Мировые школы дизайна доклад

Обновлено: 28.04.2024

Хотя я приготовил письменный текст, мне хотелось бы сконцентрироваться на ответе коллеге А.Павловскому, который взял на себя труд вчера высказать личное отношение к теме, я рискну сделать то же самое.

Дело в том, что никакого единого дизайна вообще нет. Это одни из тех мифов, которые, как говорилось вчера, умирают стоя.

Удалось выявить по крайней мере три ключевых формы западного дизайна, существующих в мире.

Это, прежде всего, стафф-дизайн или работа художника внутри капиталистического производства.

Это работа дизайнеров-консультантов, формально не зависящих от промышленных фирм и выполняющих по сути дела функцию методистов.

Наконец, есть новые формы работы художников в дизайне, которые получили название тотального дизайна и которые уже почти не имеют отношения к собственно художественным квалификациям дизайнера.

Я об этом специально писал[1], поэтому буду говорить о более тонких градациях.

В мире существует ещё и национальные школы дизайна. Всем профессионалам известен итальянский дизайн, который является очень любопытной формой выработки новейших художественных, артистических образцов для системы дизайна в целом. Эта школа захватила инициативу образования стиля в профессиональном мире.

Существует американская школа дизайна, известная прежде всего блестящим знанием психотехники психологическим овладением потребительской душой во всех её порывах.

Совсем недавно оформилась школа японского дизайна, которая, опираясь на гигантскую художественную культуру, на современную систему генетического образования в школе, не обращает внимания (внешне, по крайней мере) на вопросы художественного творчества в дизайне. Японский дизайн способен делать что угодно, где угодно и кому угодно. На современнейшей технологии японские дизайнеры стилизуют свою продукцию сознательно и принципиально под характер того места земного шара, куда её адресуют. При этом сама школа анонимна, имя дизайнера почти никогда не бывает известно. Тогда как имена виднейших итальянских дизайнеров известны наперечёт как имена крупных художников; имена американских "тотальных" дизайнеров тоже известны всему миру, это "асы" профессиональной деятельности.

Когда мы только начинали развитие дизайна в нашей стране, я говорю не о двадцатых годах, это было достаточно давно, когда десять лет тому назад мы начали его снова, мы по сути дела только ещё млели от восторга при виде хорошо скомпонованного ящика. В это самое время все "места" в профессии были уже разделены между теми школами, которые я назвал очень приближенно, их больше_, градация тоньше.

Прошло десять лет. И сейчас ставшее недавно очень модным слово "эстетизация" не только у меня, но и у остальных коллег вызывает приступ холодного бешенства.

Я приведу только один маленький, но очень выразительный для меня пример: когда говорят об эстетизации среды, я всегда вспоминаю, что атомная бомба обозначена краевым горошком по белому полю, а водородная голубым горошком по белому полю, и это довольно красиво.

И вот здесь мне хочется подхватить вчерашнюю цитату коллеги Ш.Бойко, когда он напомнил название картины Гогена "Кто мы, откуда мы, куда мы идем". Важно вспомнить, что эта картина картина нового рая, которую художник себе представил, рая, в котором никто никуда не хочет идти, ниоткуда не пришёл и вообще ничего не хочет.

Мне кажется, что ответы на три сакраментальных вопроса уже в целом ясны: мы знаем, куда нужно идти, чтобы школа социалистического дизайна стада фактом.

У каждого есть фраза, запоминающаяся как девиз профессиональной деятельности. Для меня такой фразой является очень древний текст. Это 30-й стих Старой Эдды (Гаве-Мааль), которая была уже старой 850 лет назад. В нем всего две строчки.

Первая "Прошу вас, будьте осторожны", а вторая "Но не очень".

Вот это быть осторожным, но в меру определяет, чем мы имеем право себя считать в результате десятилетней работы.

Если сформулировать эту задачу предельно жёстко и упрощённо и учесть, что места в профессиональном мире дизайна уже разделены между школами, то есть только один выход делать то, что кроме нас, в социалистической культуре никто делать не может. Я говорю именно об объективной ситуации не может делать никто, кроме нас. И здесь мне хотелось бы напомнить, что демонстрировал вчера Е.А. Розенблюм. Могло показаться просто из-за подбора диапозитивов, что он говорит только о производстве, об активности человека внутри производства, потому что показывались машины и промышленный интерьер. Однако это не так. Проблема гораздо шире, это проблема активности, соучастия человека во всех процессах, которые охватывают всю толщу нашей культуры.

Я всё-таки начну с той же производственной среды. Дело не только в том, чтобы помочь рационализаторам. Это важно, это нужно, и об этом говорилось вчера. Дело в том, что мы сегодня столкнулись не только с проблемой желания бывшего школьника стать рационализатором, мы в производстве столкнулись с проблемой скуки. Человек, который имеет 8, а скоро и 10 классов образования, страдает от скуки, спаивая целый день две проволочки. Это банально, и это факт. С этим работает сегодня руководство всей промышленности как с проблемой №1, или начинает работать.

Поэтому там, где невозможно сделать труд областью прямого творчества, а таких областей, к сожалению, очень много, необходимо (и только художник может это сделать) создать условия для творческой "игры" в своей профессии. Но это не только внутри производства. Меня чрезвычайно радует, что на рижские радиоприемники, которые так "вылизывают" наши коллеги дизайнеры, молодые люди наклеивают переводные картинки. Это значит, что эта хорошая, красивая форма их не удовлетворяет, и они хотят, используя её как своего рода полуфабрикат, сделать эту вещь для себя. Эти же картинки наклеивают на купленные в магазине сумки, особенно спортивные.

Шофёры в автобусах и троллейбусах создают внутри кабины, сделанной дизайнером-профессионалом или любителем, то есть инженером, свой мир: вешают коврики, наклеивают переводные картинка на пульт управления и чувствуют себя при этом хорошо.

Я специально исследовал около мотеля кабины грузовиков дальних перевозок. Это удивительный мир людей, которые берут с собой частичку самого себя и хотят переделать фабричный кузов по своему образу и подобию.

В частности, можно увидеть как преображаются балконы, которые сделаны все одинаково и аккуратно, а потом жильцы опутывают эти балконы гирляндами, орнаментом из алюминиевых полос или чего-то ещё, тоже стремясь выразить себя и устроить свой мир по-своему.

Типовую серийную гипсовую скульптуру, которую выставляют во всех пионерских лагерях и в жилых кварталах, какую я видел во многих районах страны, жильцы раскрашивают. Таким образом, речь идёт уже не о пустом мечтательстве, об активности в неопределённом "завтра". Она есть, она может приобретать уродливые формы, но за ней всегда есть настоящее, глубокое содержание.

Как мы считаем, обязанностью проектировщика стало учитывать это в самом начале своего творчества. Это чрезвычайно важно для того, чтобы можно было вторичное творчество разыгрывать внутри той системы, которая запроектирована, а не ломать её, играть с этой системой по образу и подобию человека-использователя.

Вчера, когда К.И.Рождественский говорил о роли художника в архитектуре, могло показаться, что речь шла об узурпации в архитектуре. Напротив, если архитектура не может сегодня учитывать то, о чём я говорил, сюда должен войти художник, и эту случайную и стихийную деятельность по перекрашиванию, по перекапыванию "приусадебного" газона сделать деятельностью художника, не нарушая профессиональной целостности, не отвергая возможности каприза в самовыражении "потребителей".

Я сейчас сделаю последний абрис этой ситуации, опираясь уже на эксперимент, который провожу сам.

Каждый месяц я печатаю в "Неделе" тиражом 7 миллионов экземпляров крошечный очерк об устройстве жилого интерьера. Мне это нужно для того, чтобы получать письма. В этих письмах тысячи людей уже говорят не о том, как достать мебель, а спрашивают (и этим рассказывают) о том, как устроить свой мир в маленькой квартире.

По-моему, всё это следы очень глубоких процессов, которые только начинают проявляться.

Если говорить об отношении Запада к дизайну, то разница выявляется довольно чётко. Там вещь ставится на пьедестал как знак самой вещи. А мы вещь ставим на пьедестал только как знак человеческой деятельности, творчества или героизма, как знак человека. Поэтому хотя мы, конечно, пройдем в ближайшие годы новую стадию "вещной культуры", чрезмерного обилия вещей, но наша культура переболеет этим как корью в детстве, легко. Меркантильный вещизм не укоренится, потому что он не имеет внутренних корней в нашей культуре, хотя и вызван объективными основаниями как реакция на прошлую бедность.

Как после ветрянки организм закаляется, так и наша культура, переболев "вещизмом", больше его не примет. Я в этом уверен, хотя, конечно, этого мало для доказательства. Посмотрим.

Кому-то это может показаться пустым мечтательством, но мы (я говорю от лица профессиональной группы) уверены, что широкое использование и развитие открытой формы может реально стать методической основой социалистической школы дизайна. Дело в том, что этот принцип не могут использовать наши коллеги на Западе. Не потому, что они не талантливы. Нет, они блестящие профессионалы. Не могут потому, что он не приемлем для западной культуры в её буржуазном содержании.

Поэтому, в частности, принцип патентоспособен, сам по себе позволяет создавать образцы, которые будут приняты мировым рывком как образцы нового. Мы уже имеем этому фактические доказательства.

Поэтому вопрос престижа, вопрос лидерства на международном рынке при существующей жестокой конкуренции, идеологическая и политическая задача, которые тем самым перед нами стоят, могут отсчитываться от этого принципа, выражающего суть нашей культуры.

Этот принцип в общем детски прост в его словесной формуле это создание всегда и всюду рамы для человека, игры для человека, а не вещи самой в себе. Он включает в себя тему "человек человеку зрелище, прекрасное зрелище, а не вещь зрелище для человека". Это мне напоминает фразу из того же древнего текста: "Приятнее всего человеку человек". Этому тексту более тысячи лет, и мы реально можем реализовать его в работе, обязаны это сделать.

Этот принцип включает возможность принципиальных изменений, способность проектируемой системы меняться и тем самым быть предметом рационализаторской, изобретательской и какой угодно, даже игровой деятельности.

Эта простота, как нам кажется, открывает новые возможности в профессиональном мире. Кстати, здесь важно заметить: западному дизайну не нужна теория и поэтому у него нет теории; не нужна, потому что её заменяет жестокость рынка, и отсюда убожество текстов, с которыми мы сталкиваемся. А нам теория необходима, нам необходима методика, потому что у нас этих жестоких законов формирования профессии, к счастью, нет.

Я говорил о простоте принципа, но эта простота обманчива, как всякая простота. Чтобы развить его как стиль и как принцип, нужна зрелость профессии, нужен "второй эшелон", который принимает на себя реализацию стиля по большому счёту.

Вчера здесь (может быть, присутствующие не обратили внимания) Е.А. Розенблюм показывал машину, сделанную в Новосибирске без всякого участия нашей Студии и без ведома нашей школы, но сделанную в её принципах. Ради этого стоит работать, это говорит о реальной возможности распространения принципа гораздо шире, чем внутри узкого круга профессионалов, школы. Но зрелость профессии нам ещё, увы, пока не угрожает.

Нам же нужно добиться профессиональной зрелости художественного проектирования как деятельности, в которой дизайнера не может заменить никто.

А зрелость профессии требует, как минимум, выделения тех видов дизайна, о которых вчера шла речь, я выделяю их три:

Принципиальное проектирование или создание стратегических программ.

Создание эталонов, образцовых решений проектных задач, методический контроль.

И, наконец, особая деятельность типа художественного конструирования, внедряющая образцы в производство.

Заканчивая наш я говорю наш, потому что я представляю здесь группу коллег, разговор о стиле, о направлении, о надежде на то, что удастся создать стиль и направление, хочу подчеркнуть следующее. Как известно, борьба ПРОТИВ чего-то имеет право на существование, когда есть сказать что-то ЗА! По крайней мере это относится к творческой, созидавшей деятельности. Но всякая борьба ЗА, и здесь речь идёт о борьба за созданий стиля и направления, есть и борьба ПРОТИВ.

И есть вещи, против которых мы должны и будем по мере сил и возможностей бороться, чтобы создать профессию, полностью соответствующую её задаче. Мы будем бороться против инженерии, создающей кнопочные монстры для дебилов, где требования к человеку ограничиваются нажатием красной и белой кнопки. Мы будем бороться против заказчиков, которые иной раз, насмотревшись красивых вещей, стараются убедить тех, кто должен создавать наше новое, не имеющее образца, что именно это и необходимо копировать.

Это означает ещё и борьбу против архитекторов, хотя мы сами архитекторы-ренегаты, если архитектура будет лишать человека возможности включаться в процесс создания среды обитания. Тут есть и архитекторы-союзники, поэтому это не так страшно.

И наконец, это означает безжалостную борьбу против эстетства, красивых форм ради красивых форм. Это очень трудно, когда человек художник или хочет быть художником, но красивость один из главных наших врагов. Тяготение к красивым формам, которыми полны выставки, от которого мы сами не до конца свободны это враг номер один. И, как нам кажется, сейчас за 10 дет нового этапа работы у нас есть завоеванное моральное право на борьбу против этих вещей, потому что есть уже нечто, по отношению к которому мы ЗА.

Благодарю за внимание.

Доклад на совместном заседании Сектретариатов Союза художников СССР и Союза польских художников "О некоторых вопросах участия художника в создании предметной среды социалистического общества", Москва, 17-17 февраля 1972 года

Скандинавская школа дизайна и Альвар Альто. Шведский модерн. Датский стиль тикового дерева. В Скандинавии в период 40-50-х гг. установился свой стиль в дизайне. Во время первой нью-йоркской ярмарки в 1939 году появилось название "Шведский модерн". Ключом этого дизайн-стиля были керамические работы Вильгельма Каге, стеклянные изделия Кая Франка и мебель Алвара Аалто. Отличительным знаком этих работ было естественное природное ощущение в мягких органических формах, чьи истоки были найдены в скандинавском народном искусстве. Если американский дизайн 40-х мы связываем со стилистическим направлением обтекаемых форм, итальянский – с экспериментами в области формы и новых материалов, немецкий – прежде всего с неофункционализмом, скандинавский же дизайн особенно проявился в жилищной культуре 50-60-х гг. После II мировой войны в мебельной культуре Швеции, Финляндии и Дании еще оставались достаточно сильными ремесленные традиции. Дерево с древности являлось излюбленным строительным материалом для стран Северной Европы. Однако скандинавские мастера мебельного искусства, создавая органические формы, не только следовали историческим традициям обработки древесины, но и пробовали новые методы работы с фанерой. Особенно преуспели в этом датские дизайнеры. Дания была европейским поставщиком тикового дерева, которое после индокитайской войны в большом количестве появилось на мировом рынке. Это способствовало развитию "датского стиля тикового дерева". Увлечение тиковым деревом захватило и послевоенную Германию: легкая и практичная мебель была самой подходящей в стесненных жилищных условиях. Традиции и современность. Развитие органического дизайна в Скандинавии. После войны в Дании начали активно внедряться промышленные методы производства, которые принесли с собой и новые материалы. Вековые традиции и прогрессивные новации обогащали друг друга. Мебель имела современный внешний вид и одновременно продолжала оставаться необычайно уютной. Соединение интернационального стиля с традициями ручного изготовления в индустриальном производстве стало основой дальнейшего успеха скандинавской культуры жилища.

Поскольку приверженцы этого направления не только отказывались от привычных стереотипов, но они были против развития современных технологий и потребительских запросов. Нет практически ни одного человека, который бы не делал ремонт квартиры или не изменял интерьера своего дома, офиса… И практически каждому хотелось внести в интерьер что-то особенное, что выделяло бы его помещение на фоне остальных.

Чтобы сделать успешную карьеру, нужно получить качественное образование, самостоятельное или академическое . Многие ВУЗы России и сами абитуриенты в процессе обучения ориентируются на международный опыт. Этот обзор посвящен иностранным школам и университетам дизайна, у которых уже есть международное признание. Из их стен вышли такие известные дизайнеры как Стелла Маккартни, Дарья Разумихина, Мария Грация Кьюри и другие. Статья будет полезна тем, кто хочет отдать предпочтение обучению в зарубежных ВУЗах и тем, кто хочет понять, чем отличается российское образование в сфере дизайна от иностранного.

Итак, какие же мировые школы и университеты дизайна считаются лучшими?

Великобритания

Индустрия дизайна в этой стране – одна из самых быстроразвивающихся в Европе. Основной упор делается на раскрытие таланта студентов. В процессе учебы у них не так много экзаменов, а вот выставок и презентаций – более чем достаточно.

Университет Хартфордшира

В этом университете окончили учебу много талантливых людей.

Бен Мосли — всемирно известный художник, который предпочитает работать с архитектурной или спортивной тематикой. Он окончил университет Хартфордшира в 1999 году. Первая выставка в качестве профессионального художника состоялась в Манчестере в 2003. Сегодня его работы находятся в частных коллекциях по всему миру.

Университеты многих стран активно перенимают опыт Хартфорширдской школы дизайна и сотрудничают с ней. Россия — не исключение.

Британская высшая школа дизайна в России

Частное образовательное учреждение создали в 2003 году в Москве. Оно напрямую сотрудничает с университетом Хартфордшира. Является примером успешного заимствования иностранного опыта в обучении. Включает 9 школ, в которых ежегодно обучаются до 6000 студентов. Имеет 10 направлений, среди которых коммуникационный дизайн, дизайн интерьера, иллюстрация.

Кроме того, британская школа в России разработала десятки программ обучения. Самый короткий курс, Portfolio Building, занимает всего 3 недели. Самая объемная программа, Textile Disign, изучается 6 лет.

Ниже можно увидеть примеры студенческих работ данного университета.

Работа Каринны Полюнской (Fashion дизайн)

Работа Натальи Романовой (Промышленный дизайн)

Работа Charlie O’Konar (Иллюстрация)

Лондонский Университет Искусств

Это одно из самых старых и престижных учебных заведений Туманного Альбиона. Дата основания – 1854 год. Ежегодно здесь обучаются более 25 000 студентов старше 17 лет. Университет включает 6 колледжей, завоевал много наград.

Вот часть его званий:

За годы работы университет выпустил сотни одаренных людей. Таких как:

Стелла Маккартни. Ее давно перестали олицетворять исключительно как дочь знаменитого музыканта Пола Маккартни. Она культовый модельер, дизайнер, основатель дома моды, а еще защитница животных. В своих работах не использует мех и кожу животных, отдавая предпочтение качественной синтетике.

Коллекция сумок от Стеллы Маккартни

Коллекция одежды для бренда adidas от Стеллы Маккартни

Обложка журнала Harper’s Bazaar

Дарья Разумихина. Модельер, еще одна представительница Лондонского Университета Искусств. Она — одна из первых россиянок, которая приняла участие в мировых неделях мод. Также Дарья создала зарисовки заставок для Google, эмблему Coca-Cola Light, основала собственную торговую марку Razu Mikhina. Сама модельер говорит, что предпочитает работать в стиле этнофутуризм.

Италия

Академия изящных искусств в Милане (NABA)

Академию основали в 1980 году. Здесь изучают дизайн театральных декораций, виртуальный дизайн, медиа дизайн, графику и другие творческие направления. Язык преподавания – итальянский и английский. Академия входит в Европейскую лигу искусств. В ней преподают очень солидные люди, которые создали собственные творческие фирмы с нуля. Длительность обучения зависит от выбранной программы.

Одной из известных выпускниц NABA является…

Лаура Гатти. Концепт-дизайнер, графический дизайнер, 3d модельер. Работает в таких направлениях как реклама, промышленный дизайн, иллюстрация.

Иллюстрация от Лауры Гатти

Институт европейского дизайна IED

Это учебное учреждение создали в 1966 году с целью обучения узкопрофильных специалистов в области моды и дизайна. Сегодня это крупная образовательная сеть с филиалами в Бразилии, Испании и главным офисом в Италии. Общее количество студентов достигает в год 10 000 человек. Активно действует программа обмена. Преподавание ведется на английском языке.

Среди знаменитых выпускников этого института стоит выделить:

Осень – зима 2021 – 2022. Коллекция Dior

Олимпия Загноли – выпускница IED и иллюстратор издания The New York Times. Она родилась в 1984 году, постоянно проживает в Милане, при этом является поклонницей Индии и группы Beatles.

Иллюстрация для The New York Times . Олимпия Загноли

Испания

Действительно богатая на творцов страна – Испания. Здесь бережно хранят культурное наследие. Именно Испания подарила миру Диего Веласкеса, Антонио Гауди, Сальвадора Дали, Пабло Пикассо и других мастеров.

Условно обучение в Испании разделяется на несколько категорий:

актерское мастерство;
музыкальное образование;
изобразительное искусство, дизайн;
хореография.

Академия MDA (Marbella Design Academy)

архитектура и дизайн интерьера;
дизайн одежды и производство;
графический дизайн и медиа.

В школе ежегодно обучаются не более 230 студентов. Их разделяют на небольшие учебные группы.

Высшая школа дизайна в Барселоне (BAU)

Еще одна престижная школа дизайна находится в Барселоне. Ее открыли в 1989 году. Школа получила мировое признание. Сегодня в ней проходят обучение 1000 студентов с разных уголков земного шара.

Программы направлены на изучение следующих специальностей:

дизайн интерьера;
графический дизайн и визуальная коммуникация;
дизайн одежды;
аудиовизуальный дизайн.

После окончания курса нужно пройти обязательную практику и защитить выпускную работу.

Работа студента Карлоса Кастро (графический дизайн и визуальная коммуникация)

Работа студентки Лауры Нуньес (модный дизайн)

США

Университеты искусств в Америке, по мнению многих – лучшие в мире. Если верить статистике, в этой стране предлагают более 1700 программ обучения, начиная от школьных и заканчивая университетскими. Американские вузы большое внимание уделяют портфолио, оценивая его креативность, технику, умение работать с цветом.

Гарвардская высшая школа дизайна

Учебное заведение создали в 1874 году. Количество студентов – около 900. Школа предлагает самый старый в мире курс ландшафтной архитектуры. Занимает 1-ое место в престижном рейтинге Design Intelligence, который аккредитовал Национальный архитектурный совет.

Знаменитые выпускники Гарвардской высшей школы:

Массив зданий, спроектированный ИИ Станислава Шеллу

Частная школа искусств и дизайна

В Нью-Йорке расположена частная школа искусств и дизайна, основанная в конце XIX века. Она стала первым учебным заведением в США, в котором можно было пройти обучение в области дизайна интерьера и одежды. Сегодня здесь предлагают 25 курсов, каждый из которых размещен в одном из пяти направлений:

школа истории и теории искусства;
школа искусства, медиа и технологий;
школа искусственной среды;
школа стратегий дизайна;
школа моды.

Общее количество студентов – 4000 человек. Около трети студентов – иностранцы.

Из выпускников этого образовательного учреждения такие известные личности, как:

Художественный институт Канзас – Сити

Это частный колледж, обучение в котором длится в течение 4 лет. Дата основания – 1985 год. Здесь готовят бакалавров по специальности анимация, творческое письмо, графический дизайн, предметный дизайн, живопись, история искусства – всего 13 направлений.

Среди выпускников можно выделить таких людей, как:

Пейзаж (Луиза Маттиасдоттир)

Заключение

Это далеко не полный список престижных учебных заведений, которые специализируются на дизайне. Продолжать его можно до бесконечности.

Все эти заведения нуждаются в одаренных смелых студентах, которые не боятся бросить вызов миру.

Главный вывод, который можно сделать, изучая историю и систему образования перечисленных школ – это особое внимание к практическим занятиям в процессе всего обучения.

Студенты на протяжении всех лет не только учатся искусству, основам дизайна и узкоспециализированным направлениям, но и приемам презентации, продажи собственных знаний и результатов труда.

Они постоянно участвуют в различных выставках, распродажах, показах. Это помогает развить не только индивидуальный вкус, но и способность прислушиваться к предпочтениям и настроениям публики, что гарантирует в будущем востребованность труда студентов.

Пожалуй, это самое главное, что может перенять российская система образования уже сегодня.

по e-mail или социальных сетях

и мы обязательно опубликуем для вас еще больше полезных и интересных материалов!

На протяжении многих веков предметно-пространственная среда человека была рукотворной, все предметы, окружавшие его, были результатом кропотливого и длительного труда мастеров-ремесленников. Процесс изготовления любого предмета являлся не только следованием простой технологической схеме, но и священнодействием. Мастер вклады-вал в работу свою душу, представления о мире, от чего сам предмет наполнялся жизнью.

Содержание работы

Введение 3
Возникновение дизайна 3
Развитие европейского дизайна. 5
Баухауз 8
Список литературы 12

Файлы: 1 файл

Реферат по истории дизайна.doc

Федеральное государственное образовательное учреждение

среднего профессионального образования

РЫБИНСКИЙ ПОЛИГРАФИЧЕСКИЙ КОЛЛЕДЖ

Реферат по истории дизайна

г. Рыбинск, 2011 год

Введение 3
Возникновение дизайна 3
Развитие европейского дизайна. 5
Баухауз 8
Список литературы 12

Прежде всего, хочется отметить, что слово "дизайн" имеет неоднозначную трактовку. Основные переводы с английского включают: план, проект, чертеж, узор, умысел, намерение. То есть дизайнер, с одной стороны, конструктор (особенно в области пром дизайна), с другой - оформитель, а если смотреть глобально - человек, определяющий идеологию предмета, над которым он работает (независимо от того, веб-сайт ли это, танк или визитная карточка).Но так эта наука называется сегодня. До того это можно было назвать преддизайн, искусство эпох предметных фетишей, тотемодизайн, мифодизайн, теодизайн. И развивалось все это согласно тому времени, той духовной и материальной культуре. Дизайн - одно емкое понятие, а включает в себя в нашем сознании: массовый и элитный дизайн, китч, стайлинг, поп-дизайн, единичный арт-дизайн, городской паблиш-арт, архитектурный дизайн, промышленный дизайн, Web-дизайн, графический дизайн, кустарный дизайн, исторический футуро-дизайн, прогностический дизайн будущего, фито-дизайн, коммерческий рекламный дизайн, информационный и программный дизайн, научный сайнс-дизайн, текстовый дизайн. Не буду оригинальным, если скажу, что дизайнер обязан быть мастером во всех областях своей профессии. Корни дизайна уходят к началу XIX века, в эпоху появления массового машинного производства и разделения труда. До промышленной революции в труде ремесленника дизайн непосредственно сочетался с изготовлением изделия.

Индустриальное производство - с приходом века индустриализации дизайнер стал создавать прототипы изделий, которые с помощью машин производили другие люди. Практика раннего дизайна была весьма примитивной. Функциональностью и экономичностью производимой продукции занимались инженеры, а дизайнеры отвечали лишь за ее эстетический вид. Оказалось, что дизайнеры должны создавать прототипы массового машинного производства, предварительно изучив технологию современного производства и свойства материалов. Назначению изделий и простоте обращения с ними придавали столь же важное значение, как и их внешнему виду.

В скором времени дизайнерские фирмы стали набирать в штаты чертежников, модельщиков, инженеров, архитекторов и специалистов по изучению рынка. В 1785 г. в Англии начало развиваться индустриальное машинное производство - специализация, узкопрофессиональный подход, разделение труда, потоковость.
Этап дизайна соединил достоинства предыдущих двух этапов. Дизайнер работает на промышленном производстве, использует различные материалы и технологии. Дизайнер связан с массовым производством и с его возможностями.

Дизайн как профессия возник и сформировался в 20 веке. Но те или иные его черты и даже характерные проявления встречаются ещё в самом начале развития общества. Поиск точной даты рождения дизайна невозможен, но как профессия он возник именно тогда, когда его основы стали преподавать с кафедры, а выдача соответствующих признаваемых обществом дипломов поставила специалистов в области дизайна в один ряд с представителями других нужных обществу профессий.
Принято выделять два основных направления в становлении дизайна:
Российское (ВХУТЕМАС) и Германское (БАУХАУЗ).
В основе всех мировых школ дизайна лежат образовательные концепции, так или иначе восходящие к опыту ВХУТЕМАСа-Баухауза.

К новым условиям стала приспосабливаться и основанная в 1837 году Нормальная школа дизайна, ставшая после реорганизации ведущим государственным учебным заведением в области искусства и известная больше под названием Королевский колледж искусств.

Новый этап развития европейского дизайнерского образования был связан с преодолением разрыва между замыслом и исполнением. Под влиянием Уильяма Морриса в Англии начали создавать различные общества и школы ремесел. Среди них были Общество выставок искусств и ремесел, Ассоциация искусств и кустарных промыслов, Королевская школа художественного шитья. Из наиболее известных личностей в художественной культуре Англии 19 века, воздействовавших на формирование методики дизайнерского образования следует назвать Оуэна Джонса, Чарльза Ренни Макинтоша и Уолтера Крейна.

В 1913 году в Англии были введены специальные дипломы для окончивших дизайнерские отделения, в которых удостоверялось способность к самостоятельному творчеству в области живописи, моделирования, прикладной графики и индустриального дизайна. Одним из крупных учебных заведений тех лет была Школа промышленного искусства в Хельсинки, связанная с деятельностью финского Общества прикладного искусства.

К середине 1870-х годов ее программа, характер студенческих групп и состав преподавателей стабилизировались. Определились методы обучения рисунку, геометрическим построениям на плоскости, в пространстве, работе с деревом, металлом,текстилем. Школа стала ориентироваться в основном на промышленное производство, сохраняя связь с прикладной традицией, закладывала базу будущего профессионального дизайнерского образования.

Подводя итоги, можно отметить, что тогда уже были заложены все его основные направления и тенденции.
Позднее появились крупные центры подготовки дизайнеров, которые сыграли заметную роль не только в профессиональном оформлении дизайна, но и в культуре в целом. Затем началась эпоха Ульмской школы, формирования систем дизайнерского образования в отдельных странах Европы, Азии, Америки, которые превращались в общественную силу именно как системы школ.

Читайте также: