от изображения всё лишнее, второстепенное, мешающее чёткому визуальному восприятию с тем, чтобы обнажить сущность изображаемых объектов, отобразить в них самое главное, привлечь внимание зрителя к скрытой до этого красоте и вызвать у него соответствующие яркие эмоции.
С развитием дизайна в области интерьера возникла необходимость создания произведений декоративно-прикладного искусства, которые без стилизации не будут отвечать современным эстетическим требованиям.
Декоративная и прикладная разновидности декоративно-прикладного искусства
Следует различать декоративную и прикладную разновидности декоративно-прикладного искусства. Так, если предметы прикладного искусства (мебель, утварь, посуда, ювелирные изделия) оказываются художественно-выразительными в основном благодаря эстетическому совершенству своей формы (красота силуэта, пропорций, изящество линий, мастерская обработка материала и т. д.), то декоративным произведениям (роспись стен и бытовых предметов, декоративные скульптурные рельефы, мелкие статуэтки, гобелены, вышивки, ковры, резные украшения и т. д.) присущи изобразительные, сюжетные композиции или орнаментальные украшения.
Много прекрасных образцов декоративно-прикладного искусства можно увидеть в художественных, исторических, этнографических и краеведческих музеях, а также в книгах, альбомах и на страницах журналов. Каждая выставка народного искусства — это всегда открытие мира красоты и совершенства. Изделия, сработанные старыми мастерами и современными художниками, неизменно вызывают восхищение посетителей, а у кого-то появляется желание следовать примеру народных мастеров.
В отличие от безликих изделий массового производства, вещи, сделанные своими руками, всегда уникальны. Мастерски изготовленные домашняя утварь, мебель, элементы интерьера стоят дорого. И если в старину такие вещи представляли собой предметы утилитарного назначения, то в наши дни они перешли в разряд искусства. Красивая вещь, сделанная умелым мастером, всегда будет в цене.
Прилив художественных сил в прикладное искусство
Ремесленные приемы работы
В Западной Европе положение художника стало меняться в XVI веке. Упадок городского хозяйства, охвативший почти всю Западную Европу, повлек за собой кризис в художественной жизни. В Италии художественные цехи теряют свое былое значение. Действительно, какова могла быть реальная сила цеха, если существовали такие независимые люди, как Микеланджело или Тициан? В одних городах цехи подчиняются государственной власти, в других - ликвидируются вовсе, и художники оказываются без привычной сословной поддержки, предоставленные сами себе. Часть из них превращается в деклассированный элемент, своего рода предшественников богемы. Часть пытается найти пристанище при дворах и становится челядью вельмож. Широко распространяется стремление добиться придворных чинов и дворянского титула.
Следствием тяжелого положения изобразительных искусств, создавшегося в связи с распространением Реформации, оказался прилив художественных сил в прикладное искусство: расцвели ювелирное искусство, серебряное и столярное дело, изготовление глиняной и оловянной посуды и т. п. Зачастую художественное ремесло смыкалось с ремеслом механика, слесаря, оружейника (роскошно оформленные часы, навигационные приборы, оружие и доспехи). Характерной чертой XVI века в североевропейских странах становится подчинение мастеров изобразительных искусств прикладникам: рисовальщики и граверы изготовляют специальные орнаментальные образцы, скульпторы делают модели для украшения мебели, приборов, посуды. Распространяются ремесленные приемы работы: тиражирование скульптурных образцов, использование техники офорта в гравюре ради ускорения обработки медной доски и др.
Декоративная живопись
С древних времён важное значение получила декоративная живопись , составляющая особую отрасль искусства, в истории которого её развитие следовало за движением станковой живописи, живописи картин. К ней относят иногда такие же произведения, какие доставляет эта последняя, если только они исполнены на стенах и плафонах здания преимущественно с орнаментальной целью (стенная и плафонная живопись, фрески); но главным образом элемент её составляют орнаменты в строгом смысле слова, то есть красивые комбинации геометрических линий и фигур, а также форм растительного и животного царства, офантазированных или неизмененных (например роспись стен в домах Помпеи, мавританские арабески Альгамбры, гротески Рафаэлевых лож в Ватикане и т. п.). Мотивы декоративной живописи изменялись в зависимости от исторического хода культуры и искусства у разных народов, от вкуса и архитектурного стиля, господствовавших в данное время. У французов вошло в XIX веке в употребление название декоративное искусство (фр. l’art decoratif) для разных отраслей ремесленных производств, нуждающихся в помощи искусства, каковы изготовление изящной мебели, ковров, кружев, стеклянных и гончарных изделий, ювелирных вещей, бронзы, обоев и других предметов роскоши и комфорта, — словом, для всего того, что у немцев принято называть Kleinkunste или Kunstgewerbe, а в России — прикладным искусством или художественной промышленностью.
Оформительское искусство
Оформительское искусство , область декоративного искусства: праздничное оформление улиц, площадей, производственных территорий, демонстраций, гуляний, а также оформление картин, экспозиций, витрин, стендов. Оформительское искусство пользуется средствами архитектуры, изобразительного искусства, театра, кино, свето- и звукотехники, создавая наиболее массовые образцы синтеза искусств.
Термин характерен для культуры Нового времени, подчеркивает подчиненное положение Декоративно-прикладного искусства по отношению к другим видам изобразительного искусства. Отделение Декоративно-прикладного искусства от других изящных искусств отражает концепцию превалирования эстетического значения произведения искусства над его утилитарными свойствами. Широко распространенный в западной истории искусств термин ars minoris (искусство малых форм), близкий к определению Декоративно-прикладного искусства, подчеркивает разницу в масштабе, не противопоставляя произведений разных видов искусств и подразумевая свободу заимствования форм и мотивов. Произведения Декоративно-прикладного искусства (посуда, мебель, другие предметы быта, костюм, оружие, предметы роскоши и украшения, в том числе инсигнии - знаки власти и сана - венец, стемма, тиара) сомасштабны человеку, тесно связаны с его деятельностью, вкусом, достатком, уровнем образования, но их материалы и технологии могут во многом совпадать с др. видами пространственных искусств.
В эпоху средневековья мастера Декоративно-прикладного искусства разных стран заимствовали друг у друга формы и орнаментальные мотивы. Так, готические остроконечные крестообразные цветы и удлиненные S-образные фигуры встречаются на произведениях византийских мастеров XIV века (дискос Фомы Прелюбовича, 2-я половина XIV века, монастырь Ватопед) и русских серебряников XV века (панагиар 1435 новгородского мастера Ивана, НГОМЗ). Русские злато- и среброкузнецы XIV-XV веков использовали восточные мотивы, в XVI веке украшали предметы церковной утвари дробницами работы золотоордынских мастеров XIII-XIV веков (Царский храм. 2003. С. 354-355. Кат. 125). Турецкие орнаменты появляются на серебряных церковных сосудах константинопольской работы XV-XVI веков (потир патриарха Феолепта, 80-е годы XVI века, Музей Павлоса и Александры Канеллопулос, Афины; смотри: Byzantium: Faith and Power (1261-1557): Cat. оf an Exhibition. N. Y., 2004. P. 446-447. Cat. 271), используются в произведениях балканской торевтики XVI-XVII веков (Feher G. Türkisches und Balkanisches Kunsthandwerk. Corvina, 1975; Христианское искусство Болгарии: Католог выставки. 1 октября - 8 декабря 2003 года. М., 2003. С. 45). Искусство мастеров Стамбула оказало влияние на цветовую гамму русских эмалей XVII века (Мартынова. 2002. С. 14, 20).
Среди техник обработки металла известны литье, ковка, чеканка, выколотка, просечка, канфарение, басма, гравировка, инкрустирование, гальваника (золочение, серебрение, патинирование), скань, филигрань, зернь, эмалирование. Для литургических сосудов предписывалось использовать драгоценные металлы или олово, не образующее токсичных веществ. Клады с серебряными и золотыми церковными предметами известны с позднеантичного и ранневизантийского периодов в Малой Азии и Сирии. Металлические предметы церковного убранства, покрытые изображениями, повторяли иконографические изводы, принятые в иконописи и монументальной живописи, при обветшании их поновляли с сохранением древних частей; если же это было невозможно, их сохраняли в церковной казне или ризнице, отмечая в инвентарях и описях. Металлическую светскую посуду (ковши, чарки) вкладывали в храмы, дарили духовным особам, использовали в богослужении как сосуды для теплоты (укропники).
Камнерезное дело тесно связано с архитектурой и скульптурой. Античная традиция украшения зданий скульптурой была унаследована Византией и странами ее круга. Она нашла отражение в наружном декоре христианских храмов в Малой Митрополии в Афинах (XII век), включающем античные рельефы, трансформированные в христианском духе. Русские храмы в домонгольское время, например собор Святой Софии в Киеве, украшали шиферными плитами с рельефными фигурами святых воинов. Небольшая шиферная икона с оплечными изображениями Спасителя и святого Иоанна Предтечи из собрания А.С. Уварова (ГИМ) датируется XVIII-XIX веками.
Среди техник художественной обработки стекла распространены выдувные изделия, штамповка, резьба, гравировка. Стеклянная посуда производилась в Древнем Египте, Древней Греции и Риме, в Византии. В домонгольской Руси пользовались спросом цветные стеклянные бусы и браслеты. В Западной Европе в эпоху готики стали делать стеклянные реликварии архитектурных форм, использовавшиеся для демонстрации святынь во время религиозных процессий и церемоний. Расцвет западноевропейского художественного стекла начался с эпохи Ренессанса.
Стекло было основой витража - вида монументальной живописи, достигшего высшего развития в Западной Европе, однако известного в Византии и странах ее круга.
Из стекла изготовлялась смальта для мозаики монументальной и миниатюрной, образцами последней являются византийские иконы XIII-XIV веков.
Стекло является основой перегородчатой и выемчатой эмали, украшающей изделия из металла. Техника перегородчатой эмали, получившая развитие в Византии IX-XII веках, состоит в напаивании на металлическую поверхность тонких перегородок, образующих контуры изображений. Пустоты между ними заполняются порошкообразной цветной стеклянной массой, разведенной на воде или растительном связующем (мед, смола), с последующим обжигом и полировкой изделия. Наиболее знамениты эмали константинопольских мастерских, работавших как для византийских, так и для иностранных заказчиков (эмали X-XII веков. Пала д'Оро; первоначальные дробницы Мстиславова Евангелия, 1-я четверть XII века). Более простой разновидностью эмали является выемчатая, предполагающая заполнение стеклянной массой углублений в медной или бронзовой основе, образующих изображение. Одним из древнейших центров производства эмалей был город Лимож. Лиможскими эмалями украшены предметы утвари, найденные при археологических исследованиях в Суздале, оклад Евангелия из Антониева монастыря (XIII век, НГОМЗ). В зрелом средневековье крупнейшим центром производства эмали был Новгород, на рубеже XV и XVI веков эта роль перешла к Москве. В XVII веке в различных русских центрах (Вятка, Ростов, Усолье) процветала живописная эмаль, украшавшая небольшие дробницы-медальоны. На серебряную или медную основу наносили фоновый слой одноцветной эмали, затем его расписывали эмалевыми красками, обжигали и полировали. С петровской эпохи в этой технике создавались портреты (мастера А.Г. Овсов, Г.С. Мусикийский).
Расцвет майолики эпохи модерна связан с декорацией фасадов, в том числе церковных: церквей в честь Воскресения Христова и Покрова Богоматери в Гороховском переулке в Москве (архитектор И.Е. Бондаренко, 1907-1908 годы), Спаса Нерукотворного в поселке Клязьма под Москвой (архитектор С.И. Вашков, 1913-1916 годы).
Среди техник церковных художественных тканей преобладают лицевое и орнаментальное шитье, гобелены. В ткачестве эпохи поздней античности и раннего христианства сосуществовали языческие и христианские орнаментальные мотивы и образы (коптские ткани IV-X веков, ГЭ). В восточном и западном христианстве распространенным способом украшения тканых изделий, особенно предназначавшихся для церковной службы, была вышивка. В эпоху средневековья лицевое шитье было областью женского творчества, отличавшегося особым благочестием, поскольку оно отчасти повторяло занятия Девы Марии во время Ее пребывания в иерусалимском храме, когда Она, согласно изводу Благовещения Пресвятой Богородицы, пряла пурпурную нить. Прядение руками Богоматери символизировало Воплощение, сотканную плоть Богочеловека, что придавало древнему ремеслу богословский смысл.
К драгоценному убору богослужебных книг, прежде всего напрестольных Евангелий, относятся поворозы, или прокладицы,- богато украшенные закладки с орнаментальным шитьем и жемчугом. Ими закладывали тексты, читаемые на богослужении (Сазанова Е.Г. Закладки как элемент оформления напрестольных евангелий XVI-XVII веков. // Кировский художественный музей имени В.М. и А.М. Васнецовых: Материалы и исследования. Киров, 2005. С. 4-11).
Ткани, а иногда и шитье иностранного производства широко использовались на православном Востоке для церковных облачений. Саккос, вероятно заказанный в Италии для Константинопольского патриарха Кирилла Лукариса (конец XVI-XVII века, ГММК), украшают шитые вставки с изображениями святых; в середине XVII века этот саккос попал в Россию и принадлежал патриарху Иоасафу II.
Лицевое церковное шитье в западной традиции могло иметь монументальный и мемориальный характер. Так, на ковре из Байё (около 1080 года, Музей в Байё; 2×0,5 м) запечатлена история завоевания Англии норманнами. Кроме того, западная традиция использовала тканые стенные произведения (шпалеры) с изображениями новозаветных событий (поклонение волхвов, житие Богородицы, Апокалипсис). Некоторые тканые изделия церковного назначения, например производившиеся во французском городе Туре ковры для скамей хора с обильным цветочным декором, имитировали завесы с приколотыми живыми цветами, традиционно украшавшие улицы во время прохождения религиозных процессий в праздник Тела Господня (Corpus Christi). Со средних веков до конца XVI века в Нидерландах, Франции, Германии изготовляли тканые произведения, предметы церковного облачения, а также гобелены и шпалеры с сюжетами церковного характера.
С XVII до начала XIX века интерес к религиозным сюжетам и иной продукции церковного характера падает, европейские гобеленные мануфактуры сосредоточиваются на повторении произведений ведущих светских мастеров (П.П. Рубенса, Ф. Буше и др.).
После 1917 года большинство иконописцев были вынуждены специализироваться на производстве бытовых предметов (шкатулки, панно, броши, адреса), украшенных росписью, в традиционно занимавшихся народными промыслами селах Палех, Мстёра, Федоскино, Холуй. Предметы, конфискованные у частных собственников и Церкви, составили основу крупных коллекций государственных музеев, в которых началось систематическое изучение памятников светской и церковной древности и их научная реставрация. В советский период исследование предметов церковной утвари и убранства, воспринимавшихся как второстепенные по отношению к архитектуре, скульптуре, живописи, в том числе иконописи, было возможно или в рамках народного искусства, или в контексте развития стиля, без рассмотрения их литургической функции.
Большой вклад в развитие изучения истории древнерусского искусства, в тлм числе памятников Декоративно-прикладного искусства, внесли находки, сделанные научными археологическими экспедициями. Труды А.В. Арциховского, В.Л. Янина, Б.А. Рыбакова, систематизировавшие итоги археологических открытий, создали базу для фундаментальных исследований истории древнерусского искусства. Во 2-й половине XX века предметы малых форм, выполненные в различных техниках, изучала Т.В. Николаева; произведения золотого и серебряного дела - М.М. Постникова-Лосева, Г.Н. Бочаров, И.А. Стерлигова; художественного литья, в том сисле медного,- В.Г. Пуцко; шитья - Н.А. Маясова. Технику золотой наводки исследовал Н.Г. Порфиридов (НИАМЗ); обработки дерева - Н.Н. Померанцев, деревянной резьбы - И.И. Плешанова (ГРМ), И.М. Соколова (ГММК); перегородчатых эмалей - Т.И. Макарова. Различным вопросам, связанным с памятниками Декоративно-прикладного искусства местных школ Древней Руси, посвящены труды А.В. Рындиной; работы о византийском Декоративно-прикладном искусстве публиковали А.В. Банк, В.Н. Залесская (ГЭ). Были изданы каталоги коллекций предметов Декоративно-прикладного искусства, а также посвященные этому вопросу отдельные монографии. Зарубежные исследователи середины XX века рассматривали предмет в его культурно-историческом контексте (Grabar. 1957). Новый этап в изучении отечественного средневекового Декоративно-прикладного искусства отмечен выставкой, посвященной празднованию 1000-летия христианства на Руси (Москва, АХ, 1988), широко представившей памятники церковного убранства. Современные исследования произведений Декоративно-прикладного искусства строятся на их стилистическом искусствоведческом анализе в соединении с данными церковной археологии и смежных дисциплин источниковедения, палеографии, эпиграфики и др. (Стерлигова. 2000). Современные выставки и каталоги представляют в экспозиции предметы церковного убранства с точки зрения материала и техники, а также их функции в храмовом ансамбле (Царский храм. 2003).
9 декабря 2021—9 мая 2022
17 ноября 2021—10 марта 2022
На выставке впервые собраны произведения знаменитых и менее известных мастеров, в творчестве которых нашли отражение разные стороны идей космизма, ярко проявившихся в русской науке и философии.
Декоративно-прикладное искусство западной Европы конца XIX века
В последней четверти XIX в. мастера декоративно-прикладного искусства начали поиск новых путей развития. Их не устраивало дальнейшее сосуществование, а порой и смешение стилей, снижение уровня массовой продукции. Появилась потребность в создании единого стиля в производстве вещей, форма, декор и техническое исполнение которых соответствовали бы особенностям материала.
Новый стиль — модерн — возник в Париже и Нанси, а затем распространился по всей Европе. Характерно, что данное художественное направление в различных странах Европы носило разные названия. Так во Франции это был арт-нуво, в Германии — югендстиль, в Италии — либерти. Из многообразия факторов, характеризующих стиль модерн, следует отметить обращение мастеров к природным формам, воспроизведение текучих, волнистых линий растений, животных и их стилизацию.
Модерн изобрел свой специфический колорит, напитанный болотными, травянистыми оттенками буро-зеленого, коричневого, мутного, нечистого с примесью лилового, розового. В нем могли проявляться и более сильные тона: багрово-красный с контрастно-черным.
Искусство Японии основано на совершенно иных эстетических канонах: неприятии симметрии и раппорта, необычайной утонченности, эстетизме. Все это сыграло свою роль в формировании будущего стиля. Но наиболее существенной исторической составляющей модерна стала стилистика поздней готики. Именно в ней увидел образец для подражания основоположник западноевропейского модерна, английский художник, предприниматель и теоретик Уильям Моррис.
Модерн со своей стилистикой буквально вырос из пламенеющей готики. Начиная с подражания, стилизации, он породил и свою собственную стилистику. Готические композиции стали словно расплываться, деформироваться, превращаясь из математически выверенных когда-то структур в аморфные, вялые, словно растительные переплетения. Возникнув как некая антитеза индустриальному миру, это искусство смогло выразить только идею кризиса своего времени. Идея незаконченности, непредсказуемости результата доводится до абсурда.
Модерн явился художественным выразителем завершающего момента духовного падения европейской культуры. И тот рубеж, который он увековечил своим существованием, был рубеж между Новым и так называемым Новейшим временем, во многом базирующийся уже на совершенно иных материальных и духовных основах.
Если в первый период своего существования стиль модерн имел во многом как бы прикладной характер, часто просто украшая индустриальные поверхности архитектурных фасадов или предметов быта, то постепенно ритмы, рожденные его стилистикой, начинают втягивать в свою орбиту и саму форму.
Зрелый стиль модерн породил причудливые очертания вещей различного назначения, вплоть до интерьеров и экстерьеров зданий. Рациональная, конструктивная основа оказалась глубоко спрятанной в толще массы, словно растекающейся, расплывающейся. Аморфные, асимметричные формы вторили ритмам декора. В наследство от готики модерн получил интерес к цветному стеклу, к витражам.
Постепенно их готическая яркость тускнеет, приобретая характерную для модерна гамму блеклых тонов, среди которых особенно популярен лиловый цвет. Наиболее выразительной декоративной находкой стиля модерн следует считать его знаменитый орнамент в виде резкой, петлеобразной кривой. Он ярко проявился в декоре кованых решеток, благодаря своей внешней выразительности и в то же время совершенной элементарности решения. Эффектный силуэт этого орнамента был квинтэссенцией стиля модерн и стал его своеобразной визитной карточкой, как рокайль в стиле рококо.
Стекло. Крупнейшим мастером модерна, сыгравшим ведущую роль в истории французского и мирового стеклоделия рубежа веков, был Э. Галле. С его именем связан технический прогресс в стекольном производстве: возрождение стеклодувной техники XVI в., открытие забытых технических приемов изготовления филигранного и полихромного стекла, эмалевой росписи по стеклу, инкрустации, разработка новых форм.
Он изобрел новую технологию камейного стекла. Он не срезал верхние слои стекла, а постепенно смывал их кисточкой, смоченной в плавиковой кислоте, добиваясь таким образом мягких переходов тона и выразительных живописных эффектов. В декоре Галле обращался, в основном, к растительному миру, но иногда изображал животных.
Он применял золотую и серебряную фольгу, блестки слюды и асбестовые волокна, стремясь придать стеклу вид натуральных камней. Галле создавал как уникальные произведения, так и модели для серийного производства. Многие его модели послужили образцами для других французских стеклоделов, в частности, для братьев Даум. Опираясь на технические разработки Галле, братья Даум вносят в изготовление изделий из стекла элемент новаторства. В отличие от Галле, они стали делать цветным внутренний слой предметов.
Только применяя эту технику, можно было передать мерцание крыльев стрекозы или радужное оперение павлиньего хвоста; податливость стекла больше располагала к завиткам, кольцам и волнистым линиям, чем к вертикалям, квадратам и прямоугольникам.
Стиль ювелирных украшений Тиффани был основан на изысканном сочетании бриллиантов с платиной и белым золотом. Коммерческое направление тоже не стояло на месте. Роскошные украшения должны были вызывать у окружающих восхищение и уважение. Ювелиры откликнулись на это не только расширением старых фирм, таких как Картье и Фуке, но и появлением новых: Булгари, Каррера и Каррера.
Металл. Одним из самых замечательных мастеров этого времени был Рене Лалик. Он довел технику литья до совершенства, возродил витражную эмаль, широко использовал в своих произведениях переливчатые эмали живых горячих цветов. Важнейшей заслугой художника стало переосмысление значения украшений для человека.
Принципиальным был отказ от демонстрации благосостояния заказчика. Лалик создавал образы своего времени, подчеркивая и оттеняя характер и индивидуальность. Как ювелир он прославился уже в начале своей творческой деятельности. Им были созданы оригинальные гребни из рога, декорированные цветочным орнаментом из золота и других драгоценных материалов, брошь в виде женской головки с развевающимися волосами.
Из природных мотивов Лалик отдавал предпочтение простым формам: ирисы, садовый вьюн, ландыш. Оригинальность художника проявилась в любви к полудрагоценным камням, к тому времени вышедшим из моды.
В начале 20-х годов западный мир все еще приходил в себя после Первой мировой войны. В то время большинство людей жаждало противоядия от ужаса и боли — развлечений, фривольности, легкомыслия. Тем не менее реакцией на безудержное легкомыслие и декадентство стал строгий, напряженный, бескомпромиссный стиль, который пережил войну, закалившись в ней.
Кубизм, вырвавшийся за пределы кружка Пикассо и Брака, с 1911 г. пытался частично примирить искусство с миром, который все ускорялся. В 1925 г. в Париже состоялась Международная выставка декоративного искусства, давшая новому стилю арт-деко его название. Стиль арт-деко был взращен в недрах кубизма. Это был кубизм, одомашненный для массового потребления. Если кубизм придал арт-деко его характерные формы, то русский балет дал ему цвета.
Русский балет внес новые, шокирующие цвета: ослепительно-оранжевый, изумрудный и желтовато-зеленый. Модные декоративные мотивы 20-х годов — ключ, из которого обильно и бесполезно струится вода; беспечные лани, газели и антилопы, самки оленей с оленятами, борзые собаки.
Одним из ярких художественных направлений начала XX в. можно назвать стиль супрематизм. Известная французская художница русского происхождения, ученица К. Малевича, Н. Ходасевич-Леже в 20-е годы создала эскизы, многие из которых послужили образцами для серии ювелирных изделий, выполненных в 1970 г. мастером Д’Астре. Сочетания доведенных до схемы форм — круга, прямоугольника, треугольника, соединенных под разными углами, создают в предметах пластическую напряженность.
Арт-деко не избежал влияния еще одного замечательного явления в развивающемся искусстве Запада начала XX в. — абстракционизма. Новации абстракционизма связывают, в основном, с заслугами русского художника Василия Кандинского. Выражение быстроты движения с помощью скоростных линий и повторяющихся форм стало одним из любимых мотивов арт-деко.
К 1920-м годам относится возрождение шпалерного искусства Франции. Мастера отошли от практики XIX в., когда высшим достижением считались копирование живописных полотен, передача эффекта перспективы, наличие большого числа оттенков различных цветов. Художники XX в. основные пути обновления шпалерного ткачества видели в отказе от копирования сюжетов и приемов живописи, в поиске утраченного своеобразия и подлинной декоративности, необходимых для стенных ковров. Это направление в 30-е годы было поддержано и развито художником и картоньером Ж. Люрса.
Лак. Популярным материалом в эпоху арт-деко был лак. Жан Дюнан, дизайнер новомодной мебели, стал одним из ведущих специалистов по лаку среди мастеров арт-деко. От растительных орнаментов он перешел к геометрическим узорам и далее к панелям, разрисованным всеми видами сюжетов и стилей, от африканских и восточных мотивов до абстракции. Популярным дополнением его работ стала техника инкрустации толченой яичной скорлупой.
Стекло и керамика. Период возрождения и нововведений переживают стекло и керамика. Геометрические композиции позволили сформировать новый взгляд на керамику. Однако специфика керамики не позволила, в отличие от других материалов, усиливать геометричность изделий.
Новых технологических вершин в своей работе достигли стеклодувы. Такой податливый материал, как стекло, само по себе ставшее одним из символов модернизма, допускал применение любых технологий, будь то травление, покрытие эмалью, пескоструйная обработка, штамповка или гравировка, одинаково пригодных для достижения одновременно скульптурного эффекта и поверхностного декорирования. До матовой полупрозрачности стекло доводили с помощью алебастра. Металлические детали изготавливали из блестящего металла; хром, алюминий и сталь заменили классическую бронзу. Например,
Рене Лалик использовал литое, протравленное кислотой стекло с высокими рельефными спиралями. Кроме прочего, стекло использовалось в качестве архитектурного материала, ему же отдавалось предпочтение в процессе развития производства современной мебели и осветительных приборов.
К середине 20-х годов французы стали признанными лидерами в сфере декоративных искусств. Их произведения отличали тонкий вкус, пропорциональность и мастерская отделка, а цветовая гамма, утонченная роскошь и легкая фривольность делали их необычайно привлекательными.
Неповторимый облик мебели арт-деко придавали редкие и дорогие материалы, такие как черное дерево, пальмовое дерево, бразильская джа- каранда, палисандр, а также контрастные сочетания традиционных шпонов. В число других популярных материалов входили лак, шагрень (кожа пятнистой собаки), акулья кожа, шкура пони, слоновая кость и сварное железо.
Обтекаемые силуэты новой мебели, выглядевшие так, словно были изготовлены машинами, пользовались огромной популярностью. Распространению обтекаемого стиля способствовало использование подобной мебели при съемках голливудских фильмов. Стильность мебели достигалась путем покрытия обычных, массивных прямоугольных форм светлым шпоном красного дерева и бежевым лаком или созданием обтекаемых форм и силуэтов из гнутой фанеры.
Ручки изготавливали из бронзы или просто заменяли их углублениями для пальцев. Популярны были сочетания черного и светлого лака. А жизнь в новых домах-небоскребах предполагала в целях экономии места использование многофункциональной мебели. Промышленная мебель Марселя Бройера из хромированных стальных трубок не противоречила принципам арт- деко. К 1929 г. уже несколько фирм занимались выпуском продукции из стальных трубок. Прочность стали позволила создать изделия из непрерывно изгибающихся сегментов и сделать революционный шаг в мебельном дизайне.
Ювелирное дело. В драгоценных украшениях этого времени использовались бриллианты. С ними работали ювелиры фирмы Картье. Но в произведениях таких художников, как Жан Фуке и Раймон Тамплие, благородность материалов не имела принципиального значения.
Наряду с золотом и цветными полудрагоценными камнями они использовали сталь, серебро, кость, дерево, эбонит и т. п. Более того, можно сказать, что в их произведениях доминирует четкая графика форм, контраст белого и черного, холодного и горячего, протяженного и замкнутого — составляющие образа эпохи механизации мира. 13 изделиях коммерческого направления все чаще появляются фигурки животных.
Читайте также: