Сочинение на тему древнее искусство

Обновлено: 05.07.2024

Если материал и наш сайт сочинений Вам понравились - поделитесь им с друзьями с помощью социальных кнопок!

494 г. — На сцене Афинского театра поставлена трагедия Фриниха "Взятие Милета" По инициативе Фемистокла на сцене Афинского театра была поставлена трагедия Фриниха "Взятие Милета". Страшные сцены гибели прекрасного города, страдания жителей, оплакивающих своих близких, сцены насилия и порабощения потрясли зрителей, убедили их, что угроза нападения со стороны Персии вполне реальна. Благодаря этой постановке Фемистокл завоевал доверие многих своих сограждан, и вскоре он был избран в архонты. 480 г. — Первое состязание авторов комедий Впервые в театральные игры введены состязания авторов комедий. Позже время от времени государство пыталось ограничить свободу творчества комедийных поэтов, но афинский народ, особенно афинские земледельцы, отстаивали свой любимый театр. Яркие декорации, полосатые костюмы актеров, карикатурные маски, фантастические наряды хора — все это представляло полную противоположность торжественной и строгой трагедии с ее пафосом и трагическими коллизиями героев. Сюжеты комедий берутся, как правило, из современной поэту действительности. Часто на сцену выводятся политические деятели Афин. Политическая карикатура является основным методом борьбы поэта с его политическими врагами. Структура комедии обычно не сложна: она начинается с пролога, вводящего зрителя в основной курс событий, затем — вступление на сцену хора и актеров (парод), далее идет состязание комических героев друг с другом в бурном споре, изобилующем выпадами и комическими эффектами. После этого действие прерывается интермедией (парабаза), когда на сцене остается лишь хор, исполняющий песни. Вторая часть состоит из целого ряда отдельных коротких сцен, заканчивающихся уходом со сцены актеров и хора обычно с песнями и танцем. 475 – 450 гг. — Расцвет творческой деятельности скульптора Мирона Мирон прославился изображениями атлетов-победителей на соревнованиях; сохранились копии его "Дискобола" и отдельных фигур скульптурной группы, изображающей Афину и Марсия. В "Дискоболе" Мирон запечатлел наиболее характерный момент в движении атлета, мечущего диск. Гриппа "Афина и Марсий" отличается тонкостью психологической характеристики каждого из этих образов. 473 – 472 гг. — "Персы", трагедия Эсхила Эсхил, "отец трагедии", происходил из знатного рода. Он был современником греко-персидских войн, и, кроме того, участвовал в битве при Саламине, которую позднее описал в трагедии "Персы". Эта трагедия отражает торжество афинян, и содержит подробное описание Саламинского сражения. О битве в трагедии рассказывает персидский вестник, которого по ходу действия пьесы персидский царь Ксеркс послал в Сузы к своей матери рассказать о поражении персов. Трагедия была поставлена в Афинах в 473 г. При постановке этой трагедии были впервые созданы перспективные декорации. Их авторство приписывают Агафарху, афинскому художнику. 470 – 458 гг. — Расцвет творчества Эсхила Расцвет творчества Эсхила попадает на период развития и укрепления афинской демократии. Именно в это время написаны самые знаменитые его трагедии. К сожалению, из 90 трагедий, автором которых является Эсхил, до нашего времени дошло только 7. Несмотря на использованные в этих трагедиях мифологические сюжеты, Эсхил откликается на актуальнейшие вопросы своего времени. Так, основной темой трилогии Эсхила "Орестея", состоящей из трагедий "Агамемнон", "Хоэфоры" и "Эвмениды", служит борьба между гибнущими материнским и побеждающим отцовским правом. Содержание этой трилогии сводится к следующему. Клитемнестра вместе со своим возлюбленным Эгистом умерщвляет своего мужа Агамемнона, вернувшегося после взятия Трои. Мстя за смерть отца, сын Клитемнестры, Орест, убивает свою мать и ее любовника. За это его преследуют богини мести, змеиноволосые Эринии. Блюстительницы старинных начал матриархата, они не считают виновной Клитемнестру, ибо "чужим по крови был убитый ею муж". А на стороне Ореста — новые боги, Аполлон и Афина, поправшие "скрижаль старинных правд". В конце концов, Афине удается "преклонить одичалых богинь неподатливый гнев". Учреждаемый ею ареопаг оправдывает Ореста. Превратившись в благих Эвменид, Эринии остаются в Афинах и становятся их богинями-покровительницами. В трагедии "Прометей прикованный" Эсхил в лице Прометея дает образ мужественного борца против богов-тиранов за счастье человечества. Здесь особенно ярко у Эсхила проявились черты художника-гуманиста. Искра божественного огня, зажженного на земле Прометеем, стала огнем человеческой творческой мысли. Эсхил преобразил миф о Прометее в величественную трагедию борьбы разума за культуру и справедливость. В трагедиях Эсхила еще используются приемы полуэпической хоровой лирики, но в этой области Эсхил проявил себя новатором. В старой трагедии главным действующим лицом был хор, который вступал в диалог с единственным актером. Эсхил впервые вывел одновременно двух актеров и тем самым создал независимый от хора актерский диалог, который затем стал быстро развиваться за счет хоровой части. Кроме того, трагедия обязана ему введением торжественных полужреческих одежд для героев и хора, применением первых сценических эффектов. Также во время постановки одной из трагедий Эсхила были впервые использованы особые приспособления, энкиклемы, которые давали возможность показывать богов и героев, парящих в воздухе и своим появлением вносящих в действие неожиданную развязку. Последующее развитие театрального искусства происходило настолько быстро, что афинянам конца V в. – начала IV в. Эсхил, по сравнению с Софоклом и особенно Еврипидом, представлялся уже поэтом далекого прошлого. Но он навсегда останется в истории отцом трагедии и величайшим драматическим гением, каких только рождало человечество. 460 – 440 гг. — Творения живописца Полигнота Произведения Полигнота оказали огромное влияние не только на живопись, но и на скульптуру. Из фресок Полигнота, украшавших так называемый "Пестрый портик" в Афинах, не сохранилось ни одной: они известны нам лишь по позднейшим описаниям. Полигнот впервые создал сложные многофигурные композиции, используя наиболее драматические сюжеты греческой мифологии и истории. Известное представление о композиционных и изобразительных приемах Полигнота дает краснофигурная вазовая живопись. Расписывавшие эти вазы художники, несомненно, руководствовались образами живописи Полигнота. 450 – 420 гг. — Творческая деятельность Поликлета Поликлет был выразителем строгих дорических идеалов. Он пытался установить систему математически точных пропорций человеческого тела, изложив эту систему в особом теоретическом трактате "Канон". Хотя популярность Поликлета была очень велика, некоторые современники уже упрекали его в однообразии. Из его творений до нас практически ничего не дошло. 440 г. — Учреждение феориконов Периклом была учреждена особая театральная касса — феорикон. В этой кассе все желающие могли получить жетоны на право прекращения работы в дни театральных игр для посещения театра. Также в этой кассе наиболее бедные граждане могли получить необходимую сумму для посещения театра. 440 – 431 гг. — "Антигона" Софокла Творчество Софокла началось уже после бурного периода греко-персидских войн. Экономическое процветание и превращение Афин в культурный центр Греции наложили неизгладимую печать на все творчество Софокла. Его трагедии часто сравнивают по совершенству с пластическими произведениями Фидия. В них сила человеческого духа торжествует над непрочным и кратковременным физическим существованием человека. В своих трагедиях Софокл раскрывал внутреннюю сущность идеального человека, каким может стать каждый гражданин, стремящийся к справедливости, к подлинной красоте внутреннего мира. Красоте атлета, которая ранее считалась идеалом гражданина, Софокл противопоставляет обаяние глубоко чувствующего и мыслящего человека, сочетающего в себе красоту телесную с красотой внутреннего мира, причем этот человек — не только мужчина.

Искусство Древней Руси представляет собой важную часть культурного наследия всех восточнославянских народов. Многочисленные произведения искусства Древней Руси — результат творчества огромного количества художников, живших на территории современных Украины, Беларуси и России в период с IX до первой трети XIII веков. К сожалению, до наших дней сохранилось лишь небольшое количество работ старинных мастеров.

Искусство Древней Руси сочетает в себе традиции сразу нескольких соседних культур. Помимо славянских корней в нем отчетливо прослеживается влияние византийских и балканских мастеров, живших на территории древнерусского государства в течение нескольких столетий.

Основные периоды искусства Древней Руси

Искусство Древней Руси развивалось на протяжении четырехсот лет: от периода создания мощного централизованного государства в середине IX века до монголо-татарского нашествия в конце первой трети XIII века. За это время произошли огромные изменения не только в политической, но и в культурной жизни восточных славян.

Современными историками принято разделять искусство Древней Руси на два основных периода: дохристианский и христианский. Дохристианский период продлился чуть более ста лет — с момента образования Киевской Руси под предводительством первого летописного князя Рюрика до официального принятия Христианства в 988 году. В это время в искусстве преобладали древние местные культурные традиции, сформировавшиеся в течение многих веков на основе языческих верований восточнославянских племен.

После Крещения Руси Владимиром начался христианский период истории государства, для которого было характерно внедрение новых культурных традиций во все сферы искусства. В эпоху расцвета древнерусского княжества сюда устремились не только христианские миссионеры, но и многочисленные мастера из разных уголков Византийской империи, в том числе из ее столицы — Константинополя, а также греческих и анатолийских земель.

Особенности искусства Древней Руси

Искусство Древней Руси, главным образом, включает в себя шедевры, созданные умелыми художниками и ремесленниками в сферах:

Помимо этого, большую историческую ценность представляют собой уникальные предметы многих разновидностей декоративно-прикладного искусства (шитья, ткачества, резьбы по камню, художественной обработки металла, плетения и керамики).

Архитектура Древней Руси дохристианского периода до наших дней практически не сохранилась, так как все здания в те времена строились из древесины. Только с принятием христианства появилось каменное зодчество. Первой исторической постройкой, возведенной из камня, историки признают Десятинную церковь в Киеве, созданную приглашенными из Византии мастерами.

В последующие два столетия на территории Руси было построено большое количество каменных храмов, в том числе и всемирно известные шедевры архитектуры:

Софийский собор, Золотые ворота и комплекс зданий Киево-Печерского монастыря в Киеве;
Софийский собор в Великом Новгороде;
Успенский собор во Владимире;
Рождественский собор в Суздале;
Спасо-Преображенский собор в Чернигове.

Для архитектуры Древней Руси характерно преобладание крестово-купольной планировки при строительстве храмов. Деревянные оконные рамы мастера украшали витражами, а стены возводили из квадратного кирпича и натурального камня. Для защиты зданий от влажности и перепадов температуры использовалась известняковая штукатурка.

Деревянная и каменная скульптура была широко распространена на Руси в дохристианский период. Основным объектом творчества древних мастеров были идолы — истуканы, изображающие различных божеств языческого пантеона. После принятия христианства эти памятники древнего искусства были повсеместно уничтожены в рамках борьбы с идолопоклонством.

В связи с тем, что в Византийской империи начала второго тысячелетия нашей эры скульптура переживала очевидный упадок, в христианской Киевской Руси эта сфера искусства практически не развивалась. Исключение составляли лишь небольшие рельефы, которые на плитах из известняка создавали мастера для украшения храмов.

Зато живопись в Киевской Руси на протяжении X-XIII столетий переживала подлинный расцвет. Приезжие византийские мастера щедро поделились с местными художниками уникальными секретами создания икон и фресковых росписей. Изображения с ликами святых и сценами из священных текстов украшали интерьеры соборов, а деревянные иконы были важной составляющей не только убранства храмов, но и множества религиозных ритуалов.

Значительных успехов древнерусские художники добились и в сфере мозаики, из кусочков разноцветного стекла (смальты) они выкладывали красочные настенные, напольные и потолочные панно в церквях по византийскому образцу. Но трудоемкое мозаичное искусство в начале XII века было почти полностью вытеснено более легкой в исполнении техникой художественной отделки — фресковой росписью.

С начала XI столетия ведет свой отсчет искусство создания русских летописей — одной из разновидностей книжной миниатюры. Центрами этого ремесла были монастыри, княжеские дворы и места проживания церковных иерархов. Помимо текстов писцы украшали пергаменты всевозможными узорами и цветными иллюстрациями. Наряду с историческими летописями древние мастера также изготавливали уникальные документы на темы:

священных христианских текстов;
былинных сюжетов;
фольклорных народных произведений.

Древнерусская земля также славилась своими ювелирными изделиями. Местные умельцы мастерски владели различными техниками художественной обработки металлов, изготавливали предметы роскоши для знати, праздничную домашнюю утварь, украшения для одежды, а также нательные кресты и миниатюрные образки. К числу уникальных ювелирных изделий местных мастеров можно по праву причислить колты — женские украшения для головных уборов в виде полых металлических подвесок.

Искусство Древней Руси сегодня вызывает огромный интерес у историков и коллекционеров. На арт-аукционах шедевры декоративно-прикладного и изобразительного искусства продаются за огромные деньги, а найденные в ходе археологических раскопок уникальные артефакты той эпохи, украшают экспозиции лучших музеев мира.

Первобытное искусство – это все творения, созданные в дописьменный период истории человечества. Искусство первобытного человека сильно отличается от того, что мы привыкли видеть в современном мире, но от этого оно не становится менее интересным.

Содержание статьи

Первобытное искусство: краткая характеристика
Почему появилось искусство
Как появилась культура

Когда появилось первобытное искусство

Считается, что первобытное искусство зародилось в каменном веке, около 40 тысяч лет назад, когда появился homo sapiens (разумный человек). Однако есть некоторые свидетельства о творческой деятельности человека, которые ученые датируют временем около 500 тысяч лет назад. Возможно, правильнее даже не обозначать начало появления искусства, ведь оно в каком-то роде существует столько же, сколько существует человек.

Дата завершения этого периода также условна и является причиной многих споров, но самое распространенное мнение ученых сходится на том, что первобытное искусство завершается примерно в 1 тысячелетии до н.э.

Работу историков, изучающих искусство первобытного общества, осложняет отсутствие следов. Не многие материалы способны пережить десятки и сотни веков, тем более при отсутствии современных технологий и специальной обработки. Кроме того, считается, что до появления письменности большая часть произведений искусств никак не фиксировались и существовали в виде танце, обрядов, музыки.

Первобытное искусство: орудия труда

Многие орудия труда в этот период изготавливались из камня путем скалывания. Самыми универсальными и распространенными орудиями стали ручные рубила – камни, обтесанные до остроты с одной из сторон. Этими заостренными орудиями обрабатывались костяные пластины или верхние части горных пород внутри пещер (они мягче камня и легко поддавались физическим воздействиям). Для придания цвета своему произведению первобытный человек использовал натуральные минеральные и растительные пигменты: уголь, охра, глина, шафран, краплак и т.д.

К первому тысячелетию до н.э. появляются произведения искусств из меди, золота и других металлов, скульптуры из камня обтесываются, становятся гладкими и принимают четкие формы. Многие ученые спорят, стоит ли относить эти произведения к первобытному искусству, ведь человек к этому времени явно овладел огнем и орудиями труда и довел некоторые ремесла до совершенства. Все-таки к первобытности в большей степени относятся наскальные рисунки и грубо вытесанные каменные скульптуры.

История искусства насчитывает десятки тысяч лет — люди самых древних цивилизаций использовали доступные им методы для изображения значимых для них объектов. С ранних времен и до наших дней появлялось множество художественных течений, каждое из которых имело черты, отражающие политические и социальные особенности того периода, когда они возникали.

Выдающиеся произведения изобразительного искусства от эпохи Возрождения до модернизма, несомненно, оставили свой след в истории. Многие современные художники используют исторические отсылки к искусству прошлого в своих произведениях, поэтому для понимания многих картин решающее значение имеет знание исторического контекста и значения каждого периода для истории искусства в целом. Ниже представлена хронология художественных направлений, их характеристики и выдающиеся представители каждого периода в истории западного искусства.

Доисторическое искусство (~40 000–4 000 до н. э.)

Истоки истории искусства восходят к доисторической эпохе, задолго до появления письменности. Самые ранние артефакты относят к эпохе палеолита или древнего каменного века — это наскальные рисунки, гравюры, живописные изображения, скульптуры и каменные композиции.

Искусство этого периода основывалось на использовании натуральных красителей и резьбе по камню для создания изображений предметов, животных и ритуалов, которые были крайне важны в жизни древних цивилизаций. Одним из самых известных примеров доисторического искусства являются наскальные рисунки эпохи палеолита, обнаруженные в пещерах Ласко во Франции в 1940 году. Их возраст превосходит 20 000 лет, и на них изображены крупные животные и растительность этой местности.

Древнее искусство (~4 000 до н. э.–400 н. э.)

Древнее искусство создавалось развитыми цивилизациями (которыми в данном случае считаются цивилизации с устоявшейся письменностью), включавшими Месопотамию, Египет, Грецию и страны Америки.

Произведения искусства этого периода различались в разных цивилизациях, но большая часть произведений служила одним и тем же целям: рассказывать истории, украшать бытовые предметы (посуду и оружие), изображать религиозные и символические образы, демонстрировать социальный статус. Многие работы создавались для того чтобы рассказывать потомкам истории великих правителей, богов и богинь.

Одно из самых известных произведений древней Месопотамии — Кодекс Хаммурапи, созданный около 1792 года до нашей эры. Этот предмет содержит высеченный на камне свод вавилонских законов, украшенный изображением царя Хаммурапи (шестого царя Вавилонии) и месопотамского бога Шабаша.

Средневековое искусство (500–1400 гг. н. э.)

В этот период в мире появляются и достигают расцвета иллюминированные рукописи (украшенные миниатюрами и орнаментами) и стиль готической архитектуры. Яркие примеры средневекового искусства включают катакомбы в Риме, собор Святой Софии в Стамбуле, Евангелие Линдисфарна, один из самых известных примеров иллюминированной рукописи, и конечно, собор Парижской Богоматери — выдающийся образец готической архитектуры.

Искусство эпохи Возрождения (1400-1600)

Этот стиль живописи, скульптуры и декоративного искусства характеризовался акцентом на природе и индивидуализме, идее о независимом и самостоятельном человеке. Хотя эти гуманистические идеалы присутствовали и в позднем средневековье, но расцвета они достигли в XV–XVI веках, параллельно с социальными и экономическими изменениями, такими как секуляризация.

Ренессанс достиг своего апогея во Флоренции, Италия, во многом благодаря Медичи, богатой купеческой семье. Медичи на протяжении нескольких поклений поддерживали искусство и гуманистические философию и учения. Итальянский дизайнер Филиппо Брунеллески и скульптор Донателло были главными новаторами этого периода.

Высокое Возрождение (1490–1527) породило таких влиятельных художников, как Леонардо да Винчи, Микеланджело и Рафаэль, которые привнесли новые творческие идеи и определили идеалы эмоционального выражения в искусстве на многие поколения вперед. Произведения искусства в эпоху Возрождения характеризовались реализмом, вниманием к деталям и точным изучением анатомии человека. Художники использовали линейную перспективу и создавали глубину за счет интенсивной игры света и тени. Искусство начало стилистически меняться, когда столкновения христианской веры и гуманизма уступили место маньеризму.

Маньеризм (1527–1580)

Некоторые из самых известных художников-маньеристов: Джорджо Вазари, Франческо Сальвиати, Доменико Беккафуми и Бронзино, который считался самым важным художником-маньеристом во Флоренции.

Барокко (1600–1750)

Периоду барокко, следовавшему за маньеризмом, было свойственно преувеличенное изящество в живописи и архитектуре. Он отличался величием и богатством, интересом к развитию человеческого интеллекта и знаний и глобальным открытиям. Произведения художников барокко были стилистически сложными, неоднозначными.

Картины барокко характеризовались драматизмом, как это видно в культовых произведениях итальянского художника Караваджо и голландского живописца Рембрандта. Художники использовали интенсивный контраст между светлым и темным и создавали энергичные композиции, сочетающиеся с богатой цветовой палитрой.

Рококо (1699–1780)

Стиль зародился в Париже и охватывал декоративное искусство, живопись, архитектуру и скульптуру. Эстетика Рококо предполагала более мягкую декоративную манеру изображения по сравнению с изобилием барокко. Рококо отличается легкостью и элегантностью, с акцентом на использование естественных форм, асимметричный дизайн и нежные цвета.

Такие художники, как Антуан Ватто и Франсуа Буше, сочетали мягкую манеру письма, активные мазки кисти и свежие цвета. Стиль рококо проник не только в живопись и архитектуру, но и в украшение серебрянной, фарфоровой посуды и предметов интерьера. Многие стулья и шкафы того времени отличались изогнутыми формами, цветочным орнаментом и частым использованием позолоты.

Неоклассицизм (1750–1850)

Как следует из названия, неоклассический стиль опирался на элементы античной классики. Руины древних цивилизаций в Афинах и Неаполе, обнаруженные во время археологических раскопок, разожгли страсть ко всему прошлому, и художники стремились воссоздать великие произведения древнего искусства. Это привело к возобновлению интереса к классическим идеалам гармонии, простоты и пропорции.

Художники-неоклассики находились под влиянием классических изобразительных элементов, в частности, стремление к идеализму. Естественно, они включали в свои работы актуальные образы своего времени. Например, итальянский скульптор Антонио Канова использовал классические элементы в своих мраморных скульптурах, но избегал холодной искусственности, заметной во многих античных творениях.

Романтизм (1780–1850)

Выдающимися художниками романтизма считаются Генрих Фюссли, создававший странные, мрачные картины, исследующие темные тайны человеческой психологии, и Уильям Блейк, чьи таинственные стихи и изображения передают мистические видения и разочарование в социальных ограничениях.

Реализм (1848–1900)

Реализм зародился во Франции в 1840-х годах и иногда считается одним из первых направлений современного искусства. Реализм стал результатом множества событий: антиромантического движения в Германии, подъема журналистики и появления фотографии. Каждый из них вызывал новый интерес к точному изображению повседневной жизни. Это внимание к точности проявляется в созданных в это время произведениях искусства, которые содержат подробные, правдивые изображения предметов.

Модерн (1890–1910)

Известные художники-модернисты работали в различных направлениях, включавших архитектуру, графику и дизайн интерьеров, изготовление ювелирных изделий и живопись. Чешский графический дизайнер Альфонс Муха наиболее известен своими театральными плакатами с французской актрисой Сарой Бернар. Испанский архитектор и скульптор Антонио Гауди не ограничивался прямыми линиями и создавал изогнутые, яркие конструкции, такие как Храм Святого Семейства в Барселоне.

Импрессионизм (1865–1885)

Художники-импрессионисты стремились запечатлеть свое непосредственное впечатление от определенного момента. Характерные черты — короткие, быстрые мазки кисти и ощущение незавершенности картины. В качестве предмета изображения импрессионисты использовали окружающую их современность, изображая такие ситуации, как танцевальные залы и регаты парусных лодок, а не исторические или мифологические события.

Постимпрессионизм (1885–1910)

Несмотря на то, что постимпрессионисты работали независимо, не объединяясь в группу, у всех известных представителей этого течения были схожие идеи. Они сосредоточили свое внимание на субъективном видении мира и личных символических смыслах, а не на наблюдениях за внешним миром. Часто эти идеи выражались с помощью абстрактных форм.

Постимпрессионистом был Жоржа Сёра, известный своей техникой пуантилизма, в которой для формирования изображения использовались маленькие четкие точки. Винсент Ван Гог также считается художником-постимпрессионистом, искавшим личного выражения в искусстве, часто с помощью резких мазков и темных тонов.

Фовизм (1900–1935)

Возглавляемый Анри Матиссом фовизм основывался на работах Винсента Ван Гога и Джорджа Сера. Будучи первым авангардным движением 20-го века, этот стиль характеризовался использованием интенсивных цветов, линий и мазков кисти, толстым рельефным слоем краски и плоской композицией.

Как видно из многих работ самого Матисса, отделение цвета от его описательного, устоявшегося значения было одним из основных элементов, сформировавших это движение. Фовизм был значимым предшественником кубизма и экспрессионизма.

Экспрессионизм (1905–1920)

Экспрессионизм возник как ответ на все более противоречивые мировоззрения общества начала XX века и утрату духовности. Экспрессионисты изображали внутренний мир человека, беспокойство и живые эмоции с помощью искажения форм и ярких цветов. Художники искали вдохновение во всем, выходящем за рамки сдержанного западного искусства, часто посещали этнографические музеи, чтобы пересмотреть местные народные традиции и способы самовыражения диких племен.

Корни экспрессионизма восходят к Винсенту Ван Гогу, Эдварду Мунку и Джеймсу Энсору. Две выдающиеся арт-группы, работавшие в стиле экспрессионизма, Die Brücke (Мост) и Der Blaue Reiter (Синий всадник), были созданы для коллективного творчества и проведения совместных выставок.

Кубизм (1907–1914)

Сюрреализм (1916–1950)

Сюрреализм возник из художественного движения Дада в 1916 году, представляя собой произведения искусства, бросающие вызов здравому смыслу. Сюрреалисты обвиняли логику и рациональное мышление, в том, что они завели человечество в тупик — к конфлиткам и Первой мировой войне, и считали, что он подавляет воображение. Сюрреалисты находились под влиянием Карла Маркса и теорий Зигмунда Фрейда, исследовавшего психоанализ и силу воображения.

Влиятельные художники-сюрреалисты, такие как Сальвадор Дали, искали корни происходящих вокруг событий в области человеческого подсознания. В частности, картины Дали соединяют в себе точное изображение исторических событий с яркими и причудливыми снами.

Абстрактный экспрессионизм (1940-е–1950-е)

Среди наиболее значимых художников-абстрактных экспрессионистов — Джексон Поллок, известный своим уникальным стилем капельной живописи, и Марк Ротко, который использовал большие цветные блоки для выражения духовных переживаний.

Оп-арт (1950–1960-е)

Английская художница Бриджет Райли — одна из самых известных представителей оп-арта. Ее картина Blaze 1964 года состоит из зигзагообразных черно-белых линий, которые создают иллюзию движения по кругу.

Поп-арт (1950-е–1960-е)

Поп-арт — одно из самых узнаваемых художественных течений XX века. Художники отказались от методов, используемых в абстрактном экспрессионизме. Вместо этого они использовали повседневные, бытовые предметы для создания инновационных произведений искусства, бросающих вызов потребительству и средствам массовой информации. Это включение в изобразительное искусство знакомых, опознаваемых образов было смещением от основной линии модернизма.

Арте повера (1960-е)

Минимализм (1960-е–1970-е)

Движение минимализма возникло в Нью-Йорке, где группа молодых художников начала подвергать сомнению чрезмерно выразительные работы художников-абстрактных экспрессионистов. Вместо этого минималистское искусство сосредоточилось на анонимности, фокусируя внимание зрителей на материальности своих произведений. Художники использовали простые формы, порядок и гармонию и призывали зрителей сосредоточиться именно на том, что они видят перед собой, не проводя параллелей с внешними реалиями, эмоциями и мыслями.

Концептуальное искусство (1960-е–1970-е)

Современное искусство (1970-е–наши дни)

1970-е годы стали началом периода современного искусства, который продолжается сегодня. Современному искусству свойственно разнообразие — появление различных школ и отдельные движения.

История западного искусства — это череда сменяющих друг друга художественных стилей и техник, форм и носителей искусства. Разные течения оставляют после себя выдающиеся живописные полотна, скульптуры, архитектурные сооружения. Каждое творческое направление отражает не только эстетические идеалы, но и мировоззрение людей соответствующего времени. Нам оно помогает заглянуть в прошлое, понять своих предков и найти истоки всего, что создается сегодня вокруг нас.

Читайте также: