Сочинение музыка инструментальная музыка

Обновлено: 02.07.2024

Камерно-инструментальное творчество Рахманинова. История создания сонаты для виолончели и фортепиано. Теоретический анализ сочинения. Сравнительный анализ интерпретаций: А. Брандуков, С. Рахманинов, С. Кнушевицкий, Л. Оборин, М. Ростропович, А. Дедюхин.

Рубрика	Музыка
Вид	курсовая работа
Язык	русский
Дата добавления	08.04.2012
Размер файла	696,7 K

Студенты, аспиранты, молодые ученые, использующие базу знаний в своей учебе и работе, будут вам очень благодарны.

Глава 1. Русская камерно-инструментальная музыка на рубеже XIX - XX веков

Глава 2. Камерно-инструментальное творчество Рахманинова

Глава 3. История создания сонаты

Глава 4. Теоретический анализ сочинения

Глава 5. Сравнительный анализ интерпретаций

5.1 А. Брандуков и С. Рахманинов

5.2 С. Кнушевицкий и Л. Оборин

5.3 М. Ростропович и А. Дедюхин

Соната для виолончели и фортепиано С. В. Рахманинова, написанная в 1901 году, фактически первая русская концертная соната для данного состава. Её популярность среди исполнителей и слушателей за всю историю существования произведения никогда не ослабевала. Сегодня репертуар виолончелиста невозможно себе представить без сонаты Рахманинова.

Данная работа ставит следующие цели:

1) рассмотреть место виолончельной сонаты Рахманинова в истории жанра (главы 1 и 2)

2) описать художественное своеобразие сонаты (глава 3)

3) рассмотреть некоторые исполнительские трактовки сочинения, провести их сравнительный анализ (глава №4)

Глава 1. Русская камерно-инструментальная музыка на рубеже XIX - XX веков

После организации в 1859 г. Русского музыкального общества, начинают открываться новые отделения в различных городах страны (Петербург, Москва, Киев, Харьков, Саратов, Нижний Новгород, Псков и т.д.). В популяризации русского камерного творчества гораздо активнее Петербурга была Москва.

Наблюдается расцвет исполнительской культуры. Крупнейший творческим коллективом являлся квартет Петербургского отделения РМО. По количеству ансамблей, да и по их художественному уровню, Москва была беднее Петербурга. Других видов ансамбля с твердыми постоянными составами не было. Ансамбли организовывались все из тех же квартетных ансамблей. Наиболее показательны и значительны для 60-80 гг. выступления братьев Рубинштейнов (207). В 80-90 гг. неоднократно выступает в ансамблях С.И. Танеев.

Рубеж XIX - XX вв. - время расцвета камерной музыкальной жизни и русского камерного исполнительского искусства. В камерных концертах выступают Рубинштейны, Танеев, Лешетицкий, Есипова, Тиманова, Петербургский и Московский квартеты РМО и другие ансамбли.

Период 1890--1917 годов в России отличается интенсивным развитием камерно-инструментальной музыки. Никогда прежде она не привлекала к себе такого внимания русских композиторов, никогда не занимала столь значительного места в их творчестве. Глазунов, Танеев, Рахманинов, Скрябин, Лядов, Аренский, Ляпунов, Метнер, начинающий Прокофьев, Стравинский создают огромное количество произведений, поражающих стилистическим и жанровым разнообразием. Глазунов, Аренский, Рахманинов, Танеев завершают эволюцию жанра инструментального ансамбля в русской музыке. В их творчестве этот жанр продолжал интенсивно развиваться.

Побудительные причины столь интенсивного развития камерных жанров весьма различны. Обращение к ним стимулировалось самой общественной обстановкой, умонастроениями русской художественной интеллигенции, которую камерная музыка притягивала своей лирической природой, возможностями самовыражения, отражения сложных душевных движений, философских идей.

Период 1890--1917 годов получил сейчас в ряде исследовательских работ достаточно глубокую характеристику, охватывающую разные его стороны, характеристику, в которой в значительной степени преодолены прежние прямолинейно-упрощенные оценки сущности общественных и художественных процессов.

Романтизм также оказался всепроникающим и черты его обнаруживаются даже у столь объективного художника академического направления, каким был Глазунов.

Накапливались постепенно в русской музыке и тенденции неоклассицизма, правда, определяясь в прямом выражении, пожалуй, только у Стравинского и, по-особому, у Прокофьева. Но путь к нему шел и через классицизм Танеева, а в несколько ином ракурсе -- Метнера.

Глубочайшая связь русских композиторов рубежа веков с традициями классики имела и огромное прогрессивное значение. Опора на них была необходима при тех сложнейших задачах, которые ставили перед собой Глазунов, Танеев, Рахманинов, Скрябин, молодой Стравинский, начинающий свой путь Прокофьев. Именно традиции классики помогли этим композиторам создать искусство высоких обобщений, действенное, активно вторгающееся в драмы жизни (Рахманинов), несущее в себе большие идеи (Скрябин), полное бунта против косности и декадентства (Прокофьев). К тому же не следует забывать, что и в Западной Европе эти годы отмечены исключительным вниманием к русской классике -- Мусоргскому, Бородину, Чайковскому. Их творчество активно осваивается крупнейшими представителями западной музыкальной культуры, явно привлекая не столько этнографизмом, сколько идейно-художественными сторонами, глубиной психологизма.

Стремление проникнуть вглубь переживаний современника, осмыслить действительность в ее различных аспектах, пристальное внимание к проблемам нравственным, психологическим, этическим и социальным -- такова идейно-художественная орбита русского музыкального искусства 1890 - 1900-х годов, которая обуславливала общую направленность развития русской музыки, включая и ее камерную сферу. Инструментальные ансамбли, сонаты и даже малые формы становятся носителями большого этического, философского содержания. Этим объясняется и сохранение классических типов жанров, сонатной драматургии, основанной на вековом развитии европейского симфонизма.

Глава 2. Камерно-инструментальное творчество Рахманинова

В камерно-инструментальной музыке Рахманинова доминирует романтическое начало. Любой образ, чувство, эмоция у него опоэтизированы, приподняты над обыденным миром. Романтический пафос, романтическая мечтательность, романтический порыв - вот что всегда отличает его вдохновенное искусство. Романтизм проявляется у Рахманинова и в субъективном характере его творчества, в котором все как бы пропущено сквозь призму личностного отношения к действительности, сквозь призму его сильной, властной индивидуальности. Да и сама драматичность его музыки воспринимается главным образом как драма личности в водовороте жизненных конфликтов. Отсюда и монологизм его стиля. Вместе с тем произведения Рахманинова отличает исключительная образная конкретность тематизма, мелоса, фактуры, призванных с предельной досказанностыо выразить содержание музыки, и эта конкретность имеет характер такой типизации, которая позволяет говорить уже о чертах реализма.

С каждым новым периодом экспрессия прелюдий становится все более сложной, драматичной и вместе с тем мужественно-волевой. В Прелюдиях, ор. 32, большая часть их носит взволнованно-драматический или скорбно-элегический оттенок, и этим они примыкают к новому жанру творчества -- этюдам-картинам. Чем объяснить название жанра, ведь содержание этюдов менее всего картинно в изобразительном плане? Думается, что название подсказано картинной яркостью самих образов. Притом каждый этюд -- это не картина, а действие-драма, получившая почти театрализованное воплощение и вместе с тем сохраняющая обобщенно-образный характер: трагический, драматический, эпический и т. д.

В этюдах-картинах несколько изменяется сам стиль письма: открытый песенный тематизм уступает место сжатым инструментальным формулам или движениям, обладающим концентрированной интонационной активностью. Соответственно усиливается роль гармонических и тембровых факторов. Фортепиано в них звучит оркестрально, и плотность, массивность его фактуры придает музыке оттенок особой значительности.

Продолжая традиции П.И. Чайковского в сонатно-симфоническом цикле, С.В. Рахманинов переносит их значение и в камерную музыку, в связи, с чем правомерно говорить о сонатно-камерном цикле. Именно в творчестве Чайковского происходит процесс формирования нового цикла, включающего принципы сонатной формы классиков в сочетании с так называемым методом интонационного прорастания. Рахманинов суммирует и развивает разные приемы в достижении цельности сонатно-камерного цикла.

Закономерности строения камерно-инструментальных циклов Рахманинова можно представить следующим образом: I часть -- сонатная форма; II, III части -- трёхчастная форма; IV часть -- сонатная форма. Сонатная форма IV части может усложняться чертами рондо, вариационностью, фугированными эпизодами. Единство целого при этом обеспечивается следующим комплексом средств:

интонационно-тематические связи между частями;

общность тем главной и побочной партий I части и финала;

использование одинаковых структур;

фактурное единство отдельных разделов;

наличие мажорного финала в главной или одноименной тональности;

сквозное тональное развитие, ладогармоническое предвосхищение.

1. лейттематический комплекс, который становится интонационной основой ведущих тем;

2. скрепление тематизма родственными интонациями, выросшими из лейттемы;

3. неоднократное проведение отдельных тематических элементов помимо лейттемы.

Глава 3. История создания сонаты

Впервые Соната для виолончели и фортепиано упоминается автором в письме А.Б. Гольденвейзеру, связанного, видимо, уже с изданием сочинения в 1902 году:

Первым исполнителем Сонаты был Анатолий Андреевич Брандуков (1856 - 1930) - известный отечественный виолончелист, окончивший Московскую консерваторию у В. Фитценгагена. По теории музыки Брандуков занимался у П.И. Чайковского, который принимал горячее участие в жизни Анатолия Андреевича и посвятил ему пьесу для виолончели с оркестром “Pezzo capriccioso”. В течение жизни Брандуков выступал как солист и камерный музыкант вместе с Ф. Листом, А.Г. Рубинштейном, П.И. Чайковским, С.В. Рахманиновым; кроме того был дирижером, директором Музыкально-драматического училища Московского филармонического общества, а с 1921 года - профессором Московской консерватории (среди его учеников С.П. Ширинский и В.Л. Кубацкий) Также известны собственные сочинения Брандукова - пьесы для виолончели и фортепиано и концерты для виолончели с оркестром.

Интерпретация Рахманиновым и Брандуковым сонаты нашла отклик в большом количестве рецензий:

Отдельные сведения об этом сохранили нам рецензии.

В 1904 году сонату исполняют в Бордо братья Жозеф и Жак Тибо; в Берлине братья Шнабель; в Лондоне Брукер и П. Сухом.

камерная инструментальная музыка соната рахманинов

Глава 4. Теоретический анализ сочинения

Соната для виолончели и фортепиано ор. 19 была написана одновременно со Вторым концертом для фортепиано с оркестром. Связь двух этих произведений очевидна и естественна и касается она как образно-тематического плана, так и стиля, своеобразия музыкального языка. Поэтому исследователи очень часто рассматривают сонату в сравнении с Концертом №2 (такой подход имеет место в монографии Брянцевой).

Медленные части обоих сочинений также обнаруживают образное тематическое сходство. В том в другом случае это монолог-раздумье просветленного, лирико-созерцательного характера.

В сонате господствует романтическая мечтательность. Именно в здесь в большей мере, чем в остальных ансамблях, мы сталкиваемся с характерной для Рахманинова склонностью длительно оставаться в одном состоянии, в одной сфере переживаний. В этом ему помогает пространственность и широта мелодий, которые разливаются, повторяясь вновь и вновь, словно заключенная в них экспрессия никак не может излить себя. Происходят длительные подъемы, сменяемые постоянными спадами, томительные нарастания, которым нет конца, которые не приводят к разрешению психологического конфликта, но только раскрывают и подчеркивают влекущее обаяние романтической мечты о прекрасном.

Структура частей сонатно-камерного цикла в Сонате весьма традиционна: I и IV части -- в сонатной форме, II часть -- в сложной трёхчастной форме, III часть -- в простой трёхчастной форме.

Сонатная форма I части представляет собой типичный образец сонатных форм Рахманинова. Экспозиция содержит основной конфликт. Темы отличаются завершённостью формы и четкостью структуры. В разработке воплощается идея волновой драматургии. Реприза приобретает динамизированный характер. Ее начало является кульминацией I части Сонаты. Подобная структура сонатной формы свойственна многим циклам композитора, в частности, первым частям его фортепианных концертов и симфоний.

Своеобразно решена композиция II части: ее крайние части имеют середину, состоящую из двух разделов -- лирического и драматического, что отражает контраст двух образных сфер и оправдывает нетрадиционность формы.

Для Рахманинова, обращавшегося иногда к бытовавшим интонациям, закономерно и, возможно, может быть, даже бессознательно, использование популярной в те годы народной песни. Изложение ее аккордами, столь свойственными русскому народному многоголосию, сообщает образу большую яркость и рельефность.

Интересна и появляющаяся у виолончели ритмическая фигура. Напоминая отдаленный звук барабана, она усиливает общую атмосферу взволнованного ожидания:

В Un poco meno mosso, где тематический материал развивается в новом, лирическом плане, плавное, закругленное движение мелодии построено на опевании отдельных звуков. Автор словно старается задержать и снова их повторить.

Эта часть играет решающую роль в развитии основного образа произведения. В ней находит воплощение все наиболее задушевное, что связано с лирическими переживаниями композитора. Значение Andante в раскрытии образного содержания произведения ставит особые задачи и перед исполнителями. Именно характер интерпретации этой части, определив весь исполнительский план в целом, обеспечивает полное раскрытие замысла.

Вслед за эмоционально-приподнятым исполнением скерцо эта часть воспринимается как лирическое интермеццо, разряжающее напряжение. Интеллект, но не бесстрастие преобладает над непосредственностью выражения; тщательно выверены темпы и динамические соотношения; нет и тени преувеличенного звучания или неожиданных его подъемов. Все это позволяет исполнителям больше оттенить в музыке этой части строгую последовательность развития мысли, нежели страстность ее высказывания.

Побочная партия, изложенная согласно классической традиции в тональности доминанты (D-dur), своей умиротворенностью напоминает светлые образы медленной части. Вместе с тем простая и запоминающаяся мелодия этой темы вызывает ассоциации с ариями из опер Глинки:

В разработке главная партия теряет свою образную и тональную незыблемость, происходит её трансформация в сторону усиления драматизма. В аккомпанементе фортепиано появляется, а затем настойчиво повторяется характерная ритмическая фигура:

Подобные ритмы характерны как для рахманиновского почерка в целом, так и для Второго концерта в частности. В рекпризе первой части концерта эта же фигура проводится в соединении с мелодией.

Разработка и кода финала играют в сонате «цементирующую роль. Они. обобщают и синтезируют материал предыдущих частей.

III часть и финал более традиционны, чем первые две части Сонаты, где ярче проявляются индивидуальные черты стиля композитора.

Глава 5. Сравнительный анализ интерпретаций

Как нам кажется, существуют два основных плана исполнительской трактовки сонаты. Условно назовем один из них лирико-созерцательным, другой -- лирико-драматическим.

В связи с этим несомненный интерес представляют имеющиеся в рукописи авторские поиски темпа первой части. Первоначальное указание темпа = 100 в дальнейшем заменено Рахманиновым на = 112

В исполнении фортепианной партии Гольденвейзер акцентирует лирическую сущность музыки. Главная тема в его исполнении лирична, распевна. Связующий эпизод Con moto, исполняемый в весьма сдержанном движении, не нарушая настроения главной темы, убедительно подготавливал эмоциональное состояние побочной темы (Moderato = 92).

С подкупающей сердечностью играл сонату К. Н. Игумнов -- один из замечательных интерпретаторов произведений Рахманинова. Известны его выступления с А. Брандуковым, В. Кубацким, С. Кнушевицким. К сожалению, запись не сохранила ни одного из них. Словесные указания Игумнова, относящиеся к работе над этим сочинением, позволяют лишь весьма неполно восстановить некоторые черты глубокого проникновения исполнителя-художника в замысел автора.

Как сочинить произведение. Основы музыкальной композиции

Создание музыки или композиция – это творческий процесс, который должен базироваться на теории музыки. Структура произведения имеет чёткую логику построения. Некоторые шедевры мировой классики буквально рассчитаны математически. Не случайно в Древней Греции музыка входила в ряд математических наук.

Большим заблуждением является утверждение, что великие композиторы сочиняли собственные произведения под влиянием вдохновения. Гении музыки: Бах, Гайдн, Бетховен, Малер, Рахманинов ежедневно выделяли время для композиции.

Данная страница поможет музыканту не только научиться создавать профессиональную музыку, но и поможет разобраться в основной терминологии, в частности используемой при анализе. Будут разобраны программы, необходимые для набора нотного текста, предложены упражнения для освоения композиторской техники, а также дан план, как сочинить музыкальное произведение.

Из чего сделана музыка?

Грубо говоря, музыка представляет собой последовательность звуков в определенном ритме , которая имеет эмоциональную окраску. Наиболее часто произведение содержит в себе следующие элементы:

Рассмотрим каждое понятие более детально.

Что такое мелодия

Мелодия представляет собой одноголосно выраженную музыкальную мысль. Существуют рекомендации, касающиеся строения мелодической линии:

Принцип равновесия. Не стоит перегружать мелодическую линию. Если Вы хотите, чтобы слушатель быстро запомнил материал, тогда необходимо соблюдать принцип равновесия. Он заключается во взаимодополнении ритма и интонационного строя. Если интонационный строй включает сложно воспринимающиеся для слуха элементы, такие, как скачки на широкие интервалы , наличие мелизматики, отклонения или модуляции и прочие осложняющие факторы, тогда необходимо применять простой ритм . Если мелодия по интонационному строю простая тогда прописывается более сложный ритм.

Принцип мелодической волны. Отлично воспринимается мелодия, построенная на чередовании восходящего и нисходящего движения.

Стоит отметить, что мелодия необязательно должна проводиться в верхних регистрах, она также может быть в басу или другом голосе.

Чтобы написать по-настоящему выразительную и красивую мелодию необходимо:

Представить художественный образ, который необходимо воплотить в музыке. Задайте себе вопросы: инструментальное или вокальное сочинение? Какой характер? Все эти вопросы, позволят определить средства выразительности. В одном из разделов статьи подробно разбираются средства выразительности.
Импровизировать. Больше играйте и слушайте. Многие музыканты именно при импровизации находят отличную мелодическую линию. Наиболее интересные варианты могут появиться не сразу.
Если импровизация дается тяжело, то попробуйте специально сочинить несколько похожих по эмоциональной окраске мелодий. Запишите их либо на диктофон, либо в нотную тетрадь.
Изменять. Возьмите определенную тему вашего сочинения, попробуйте изменить в ней что-то, например, одну ноту, фрагмент или тональность. Вслушайтесь, стало ли лучше.
Анализировать другие произведения. Отмечайте, какие средства выразительности использовал композитор в понравившихся вам мелодиях. Это поможет понять, что звучит хорошо, а что плохо.

Если создается классическое произведение, то мелодию необходимо развивать. Существует несколько способов мелодического развития:

Разработочный позволяет дробить тему, а также секвенцировать ее (Секвенция – последовательное повторение музыкального материала на другом звуковысотном уровне.)
Полифонический подразумевает использование канонической имитации.
Вариационный допускает небольшие изменения в мелодии, с сохранением изначальной гармонии и формы.
Вариантный способ основывается не только на изменении в мелодии, но и в гармонии и соответственно форме, объединяющим является интонационный строй.
Жанровая трансформация подразумевает изменение жанра, заложенного в основе. Например, тема была жанрово-бытовой, а стала хоралом.

При усложнении музыкальной ткани допускается совмещение способов развития. В инструментальной музыке в качестве развития материала можно использовать арпеджио, пассажи и другие общие формодвижения, это позволит разнообразить сочинение.

Гармония

Гармония позволяет объединять звуки в созвучия, которые, в собственную очередь, образуют последовательность. Созвучия в данном смысле представлены интервалами и аккордами. Наиболее часто гармонические обороты в композиции характерны для аккомпанемента.

Проще говоря, аккомпанемент представляет собой сопровождение для мелодии. Фактура определяется как заполненное звуками пространство, имеющее развитие. Существует несколько типов фактуры в аккомпанементе:

Аккордовая. В основе фактуры аккорды в ритмическом изложении.
Фигурации. Различают гармонические - проигрывание звуков аккорда последовательно и мелодические фигурации – последовательное проигрывание звуков аккорда с добавлением неаккордовых звуков.
Альбертиев бас ритмически равномерно разложенный бас. В некоторых случаях воспринимается, как скрытое двухголосие.
Полифоническая или многоголосная имеет несколько относительно самостоятельных голосов.

Гармонические обороты произведения желательно прописывать сразу после мелодии, можно в виде цифровок. Важно помнить, что для конкретных исторических стилей, характерны собственные обороты. Исторически сложилось несколько направлений в данной науке:

Каждое направление имеет ряд правил, которые не рекомендуется нарушать при сочинении в данном стиле.

Форма и роль повторений

Обязательно необходимо соблюдать форму. Без этого произведение будет разваливаться. Для каждого типа произведения есть определенная форма. Современный музыкальный мир может похвастаться многообразием форм, как в вокальной, так и в инструментальной музыке. Наиболее распространенными моделями являются:

Простая двухчастная состоит из двух внутренних разделов, при этом во второй части повторяется небольшой фрагмент первой, который развивается иначе.

Простая трехчастная репризная (da capo) состоит из трех частей. При этом вторая контрастна первой, третья является повтором первой.

Сонатная основывается на тональном контрасте структурно оформленных экспозиционных тем, развитие проводится в разработочном разделе, в репризе темы тонально объединяются.

Вариации – модель, построенная на многократном изменении первоначальной темы.

Куплетная и запевно-припевная применяются в вокальной музыке.

Допускается синтез между формами.

Не стоит бояться формообразующих повторов. Мышление человека лучше усваивает повторяющуюся информацию. В классической музыке можно найти подобное использование повторений:

Лейтмотив применяется для симфонических или театральных произведений, имеющих ярко выраженную драматургию.

Лейттема – это тема, выступающая как действующее лицо.

Формообразующие повторы характерные для определенных композиторских моделей.

В современной популярной музыке композиторы также активно используют повторения. Так в припеве сохраняются музыка и текст. В куплетах изменяются только слова. Электронная музыка также наполнена повторениями, примером является композиции с использованием сэмплов.

Драматургия

Музыка относится к ряду искусств, которые должны вызвать эмоциональный отклик у слушателя. В противном случае, музыкальное сочинение не будет пользоваться популярностью. При сочинении композиции важно помнить о роли драматургии. Существует несколько вариантов драматургического развития:

Трагедийная концепция имеет заложенный конфликт

Созерцательная лирика не имеет конфликта, преобладает эстетическое начало

Каждый из данных вариантов имеет бесчисленное количество подкатегорий, поэтому не будем подробно на них останавливаться. Важно понять, что в том и другом варианте, обязательно должна быть кульминация. Выделяют несколько разновидностей кульминаций в зависимости от ее расположения в сочинении:

Вершина-источник находится вначале. Характерно для лирических произведений.

Середина или в точке золотого сечения наиболее популярна в творчестве романтиков, так позволяет создать атмосферу напряженности.

Вершина-горизонт находится в конце произведения. Оставляет у слушателя ощущение недосказонности, незавершенности. Имеет сильный эмоциональный эффект.

В музыкальном произведении кульминация сопровождается следующими признаками:

Расширение диапазона мелодии (как правило самый высокий звук во всем произведении)

Композитор должен обязательно продумывать кульминационные моменты. В одном произведении может быть несколько кульминационных точек. Если сочинение включает в себя несколько инструментов, то с точки зрения драматургии, необходимо вводить их постепенно, чтобы не перегружать фактуру.

Средства выразительности

Содержательную сторону композиции позволяют олицетворить средства выразительности. К ним относятся:

Тональность сильно влияет на произведение, некоторые тональности в классической музыке имеют собственное значение. Например: Des-dur – это выражение истинной любви.

Лад. Наиболее распространенными являются мажор, который используется для выражения более светлых и лирических образов, и минор, обладающий более драматичным оттенком.

Наличие мелизматики или ее отсутствие.

Включение музыкальных символов. Особенно характерно для композиций в барочной стилистике.

Инструментальные тембры. Каждый тембр имеет собственную окраску и диапазон, в котором он наиболее эффектно звучит.

При сочинении произведения необходимо экспериментировать со средствами выразительности, меняя тональность, лад, добавляя или убирая мелизмы.

Упражнения

Существует ряд упражнений и заданий, помогающих освоить композицию:

Анализ произведений других композиторов. Прежде чем написать произведение в определенном стиле необходимо посмотреть, как это делают профессионалы. Выделить для себя наиболее удачные приемы и попробуйте применить их на практике.

Выберите текст или стихотворение, имеющие яркую эмоциональную окраску. Проанализируйте. Попробуйте импровизировать, воссоздавая атмосферу в тексте. Тоже самое можно делать, используя художественные образы в живописи.

Выберите определенную форму и постарайтесь сочинить в ней, используя все правила.

Играйте гаммы, пассажи, аккорды, пробуйте модулировать. Все практические навыки обязательно пригодятся при сочинении.

Занимайтесь подбором других музыкальных произведений, это даст вам базу для формирования музыкального слуха, а также улучшит технику игры на инструменте.

Совершенствуйте знания в теории музыки.

Программы для набора нот при сочинении музыкальных композиций

Sibelius 8 является одним из лучших нотных редакторов, отлично зарекомендовавших себя на мировом рынке программного обеспечения для профессиональных музыкантов, композиторов и аранжировщиков.

К функциональным возможностям данной программы можно отнести:

Большой набор встроенных шаблонов.
Возможность самостоятельно устанавливать разметки страницы
Наличие необходимых инструментов
Несколько удобных способов набора нот
Наличие функции MIDI
Можно прослушать композицию
Постоянные обновления

Sibelius – полезная программа, как для начинающих композиторов, так и для профессионалов.

Подобной по функциональным возможностям является программа MuseScore 2.

Примечание: во многих современных нотных редакторах есть функция прослушивания полученного текста, более того, можно сохранить файл, как аудиозапись в различных форматах. Единственным минусом подобных аудиозаписей можно считать плохое качество звука, не передающее тембровую окраску. Так, если автор хочет добиться максимально качественного звучания, тогда необходимо использовать специализированные программы для записи, такие как FL Studio 12, Mixcraft 8 или Audacity. Запись может проводиться как на виртуальных инструментах, так и при помощи MIDI-клавиатуры.

Резюме: план сочинения

Инструментальная музыка:

Импровизация и сочинение мелодии;
Анализ характера мелодии;
Выбор музыкальной формы, способной выразить характер мелодии;
Разработка драматургии: кульминационные моменты;
Выписка гармонических оборотов в выбранной фактуре. По необходимости включение отклонений, модуляций;
Аранжировка или инструментовка (по необходимости);
Критический взгляд на произведение;
Корректировка (по необходимости).

Вокальная музыка:

Выбор стихотворения или текста;
Выбор музыкальной формы;
Анализ настроения текста;
Определение кульминационных моментов в тексте;
Сочинение вокальной мелодии;
Создание примерного гармонического плана;
Выбор фактуры, соответствующей содержанию;
Выписка кульминационных моментов в музыке;
По необходимости аранжировка;
Критический взгляд (проиграть композицию спустя время);
Корректировка.

Надеемся, что статья помогла Вам понять, как сочинить музыкальное произведение. Пробуйте. Совершенствуйте собственное композиторское мастерство. Ищите индивидуальный стиль. Желаем вам творческих успехов!

Для учеников 1-11 классов и дошкольников
Бесплатные сертификаты учителям и участникам

Описание презентации по отдельным слайдам:

Цель: Узнать что такое вокальная и инструментальная музыка

Задачи: Выяснить что такое вокальная музыка Выяснить что такое инструментальная музыка Узнать что такое музыка Сделать вывод

Вокальная музыка — это музыка, в которой голос главенствует, или равноправен с инструментами, с сопровождением или a cappella. Жанры вокальной музыки: Оперный, Ораториальный, Камерный, Оперетта, Джаз.

Опера соединяет в едином театральном действии: вокальную (соло) ансамбль (хор), инструментальную музыку (симфонический оркестр), драматургию, изобразительное искусство (декорации, костюм) хореографию (балет). В опере воплощаются все формы вокальной музыки : (ария, ариозо, песня, монолог, речитатив, дуэт, трио, квартет, большие финалы с хором).

Оратория (c лат. говорю, молю.) — крупное музыкальное произведение для певцов (солистов) хора и симфонического оркестра. Писались обычно на драматический и библейский сюжеты.

Камерный жанр - (лат. Камера, комната.) Очень обширный пласт вокальной музыки, возникший в эпоху возрождения и барокко. В это время пишутся: мадригалы, кантаты, мессы. Пение требует виртуозности и шикарности . Пишутся произведения для солистов, небольшого хора и малого состава оркестра.

Оперетта (с итал. — Маленькая опера) Музыкально-сценическое произведение комедийного характера, сочетающее в своей драматургии: музыку, танец, разговорный, диалог. В спектакле задействованы солисты, хор, оркестр в небольшом количестве балет. Оперетта как самостоятельный жанр сложилась во Франции в середине 19 в.

Джаз (англ. jazz) — род музыкального искусства, сложившийся под влиянием африканских ритмов, европейской гармонии, с привлечением элементов афроамериканского фольклора.

Инструментальная музыка — музыка, исполняемая на инструментах, без участия человеческого голоса.

В инструментальной музыке применяются самые различные инструменты. Чаще всего это оркестры или различные музыкальные формации, например, квартеты, квинтеты и другие. Но любая музыка, сыгранная даже на одном инструменте без вокала, тоже считается инструментальной.

Инструментальную музыку люди любят с самой древности. Согласно археологическим данным, возраст самых древних музыкальных инструментов, составляет порядка 40 тыс. лет, и это флейты. Они обнаружены юго-западной части Германии в пещере Холе-Фельс. Древние греки уже были известными любителями инструментальной музыки. Платон замечал в своих сочинениях, что горожанам больше по вкусу приходится инструментальная музыка струнных кифар и лир, а вот сельские жители предпочитают духовые инструменты: свирели.

Вывод: Мы выяснили, что такое инструментальная и вокальная музыка. И что такое музыка. Я думаю, что я выполнила все задачи и достигла цели проекта.

Инструментальной называется любая музыка, сыгранная с помощью музыкальных инструментов. Важная ее особенность – отсутствие вокальной партии. Под этим словом могут понимать различные электронные произведения, главное, чтобы в них не было человеческого голоса.

Что такое инструментальная музыка
Какой самый древний музыкальный инструмент
Как научиться отличать стили современной музыки

Вся музыка, исполняемая на инструментах, настолько разнообразна, что сложно описать ее в нескольких словах. Она бывает ансамблевая, оркестровая и сольная. Среди жанров, в которых применяются инструментальные средства, можно назвать классику, джаз, пост-рок, различные обработки и аранжировки.

Несмотря на то, что такие категории, как электронная и инструментальная музыка, нередко противопоставляются, иногда определенные виды электронной музыки считают инструментальной, если в композициях не используется человеческий голос. Это некоторое противоречие, но оно имеет место быть, полезно знать об этом.

Но мрачное Средневековье закончилось, наступило время Возрождения, когда прекрасные искусства, в том числе и инструментальная музыка, снова оказываются под самым пристальным вниманием людей. Начиная с этого времени, музыка развивается очень активно, причем, инструментальные формы развиваются совместно с вокально-инструментальными, они шествуют рука об руку, и одна не мыслима без другой.

Инструментальная музыка — музыка, предназначенная для исполнения на музыкальных инструментах — появилась в XVII веке. Вы вправе спросить: а разве не вся музыка исполняется на инструментах?

Правильно: вся. Только вот одно дело, когда музыкальные инструменты сопровождают пение, танцы, торжественные приемы, театральные представления, и другое, когда звучат сами по себе, самостоятельно — в ансамбле или оркестре. Это и есть инструментальная музыка, которой, несмотря на обилие всяческих инструментов, в средние века все еще не было.

Средневековье принято считать эпохой вокальной музыки. Петь любили все. По дошедшим до нас воспоминаниям, не было ни одного знатного дома, где бы не имели клавесина и не звучали арии из опер или популярные песенки.

Музыкальные историки полагают, что первые инструментальные произведения представляли собой переложения модных в то время танцев и песен. А различных танцев всегда было много. Самыми популярными в XVII веке в Европе являлись аллеманда, куранта, павана. Они и стали основой нового инструментального жанра — знаменитой французской сюиты. Тогда же во всех странах Западной Европы получила распространение музыка, написанная для органа. Появились замечательные музыканты — ее исполнители. А затем возникли и инструментальные пьесы с хорошо знакомыми нам названиями: прелюдия, соната, фуга, токката… Так родилась инструментальная музыка.

Данный текст является ознакомительным фрагментом.

Продолжение на ЛитРес

Когда возникла первая полиция?

Когда возникла первая полиция? Давным-давно полицейские, почти такие же, как те, что нарисованы на картинке выше, принадлежали к многочисленным независимым полицейским организациям в Америке. Теперь в США существуют 40 000 подразделений, которые занимаются

Когда возникла пастораль?

Когда возникла архитектура Возрождения?

Когда возникла архитектура Возрождения? И вновь в Европе, на сей раз в XVI веке, возродился интерес к античному искусству. Даже жилые постройки того времени и те украшались колоннадами, куполами, живописью, скульптурой и, конечно, роскошной мебелью.Стиль Возрождения возник

Когда возникла частная русская опера?

Когда возникла частная русская опера? Частная русская опера — оперный театр, созданный на средства знаменитого мецената и промышленника Саввы Ивановича Мамонтова, — открылась в Москве в 1885 году. Она находилась в здании театра на Большой Дмитровке. Значение ее в

Когда возникла Дорога Гигантов?

Когда возникла Дорога Гигантов? На побережье Северной Ирландии есть удивительное место – Дорога Гигантов. Более 40 тысяч соединённых между собой пяти– и шестигранных каменных глыб, обработанных морем, кажутся настоящей мощёной тропой для великанов. Собственно говоря,

Когда возникла первая полиция?

Когда возникла первая полиция? С давних времен полицейские принадлежали к многочисленным независимым полицейским организациям в Америке. Теперь в США существуют 40 000 подразделений, которые занимаются расследованиями в разных районах и специализируются на

Когда возникла Москва?

Когда возникла Москва? Москва возникла во время расцвета Древней Руси. В начале XII века Владимир Мономах направил своего сына Юрия, прозванного Долгоруким, наместником северо-восточной Руси.Поскольку этот край был связан торговыми путями со Смоленском, Новгородом,

Инструментальная линия

Инструментальная линия Инструментальная линия находится на территории Апраксина двора. Она идет от Воронинского проезда до набережной реки Фонтанки, выходя к последней между домами 59 и 65. Название возникло в начале XX века. Связано оно с тем, что здесь шла торговля

ИНСТРУМЕНТАЛЬНАЯ ЛИНИЯ

ИНСТРУМЕНТАЛЬНАЯ ЛИНИЯ Инструментальная линия находится на территории Апраксина двора. Она идет от Воронинского проезда до набережной реки Фонтанки, выходя к последней между домами 59 и 65. Название возникло в начале XX века. Связано оно с тем, что здесь шла торговля

Как и когда возникла Крабовидная туманность?

Как и когда возникла Крабовидная туманность? Одним из самых знаменитых объектов звездного неба является Крабовидная туманность, находящаяся в созвездии Тельца. Когда французский астроном Шарль Мессье в 1758 году искал в этом районе неба одну из комет, он чуть не спутал с

НОВАЯ МУЗЫКА — ЭТО ДРУГАЯ МУЗЫКА

НОВАЯ МУЗЫКА — ЭТО ДРУГАЯ МУЗЫКА Я сомневался, что эти трое знают мой репертуар или что им что-нибудь говорят такие имена, как Адес, Тёрнейдж, Такемицу, Куртаг, Линдберг или Мюллер-Виланд. Но я всё же перечислил их, композиторов XX и XXI века, пишущих современную музыку. На

Читайте также: