Сообщение о картине из русского музея
Обновлено: 17.04.2024
Дворцовые интерьеры, старинные иконы, портретная живопись XVIII века и главные шедевры XIX и ХХ столетий
Дворцовые интерьеры, старинные иконы, портретная живопись XVIII века и главные шедевры XIX и ХХ столетий
Справа от главной двери — вход для посетителей с ограниченными возможностями: здесь они могут вызвать сотрудника музея.
Русский музей — крупнейшее в мире собрание российского искусства, от старинных икон до работ современных художников. Он был основан в 1895 году по указу Николая II и в то время назывался Русским музеем императора Александра III. Сегодня собрание Русского музея занимает шесть зданий — обойти их все за один день, конечно, не получится. Поэтому мы составили для вас путеводитель по главному зданию музея — Михайловскому дворцу — и Корпусу Бенуа, который расположен рядом с ним.
Русский музей — крупнейшее в мире собрание российского искусства, от старинных икон до работ современных художников. Он был основан в 1895 году по указу Николая II и в то время назывался Русским музеем императора Александра III. Сегодня собрание Русского музея занимает шесть зданий — обойти их все за один день, конечно, не получится. Поэтому мы составили для вас путеводитель по главному зданию музея — Михайловскому дворцу — и Корпусу Бенуа, который расположен рядом с ним.
Русский музей — крупнейшее в мире собрание российского искусства, от старинных икон до работ современных художников. Он был основан в 1895 году по указу Николая II и в то время назывался Русским музеем императора Александра III. Сегодня собрание Русского музея занимает шесть зданий — обойти их все за один день, конечно, не получится. Поэтому мы составили для вас путеводитель по главному зданию музея — Михайловскому дворцу — и Корпусу Бенуа, который расположен рядом с ним.
Дворец в стиле ампир был построен в начале XIX столетия и получил имя в честь младшего сына Павла I и брата Александра I — великого князя Михаила Павловича. Проект здания разработал известный архитектор итальянского происхождения Карл Росси, он же построил в Петербурге Александринский театр, здания Главного Штаба, Сената и Синода. В августе 1825 года император Александр I подарил дворец своему брату и его супруге — великой княгине Елене Павловне, урожденной принцессе Шарлотте Вюртембергской.
Экскурсия по Михайловскому дворцу начинается с Парадного вестибюля. В нем сохранилась ампирная отделка XIX столетия: вход украшен аркой, стены — аллегорическими барельефными изображениями, которые олицетворяют воинскую славу России. Их характерные детали — воинские шлемы, мечи, щиты, двуглавые орлы и лавровые венки как символ победы. Широкая парадная лестница ведет на галерею, украшенную коринфскими колоннами: их верхние части — капители — отделаны рельефным растительным орнаментом.
С галереи начинается маршрут по музейной экспозиции. На втором этаже находятся залы 1−17: в них в хронологическом порядке расположены картины, иконы и скульптуры от времен Древней Руси до середины XIX века.
Автор иконы неизвестен, но манера письма, в которой она выполнена, была характерна для византийской художественной школы. Образ Гавриила относится к деисусному чину — композиции из нескольких икон с изображениями Богородицы, Иоанна Предтечи, архангелов и святых, которые в христианстве играют роль заступников за грешных людей перед Христом.
В следующих трех залах также размещены иконы. Два из них посвящены работам самых известных русских мастеров — Андрея Рублева и Дионисия.
В следующем, восьмом зале раньше располагалась парадная спальня великой княгини . Здесь сохранилась потолочная роспись с изображениями купидонов и растительными орнаментами. Обратите внимание, что этот же мотив повторяется на полуколоннах, которые украшают стены зала. Сейчас здесь выставлены образцы русской скульптуры и портретной живописи конца XVIII — начала XIX столетия. В их числе вы можете увидеть работы Федора Рокотова — одного из самых известных московских портретистов XVIII столетия. В Русском музее хранятся рокотовские портреты внебрачного сына Екатерины II Алексея Бобринского, графа Ивана Орлова, графини Елизаветы Санти и Варвары Суровцевой.
В Белом, или Белоколонном, зале Михайловского дворца сохранились не отдельные детали интерьера, а почти вся первоначальная обстановка. Настенные росписи, мебель, светильники, цветные плашки наборного паркета — все это было изготовлено специально для зала по эскизам Карла Росси. Здесь располагался музыкальный салон, в котором великая княгиня Елена Павловна устраивала творческие вечера. На них присутствовали не только российские композиторы и поэты, но и гости из Европы: Ференц Лист, Гектор Берлиоз и другие. В середине XIX века во дворце открылись музыкальные классы, на основе которых позже была создана Петербургская консерватория.
Из Белого зала вы попадете в помещение, где представлена коллекция портретов Владимира Боровиковского, а затем — в залы, посвященные живописи начала XIX века. Один из них, академический зал №14, посвящен творчеству Карла Брюллова и Ивана Айвазовского.
Картина Ильи Репина поступила в собрание Русского музея в 1918 году из бывшего дворца великого князя Владимира Александровича в Петрограде. Он купил ее в 1873 году на Всемирной выставке в Вене, где произведение отметили бронзовой медалью.
Репин писал картину с 1870 по 1873 год, однако замысел возник у художника еще раньше, когда он учился в Академии художеств. В 1868 году он впервые увидел на Неве бурлаков, запряженных в лямку и тянущих тяжелый груз. Молодого Репина поразил контраст между ними и прогуливающимися по набережной людьми.
После того как осмотрите все интересующие вас полотна, вы можете по специальному переходу попасть в другое здание музея — выставочный Корпус Бенуа, где находятся временные выставки и постоянная экспозиция живописи ХХ века.
Строительство Корпуса Бенуа началось в 1914 году, но вскоре было приостановлено из-за Первой мировой войны. Завершилось оно только в 1919-м. Первоначально корпус назывался Дворцом искусств и предназначался только для временных выставок.
Над проектом работал Леонтий Бенуа, представитель легендарной династии художников и архитекторов — в его честь и назвали здание.
В начале 1930-х годов Корпус Бенуа стал частью Русского музея. После войны его соединили переходами с Михайловским дворцом и флигелем Росси, чтобы гости музея могли легко попасть из одного здания в другое.
Сейчас в Корпусе Бенуа расположена часть постоянной экспозиции Русского музея, посвященная искусству XX и XXI веков. Картины и скульптуры здесь, как и в Михайловском дворце, расположены в хронологическом порядке. Каждый зал посвящен работам одного художника или одному из направлений живописи: символизму, футуризму, авангарду, абстракционизму и другим течениям. Чтобы осмотреть постоянную экспозицию, поднимайтесь сразу на второй этаж: в залах первого размещаются временные выставки, к ним можно вернуться позже.
Из Врубелевского зала вы попадете в помещение, где выставлены работы символистов: Николая Милиоти, Павла Кузнецова, Николая Сапунова. А следующий зал Корпуса Бенуа посвящен творчеству Михаила Нестерова.
Из Врубелевского зала вы попадете в помещение, где выставлены работы символистов: Николая Милиоти, Павла Кузнецова, Николая Сапунова. А следующий зал Корпуса Бенуа посвящен творчеству Михаила Нестерова.
Нестеров много раз переписывал отдельные фрагменты полотна, накладывал новые слои краски и писал по непросохшему маслу. Из-за этого фактура красочного слоя нарушилась. Картину отреставрировали в 2019 году. Работа была очень сложной и филигранной, в течение полугода реставраторы восстанавливали полотно так, чтобы не повредить другие его части.
Портрет знаменитой танцовщицы Иды Рубинштейн — одна из самых известных работ Валентина Серова и всей эпохи русского модерна. В коллекцию Русского музея эту картину передал сам художник в 1911 году.
Серов изобразил Иду Рубинштейн обнаженной. Тело ее выглядит нарочито угловатым, детали обстановки едва намечены: так художник стремился передать особенности пластики танцовщицы, отразить в статичном портрете ее манеру двигаться.
Продолжают экспозицию пейзажи и портреты Александра Головина, а в следующем зале выставлены работы Бориса Кустодиева.
Павел Филонов. Крестьянская семья (Святое семейство). 1914
Государственный Русский музей, Санкт-Петербург
На этой картине художник соединил образы простых деревенских жителей с персонажами евангельской легенды — Девой Марией, ее мужем Иосифом и младенцем Иисусом. Героями полотна стали и животные — лошадь и собака, курица и петух. Филонов изобразил их не как фон, но как равноправных членов крестьянской семьи, которые ничем не уступают людям.
Павел Филонов умер в Ленинграде во время блокады. После его смерти сестра художника передала все его картины на хранение в Русский музей. А в 1970-х годах они стали частью постоянной экспозиции.
В Корпусе Бенуа также выставлены полотна на военную тему, работы художников 1960–70-х годов и современных мастеров. Последние несколько залов постоянной экспозиции посвящены российскому декоративно-прикладному искусству: здесь можно увидеть майоликовые работы Михаила Врубеля, дореволюционный и советский фарфор, расписные вазы и декоративные статуэтки.
Продолжить прогулку вы можете в Михайловском саду, который расположился между Михайловским дворцом и Корпусом Бенуа.
В 1741 году императрица Елизавета Петровна предложила архитектору Бартоломео Франческо Растрелли разработать проект нового Летнего дворца на месте дворца Екатерины I. Зодчий придумал дворцовый сад в виде лабиринта, который украшали скульптуры и фонтаны. Позади нового здания расположился еще один парадный участок с прудами и цветником. Несколько аллей делили сад на участки строгой геометрической формы. В таком виде будущий Михайловский сад существовал до 1800 года, пока дворец Елизаветы Петровны не снесли. На его месте возвели Михайловский замок, также известный как Инженерный. А сад снова перепланировали: в западной его части теперь находился фруктовый сад, в восточной — парадные аллеи. Часть фигурных прудов засыпали, оставшиеся соединили между собой подземным каналом. Однако после гибели Павла I в 1801 году Михайловский замок перестал быть императорской резиденцией. Члены царской семьи покинули его; здание и парк постепенно пришли в запустение.
Восстановили Михайловский сад в начале 1820-х годов. На месте старых оранжерей появился Михайловский дворец, Большой садовый пруд соединили подземным каналом с рекой Мойкой, а новые деревья высадили в виде строгого каре вокруг дворца, по английской моде. Новый проект сада создавал архитектор Карл Росси. Перед фасадом Михайловского дворца появился также луг в форме неправильного овала — его назвали Масляным.
Кто любит русскую живопись, наверняка был в Русском музее в Санкт-Петербурге (открыт в 1897 году). Конечно, есть Третьяковская галерея. Но именно в Русском музее хранятся главные шедевры таких художников, как Репин, Брюллов, Айвазовский.
Если мы вспоминаем о Брюллове, то сразу же думаем о его шедевре “Последний день Помпеи”. Если о Репине, то в голове возникает картина “Бурлаки на Волге”. Если вспомним Айвазовского – вспомним и “Девятый вал”.
И это не предел. “Ночь на Днепре” и “Купчиха”. Эти знаковые картины Куинджи и Кустодиева – тоже в Русском музее.
Эти работы вам покажет любой гид. Да и сами вы вряд ли пройдёте мимо них. Так что об этих шедеврах я просто обязана рассказать.
Добавив пару моих любимых, пусть и не самых “раскрученных” (“Ахматову” Альтмана и “Тайную вечерю” Ге).
1. Брюллов. Последний день Помпеи. 1833 г.
Карл Брюллов. Последний день Помпеи. 1833 г. Государственный Русский музей
4 года подготовки. Ещё 1 год непрерывной работы красками и кистями. Несколько обмороков в мастерской. И вот результат – 30 квадратных метров, на которых изображены последние минуты жизни жителей Помпеи (в 19 веке название города было женского рода).
Для Брюллова все было не зря. Думаю, в мире не было такого художника, чья картина, всего лишь одна картина произвела бы такой фурор.
Люди толпами врывались на выставку, чтобы посмотреть шедевр. Брюллова буквально носили на руках. Его окрестили ожившим Тицианом . А Николай I удостоил художника личной аудиенции.
Что же так поразило современников Брюллова? Да и сейчас не оставит зрителя равнодушным.
Мы видим очень трагичный момент. Через несколько минут все эти люди погибнут. Но нас это не отталкивает. Потому что нас завораживает … Красота.
Красота людей. Красота разрушения. Красота катастрофы.
Посмотрите, насколько все гармонично. Красное расскаленное небо прекрасно сочетается с красным одеянием девушек справа и слева. А как эффектно падают под ударом молнии две статуи. Я уж не говорю про атлетичную фигуру мужчины на вздыбленном коне.
Картина с одной стороны о реальной катастрофе. Позы людей Брюллов срисовывал с погибших в Помпеях. Улица тоже настоящая, ее до сих пор можно увидеть в очищенном от пепла городе.
Но красота персонажей делает произошедшее похожим на древний миф. Как будто красивые боги прогневались на красивых людей. И нам не так печально.
2. Айвазовский. Девятый вал. 1850 г.
Это самая известная картина Айвазовского. Которую знают даже люди, далёкие от искусства. Чем же она так прославилась?
Людей всегда завораживает борьба человека со стихией. Желательно со счастливым финалом.
Вот этого в картине хоть отбавляй. Остросюжетней некуда. Шестеро выживших отчаянно цепляются за мачту. Рядом накатывает большая волна, девятый вал. За ней следом идёт ещё одна. Людям предстоит долгая и страшная борьба за жизнь.
Но уже рассвет. Пробивающееся сквозь рваные тучи солнце – это надежда на спасение.
Стихия Айвазовского, так же, как и у Брюллова, потрясающе красива. Конечно, морякам не сладко. Но мы не можем не любоваться прозрачными волнами, солнечными бликами и сиреневым небом.
Поэтому эта картина производит такой же эффект, что и предыдущий шедевр. Красота и драма в одном флаконе.
3. Ге. Тайная вечеря. 1863 г.
Николай Ге. Тайная вечеря. 283 х 382 см. 1863 г. Государственный Русский музей. Tanais.info
Два предыдущих шедевра Брюллова и Айвазовского были приняты публикой с восторгом. А вот с шедевром Ге все было сложнее. Не любил ее Достоевский, например. Слишком приземлённой она ему казалась.
Но больше всех были недовольны церковники. Они даже смогли добиться запрета на выпуск репродукций. То есть широкая публика ее не могла увидеть. Аж до 1916 года!
Отчего же такая неоднозначная реакция на картину?
Вспомните, как изображали Тайную вечерю до Ге. Хотя бы Леонардо да Винчи . Стол, вдоль которого Христос и 12 апостолов сидят и трапезничают. Иуда среди них.
У Николая Ге все иначе. Иисус возлежит. Что как раз Библии соответствовало. Именно так принимали еду иудеи 2000 лет назад, по-восточному.
Христос уже произнёс своё страшное предсказание, что один из учеников предаст его. Он уже знает, что это будет Иуда. И просит его сделать, что задумал, не откладывая. Иуда уходит.
И как раз в дверях мы словно сталкиваемся с ним. Он накидывает на себя плащ, чтобы уйти в темноту. И в прямом, и переносном смысле. Его лица почти не видно. А его зловещая тень падает на оставшихся.
В отличие от Брюллова и Айвазовского, здесь более сложные эмоции. Иисус глубоко, но смиренно переживает предательство ученика.
Пётр возмущён. У него горячий характер, он вскочил и недоуменно смотрит в след Иуде. Иоанн не может поверить в происходящее. Он, как дитя, который впервые столкнулся с несправедливостью.
А ещё апостолов меньше двенадцати. Видимо, для Ге это не было столь важным уместить всех. Для церкви же это было принципиально. Отсюда и цензурные запреты.
4. Репин. Бурлаки на Волге. 1870-1873 гг.
Илья Репин впервые увидел бурлаков на Ниве. И так был поражён их жалким видом, особенно в контрасте с отдыхающими неподалёку дачниками, что решение писать картину тут же созрело.
Холёных дачников Репин не стал писать. Но контраст все же в картине присутствует. Грязное отрепье бурлаков противопоставлено идиллистическому пейзажу.
Может быть, для 19 века это выглядело не так вызывающе. Но для современного человека такой вид работника кажется удручающим.
Да ещё Репин пароход на заднем плане изобразил. Который мог бы быть использован в качестве буксира, чтобы людей не мучить.
В реальности бурлаки не были настолько обездолены. Их хорошо кормили, после обеда всегда давали поспать. А за сезон они зарабатывали столько, что зимой могли прокормить себя, не работая.
Репин взял для картины сильно вытянутый по горизонтали холст. И удачно выбрал угол зрения. Бурлаки идут к нам навстречу, но при этом не загораживают друг друга. Мы легко можем рассмотреть каждого из них.
И самого главного бурлака с лицом мудреца. И молодого парня, который никак не приноровится к лямке. И предпоследнего грека, который оглядывается на доходягу.
С каждым в упряжке Репин был лично знаком. Вёл с ними долгие беседы про жизнь. Поэтому они и получились такими разными, каждый со своим характером.
5. Куинджи. Лунная ночь на Днепре. 1880 г.
“Лунная ночь на Днепре” – самая известная работа Куинджи. И не удивительно. Сам художник очень эффектно познакомил ее с публикой.
Он организовал персональную выставку. В выставочном зале было темно. Лишь одна лампа была направлена на единственную картину выставки, “Лунную ночь на Днепре”.
Люди заворожённо смотрели на картину. Яркий зеленоватый свет луны и лунной дорожки гипнотизировал. Видны очертания украинской деревушки. Лишь часть стен, освещённых луной, выступает из темноты. Силуэт мельницы на фоне освещённой реки.
Эффект реалистичности и фантастичности одномоментно. Как же художник добился таких “спецэффектов”?
Помимо мастерства здесь ещё Менделеев руку приложил. Он помогал Куинджи создать состав краски, особенно мерцающей в полумраке.
Казалось бы, удивительное качество у художника. Уметь самому распиарить свою же работу. Но он поступил неожиданно. Почти сразу после этой выставки Куинджи 20 лет провёл затворником. Он продолжал писать, но свои картины никому не показывал.
Картина ещё до выставки была куплена великим князем Константином Константиновичем (внуком Николая I). Он так был привязан к картине, что взял ее в кругосветное путешествие. Соленый влажный воздух способствовал потемнению полотна. Увы, того гипнотического эффекта уже не вернуть.
Но вы можете полюбоваться авторскими, более яркими копиями в Третьяковской галерее или Симферопольском музее.
6. Альтман. Портрет Ахматовой. 1914 г.
“Ахматова” Альтмана очень яркая и запоминающаяся. Говоря о поэтессе, многие вспомнят именно этот ее портрет. Удивительно, но ей самой он не нравился. Портрет ей казался странным и “горьким”, судя по ее стихам.
На самом деле даже сестра поэтессы признавала, что в те дореволюционные годы Ахматова такой и была. Истинной представительницей модерна.
Молодая, стройная, высокая. Ее угловатой фигуре как нельзя лучше вторят “кустарники” в стиле кубизма. А ярко-синее платье удачно сочетается с острым коленом и выпирающим плечом.
Он сумел передать облик стильной и неординарной женщины. Впрочем он сам был таким.
Альтман не понимал художников, которые могут работать в грязной мастерской и не замечать крошек в своей бороде. Сам он всегда был одет с иголочки. И даже нижнее белье шил себе на заказ по своим же эскизам.
В неординарности ему тоже было сложно отказать. Как-то изловил тараканов в своей квартире, он покрасил их в разные цвета. Одного выкрасил в золотой цвет, назвал его “лауреатом” и отпустил со словами “Вот его тараканиха-то удивится!”
7. Кустодиев. Купчиха за чаем. 1918 г.
“Купчиха” Кустодиева – жизнерадостная картина. На ней мы видим добротный, сытый мир купечества. Героиня с кожей светлее неба. Кот с мордочкой, похожей на лицо хозяйки. Пузатый начищенный самовар. Арбуз на богатом блюде.
Что мы могли бы подумать о художнике, который написал такую картину? Что художник знает толк в сытой жизни. Что он любит пышных женщин. И что он явно жизнелюб.
А вот, как было на самом деле.
Если вы обратили внимание, то картина написана в революционные годы. Художник с семьёй жил крайне бедно. Мысли только о хлебе. Тяжёлый быт.
К чему такое изобилие, когда вокруг разруха и голод? Так Кустодиев пытался запечатлеть безвозвратно ушедшую красивую жизнь.
А что насчёт идеала женской красоты? Да, художник говорил, что худые женщины его не вдохновляют на творчество. Тем не менее, в жизни он предпочитал именно таких. Стройной была и его жена.
Кустодиев был жизнелюбивым. Чему поражаешься, так как к моменту написания картины он уже 3 года как был прикован к инвалидному креслу. Диагноз костного туберкулёза ему был поставлен ещё в 1911 году.
Кустодиевская внимательность к деталям очень необычна для времени, когда процветал авангард. Мы видим каждую сушку на столе. Гуляющих у гостиного двора. И молодца, пытающегося удержать коня на скаку. Все это похоже на сказку, небылицу. Которая когда-то была, да закончилась.
Подведем итог:
Хотите увидеть главные шедевра Репина, Куинджи, Брюллова или Айвазовского – Вам в Русский музей.
“Последний день Помпеи” Брюллова – про красоту катастрофы.
“Девятый Вал” Айвазовского – про масштаб стихии.
“Тайная вечеря” Ге – про осознание скорого предательства.
“Бурлаки” Репина – про наемного работника 19 века.
“Лунная ночь на Днепре” – про душу света.
“Портрет Ахматовой” Альтмана – про идеал женщины модерна.
“Купчиха” Кустодиева – про эпоху, которую не вернуть.
Комментарии других читателей смотрите ниже. Они часто являются хорошим дополнением к статье. Ещё вы можете поделиться своим мнением о картине и художнике, а также задать вопрос автору.
В этом музее Санкт-Петербурга хранится самая большая коллекция русского искусства в мире. Ей может позавидовать даже Третьяковка.
Музей был основан в 1895 году по высочайшему указу Николая II. Основное здание музея - Михайловский дворец в центре Петербурга, но в обширный музейный комплекс входит еще несколько дворцов и зданий города, а также Михайловский и Летний сад.
1. Орест Кипренский. Портрет Евграфа Владимировича Давыдова. 1809
Кипренский известен как портретист, в особенности по эмблематичному изображению поэта Александра Пушкина. Однако, самая известная его картина в Русском музее - портрет гусара, героя Отечественной войны 1812 года с Наполеоном.
2. Карл Брюллов. Последний день Помпеи. 1833
Художник работал над картиной около шести лет в Италиие и ездил на раскопки Помпеи. Полотно размером 4.5 × 6.5 метра экспонировалась в Милане, затем в Эрмитаже. Люди, в ужасе бегущие от извержения вулкана Везувия, производили невероятное впечатление на публику. В Русский музей она была передана прямо к открытию в 1897 году.
3. Иван Айвазовский. Девятый вал. 1850
Эта картина мариниста Айвазовского знакома каждому школьнику. Людей, потерпевших кораблекрушение, на которых обрушится еще одна огромная волна, художник поместил на полотне 2 x 3 метра. Она также попала в музей в 1897 году из Эрмитажа.
4. Илья Репин. Бурлаки на Волге. 1870-73
Одна из самых известных картин художника-передвижника Репина, посвящена тяжелому народному быту. Картина ездила на Всемирную выставку в Вене и позже была куплена членом императорского семьи.
5. Василий Верещагин. У дверей мечети. 1873
6. Архип Куинджи. Лунная ночь на Днепре. 1880
Мастер работы светописи, Куинджи долгое время искал художественное решение для изображения великого Днепра. Лунная дорожка на ночной реке обладает прямо-таки фосфорическим сиянием. Полотно купил еще в незавершенном виде один из великих князей Романовых. Специально для нее также впервые в истории России устроили выставку одной картины.
7. Виктор Васнецов. Витязь на распутье. 1882
8. Василий Поленов. Христос и грешница (Кто не без греха?). 1888
Ради написания этой картины художник ездил в путешествие по Палестине и Сирии, где сделал множество эскизов - лиц, ландшафтов, зданий. Картину размером 3 x 6 метров купил лично Александр III и она хранилась в Эрмитаже, затем была передана в Русский музей в 1897 году. На вырученные с продажи деньги художник построил дом, сейчас это музей-усадьба Поленово.
9. Василий Суриков. Переход Суворова через Альпы в 1799 году. 1899
10. Илья Репин. Запорожцы. 1880-1891
11. Николай Рерих. Заморские гости. 1902
12. Валентин Серов. Портрет княгини З.Юсуповой. 1902
13. Илья Репин. Торжественное заседание Государственного совета 7 мая 1901 года, в день столетнего юбилея со дня его учреждения. 1903
Это монументальное полотно размером 4 х 8.7 метров было выполнено по заказу Николай II. Художник работал в течение трех лет, каждый член Совета позировал для портрета. У Репина были проблемы с рукой, поэтому ему ассистировали художники Иван Куликов и Борис Кустодиев.
14. Михаил Врубель. Шестикрылый серафим. 1904
15. Михаил Нестеров. Святая Русь. 1905
16. Лев Бакст. Древний ужас (Теrrоr Аntiquus). 1908
17. Валентин Серов. Портрет Иды Рубинштейн. 1910
18. Наталья Гончарова. Велосипедист. 1913
19. Кузьма Петров-Водкин. Мать. 1915
Картины авангардиста Петрова-Водкина имеют корни в иконописи, при этом отражают сцены из народной жизни. В этой работе очевидна отсылка к богоматери и революционные мотивы.
20. Натан Альтман. Портрет Ахматовой. 1915
21. Казимир Малевич. Супрематизм. 1915-1916
22. Василий Кандинский. Синий гребень. 1917
23. Борис Кустодиев. Купчиха за чаем. 1918
Кустодиев - настоящий певец купеческого быта и пряничного русского стиля, ставшего популярным в конце XIX - начале XX века. Народные гуляния, масленица и балаганы - это его узнаваемый художественный язык.
24. Марк Шагал. Прогулка 1917-1918
Глубоко символичная картина Шагала продолжает его цикл автопортретов с любимой женой Беллой, на которых они парят над родным городом Витебском.
25. Александр Дейнека. Оборона Севастополя 1942
Одно из самых известных военных полотен советской живописи. Монументальная работа (2 × 4 м) написана не по канонам соцреализма и без четкого соблюдения перспективы, однако, накал и символизм выразительных средств здесь важнее.
В 1926 г. в дополнение к Художественному отделу Русского музея было создано Отделение новейших течений. Его фонды начали целенаправленно пополняться произведениями авангардных художественных направлений и творческих объединений первой четверти ХХ в., в том числе работами Н.С.Гончаровой, В.В.Кандинского, П.П.Кончаловского, П.В.Кузнецова, М.Ф.Ларионова, А.В.Лентулова, К.С.Малевича, Л.С.Поповой, В.Е.Татлина, Р.Р.Фалька, П.Н.Филонова, М.З.Шагала и многих других.
К 1927 г. в экспозиции Русского музея были последовательно представлены многочисленные новейшие течения от постимпрессионизма до беспредметничества. Отделение новейших течений просуществовало всего три года, однако оно, по существу, положило начало Отделу советской живописи ГРМ (1932-1991гг.), который на данный момент (в составе Отдела живописи половины XIX-XXI вв.) обладает постоянно пополняющимися фондами. Эти фонды, превышающие 6000 единиц хранения, охватывают практически все направления, школы, тенденции, основные виды и жанры развития русского искусства ХХ — начала XXI вв.
Русский музей располагает одной из крупнейших коллекций произведений раннего русского авангарда и его ведущих мастеров. В живописном собрании представлены основные новаторские течения середины гг.: абстракционизм (В.В.Кандинский) и его сугубо русская ветвь — лучизм (М.Ф.Ларионов, Н.С.Гончарова), неопримитивизм (М.Ф.Ларионов, Н.С.Гончарова, А.В.Шевченко, К.С.Малевич), кубофутуризм (Д.Д.Бурлюк, К.С.Малевич, И.А.Пуни, Л.С.Попова, Н.А.Удальцова, А.А.Экстер и др.), супрематизм (К.С.Малевич, И.А.Пуни, О.В.Розанова, И.В.Клюн), конструктивизм (В.Е.Татлин, А.М.Родченко, А.А.Экстер, Л.В.Попова), аналитическое искусство (П.Н.Филонов). Уникальны по своей полноте коллекции произведений мастеров, создавших новаторские художественные системы (К.С.Малевич, П.Н.Филонов, К.С.Петров-Водкин), а также отдельных крупных живописцев, в том числе тех, чей творческий путь начинался уже в советское время (С.В.Герасимов, П.П.Кончаловский, П.В.Кузнецов, Б.М.Кустодиев, В.В.Лебедев, А.А.Рылов, А.В.Шевченко, Н.М.Ромадин). Также в коллекции музея представлены работы художников — представителей значительных школ, существовавших в советское время (например, ленинградская школа пейзажной живописи гг.).
Читайте также: