Современные технологии записи и воспроизведения музыки сообщение
Обновлено: 12.05.2024
Современные технологии звукозаписи, которые стали доступны широким массам, открыли возможность многим людям реализовать свой творческий потенциал. С каждым годом производители музыкального оборудования, а также компьютерные программисты создают все новые и новые инструменты, которые стирают грань между профессиональной студийной и домашней записью. Наступило время, когда не оборудование определяет качество работы, а именно человек, его умение грамотно использовать инструментарий. Поэтому сейчас как никогда актуальны учебно-образовательные материалы для изучения всех вопросов, касающихся звукозаписывающего процесса.
Данная статья адресована всем, кто занимается звукозаписью, в основном музыкантам, которые имеют домашнюю студию и осваивают все премудрости профессии звукорежиссера-продюсера.
Основная проблема многих молодых музыкантов, которые встали на этот путь, заключается в том, что технологической стартовой площадкой их работы стали компьютерные системы. Не пройдя путь аналоговой записи, музыканты попадают в среду удивительных возможностей, использование которых требует знания не только звукорежиссуры, но и других дисциплин, например, психоакустики. Как мы знаем, любая технология, изначально предназначенная для облегчения жизни, имеет свои подводные камни. Любой прогресс есть относительный регресс. Понимание проблематики процесса звукозаписи, а также многих аспектов, связанных с ней, помогают получить наилучший результат.
Странно, но, даже купив новый альбом хорошего исполнителя, не можешь его дослушать до конца! Возможно, причина в том, что музыка на CD не так хороша? А может быть, современный ритм жизни уже не может выдержать столько утомительной работы: потратить почти час на прослушивание одного альбома? А может, за годы работы в индустрии от музыки накопилась усталость и хочется тишины и покоя?
Возможно, эти факторы имеют место, но в данной статье хотелось бы обратить внимание на технические составляющие, которые отрицательно влияют на производство музыки на всех стадиях.
Создание аранжировки и количество треков
Известно, что неграмотная аранжировка, когда партии инструментов создают гармонические и частотные артефакты, может серьезно испортить хороший материал.
Как проходил процесс на заре звукозаписи? Музыканты сочиняли песню (к примеру), потом на репетициях думали, как ее исполнить. Методом проб находили наиболее удачные варианты. Потом репетировали, чтобы играть песню уверенно. И только потом приходили в студию, исполняли произведение, в то время как звук через микрофоны ложился на магнитную ленту.
Такая запись требовала от музыкантов хорошей подготовки к студийной работе на этапе репетиций – необходимо было продумать партии каждого инструмента в аранжировке и хорошо их выучить. Так как вычистить ошибку было технически невозможно, на каждого музыканта ложилась большая ответственность, что заставляло всех участников записи к каждой студийной сессии относиться очень серьезно. В таком подходе есть сразу два плюса. Первый – на стадии репетиций все музыканты слышат недостатки и исправляют их. Материал долго шлифуется, хотя немало записей 1950-х, 1960-х годов сделаны спонтанно, сыграны с ходу прямо в студии. Достаточно вспомнить начало карьеры Элвиса Пресли! Но с точки зрения аранжировки важен второй момент – на записи звучит только то количество инструментов, которые звучат в живом исполнении.
Современные технологии дают возможность создавать сотни треков! Однако все это звуковое нагромождение серьезно осложняет сведение в плане частотного баланса. Звуковая картина при таком подходе имеет сложную частотную сумму, в аранжировке зачастую отсутствует прозрачность и воздух. Слушать большое количество инструментов, особенно звучащих одновременно, для слуха очень некомфортно. Желание сделать мощный бас, густой пэд, насыщенную бочку, дабл-треки гитар в сумме дает такой концентрат звука, что найти инструментам место в миксе не представляется возможным.
Перегруженность аранжировки – главная болезнь современных записей. Музыканты просто стали бояться звучать естественно, так как относительно других нафаршированных дабл-треками записей коллег своя запись кажется менее убедительной. Но слушать такую музыку некомфортно. Честную же запись слух принимает с большей благодарностью. Такая запись имеет бОльшую ценность в перспективе.
Поэтому на этапе создания аранжировки нужно стремиться к минимальному количеству треков (инструментов).
Стоит отметить еще один момент, который относится больше к поп-музыке. Сейчас аранжировки в основном делает один человек, играя партии за все инструменты. Это не всегда хорошо по двум причинам. Во-первых, музыкант может не очень грамотно создавать партии инструментов. Не все пианисты-аранжировщики или гитаристы, программируя барабаны, понимают специфику игры на ударной установке. И, во-вторых, при работе одного человека над аранжировкой нет коллективного контроля и фильтрации. Ведь в группе материал шлифуется долгим анализом всех участников ансамбля, с позиции каждого инструмента. Как бы то ни было, если есть возможность, работать над музыкальным материалом лучше с коллективом.
Однако современные технологии открывают совершенно новые формы работы. Запись наложением во многих стилях стала основным методом. Резонанса музыканты ищут не друг с другом, а с метрономом, который стал главным мерилом ритмической конструкции музыки. Мерило это весьма спорное, так как ни в фольклорной, ни в классической музыке, ни в блюзе, ни в джазе и даже ни в фанке музыканты не играли абсолютно ровно по темпу. Играть абсолютно ровно (точно) просто невозможно, так как человек не может удерживать постоянный темп, даже если поставит себе такую цель. Но в этом и нет необходимости. Детальный анализ ранних композиций направлений легкой музыки показывает, что темп песен и композиций плавает в довольно широком диапазоне.
Но как бы то ни было, самая лучшая запись получается при игре группы в реальном времени, когда вся ритм-секция играет совместно. Несмотря на все сложности такой формы работы, она всегда будет иметь ценность и уникальность. Поэтому, если есть возможность организовать такую запись, стоит идти именно по этому бескомпромиссному пути.
Глубокая редакция треков
Современные технологии записи позволяют выполнять редакцию треков. Сбылась мечта многих поколений музыкантов! Сейчас можно из записанной партии убрать все ошибки и довести ее до идеального звучания. Рассказ о том, как сейчас можно скомпоновать гитарное соло, нарезав его из нот хроматической гаммы, уже стал анекдотом. На студии редко можно встретить вокалиста, который бы не пользовался на сведении автотюном. Все эти идеальные треки, вычищенные и тщательно причесанные, соединяясь вместе, должны, казалось бы, давать идеальную звуковую картину. Но этого не происходит. Человеку при прослушивании не за что зацепиться! Это напоминает яблоко, которое сорвали с дерева и отчистили (замылили ) от всех естественных природных червоточинок.
Записи с большей громкостью кажутся более крутыми. Однако проведя над собой эксперимент, вы поймете, что при длительном прослушивании все воспринимается в точности наоборот. Разогнанный микс можно послушать один раз. После этого уши слушателя просто отваливаются. Прослушать в таком исполнении весь CD для слуха становится пыткой (может поэтому дослушать CD современной группы до конца все более сложно). Это на чисто физическом уровне.
Интересен тут другой момент. На старых записях, сделанных в реальном времени, микрофоны улавливали звуки из всех источников. В микрофон и гитары попадали, и барабаны, и бас, и другие инструменты. Бороться с проникающими посторонними шумами при записи в реальном времени всей группы было сложно. В настоящее время при записи наложением данные проблемы исчезают. Но продюсеры, звукорежиссеры и музыканты стали замечать, что при этом что-то потерялось.
Ударная установка начинает звучать чисто, у нее нет характерного гула, возникающего от резонансов, но при этом звук ударной установки больше напоминает ритм-машинку. Поэтому многие продюсеры начали пользоваться гейтами деликатно, а многие вообще перестали это делать, сохраняя максимум естественного звучания со всеми звуковыми артефактами.
Постепенное возвращение к записи в реальном времени, отсутствие боязни взаимопроникающих звуков, насыщение микса естественными шумами – все это свидетельствует о прохождении определенной стадии развития технологии и подходов.
Вы можете изучить и скачать доклад-презентацию на тему Электронная музыка. Современные технологии записи и воспроизведения музыки. Презентация на заданную тему содержит 14 слайдов. Для просмотра воспользуйтесь проигрывателем, если материал оказался полезным для Вас - поделитесь им с друзьями с помощью социальных кнопок и добавьте наш сайт презентаций в закладки!
Электромеханические музыкальные инструменты. Электронная музыка оперирует звуками, которые образуются при использовании электронных технологий и электромеханических музыкальных инструментов. Примерами электромеханических музыкальных инструментов могут служить телармониум, орган Хаммонда и электрогитара. Чистый электронный звук получают, применяя такие инструменты как терменвокс, синтезатор и компьютер.
Синтезатор – от слова синтез Это изменило образ популярной музыки — синтезаторы стали использовать многие рок- и поп- артисты. С этого момента электронная музыка стала привычной частью популярной культуры. Сегодня электронная музыка включает в себя большое количество различных стилей от экспериментальной академической музыки до популярной электронной танцевальной музыки.
Экспериментальная музыка Наиболее известный и видный деятель немецкой электронной музыки — Карлхайнц Штокхаузен. Он является автором более 350-ти музыкальных произведений, значительная часть которых относится к области экспериментальной электронной музыки. Штокхаузен говорил об опыте, который переживали слушатели, прослушивая его музыку. Некоторые говорили, что они испытывают чувство полёта, или находятся в космосе, или в каком-то фантастическом нереальном мире.
Японская электронная музыка В довоенной Японии почти не были известны такие ранние электронные инструменты, как Волны Мартено, терменвокс и траутониум (англ. Trautonium). Но некоторые композиторы, в числе которых был Минао Шибата, знали, что такие инструменты уже существуют. Спустя несколько лет после окончания Второй мировой войны японские музыканты начали экспериментировать с электронной музыкой. В некоторых случаях эти эксперименты приводили к положительным результатам исключительно благодаря институциональной финансовой поддержке: у музыкантов была возможность работать с новейшими моделями звукозаписывающей и звукообрабатывающей техники. Так азиатская музыка стала частью развивающегося жанра электронной музыки. Позже это привело к тому, что через несколько десятилетий Япония стала лидером в области развития музыкальных технологий.
1960-ые годы были плодотворными для электронной музыки. Успехов достигли не только музыканты от академической электроники, но также и независимые музыканты — технология синтеза звука стала более доступной и, как следствие, в свободной продаже появились первые синтезаторы. 1960-ые годы были плодотворными для электронной музыки. Успехов достигли не только музыканты от академической электроники, но также и независимые музыканты — технология синтеза звука стала более доступной и, как следствие, в свободной продаже появились первые синтезаторы. К этому времени сформировалось и достаточно развилось сообщество композиторов и музыкантов, работающих с новыми звуками и с новыми инструментами.
Электронная музыка — это музыка, в которой используются электронные музыкальные инструменты, цифровые инструменты и музыкальные технологии на основе схем. В общем, можно различать звук, созданный с использованием электромеханических средств ( электроакустическая музыка ), и производимый только с использованием электроники. Электромеханические инструменты включают в себя механические элементы, такие как струны, молотки и т. Д., а также электрические элементы, такие как магнитные датчики , усилители мощности и громкоговорители .
Типичными примерами электромеханических устройств для создания звука являются орган Хаммонда и электрическая гитара , которые обычно делались достаточно громкими, чтобы исполнители и зрители могли слышать их в больших аудиториях. Чистые электронные инструменты не имеют вибрационных струн, молотков или других звуковоспроизводящих механизмов. Такие устройства, как синтезатор и компьютер, могут создавать электронные звуки.
Первые электронные устройства для исполнения музыки были разработаны в конце 19-го века, и вскоре итальянские футуристы исследовали звуки, которые не считались музыкальными. В 1920-х и 1930-х годах были введены электронные инструменты и сделаны первые композиции для электронных приборов. К 1940-м годам магнитная аудиокассета позволяла музыкантам записывать звуки, а затем изменять их, изменяя скорость или направление ленты, что привело к созданию электроакустической ленты в 1940-х годах в Египте и Франции.
Musique concrète, созданная в Париже в 1948 году, была основана на редактировании совместно записанных фрагментов естественных и промышленных звуков. Музыка, созданная исключительно из электронных генераторов, впервые была выпущена в Германии в 1953 году. Электронная музыка также создавалась в Японии и Соединенных Штатах, начиная с 1950-х годов. Важной новой разработкой стало использование компьютеров для сочинения музыки. Алгоритмическая композиция впервые была продемонстрирована в Австралии в 1951 году.
В 1960-х годах живая электроника была впервые внедрена в Америке и Европе, японские музыкальные инструменты начали влиять на музыкальную индустрию. В начале 1970-х годов монофонический синтезатор Minimoog и японские драм-машины помогли популяризировать синтезированную электронную музыку.
В 1970-х годах электронная музыка с применением полифонических синтезаторов , электронных барабанов , драм-машин и вертушек начала оказывать значительное влияние на популярную музыку, благодаря появлению таких жанров, как дискотека , краутрок , новая волна , син-поп , хип хоп и EDM . В 1980-х годах электронная музыка с большей опорой на синтезаторы и внедрением программируемых барабанных машин, таких как Roland TR-808 и басовых синтезаторов, таких как TB-303, стала доминирующей в популярной музыке.
В начале 1980-х годов активно распространяются цифровые технологии для синтезаторов, включая цифровые синтезаторы, такие как Yamaha DX7 , а группа музыкантов и музыкальных торговцев разработали цифровой интерфейс музыкальных инструментов ( MIDI ).
Музыка, созданная в электронном виде, стала динамично развивающейся и популярной в 1990-х годах из-за появления доступных музыкальных технологий. Современная электронная музыка включает в себя множество разновидностей и варьируется от экспериментальной художественной музыки до популярных форм, таких как, например, электронная танцевальная музыка. Сегодня электронная музыка наиболее узнаваема в своей форме 4/4 и более связана с основной культурой в отличие от ее предыдущих форм, которые были специализированы на нишевых рынках.
Слайды и текст этой презентации
Электронная музыка. Современные технологии записи и воспроизведения музыки.
Электромеханические музыкальные инструменты.
Электронная музыка оперирует звуками, которые образуются при использовании электронных технологий и электромеханических музыкальных инструментов. Примерами электромеханических музыкальных инструментов могут служить телармониум, орган Хаммонда и электрогитара. Чистый электронный звук получают, применяя такие инструменты как терменвокс, синтезатор и компьютер.
Синтезатор – от слова синтез
Это изменило образ популярной музыки — синтезаторы стали использовать многие рок- и поп- артисты. С этого момента электронная музыка стала привычной частью популярной культуры. Сегодня электронная музыка включает в себя большое количество различных стилей от экспериментальной академической музыки до популярной электронной танцевальной музыки.
Наиболее известный и видный деятель немецкой электронной музыки — Карлхайнц Штокхаузен. Он является автором более 350-ти музыкальных произведений, значительная часть которых относится к области экспериментальной электронной музыки. Штокхаузен говорил об опыте, который переживали слушатели, прослушивая его музыку. Некоторые говорили, что они испытывают чувство полёта, или находятся в космосе, или в каком-то фантастическом нереальном мире.
Японская электронная музыка
В довоенной Японии почти не были известны такие ранние электронные инструменты, как Волны Мартено, терменвокс и траутониум (англ. Trautonium). Но некоторые композиторы, в числе которых был Минао Шибата, знали, что такие инструменты уже существуют. Спустя несколько лет после окончания Второй мировой войны японские музыканты начали экспериментировать с электронной музыкой. В некоторых случаях эти эксперименты приводили к положительным результатам исключительно благодаря институциональной финансовой поддержке: у музыкантов была возможность работать с новейшими моделями звукозаписывающей и звукообрабатывающей техники. Так азиатская музыка стала частью развивающегося жанра электронной музыки. Позже это привело к тому, что через несколько десятилетий Япония стала лидером в области развития музыкальных технологий.
1960-ые годы были плодотворными для электронной музыки. Успехов достигли не только музыканты от академической электроники, но также и независимые музыканты — технология синтеза звука стала более доступной и, как следствие, в свободной продаже появились первые синтезаторы.
К этому времени сформировалось и достаточно развилось сообщество композиторов и музыкантов, работающих с новыми звуками и с новыми инструментами.
Новый виток развития музыки
(синти-поп, электро-поп, техно-поп), отличающиеся чётким, механистичным танцевальным ритмом, демонстративной искусственностью звука (синтезаторы более не имитируют звучание реальных музыкальных инструментов), использованием вокала (зачастую роботоподобного) в качестве контрапункта синтезаторной аранжировке, минимализмом и остинатной структурой композиции. Тексты песен часто имеют социально-футурологическую и научно-фантастическую направленность. Мастерством создания лирических электронных мелодий блеснул японец Китаро группа Зодиак, группа Арго, Эдуард Артемьев, Свен Грюнберг, и другие.
техно/поп/нью-эйдж, а Клаус Шульце активно занялся экспериментами с Техно, транс, эмбиент и индастриал переплелись воедино в музыке. Синтез тяжелого альтернативного панк-рока и техно .
Ностальгию по старым добрым временам, когда электронная музыка была доходчивой, выражает Андрей Климковский.
Читайте также: