История современного танца кратко
Обновлено: 05.07.2024
Обычно 1-2 такта, но может быть и больше в зависимости от композиции. Дальше начинается музыкальная фраза.
Для удобства озвучиваем под счет в размерах такта. Временной промежуток между ударами всегда одинаковый. Счет - это удар и время до следующего удара.
Синкопирование при увеличении кол-ва действий на такт. При шаге на И или на А он называется синкопированным. Такт - это 3 или 4 счета.
Музыкальная фраза - 8 тактов. Внутри фразы такты отличаются друг от друга. Первый сильный, второй слабый, третий сильный, но слабее, чем раз; четвертый слабый, пятый сильный (между 1 и 3), 6 слабый, 7 как пятый, восьмой (между 7 и 1).
Музыкальная тема - 4 фразы. 2 первые фразы обычно похожи, 3 фраза обычно интенсивная, 4-ая похожа на 1,2.
Отображать в танце акценты и паузы, стараться танцевать сильно и слабо, быстро и медленно, отрывисто и непрерывно.
Исполнительские искусства:
• Show Dance • Джаз/Лирический танец • Степ • Акробатический танец • Балет • Современный танец • Болливуд • Production
Традиционные танцы:
• Народный танец/Фолк • Belly Dance/Oriental • Show Belly Dance/Oriental Show • Folk Belly Dance/Oriental Folk • Фламенко
Возрастные категории:
Бэби\Mini Kids 7 лет и моложе
Дети 12 лет и моложе
Юниоры 13-16 лет
Взрослые 17 лет и старше
Взрослые 2 31 год и старше
Синьоры 50 лет и старше (Belly Dance/Oriental)
Запрещено танцевать в разных возрастных категориях в рамках одной дисциплины и номинации в течении календарного года.
Возрастная категория участника определяется годом рождения участника в текущем календарном году, на момент соревнования.
Для дуэтов и пар возрастная категория определяется по возрасту старшего партнёра. Младший танцор может быть на 2 года моложе старшего из партнёров. Однако, разница в возрасте между партнёрами не может быть более 2 лет.
Участники танцевальных дисциплин Performing arts могут использовать только свою музыку. Танцоры не могут соревноваться сами с собой.
Реквизит:
Разрешается использование во многих Дисциплинах сценических искусств. Реквизит выносится и уносится самим участником за один раз, без посторонней помощи.
Примечание: На мероприятиях IDO не допускается использование громоздкого реквизита ни в каком из танцев, категорий, стилей или направлений.
Ручной реквизит – это любые предметы, которые выносятся при помощи рук и не являются частью костюма (колокольчики, флаги, трости, зонты и т.п.).
Напольный реквизит – это любые предметы, которые выносятся при помощи рук и ставятся на пол (стулья, ступеньки, лестницы, столы и т.п.).
Сценические декорации, или фоны – занавесы или задники.
Не допускается использование жидкостей и других веществ, которые могут повредить или сделать небезопасным танцевальное покрытие/пол сцены для выступающих.
Использование электрических приборов, например, создающих световые эффекты, подключаемых к розетке, допускается только при условии, что питание прибора производится за счет батареи.
Установка и демонтаж декораций и напольного реквизита должны занимать не более 15 секунд в категориях Соло, Дуэт и Трио и не более 25 секунд в категории Малая группа. В категории Формейшен допустимое время на установку и разбор декораций – не более 45 секунд. Время отсчитывается с того момента, как первый предмет декораций касается сцены. Данное правило распространяется на все Дисциплины Performing arts. Также данное правило действует и в тех случаях, когда танцором выносится ручной реквизит.
Продолжительность выступлений
Соло, Дуэт
Продолжительность выступления 1 минута 45 секунд (1:45) - 2 минуты 15 секунд (2:15)
Малая группа
Продолжительность выступления 2 минуты 30 секунд (2:30) - 3 минуты (3:00)
Формейшен
Продолжительность выступления 2 минуты 30 секунд (2:30) - 4 минуты (4:00)
В категории Дети Формейшен ограничение по времени – от 2:30 до 3:00 для всех видов исполнительских искусств, кроме Belly Dance и Фламенко.
Продакшен
Продолжительность выступления 5 минут (5:00) - 8 минут (8:00)
Поддержки (Lifts)
Поддержки – это движения/фигуры, в которых обе ноги танцора не касаются пола, и которые выполняются при помощи/поддержке другого танцора.
Поддержки допускаются в некоторых, но не во всех танцевальных дисциплинах. Данную информацию следует уточнять в разделах правил для соответствующих дисциплин.
Поддержки НЕ допускаются в категории Дети, за исключением номинаций Продакшен и Мини-продакшен (отмена от 1.01.16)
Акробатические движения
Под акробатическими движениями понимаются движения, в которых тело танцора вращается по вертикальной или горизонтальной оси, такие как сальто, колесо и т.п.
Акробатические движения допускаются в некоторых, но не во всех танцевальных дисциплинах. Данную информацию следует уточнять в разделах правил для соответствующих дисциплин.
Выполнение акробатических движений не всегда предполагает начисление дополнительных очков, а наоборот, может способствовать снижению баллов, в том случае, если движения выполнены технически неверно.
Специальные ограничения по исполнению танцевальных номеров
Каждый танцевальный номер не может быть представлен более чем в одной дисциплине.
Например, один и тот же номер не может быть исполнен и в номинации Джаз и в Show Dance.
Специальные ограничения по костюмам
В номинациях Джаз, Лирический танец, Модерн, Балет, Степ и Show Dance танцорам не разрешается менять костюмы во время своего выступления, за исключением заранее оговоренных случаев, не противоречащих Правилам. Танцорам также не разрешается менять музыку своего выступления в последующих конкурсных этапах.
Специальные ограничения в категории Дети
В категории Дети не допускается использование мрачных тематики, костюмов или музыки.
И стория современного танца начинается с поиска свободы. Это, казалось бы, простое желание движет современными хореографами и сегодня. Их деятельность — это не просто новая форма высказывания. Это попытка переосмыслить танец как искусство, найти альтернативный подход к движению, идеологии и эстетике. Все, что создавалось и создается в мире танца, непрерывно связано между собой. Исторический контекст, личные обстоятельства, локация и, порой, случай определяют судьбу этого вида искусства.
Первопроходцами новой формы в танце называют 3 американских танцовщиц: Лои Фуллер (1862-1928), Айседора Дункан (1877-1927) и Рут Сен-Дени́ (1879-1968). А также канадку Мод Аллан (1873-1956). В начале ХХ века именно они пришли к отказу от классических канонов и поиску новых форм танца. Их искусство было посвящено эмансипации танца и самих себя, а также настоящему творческому исследованию. На чем же основывались принципы их творчества, которые и сегодня фундаментальны в современном танце?
Стремление к природе
Все четыре хореографа: Лои Фуллер, Айседора Дункан, Рут Сен-Дени́ и Мод Аллан имели хоть и краткий, но опыт знакомства с классическим танцем. В силу разных причин они не нашли в нем возможность художественного выражения и отправились на поиски своего искусства, черпая вдохновение в самых разных источниках.
В первую очередь Фуллер, Дункан и Сен-Дени́ вдохновлялись природой и искали новую форму движения, обращаясь к гармонии мироустройства. В отличие от балета, их целью было не подражать природе, а воссоединяться с ней. Их танец не имитировал волну, он выражал силу, мощь и энергию моря. Они надевали костюмы, которые не мешали амплитуде движений, танцевали босиком и прислушивались к интуиции. Они использовали “репертуар человеческих движений”, например, бег или ходьбу, как часть сценической хореографии.
Айседора Дункан, пожалуй, наиболее известная на постсоветском пространстве, символизирует свободу женщины и танцовщицы. Она прожила насыщенную и импульсивную жизнь, таким же был ее танец. Ее движения – это результат чувств, эмоций и импульсов, исходящих из солнечного сплетения. На видео — танец ее последовательницы.
Синтез с другими формами искусства
Хореографы искали новые решения в незнакомых для них сферах. Дункан обращалась к культуре Древней Греции, а Сен-Дени́ и Аллан — к Востоку. Они верили в аутентичность этих культур и искали естественный и неангажированный танец. Что интересно, подлинность не была их целью, они не реконструировали древние танцы, а использовали образы и идеи, чтобы сформировать свой пластический язык.
Я работала, изучая античную скульптуру, вазовую живопись и отдельные, зафиксированные в живописи и скульптуре, моменты античного танца, но я видела в них лишь непревзойденные образцы естественных и прекрасных движений человека. Мой танец — не танец прошлого, это танец будущего. А каков был танец древних греков в целом — мы ведь не знаем. Музыка их, по-видимому, была примитивной.
А. Дункан
Одним из изобретений и новшеств Фуллер была игра со светом. Она изобрела и запатентовала специальное размещение зеркал, химические краски для текстиля и особенную подсветку. Возможно, Фуллер была первым хореографом, который воспринимал танец как визуальное искусство. Прогрессивное творчество этих женщин вызывало интерес и восхищение у современников. Многие художники, музыканты и сценографы сотрудничали с хореографами. Вот, например, танец Лои Фуллер, запечатленный братьями Люмьер в 1896 г.
Отказ от сюжета
Еще одно революционное новшество — бессюжетность. Эта идея, ярко отразившаяся в живописи (кубизм, абстракционизм и т.д.), была адаптирована и в танец. Хореографы считали экспрессию достаточно интересным и самодостаточным мотивом. Фуллер и Дункан обращались к человеческим эмоциям и природными процессам как композиции хореографического сюжета, а Сен-Дени́ разработала метод визуализации музыки через танец — где структура музыкального произведения была основой для хореографии. Этот способ помогал избежать эмоциональной интерпретации и дополнительного сюжета, доказывая что танец может существовать как самостоятельная форма выражения в противовес балету, где каждое движение привязано к действиям и эмоциям персонажа. На видео запечатлены отрывки из танцев Сен-Дени́, вдохновленных Индией и Китаем.
Основа для развития — школы и фестиваль
Как отдельная дисциплина современный танец утвердился благодаря тому, что Фуллер, Дункан и Сен-Дени разработали системы образования. Подобно тому, как в балете Людовик XIV основал Королевскую академию танца, эти женщины основали первые школы свободного танца во Франции, России и США — с собственной системой обучения, идеологией и задачами. В этих школах учителя помогали детям найти свою форму выражения в танце. Если в балете система направлена на совершенствования техники и тела под стать принятым канонам, то здесь в фокусе были индивидуальность и способность танцовщика к художественной интерпретации. В то же время все три школы делали попытки структурировать свой метод, выработать основы техники Фуллер, Дункан, Сен-Дени́ и обучить этому следующее поколение.
Школам было легко найти учеников, поскольку весь мир стоял на пороге перемен, и молодым людям импонировала идея демократии, в том числе и в танце. Они хотели найти себя, новую форму самовыражения и свободу. Вскоре ученики начинали участвовать в постановках и гастролировать под брендом своих наставников. Так, например, появилась труппа Isadorables, состоящая из учениц Дункан и выступавшая в Европе и США после смерти хореографа.
Знаменитая школа Денишоун, основаная Сен-Дени́ и ее партнером Тедом Шоном в Лос-Анджелесе, воспитала Марту Грем, Дорис Хамфри и Чарльза Вайдмана — основных деятелей танца модерн в США, чьи работы до сих пор идут на главных мировых сценах. Что интересно, в этой школе балет не исключили как дисциплину, а подстроили под свою философию, практикуя его босиком или на природе. Также в школе преподавали йогу, свободный поток (сегодня мы бы назвали этот класс импровизацией), народные танцы, ритмическую гимнастику Далькроза, медитацию и декоративно-прикладное искусство. Вот выдержка из руководства по хореографическому образованию школы Денишоун, которая в точности описывает философию школы:
Искусство танца слишком широко, чтобы ограничиваться только какой-либо одной системой. Наоборот, сам танец включает в себя все системы или школы. Любой способ, которым человек любой расы или национальности, в любой период человеческой истории, выразил свои чувства ритмичным движением, принадлежит к танцу. Мы пытаемся понять и использовать все знания из прошлого о танце и продолжим использовать новые открытия в будущем.
В 1940 эта пара вместе с Мэри Вашингтон Бол, учительницей танцев, которая в то время владела помещением, провели фестиваль на ферме Jacob’s Pillow. С первых дней программа состояла из самых разных видов танца: от бальных до народных. И тем самым показывала, что это искусство не имеет границ. Сегодня Jacob’s Pillow — это танцевальный центр, школа и театр. Организация почетно носит звание самого первого международного фестиваля танца в США и каждым летом показывает более 200 представлений. В 2010 Jacob’s Pillow удостоился национальной золотой медали в области искусства.
К сожалению, сложные годы Первой и Второй мировой войны не позволили школам долго существовать. Но фундамент для развития современного танца был заложен. Появилось новое поколение танцовщиков и хореографов, которые продолжили идеи наставников в своем творчестве.
С самых первых дней современный танец утвердился как свободный — где у каждого художника своя правда и свой танец. Фуллер, Дункан и Сен-Дени́ не просто совершили идеологический прорыв, который вдохновил тысячи хореографов по всему миру, но и оставили институционное наследие в виде первых школ и фестивалей современного танца. Не вся их деятельность была задокументирована и сохранена, но главное, она была передана в тела и практику других танцовщиков. А это и есть главный архив танца.
Что это за люди, танцующие в парках, галереях и на парковках? Почему они выступают босиком? Разве можно танцевать в спортивных костюмах на сценах академических театров и почему современному танцовщику не обязательно уметь садиться на шпагат? Всё это — результаты танцевальной революции, точнее цепочки локальных революций в области двигательной культуры, произошедших в XX веке и в корне изменивших взгляд на тело, движение и танец.
Frederick Glasier, Portrait of Loie Fuller, 1902
Визуальные открытия Фуллер не забыты и сегодня: они неожиданно возрождаются в тяготеющей к сценической эффектности массовой культуре. Например, исследовательница танца Вита Хлопова обнаруживает цитирование Фуллер у Шакиры.
Шакира во время тура Oral Fixation, 2006–2007 годы, Splinter Films
Учащиеся Международного института Айседоры Дункан в Нью-Йорке, 1918
Однако важно понимать, что Дункан никогда не отдавалась дионисийскому началу целиком. В ее танце почти не было импровизации, она не погружалась в экстаз на сцене. Ирина Сироткина отмечает, что каждое движение танцовщицы было тщательно отрепетировано и отточено в танцклассе. Интересно, что записей с танцем Дункан не сохранилось — есть лишь небольшой отрывок ее выступления в Париже.
Рут Сен-Дени, Bain News Service, год неизвестен
Переосмысляя и отталкивая как европейский балет, так и популярный в США жанр кабаре/водевиля, Грэм утверждала, что танец должен размышлять над большими проблемами. Она часто работала с библейскими и античными сюжетами (фокусируясь, кстати, чаще на образах героинь и фигуре женщины и таким образом резонируя с феминистской мыслью).
Грэм разработала собственную технику тренировки танцовщиков, основанную на принципах дыхания — сжатии (contraction) и расслаблении (release). Техника сохраняется и преподается до сих пор в Martha Graham Dance Company.
Этот выразительный образ, как и крылья Фуллер, копировался и обыгрывался в поп-культуре:
Мадонна для журнала Harper’s Bazaar, 1994, фотографии Питера Линдберга Jessica Love, 2007
Позже традиция немецкого экспрессивного танца развилась в знаменитом танцтеатре Пины Бауш (он окончательно сформировался к концу 1970-х). Суть метода Пины удачно сформулирована в одном из самых известных ее высказываний:
В 2011 году, через два года после смерти Пины, Вим Вендерс выпустил документальный фильм о ней.
Пока в Европе процветал немецкий экспрессивный танец, американские хореографы сосредоточились на преодолении танца модерн и экспериментировании.
Большим поклонником Каннингема является Михаил Барышников, живая легенда классического и современного танца. Вот как он предваряет свою посвященную Каннингему фотовыставку MERCE MY WAY (она привозилась в Россию в 2008–2009 годах):
В конце 2019 года о Каннингеме был выпущен одноименный документальный фильм Аллы Ковган.
Хореографы продолжили заданную Каннингемом традицию отрицания зрелищности, но двинулись еще дальше — к исследованию и поиску новых смыслов в примитивных движениях, таких как ходьба, бег, простейшие подскоки.
Перевод Ирины Сироткиной
Ивонн Райнер, We Shall Run, 1965, фото Peter Moore
К 1990-м танец пришел к активному сотрудничеству с другими контекстами, например с современным искусством.
Он открылся и новым пластическим формам — сцены академических театров захватывает street dance, хорошим тоном среди танцовщиков считается знание анатомии, они всё чаще работают с голосом и взаимодействуют с театральной традицией.
От экспериментов и открытий в поле современного танца не отстает и российская сцена.
В этот понедельник стартовал фестиваль современной хореографии Context. Балерина и главный редактор портала Ballet Insider Алиса Асланова расскажет, зачем нужно на него идти — а заодно объяснит, что такого особенного в танце модерн (и откуда он пошел).
Прежде чем современный танец стал таким, как сейчас, ему пришлось пройти долгий путь. Танец модерн возник как противоположность балетному искусству: если в балете существовали жесткие каноны и не менее жесткая иерархия, то модерн был основан на философии индивидуальностей, это отвергавших.
Как все началось
В конце XIX века, с подачи певца, педагога и теоретика сценического искусства Франсуа Дельсарта. Именно Дельсарт определил основные принципы движения в современном танце. Вкратце: все дело в жесте, свободном от условностей. Дельсарт, кстати, создавал эту систему скорее для актеров и музыкантов, чем для танцоров, но в мире танца она прижилась.
Рудольф фон Лабан с танцевальной труппой. Германия, 30-е годы
Айседора Дункан (и кто тут на самом деле новатор)
Чтобы не запутать вас, мы нарисовали схему: кто на кого повлиял в мире современного танца — и кому за что стоит сказать спасибо
Где учились великие
Кое-что о Марте Грэм
Марта Грэм, которую мы уже упомянули выше, — женщина-легенда. Хореограф, танцовщица, режиссер, художник по костюмам — все это про нее. Вдохновение она искала в мифологии Древней Греции. Грэм больше интересовали истории героинь второго плана, о судьбе которых в литературе принято было не задумываться: к примеру, Клитемнестра, мать-предательница из мифа об Оресте и Электре.
Марта Грэм выступает на крыше. Бостон, 20-е годы
Все, что вы хотели знать о Мерсе Каннингеме
То есть о главном постмодернисте от танца.
Модерн начинался как танец-оппозиция существующей системе, но со временем, как это часто и бывает, и его сковали жесткие рамки: техники, которые не каждый мог осилить, превратили танец модерн в вид искусства только для избранных. Постмодерн же смог обрести ту самую свободу, которой так жаждали первые модернисты.
Мерс Каннингем. Нью-Йорк, 1975 год
Мерс Каннингем, который шесть лет был солистом труппы Марты Грэм, построил мостик от танца модерн к современной хореографии, изменил сам танец и отношение к нему. Каннингем стал первым во многом: абстракция, сочинение без цели, отрицание необходимости рассказывать историю, независимость танца от музыки, уничтожение иерархии между танцорами — вот лишь некоторые его принципы. Именно Каннингем, к слову, одним из первых начал интегрировать компьютерные технологии в хореографию.
Алвин Эйли, 1961 год
Как дела обстоят у нас
В связи с историческими событиями в России — на минуточку, дело было в СССР — в это время постмодерн не смог прижиться. Да и особого основания для развития у него не было. Ситуация стала меняться с 1985 года — когда современные западные спектакли начали возить в Москву и Ленинград. Удивительно, но в Советском Союзе самая прогрессивная хореография стала развиваться не там, в Екатеринбурге, Челябинске и Перми. И если начиналось все с попытки скопировать то, что делали в Америке и Европе, то сейчас все больше новых имен возникает в пространстве российской современной хореографии.
Подробная информация о фестивале — на сайте.
Читайте также: