Первая композиторская школа европы появилась в xii веке

Обновлено: 07.07.2024

Для учеников 1-11 классов и дошкольников
Бесплатные сертификаты учителям и участникам

Рaздел II МУЗЫКАЛЬНОЕ ИСКУССТВО

Тема 1. ЕВРОПЕЙСКАЯ МУЗЫКАЛЬНАЯ КУЛЬТУРА

Тема: Вена – центр европейской музыкальной культуры (В.А. Моцарт и др.). Выдающиеся композиторы-романтики (Ф. Шопен, Ф. Лист и др.). Французские шансонье.

Тип: комбинированый.

Цель: Ознакомить учеников с творчеством композиторов венской школы, композиторов-романтиков, французских шансонье, научить охарактеризовывать творческое наследие европейских композиторов, классифицировать основные жанры музыки, анализировать музыкальное творчество, оценить вклад мастеров в мировое музыкальное наследие; развивать умение анализировать произведения музыкального искусства, выделить главное, обосновать свою точку зрения, формировать познавательную активность; воспитывать уважение к мировому музыкальному наследию, увлеченность произведениями мастеров искусств.

Жанр (форма): устный журнал

Художественное название урока : Искусством зажигать сердца!

писатель и драматург

I. Организационный момент.

II. Проверка домашнего задания.

III. Актуализация опорных знаний.

- Какие художественно-стилевые направления музыкального искусства вам известны?

- Какое направление было ведущим в европейском музыкальном искусстве конце XVII - начале XIX?

- Что является характерным для музыки эпохи классицизма?

- Что стало основанием для возникновения романтизма в музыкальном искусстве?

IV. Мотивация учебной деятельности.

Сегодня мы с вами отправляемся в путешествие по странам Европы. Мы посетим Вену - центр европейской музыкальной культуры, Германию, Австрию, Венгрию, Францию, познакомимся с творчеством композиторов венской школы, композиторов-романтиков, историей возникновения и развития шансона во Франции. В ходе нашего урока попытаемся создать портреты выдающихся личностей венского классицизма, композиторов-романтиков, французских шансонье.

V. Изложение нового учебного материала.

Рассказ учителя.

Вершиной развития музыкального классицизма стало творчество Иосифа Гайдна, Вольфганга Амадея Моцарта и Людвига ван Бетховена, которые работали в основном в Вене, ставшей одной из музыкальных центров Европы. Композиторы создали направление в музыкальной культуре второй половины XVIII - начале XIX в. - венскую классическую школу.

Трех великих композиторов венской школы объединяют виртуозное владение разнообразными стилями музыки и приемами композиции: от народных песен до полифонии эпохи барокко. Венские классики создали тот высокий тип инструментальной музыки, в котором все богатство образного содержания воплощено в совершенную художественную форму.

Основной особенностью данного направления является применение трех приемов: обязательного аккомпанемента, наличия сквозных тем и работы над темой и формой.

Для искусства представителей венской классической школы характерны универсальность художественного мышления, логичность, ясность художественной формы.

В творчестве венских классиков выражено динамическое понимание жизненных процессов, нашедшее наиболее полное воплощение в сонатной форме и обусловившее симфонизм многих сочинений. Симфонизмом, в широком смысле, связан рассвет ведущих инструментальных жанров эпохи – симфонии, сонаты, концерта и камерного ансамбля, окончательного формирования 4-часного сонатно-симфонического цикла.

Важную роль в становлении венской школы сыграл музыкальный быт Вены – крупнейший в то время музыкальный центр Европы, а также музыкальный фольклор многонациональной Австрии. Подъем венских классиков взаимосвязан с общим развитием австро-немецкой культуры, с эпохой Просвещения перед Великой французской революцией. Творческие идеи венских классиков отображают философские взгляды Г. Е. Лессинга, И. Г. Гердера, И. В. Гете, Ф. Шиллера, И. Канта, Г. Гегеля, некоторые принципы французских энциклопедистов.

Венский классицизм – художественное направление европейской музыкальной культуры II половины ХVIII – начало XIX вв. Рассвет венского классицизма пришелся на 1780-1810 года.

Искусство венских классиков наполнено оптимизмом, верой в победу добра и справедливости. Композиторы венской школы ввели очень стройную и логическую систему правил построения произведения. Благодаря такой системе, самые сложные ощущения внедряли в ясную и совершенную форму. Система жанров, форм и правил гармонии, разработанная венской школой, сохраняет свое значение и сейчас.

Вторая страница нашего устного журнала посвящена композиторам венской школы

(Демонстрация портретов композиторов, о которых говорится в выступлениях учащихся.)

Жизненный и творческий путь В. А. Моцарта.

Вольфганг Амадей Моцарт (нем. Wolfgang Amadeus Mozart, 1756-1791) – австрийский композитор, представитель венского классицизма, которого считают одним из гениальных музыкантов в истории человечества.

Вольфганг Амадей Моцарт

В музыке Моцарта органично переплетаются художественный опыт разных эпох, национальных школ, традиций народного искусства. Композитор ориентировался на созданную эпохой систему типичных музыкальных образов, жанров, выразительных средств, одновременно переосмысливая их.

Стиль Моцарта отличается интонационной выразительностью, пластичностью, богатством мелодий, взаимопроникновением вокальных и инструментальных начал. Моцарт внес огромный вклад в развитие сонатной формы и сонатно-симфонического цикла. Композитору присуще обостренное чувство тонально-гармонической семантики, выразительных возможностей гармонии (использование минора, прерванных оборотов и т.д.). Фактура произведений Моцарта характеризуется разнообразным сочетанием гомофонно-гармонического и полифонического состава, форм и синтеза. В отрасли инструментовки классическая уравновешенность составов дополняется поисками разных тембровых комбинаций, персонифицированной трактовкой тембров.

Ведущие жанры инструментальной музыки Моцарта – симфония, камерные ансамбли, концерты. Симфония Моцарта - важный этап в истории мирового симфонизма.

В клавирной музыке Моцарта отображены черты нового исполнительского стиля, связанного с переходом от клавесина до фортепиано.

3. Рассказ учителя.

Третья страница нашего журнала посвящена композиторам-романтикам.

На рубеже XVIII-XIX ст. в европейском искусстве сформировалось повое направление - романтизм. В отличие от представителей классицизма, которых прежде всего интересовали высокие общественные идеалы, романтики обратились к внутреннему миру человека.

Франц Шуберт

ереходным этапом от классицистической к романтической музыке считают творчество австрийского композитора Франца Шуберта (нем. Franz Peter Schubert; 1797-1828). За свою короткую жизнь Ф. Шуберт создал более тысячи фортепианных и оркестровых произведений. Но при жизни композитор получил признание только как автор песен, а его симфонии, сонаты, фортепианные миниатюры на длительное время забыли.

Инструментальная музыка Ф. Шуберта связана с традициями венской классической школы. Особенно популярны Восьмая и Девятая симфонии композитора. Песенное дарование Ф. Шуберта отразилось во всех сферах его творчества, а также в фортепианной музыке. Значительную часть его наследия составляют небольшие музыкальные пьесы (миниатюры). Музыку Франца Шуберта слушатели любят за простоту, искренность, эмоциональность.

В музыке особенности романтизма проявились очень ярко. Изменение художественного мышления способствовало изменению системы музыкальных жанров. В отличие от композиторов-классицистов (которые отдавали предпочтение таким жанрам, как симфония, соната, опера, инструментальный концерт), композиторы-романтики разработали лирическую миниатюру, с помощью которой выражали сокровенные чувства и движения. души. Получили развитие песня и романс, особое место в музыке заняла любовная лирика.

Важным средством создания музыкального образа стала словесная программа, раскрывающая содержание произведения. Это понятие толковали очень широко. Программой могло служить название произведения, которое указывало на определенное состояние природы или души человека. Иногда музыкой иллюстрировали произведение литературы или живописи, иногда композитор сам сочинял сюжет для инструментальной музыки (например, для симфонии) и выражал его в специальном пояснении к партитуре. Таким образом реализовывали популярную в романтизме идею синтеза искусств - литературы, живописи и музыки.

Представителям романтизма свойственно внимание к фольклору. Композиторы использовали интонации, ритмы, мотивы народных песен и танцев. В романтической музыке нередко встречаются фантастические, сказочные образы. Особое место в ней занимают картины природы - как отражение внутреннего мира человека.

Романтизм - направление в европейском искусстве конца XVIII - начала XIX в., возникший в атмосфере разочарований, сомнений и безнадежности, которые господствовали в обществе, того времени вследствие отрыва мечты от реальности. Композиторы-романтики сосредоточили внимание на богатом и сложном внутреннем мире человека. В своем творчестве они отдают предпочтение жанру миниатюры - как вокальному, так и инструментальному. Представителями романтизма были, в частности: Ф, Шуберт, Р. Шуман, Ф. Лист, Э. Григ, К. Вебер, Дж. Россини, Ф. Шопен, Р. Вагнер, М. Глинка, Ф. Мендельсон, И. Брамс, А. Бородин, Ж. Бизе, Н. Римский-Корсаков, П. Чайковский.

Жизненный и творческий путь Ф. Шопена.

Фридерик Франсуа Шопен (польск. Fryderyk [Franciszek] Chopin, иногда Szopen; 22.02.1810 - 17.10.1849) - выдающийся польский композитор и пианист, родился в с. Желязова Воля под Варшавой, с 1831 года Шопен покидает Польшу и поселяется в Париже, где начинает работать над своими первыми скерцо, этюдами и балладами.

Фридерик Шопен

Особый вклад в музыкальное искусство Шопен привнес своими оригинальными вальсами, мазурками и полонезами - жанрами, в которых воспроизведены славянские танцевальные ритмы и гармонический язык, типичный для польского фольклора.

Ему принадлежат более 12 ноктюрнов - прекрасных, мечтательных, поэтичных, глубоко лирических откровений, Шопен - автор нескольких баллад (это единственный у него жанр программного характера). В его творчестве представлены также экспромты, особенно популярны его вальсы.

К творчеству Шопена относятся также произведения для фортепиано с оркестром и немногочисленные камерные пьесы (в частности, полонез ми-бемоль мажор, два концерта (ми-минор и фа-минор), фантазия на польскую тему, рондо-краковяк).

Жизненный и творческий путь Ф. Листа.

Франц Лист

ранц Лист (Втор. Liszt Ferenc, нем. Franz Liszt; 22.10.1811-31.07.1886) - венгерский композитор, пианист, педагог, дирижер, родился в селе Доборьян вблизи города Шопрон в Венгрии. Участие отца в музыкальном формировании сына было случайным: Адам Лист рано начал учить сына музыке, сам давал ему уроки. В церкви мальчика учили пению, а местный органист – игре на органе. С 1821 года Лист играл в Вене мастерство игры на фортепиано у Карла Черни, который согласился учить мальчика бесплатно. Теории Листа учил Антонио Сальери.

Во время гастролей в Киеве, в феврале 1847 года Ференц Лист познакомился с Каролиной Витгенштейн, близкая дружба с которой продлится всею его жизнь. Именно этой женщине композитор посвятил свои симфонические поэмы. 1848году. Лист и Каролина поселяются в Веймаре.

В 1865г. композитор принимает малый постриг и звание аббата, в 1875 г. деятельность Листа сосредоточивается преимущественно в Венгрии (в Пеште). Здесь он был избран президентом вновь учрежденной Высшей школы музыки. Ф. Лист скончался 31 июля 1886 года в Байройте.

Один из величайших представителей музыкального романтизма, основатель венгерской композиторской школы, Ф. Лист был знаменитым исполнителем, известным в Европе, благодаря своему феноменальному пианизму и непревзойденному умению организовывать зрелищные концертные программы.

В последние годы жизни творчество Ф. Листа претерпело значительные изменения - он создал особый, аскетичный и лаконичный стиль, свободный от романтических преувеличений, опередив выразительные средства музыки XX века.

Деятельность Ф. Листа заняла главное место в становлении венгерской национальной композиторской школы и оказала огромное влияние на развитие мировой музыкальной культуры.

5. Слово учителя.

На протяжении многих веков пары танцевали практически на одном месте, вращаясь вокруг, держась вблизи друг друга. Впоследствии эти танцы распространились в городах (конец XVIII - начало XIX в.), где их исполняли в больших танцевальных залах.

Музыку для венского вальса писали такие известные композиторы, как И. Штраус (отец и сын), Ф. Легар, Ф. Шуберт, Ф: Шопен, Г. Берлиоз, К. Вебер и др.

Венский вальс - бальный танец, состоящий из нескольких различных по характеру частей. Название происходит от Венского конгресса, на котором этот танец был исполнен впервые.

Четвертая страница нашего журнала посвящена венскому вальсу.

Жизненный и творческий путь И. Штрауса.

Иоганн Штраус

7. Рассказ учителя.

Французская музыка всегда ассоциировалась с изяществом, лиричностью и поэтичностью. Французская песня завораживает, волнует слушателей. И именно такую музыку, полифоническую по своему содержанию, называли в XV-XVI вв. шансоном.

Ранние шансоны развились из таких жанрах народной музыки, как баллады, рондо, а также из искусства трубадуров. Первым значительным автором шансонов был Гийом де Машо (XIV в.),

В XV-XVI вв. шансон испытал влияние нидерландской полифонической школы. Полифонические шансоны являются многообразными по тематике, им свойственно использование популярных народных или профессиональных мелодий.

Всемирно известными исполнителями французских эстрадных песен Ив Монтан, Мирей Матье, Джо Дассен, Далида, Патрисия Каас, Лара Фабиан, Милен Фармер.

Граница между шансоном и эстрадной песней является весьма условной. За пределами франкоязычных стран часто всех исполнителей, которые поют на французском языке, называют шансонье.

Выполняя свою песню, шансонье якобы проживает ее, наполняя красотой, мудростью, трагичностью, одиночеством, светлой печалью.

Шансон (фр. chanson - песня) - общее название разновидностей народной или эстрадной французской песни лирического содержания. Исполнителей шансона, которые зачастую являются авторами текстов и музыки, называют шансонье.

Пятая страница нашего журнала посвящена истории возникновения и развития шансона во Франции.

Творчество Г. Монтегюса.

Творчество Э. Пиаф.

Творчество Ш. Азнавура

Шарль Азнавур (фр. Charles Aznavour, нар. 1924) французский шансонье и актер армянского происхождения, настоящее имя - Шахнур Вагинак (Вахинак) Азнавурян. Часто встречается несколько измененный вариант второго имени - Варипаг. Ш. Азнавур хорошо известен как во Франции, так и далеко за ее пределами. С 05.05.2009 г, он является послом Армении в Швейцарии и постоянным представителем страны в штаб-квартире ООН.

Творчество Джо Дассен

Джо Дассен начинал как исполнитель фольклорных песен - и французских, и американских. В конце 1960-х годов певец отказывается от фолк-репертуара в пользу более традиционной поп-эстрады. В течение последующих 10 лет он выпустил много песен, заслужили любовь публики.

Творчество П. Каас.

Патрисия Каас (фр. Patricia Kaas; нар. 05.12.1966) - французская певица, которая очаровывает не только невероятным голосом, но и удивительной пластикой, театрализованостью песен, яркими, неповторимыми сценическими образами. В ее жизни было много испытаний: шестой ребенок в многодетной семье, она начала работать с 9 лет, чтобы прокормить семью. Личная психологическая травма - преждевременная смерть матери - обусловила ее репертуар: она не поет веселые песни, в ее музыке ощущаются трагизм, хрупкостью и вместе с тем - могучая сила.

VI. Актуализация приобретенных знаний.

В эпоху музыкального классицизма венской классической школы расцвели таки жары:

а) симфония; б) соната; в) кантата.

Композиторы-романтики в своем творчестве отдавали предпочтение таким жанрам как:

А) сюита; б) фортепианная миниатюра; в) концерт.

Родиной шансона считают:

а) Австрию; б) Францию; в) Италию.

VII. Подведение итогов урока. Рефлексия.

Все с чем вы нас сегодня познакомили отвечало эпиграфу нашего урока:

« Благо, даруемое нам искусством, не в том,

чему мы у него научаемся, а в том,

О.Уайльд, английский

писатель и драматург

VIII. Домашнее задание

Для всех:

Приблизительно до начала XVIII века европейская музыка не имела четких национальных различий. Господствующая христианская церковь несла свои, общие для всех стран каноны, европейская светская музыка была подвержена итальянскому, французскому, немецкому стилю в зависимости от исторического периода.

Эпоха романтизма дала музыкальному миру новые эстетические принципы, которые утвердили не обобщенное начало, а яркие, индивидуальные образы. Широкое распространение национальные музыкальные традиции получили к 1850 году.

Все же общий интерес народному творчеству, стремление прикоснуться к самобытным национальным традициям пошатнули господство германо-итальянских романтических тенденций и дали толчок к эволюции национальных музыкальных школ. Национальная музыка наиболее ярко отразилась в оперных и вокальных произведениях.

Русская национальная школа

Ближайшим его последователем стал Александр Сергеевич Даргомыжский (1813-1869), творчество которого также послужило ориентиром для музыкантов.

Чешская национальная школа

На развитие чешской национальной школы серьезное влияние оказала геополитическая обстановка, сложившаяся в XIX веке. В начале столетия Богемия была территорией, зависимой от Австро-венгерской империи. Постоянная конфронтация с метрополией привела к массовому росту патриотических настроений и стала катализатором появления столь значительных фигур в искусстве, как Дворжак и Сметана.

Отцом чешской национальной школы является композитор, дирижер и литератор Бедржих Сметана (1824-1884), с детских лет известный как талантливый пианист и скрипач. Находясь в постоянном конфликте с австрийским режимом, Сметана несколько лет проводит в Швеции. Помимо композиторской деятельности, он руководил Филармоническим обществом Гетеборга, а с 1866 по 1847 год, по возвращении в Прагу, возглавил Национальный театр.

Национальная школа Испании

Испанская музыка длительный период находилась под влиянием традиций итальянских мастеров, а любая попытка обратиться к национальным мотивам считалась, по меньшей мере, дерзостью. Музыкальное искусство страны, практически лишенной национальной оперы, нашло опору в оригинальном жанре тонадильи.

Скандинавская, польская, венгерская национальные школы

Польская национальная школа. Безусловно, польская национальная музыка ассоциируется, прежде всего, с великим Фридериком Шопеном, чей патриотизм и пылкая любовь к родине в сочетании с музыкальной гениальностью известна всему миру.

Блестящий виртуозный исполнитель Ян Падеревский посвятил жизнь двум светлым идеалам: музыке и борьбе за свободу порабощенной родины. В 1919 году он был назначен премьер-министром и министром иностранных дел Польши, а позже, во время нацистской оккупации, возглавил Национальный совет в эмиграции. Среди музыкального наследия Падеревского – Симфония си минор и многочисленные произведения для фортепиано.

Школа Нотр-Дама и магистр Леонин, первый профессиональный композитор

Школа Нотр-Дама — это музыканты (студенты и профессоры) соборной школы Парижа, благодаря которым стали записывать ритм. Такое название им дали современные музыковеды, а в XII–XIII веках это был музыкальный кружок в школе Собора Парижской Богоматери — колыбели Университета Парижа.

Леонин одним из первых записал ритм и пришел к многоголосию

Магистер Леонинус стал записывать ритм — до него указывали только высоту звуков. Если трех-, четырехголосный ансамбль исполняет произведение, в котором не указан ритм, то какофония неизбежна: голоса будут сочетаться в хаотичном порядке, их совместное звучание будет диссонансным. Леонин положил этому конец: придумал свою ритмическую систему, благодаря которой смена интервалов и гармоний была полностью подконтрольна и сочинителю, и исполнителям.

Леонин взял шесть трубадурских модусов — сочетания ритмических фигур, соответствующие стихотворным стопам: 1) длинная и короткая нота — хорей; 2) короткая и длинная — ямб, 3) длинная, короткая и короткая — дактиль; 4) короткая, короткая и длинная — анапест; и т.д.

Почему изобретение Леонина так важно?

Леонин еще и собственное композиторское течение создал, которое мы сегодня называем Школой Нотр-Дама. Он написал Magnus liber organa — годовой круг церковного пения. Это сборник произведений для органа и голосов, по которому вели службы Нотр-Дама и учили новые поколения музыкантов.

В эпоху Возрождения происходит процесс активного формирования национальных композиторских школ – нидерландской, английской, итальянской, которая делится на римскую, венецианскую, флорентийскую, неаполитанскую.

Самой влиятельной и могущественной школой стала нидерландская. После включения нидерландов в состав герцогов Бургундии, взаимодействие французской, бургундской и английской традиций усиливается, что порождает новую школу мастеров полифонии. Поэтому нидерландскую школу еще называют бургундской, фламандской или франко-фламандской. В Нидерландах впервые создается система профессионального обучения музыке в метризах (школы-приюты при соборах), из которых вышли многие композиторы. В 15 – 16 веках мастера этой школы работали почти во всех крупных городах Европы. Опираясь на достижения римской школы церковной музыки, они сумели обогатить эту радицию новыми импульсами эпохи Ars nova и придать церковной музыке необыкновенную художественную силу и красоту.

Нидерландская школа обобщила достижения европейского хорового многоголосия 9 – 15 веков и ознаменовала расцвет классической хоровой полифонии. Она создала универсальную систему законов полифонии – сложный конрапункт строгого стиля, которым композиторы пользовались виртуозно, разработала классические образцы церковных и светских жанров – мессы, мотета, мадригала, шансон и др., утвердила господство нормативного 4-голосия.

Расцвет нидерландской композиторской школы XV-XVI веков связан с тремя поколениями композиторов, определивших развитие европейской музыки этого периода. Каждое из этих поколений рассматривается исследователями как отдельная школа. Первую Нидерландскую школу возглавили Беншуа(1400-1460) и Дюфаи(1400-1474), вторую – Окегем (1425-1494) и Обрехт (1450-1505), третью – Жоскен Депре (1440-1524) и Орландо Лассо (1520-1594).

Итальянская школа представлена национальными школами, наиболее интересными из которых в плане полифонического мастерства были римская и венецианская.

Римскую школу возглавлял Джованни Пьерлуиджи де Палестрина (ок. 1525 – 1594). Всю жизнь он прожил в Риме, служил в Сикстинской капелле, руководил собором капеллы св. Петра. Основное место в его творчестве занимает жанр мессы (около 100), магнификаты, мотеты, мадригалы и др. Основой музыки Палестрины служит григорианский хорал. Принято считать, что Палестрина своей музыкой спас церковную полифонию, от которой высшее духовенство хотело отказаться в пользу григорианского унисонного пения. Эти намерения были продиктованы тем, что полифоническая усложненность и тяготение к многоголосию создавали неудобство в восприятии текста песнопений, который для молящихся был нераспознаваем. Это, по мнению отцов церкви, разрушало молитвенную атмосферу богослужебного ритуала. Для стиля Палестрины характерна простота и ясность контрапунктической ткани. Это достигается тем, что отдельные мелодические линии, составляющие хоровое многоголосие, отличаются четкостью рисунка, что в целом и делает ткань канонов и имитаций прозрачной и ясной, а текст – отчетливо понятным. Очевидно, прибегая к такой манере письма, Палестрина как бы доказал жизнеспособность полифонии в церковной музыке.

Основоположником венецианской школы (со второй половины XVI в.) стал нидерландец А.Вилларт (1480 – 1562). В отличие от просветленного стиля римской школы, в Венеции культивировалось импозантное вокально-инструментальное многоголосие, богатство которого было созвучно современной ярко колористической живописи Веронезе Тинторетто. Его отличительные черты: использование инструментального сопровождения (в том числе медных инструментов), применение эффектных контрастов (антифонное пение двух хоров, сопоставление хора и инструментов, форте и пиано), подготавливающих принцип концертирования. Искусные органисты сочиняли инструментальную музыку – токкаты, канцоны, ричеркары. Венецианская школа была переходным звеном к полифонии свободного стиля эпохи барокко.

В области вокально-хоровой полифонии венецианская школа также выдвинула ряд композиторов, среди которых особенно прославился Андреа Габриели (1510-1586) и его племянник Джованни Габриели (1557-1613). Основной тенденцией их творчества было стремление к пышности и насыщенности звуковых форм. Широко применялось многоголосие и многохорность. Вокальные голоса часто сочетались с инструментальным звучанием. Приверженность к эффектному сочетанию различных исполнительских составов нашла свое продолжение в венецианской музыке последующих столетий.

[1] История псалмов берет свое начало в глубокой древности. Впервые они появились примерно в тринадцатом веке до новой эры. По-гречески псалом - "хвалебная песнь". Так назывались гимны еврейской религиозной поэзии и молитвы, составляющие ветхозаветную Псалтирь. В начале новой эры псалмы были приняты и христианской церковью. В древнехристианском пении псалмы исполнялись попеременно двумя хорами в унисон. Это была медлительно-суровая речитация, очень сдержанная и отрешенная.

[2] В обиход христианской церкви гимны были введены в четвертом веке миланским епископом Амвросием. Сначала это были небольшие вставки в богослужебный ритуал. Затем гимны стали своеобразным средоточием лирических настроений, их мелодическую основу нередко составляли популярные, легко запоминающиеся мотивы. К одиннадцатому веку богослужение без гимнов уже не существовало. Но официально они были допущены в музыку лишь в XIII в.

Композиторская школа — группа композиторов или стиль композиции, предположительно созданный совместно объединением композиторов, как правило работающих в том же музыкальном жанре или те, кто учились в одном месте или у одних и педагогов.

Включение того или иного композитора в состав тех или иных групп групп нередко носит спорный характер. Композиторские школы средневековья, как правило, сложнее поддаются подобной классификации, в то время как более современные группы имеют тенденцию быть более конкретными в направлении и, благодаря уже сложившимся музыкальным направлениям (школам) проще поддаются идентификации.

Связанные понятия

Украи́нская му́зыка берёт начало от народной музыки восточно-славянских племён и в своём развитии охватывает практически все типы музыкального искусства — народную и профессиональную, академическую и популярную музыку. Сегодня разнообразная украинская музыка звучит на Украине и далеко за её пределами, развивается в народной и профессиональной традициях, является предметом научных исследований.

Армя́нская му́зыка — многовековая музыкальная культура армянского народа. В статье рассматриваются история, жанры и музыкальные особенности древней, средневековой и современной армянской музыки (как народной так и профессиональной). Формирование армянской музыки начинается со II тыс. до н. э. во взаимодействии с музыкальными культурами древних народов Передней и Малой Азии.

Музыка Кубы — очень интересна и самобытна, она впитала в себя много местных мотивов и классическую аранжировку.

Современная классическая музыка (англ. contemporary classical music) — это та музыка, написание которой принадлежит периоду, который начался в середине 1970-х — первой половине 1990-х годов. Включает модернистскую, постмодернистскую, неоромантическую и плюралистическую музыку. Тем не менее, этот термин может также использоваться в более широком смысле — для обозначения всех музыкальных форм, написанных после 1945 года, включая академическую музыку ХХ века. Сейчас самый распространённый вид современной.

Но́вая ве́нская шко́ла (нем. Zweite Wiener Schule, Neue Wiener Schule, Junge Wiener Schule, англ. Second Viennese School) — устоявшееся в мировом музыковедческом дискурсе название композиторской школы, эстетические принципы которой исторически сложились в первой трети XX века в Вене, явившись результатом активной творческой, педагогической и организационной деятельности Арнольда Шёнберга и его учеников.

Народная музыка, музыкальный фольклор — музыкально-поэтическое творчество народа, неотъемлемая часть народного творчества, существующего, как правило, в устной форме, передаваемого из поколения в поколение. Поскольку народная музыка известна всем общественно-историческим формациям (как устным, так и письменным), то её следует рассматривать не только как компонент народного творчества, но и, в более широком смысле, как ветвь (корень) музыкального искусства. Одна из главных ветвей, которую обычно сравнивают.

Метод Кодая (также известен как концепция Кодая) — подход к музыкальному образованию, разработанный в Венгрии в середине XX века Золтаном Кодаем. Идеи Кодая в области музыкального обучения послужили источником для метода, который позже был разработан его коллегами и последователями. В 2016 году данный метод был включен в список ЮНЕСКО как часть нематериального культурного наследия человечества.

Турецкая музыка состоит преимущественно из тюркских элементов; частичное влияние оказала центральноазиатская народная музыка, арабская музыка, греческая музыка, османская музыка, персидская музыка и балканская музыка. В современной музыке также присутствуют элементы европейской и американской поп-музыки.

Двенадцать уйгурских мука́мов (уйг. ئۇيغۇر ئون ئىككى مۇقامى ) — это единый цикл или ряд протяженных музыкально-поэтических произведений, шедевр средневекового уйгурского музыкального искусства. Синтезируя в себе традиционную песенно-инструментальную музыку и танцы, изустно-профессиональную музыку и поэзию, уйгурские мукамы являются неотъемлемой частью искусства макамат.

Швейца́рская му́зыка, история которой восходит ко II веку до н. э., сложилась в результате смешения народных традиций древних племён, заселявших территорию Швейцарии. Из народной музыки страны наиболее популярно пение йодль (тирольское пение), которое сейчас распространено в Центральной Швейцарии и Аппенцелле. Центрами музыкальной культуры Швейцарии являются города Берн, Цюрих, Лозанна, Люцерн и др.

Гли (англ. glee, от др.-англ. gligg — музыка) — жанр популярной вокальной музыки, распространённый в Англии во второй половине XVIII и первой половине XIX веков.

Ве́стерн-свинг (англ. western swing, от western и swing) — стиль танцевальной музыки, создававшийся в среде традиционных для белого населения США струнных ансамблей в 1920-е годы. Развившись из бытового музыкального жанра, стал популярен на юго-западе, где существовали устойчивые танцевальные традиции. Основоположники направления отличались новаторством и эклектизмом, свободно перенимали черты разных музыкальных стилей, в том числе джаза. При этом, вестерн-свинг считается одним из наиболее самобытных.

Английская народная музыка включает в себя как традиционную английскую музыку, так и различные жанры на её основе (например, кэрол), и часто перекликается с духовной (англиканской церковной и паралитургической), а позднее — с неакадемической (лёгкой) музыкой. Важной частью английской народной музыки являются морские песни шанти, джига, хорнпайп и танцевальная музыка, которая используется для танцев Моррис. Она развивалась в тесном взаимодействии с музыкой Шотландии, Ирландии и Уэльса.

Русская музыка — достижения музыкальной культуры русского народа — результат многовекового исторического процесса формирования и развития своеобразных, глубоко реалистических традиций, включает в себя богатое музыкальное наследие России. Это понятие объединяет традиционную и популярную музыку, развивающихся в России под влиянием русской национальной и иностранной музыкальных культур.

Новая музыка (нем. Neue Musik, фр. nouvelle musique) — обобщающее понятие, введённое в 1919 году немецким музыкальным критиком Паулем Беккером и подразумевающее различные течения в европейской академической музыке XX века, в которых достаточно ярко выражены инновационные тенденции.

Музыкальная культура Ирана — результат многовекового исторического процесса формирования и развития музыкальных традиций, создавших богатое музыкальное наследие иранского народа.

Дирижёр (от фр. diriger — управлять, направлять, руководить) — руководитель разучивания и исполнения ансамблевой (оркестровой, хоровой, оперной и т. д.) музыки. Именно дирижёру принадлежит художественная трактовка произведения, он же призван обеспечить как ансамблевую стройность, так и техническое совершенство исполнения. Хотя те или иные формы управления группами музыкантов существовали ещё в глубокой древности, в самостоятельную профессию, требующую специальных навыков и специальной одарённости.

Азербайджанский рок (азерб. Azərbaycan roku) — различные формы рок-музыки, созданные в Азербайджане или музыкантами азербайджанского происхождения.

Новая тро́ва или Нуэ́ва тро́ва (исп. nueva trova) — культурное и музыкальное движение, возникшее на Кубе около 1970 года.

Культура Соединённых Штатов Америки формировалась под влиянием этнического и расового многообразия страны. Значительное влияние на неё оказали выходцы из таких стран, как Ирландия, Германия, Польша, Италия, потомки привезённых из Африки рабов, а также американские индейцы и коренные жители Гавайских островов. Тем не менее, решающий вклад сделала культура выходцев из Англии, что распространяли английский язык, правовую систему и другие культурные достижения.

Дроун, иногда дрон (англ. drone — гудение, гул) — жанр в академическом минимализме и некоторых экспериментальных направлениях популярной музыки, в котором за основу композиции берется непрерывно тянущийся или повторяющийся музыкальный тон или кластер (бурдон).

Австралийская музыка — музыкальная культура Австралийского континента. На формирование австралийской музыки оказывало влияние два фактора: аборигенная музыкальная культура и привнесённая с XVIII века музыкальная культура европейских колонизаторов, основу которой составляла английская музыка.

Третий поток (англ. Third Stream) — это термин, придуманный в 1957 году композитором и профессором Гюнтером Шуллером на лекции в Брандейском университете, чтобы описать тот музыкальный жанр, что вышел напрямую из джаза и представляет собой синтез классической музыки и джаза. Импровизация, как правило, рассматривается в качестве важнейшего компонента в третьем потоке.

Американская народная музыка варьируется по многочисленным региональным и этническим группам США. Для различных индейских племён характерен свой вариант народной музыки. Европейские поселенцы и африканские рабы привезли в страну собственные музыкальные инструменты и традиции. Европейцы — скрипки и фортепиано, а африканцы — технологию изготовления аналога современного банджо и технику игры на нём. К XIX веку на этих инструментах играли как белые, так и черные американцы, зачастую в совершенно разной.

Датская музыка относится к числу древнейших в Европе. Дo XII века музыка Дании ограничивалась народными жанрами, позже начала зарождаться светская и духовная музыка. Начиная с XVI века в Дании развивается классическая музыка. Известный композитор Карл Нильсен считается величайшим композитором Дании. В сфере балета отличился балетмейстер Август Бурновиль, благодаря которому датский балет достиг вершины мастерства. Из датских исполнителей в стране популярны музыкальные коллективы Aqua, The Raveonettes.

Музыка барокко — период в развитии европейской академической музыки, приблизительно между 1600 и 1750 годами.

История музыки — отрасль музыковедения (наука и учебная дисциплина), изучающая музыку, в первую очередь европейскую, по эпохам, странам и школам. Музыка, как часть культуры, находится под влиянием всех остальных её аспектов, включая социально-экономическую организацию и опыт, климат, и доступ к технологиям. Эмоции и идеи, выражаемые в музыке, ситуации, в которых музыка исполняется и воспринимается, а также отношение к исполнителям и композиторам варьируются в зависимости от региона и эпохи.

Кельтская музыка — термин, используемый для обозначения совокупности музыкальных традиций народов, являющихся потомками кельтов. Современные потомки кельтов проживают на территории Ирландии, Шотландии, Мэна, Корнуолла, Бретани, Уэльса, Галисии, Астурии и Кантабрии. Синтез кельтской традиционной музыки с жанрами популярной музыки породил целое направление — келтик-фьюжн.

Музыкальный минимализм в России появился приблизительно в середине 1970-х годов и оказал определённое влияние на формирование мирового минималистского искусства. Зарождение минимализма в стране связано с именами Арво Пярта, Валентина Сильвестрова и Владимира Мартынова. Ряд сочинений в духе минимализма написали Николай Корндорф, Александр Рабинович-Бараковский, Михаил Чекалин. Наиболее известными представителями музыкального минимализма второго десятилетия XXI века являются Антон Батагов, Алексей.

Украинский рок — культурно-музыкальное и общественно-политическое явление, возникшее на Украине в 1960-е годы под влиянием мировой музыки.

Арт-поп (англ. Art pop; также известны другие вариации названия артпоп и арт поп) — музыкальный жанр, широко охарактеризованный стиль в поп-музыке, вдохновлённый поп-артом, интегрированный элитарной и неэлитарной культурами и подчеркнутый манипуляциями с символами, стилем и жестами над самовыражением. Арт-поп артисты вдохновляются постмодернизмом обращаясь к эстетике, а также к другим формам искусства, таким как мода, изящное искусство, кино и авангардной литературе. Также жанр может отклоняться.

Культура Шуши — совокупность историко-культурных традиций города Шуша, период расцвета которых начался в конце XVIII — начале XIX века.

Академи́ческая му́зыка — музыка, находящаяся в отношении преемственности прежде всего к сформировавшимся в Европе в XVII—XIX вв. музыкальным жанрам и формам (опера, симфония, соната и т. п.), мелодическим и гармоническим принципам и инструментальному составу.

Читайте также: