Современная инструментальная музыка реферат

Обновлено: 07.07.2024

Обозначает всё это исполнение музыки. Но не всегда. Например, музицированием редко обозначают концертное исполнение или звучание парадного марша, танцев. А вот игру на музыкальных инструментах или пение в быту при небольшой аудитории, для самих себя, друг для друга – дома, в камерных залах или на воздухе, - обычно называют музицированием. Музицирование – очень важный показатель музыкальной культуры общества, да и культуры вообще, так же как чтение, занятия поэзией, участие в любительском театре, рисование, рукоделие и т.д., то есть любой вид активного приобщения к искусству в виде собственного творчества, независимо от того, профессиональное оно или любительское.

Вложение	Размер
vokalnaya_i_instrumentalnaya_muzyka_-_tsvetnaya.doc	55.5 КБ

Онлайн-тренажёры музыкального слуха

Теория музыки и у У пражнения на развитие музыкального слуха для учащихся музыкальных школ и колледжей

Современно, удобно, эффективно

Предварительный просмотр:

Музыка – ( инструментальная и вокальная )

« Из наслаждений жизни одной любви музыка уступает:

В этих словах А.С.Пушкина о музыке сказано так много, что можно и книг не писать. Музыка – вид искусства в котором мысли и чувства выражены звуками.

не программная и т.д. По сравнению с вокальной музыкой у инструментальной есть потери и преимущества. Она уступает вокальной в непосредственности и теплоте человеческого голоса, но превосходит её в разнообразии и богатстве тембров, регистров, диапазона, скорости смены звуков, долготе тянущегося звука, комбинациях тембров и т.п., всего не перечислишь. Именно поэтому выразительные возможности инструментальной музыки неисчерпаемы, и ей подвластны самые разнообразные эмоции и образы. Недаром древние греки считали инструментальную музыку высшим, божественным искусством.

Нет ничего прекраснее человеческого голоса. Говорят, что каждый инструмент хорош настолько, насколько он приближается к голосу, А голос – это инструмент музыканта-вокалиста.

Большинство из нас, не задумываясь, назовёт Фёдора Ивановича Шаляпина как эталон певца. Но далеко не каждый знает, что дело не только в его замечательном голосе, но и в выдающемся артистизме, который воздействует на нас даже с дисков старинных пластинок.

Голос, конечно, главный предмет заботы вокалиста. Для того, чтобы этот инструмент служил долго, был выносливым, - требуется основательная тренировка, постановка голоса (бывает, впрочем, природная), ведь человеческий голос – инструмент тончайший и хрупкий. Тренировка заключается во владении дыханием, мышцами горла, рта и лица.

Но для музыканта, как известно, инструмент – это ещё не всё. Душа, музыкальность, интеллект – словом, личность – вот важнейшее условие для рождения настоящего певца. Но и актёрские данные необходимы. Иначе, кто же поверит тому образу, который заключён в исполняемом произведении?

Голос человека, его тембр, тон, вибрация говорят о человеке гораздо больше, чем он подчас хотел бы. И как бы ни был красив от природы тембр, как бы ни была высока вокальная техника, - слава и популярность певца обеспечивается только комплексом, сочетанием профессиональных и человеческих качеств. Это счастливое сочетание характерно для выдающихся певиц XIX века Дж.Гризи и А.Патти, для наших современников И.С.Козловского и Н.А.Обуховой, М.Кабалье и Д.Фишера-Дискау.

Владение вокалом, обеспечивающее чистое и выразительное пение, даёт возможность с наибольшей точностью донести до слушателя замысел автора и доставить ему подлинное наслаждение. Существуют десятки методик обучения пению. Это тонкое и кропотливое искусство, первенство в котором уже на протяжении трёх-четырёх столетий удерживают итальянские мастера. Под влиянием итальянской школы сложились и другие национальные школы, в том числе и русская. Однако манеру пения обычно определяет репертуар. Так, Владимир Атлантов, например, поёт русскую музыку в русской манере, а итальянскую – в итальянской, которой он владеет в совершенстве.

Вокальная музыка самая древняя и вечная. Она неотделима от текста, от слов. Её образный диапазон – от древнейших обрядовых заклинаний до филосовских откровений. Колыбельные песни и литургии, любовная лирика и гимны, опера и джаз, оратория и рок, старинный романс и песня протеста – всё это вокальная музыка.

Любое соединение певческих голосов представляет собой вокальный ансамбль. Строго говоря, даже хор. В музыкальной практике сложились как типичные небольшие вокальные ансамбли: дуэты, трио, квартеты, октеты. Эти ансамбли бывают смешанные, а бывают однородные: женские или мужские. Надо добавить, что вокально-ансамблевое музицирование имеет свойство доставлять людям особое удовольствие. В эпоху Ренессанса это было одним из любимейших занятий, да и позже, в XVIII – XIX веках, домашнее и салонное музицирование, как правило, включало в себя и ансамблевое пение, Много поют и народные умельцы и любители пения. Городские жители сейчас, к сожалению, поют совсем мало, всё больше слушают. Петь, слушая свой голос вместе с остальными, подстраиваться, вместе переживать музыку – одно из самых радостных занятий. Если вы никогда не пробовали, попробуйте, не пожалеете!

Что касается хоровой музыки, которая тоже относится к вокальной, то о ней нужно говорить отдельно, поскольку это явление особое.

Поскольку музыка исполняется не только одним человеком – солистом, но гораздо чаще – несколькими, а то и многими музыкантами, то всякий коллектив исполнителей, от двух человек до тысячных масс,- это ансамбль. Но употребляется это слово в музыке обычно в двух значениях.

Первое: ансамблем, как правило, называют небольшой коллектив музыкантов, от двух до десяти – пятнадцати человек.

Второе: под ансамблем часто подразумевают слаженность исполнения.

Когда трогают струны гитары, кажется, что трогают струны твоей души. В этой тайне нашего родства с этим инструментом, наверное, и заключается разгадка его необыкновенной истории. Из всех инструментов нового времени гитара самая старая: в XIII веке она была уже широко известна в Испании. И несмотря на это, популярность гитары продолжает расти. По мере того, как сменяются эпохи и музыкальные стили, в ней раскрываются новые возможности и новые качества. Но самое поразительное заключается в том, что гитара не имеет социальных и жанровых границ. Она доступна и простолюдину и аристократу, равно любима ими. На гитаре одинаково хорошо звучит аккомпанемент к старинному или цыганскому романсу и уникальные джазовые импровизации Александра Дольского, сюиты И.С.Баха и рок-музыка.

Более того, гитара не знает национальных границ. В каждой стране, где она приживается, гитара становится народным инструментом, обогащая новую культуру. Песни итальянские и русские, английские и негритянские, испанские и французские звучат под гитару так, словно родина гитары каждая из этих стран.

Гитара прекрасно звучит с голосом и с органом, с хором и духовыми инструментами. Неповторима и ни с чем несравнима гитара соло или дуэт гитар. Испанский стиль сольной игры на гитаре ( фламенко ) обладает предельной экспрессией, романтической взрывчатостью, требует от исполнителя сочетания феноменальной техники игры с огромной внутренней эмоциональностью. Всеми этими качествами обладает выдающийся исполнитель в стиле фламенко Пако де Лусия.

Крупнейшим гитаристом современности был Андре Сеговия. Для него писали музыку многие композиторы Западной Европы и Латинской Америки. Выдающиеся советские гитаристы А.М.Иванов-Крамской и Л.Ф.Андронов унаследовали традиции русской гитарной школы, у истоков которой были прославленные гитаристы А.О.Сихра (1773 – 1850) и М.Т.Высоцкий (около 1791 – 1837).

Классическая гитара шестиструнная. Известная нам семиструнная гитара представляет собой национальный русский вариант, привившийся частично и в Польше. Сегодня в век техники появились модернизированные разновидности инструмента: гавайская гитара ( с металлическими струнами), оркестровая (или джазовая) и конечно-же электрогитара.

Древнейший, интернациональный, универсальный и, по-видимому, вечный инструмент, он необходим многим, начиная от маленьких детей, обожающих игрушечные барабанчики (гроза взрослых, страдающих от шума),-кончая всеми разновидностями оркестров и всеми жанрами серьёзной музыки. О роли барабанов в эстраде, рок-музыке и джазе много можно и не говорить. Их без него просто не было бы.

Воспроизведение ударных звуков так же необходимо человеку, как и пение. Оно выражает естественную потребность в ритме и движении и связано прежде всего с ходьбой, маршем и танцем, а также с обрядами. У многих народов ритм и звуки барабана имеют ритуально-магический смысл. Особенно распространён барабан в Африке. Не потому ли, что её солнечные народы обладают такой природной двигательной активностью, какую европейцам трудно даже представить? Любопытно, что барабан каждый народ, видимо, изобретал сам. Ведь это всего лишь кусок кожи животного, натянутый на полый корпус или раму, да палочки, которые всегда найдутся, хотя и ладони рук прекрасно годятся для игры на барабане.

Из всех разновидностей барабана в нашу эпоху в Европе используются две: большой и малый барабан. Большой барабан, на котором играют деревянной колотушкой с мягким наконечником, имеет звуки от приглушенно-мрачных – до мощных и грозных. На малом барабане играют с помощью двух деревянных палочек. Его звук сухой и резкий, на нём великолепно получаются дробь и сложные ритмические фигуры.

Поскольку звук барабана не имеет высоты, ноты записывают на одной строчке.

Младенец, играющий с погремушкой, уже приобщается таким образом к ударным инструментам. А если вспомните, какое удовольствие вам в раннем детстве доставляло позвенеть крышками и сковородками, побарабанить по деревяшкам и т.д., вы поймёте, какое место в жизни человека занимает эта столь примитивная форма музицирования. Первыми ударными были деревянные инструменты. Следующими – те, что делались из кожи животных, натянутой на полый корпус. Наконец, последние появились металлические.

Большинство ударных инструментов не имеют точной высоты звука (барабаны, кастаньеты, трещотки, бубны, тамтам и др.). Поэтому их роль прежде всего ритмическая, хотя очень важен и тембр, богато окрашивающий оркестр или ансамбль. Но немало инструментов, имеющих определённую высоту. Это колокола и колокольчики, литавры, ксилофон, гонг, челеста и др. Они используются как мелодические и гармонические. Их тембр также чрезвычайно важен.

Ударные инструменты имеют столь же большое значение в оркестре и ансамбле, сколь струнные и духовые. Очень велика их роль в джазе (в который они пришли вместе с африканским фольклором) и конечно, в рок-музыке, где они являются одним из главных инструментов.

Для учеников 1-11 классов и дошкольников
Бесплатные сертификаты учителям и участникам

Муниципальное бюджетное общеобразовательное учреждение

Артемовского городского округа

ИНДИВИДУАЛЬНЫЙ ИТОГОВЫЙ ПРОЕКТ

Саврасова Александра Владимировна

ученица 9 класса

Куратор проекта:

Верхоломова Елена Александровна

1.2 Классификация музыкальных стилей……………………..……….…..6

1.3 Многообразие музыкальных стилей современной музыки………….8

1.4 Особенности музыкальных стилей в 21 веке …………………..……14

Список источников информации и литературы………………………….17

Музыка входит в число искусств, наиболее древних и распространенных в человеческой культуре. Основой музыки является звук, который лишен смысловой конкретности слова, не воспроизводит фиксированных, видимых картин мира. Но при этом он специфическим образом организован и имеет интонационную природу.

Современное музыкальное искусство представлено различными стилями благодаря межкультурной коммуникации людей разных стран, общению, а также развитию техники.

В 21 веке изменения в современной музыке происходят очень быстро. Часто приходиться сталкиваться с тем, что мои сверстники, увлекаясь современной музыкой, не знают к какому стилю или направлению принадлежит музыка, которую они слушают.

Чтобы в этом убедиться в этом я провела социальный опрос среди своих сверстников. В опросе приняли участие 46 человек (учащиеся-7-9 классов). Участникам опроса было предложено 2 вопроса:

- Какие музыкальные современные стили и направления ты знаешь?

-Музыку каких стилей ты слушаешь?

При анализе результатов опроса выяснилось, что 19 человек (41%) знают такие музыкальные стили как: рэп (5 человек-11%), хип-хоп (3 человека - 6,5%), поп-музыка (3 человека - 6,5%), классика (8 человек -17%), а 27 человек (59 %) не знают музыкальных стилей. Это вызвало затруднение при ответах на второй вопрос, так как здесь надо было отвечать конкретно.

Таким образом мне пришлось определять стиль по любимому исполнителю или музыкальным композициям.

Анализируя результаты второго вопроса выяснилось, что самым востребованным для прослушивания оказался рэп, его выбрали 25 человек (54 %), на втором месте оказался хип-хоп -12 человек (28 %), на третьем месте поп-музыка, ее выбрали 5 человек (10 %), на четвертом месте, рок- 3 человека (6 %) и на пятом месте, электромузыка -1 человек (2 %).

Результаты опроса показали, что подростки 12-15 лет недостаточно осведомлены об изменениях в современной музыкальной культуре. Недостаток знаний указывает на наличие проблемы.

Цель проекта: изучение стилей и направлений современной популярной музыки.

Задачи проекта:

Выяснить насколько много разнообразных стилей и направлений в музыке.

Определить особенности музыкальных стилей в современной музыке:

Основная часть

Стиль в музыке

Что есть стиль? Как известно, слово стиль заимствовано из древнегреческого. Палочке для письма на восковых дощечках соответствовало в греко-латинской терминологии слово stylus, и оно легко ассоциировалось с почерком. Узнаваемый почерк – стиль и послужил прототипом для понятия более высоких уровней – индивидуальности авторского слова, творческой манеры. Термин стиль в значении, близком к современному, появляется сравнительно поздно. Он встречается, в частности, в музыкально-теоретических трактатах эпохи Возрождения. Диапазон его интерпретаций в современном музыкознании чрезвычайно широк.

Стиль – это особенное свойство или , лучше сказать, качество музыкальных явлений. Им обладает произведение или его исполнение, редакция, или даже описание произведения, лишь тогда, когда них непосредственно ощущается, воспринимается стоящая за музыкой индивидуальность композитора, исполнителя, интерпретатора.

Следовательно, стиль – это то качество, которое позволяет в музыке слышать, угадывать, определять того или тех, кто её создает или воспроизводит .

По музыкальным темам, по композиции, по конкретной структуре музыкальной ткани и интонационной организации мы отличим первую фортепианную сонату Бетховена от второй, а тем более от симфонии или концерта. Но во всех этих совершенно разных по жанру, форме, образному строю произведениях слух угадывает и нечто общее – почерк, манеру, интонацию того единственного мастера.

Музыкальный стиль – это отличительное качество музыкальных творений , входящих в ту или иную общность (наследие композитора, школы, направления, эпохи, народа и т.д.), которое позволяет непосредственно узнавать, определять их происхождение и проявляется в совокупности всех без исключения свойств воспринимаемой музыки, объединенных в целостную систему .

Во всех разновидностях стиля (в музыке – это авторский стиль, исполнительский стиль, фортепианный стиль, жанровый стиль, стиль эпохи, национальный и т.п.) непременно предполагается единое происхождение. Совокупность музыкальных явлений – произведений, фольклорных творений, исполнительских интерпретаций и т.п. – необходимым образом соотносится с породившим эти явления источником – творчеством конкретного композитора, определённой эпохи, культуры, нации. Если в двух музыкально-звуковых текстах восприятие отмечает единство стиля, то это говорит об их едином творческом, историко-культурном происхождении [1].

Итак, можно сказать, что стиль – это почерк , т.е. отличительные характерные черты, проявляющиеся в произведения, в его организации, в отборе средств музыкального языка. В музыке различают стиль эпохи (исторический), национальный стиль (принадлежность тому или иному народу), индивидуальный стиль конкретного композитора в широком смысле этого слова.

Классификация музыкальных стилей

Стиль музыкального направления;

Стиль объединения композиторов;

Стиль отдельного композитора;

Попробуем разобраться в том, что понимается под каждым из них.

Стиль эпохи. Понятие стиля эпохи акцентирует внимание на историческом аспекте. Существует много классификаций, одни из которых выделяют наиболее крупные исторические эпохи в развитии музыки (Возрождение, барокко, классицизм, современность и т. д.), а другие, наоборот, дробят историю музыки на относительно небольшие периоды, выделенные ранее другими искусствоведческими дисциплинами (романтизм, импрессионизм, модернизм и др.). Классическим примером стиля эпохи является музыка барокко, характерные черты которой – интерес к внутреннему миру личности, драматизм, контрастное изображение сил природы, развитие оперы и инструментальной музыки (К. Монтеверди, А. Вивальди, Г.Ф. Гендель).

Стиль музыкального направления. Стиль музыкального направления во многом перекликается со стилем эпохи: ведь некоторые направления рассматриваются музыковедами как целые эпохи в музыке. Но есть и такие направления, для которых можно выделить свойственные только им стилистические нюансы. К таким относится венская классическая школа (Л. ван Бетховен, Й. Гайдн, В.А. Моцарт). Классическое направление характеризуется простотой, выразительностью, богатым гармоническим языком, детальным развитием темы.
Говоря о том, какими бывают стили музыки, нельзя пройти мимо национальных особенностей.

Исполнительский стиль. Исполнительское искусство основано на индивидуальной манере исполнения музыканта, который по-своему интерпретирует замысел композитора. Исполнительский стиль проявляется в эмоциональной окрашенности исполнения произведений того или иного автора. Яркими примерами здесь являются те композиторы, которые были вдобавок и музыкантами-виртуозами. Это и Никколо Паганини, который изумлял слушателей безупречной техникой и необычными приёмами игры на скрипке, и блестящий пианист Сергей Рахманинов, истинный рыцарь музыки, который подчинял мелодическую канву строгому ритмическому рисунку. Вот какие бывают стили музыки. Этот список, конечно, можно дополнить классификацией и по другим основаниям, так как мировое музыкальное наследие велико и разнообразно [2].

Многообразие музыкальных стилей в современной музыке

Какие стили есть в современной музыке?
Самые основные и широко используемые стили современной музыки рассмотрим ниже. Эти стили определены по жанровому признаку.

Термин для данного типа музыки (folk music англ.) получил широкую известность в конце прошлого века, для определения народной музыки в различных культурах мира. Естественно сам вид зародился гораздо раньше и является одним из первых в музыке. В свою очередь в нём прослеживаются три основных жанра: инструментальный, песенный и танцевальный. В XVII-XVIII веках в Северной Америке довольно активно развивалась сельская музыка – кантри. На этот жанр очень сильно повлияли ирландская и шотландская народная музыка. Тексты таких песен зачастую рассказывали про любовь, сельский быт и ковбойскую жизнь.

Любопытно, что наряду с этими афроамериканскими жанрами в 20-х годах ХХ века появляется поп-музыка. Корни, которой уходят в народную музыку, уличные романсы и баллады. Поп-музыка всегда смешивалась с другими жанрами, образуя довольно интересные музыкальные стили. В 70-х годах в рамках поп-музыки появился стиль “диско”, который стал самой популярной танцевальной музыкой в то время. Кабаре, Менестрель-шоу, Мюзик-холл, Мюзикл, Рэгтайм, Лаунж, Классический кроссовер, Психоделический поп, Итало-диско, Евродиско, Хай-энерджи, Nu-disco, Space disco, Йе-йе, K-pop, Европоп, Арабская поп-музыка, Российская поп-музыка, Ригсар, Лаика, Латиноамериканская поп-музыка, J-pop - современные стили поп –музыки.

Джазу, основанному на блюзе, характерны огромная зажигательность и импровизация. Основной чертой этого стиля является полиритмия, основанная на синкопированном ритме. Джаз является элитарной музыкой, которая развивалась благодаря освоению музыкантами новых моделей ритмики и гармонии. Некоторые жанры джаза можно отнести к профессионально-академическому направлению. Например, кул-джаз, бибоп.

К джазу можно отнести множество стилей: новоорлеанский джаз, свинг, вестерн-свинг, бибоп, хард-боп, кул или прохладный джаз, модальный или ладовый джаз, авангардный джаз, соул-джаз, фри-джаз, босса-нова. Симфо-джаз, прогрессив, фьюжн или джаз-рок, электрический джаз, Acid jazz, Crossover, Acid jaz

В середине XX века в США появился рок’н’ролл. Данный стиль сочетает в себе невероятное смешение огромного, и как кажется на первый взгляд, несовместимого количества жанров. Отличительная черта рок’н’ролла – четкий ритм и откровенно раскованное исполнение. Границы рок’н’ролла значительно расширялись, в силу чего появилась рок-музыка – абсолютно самостоятельный, новый стиль.

В 50-х годах в ряды уже существующих жанров врывается рок, истоки которого находятся в блюзе, фолке и кантри. Rock в переводе с английского означает качать, что можно отнести к характерному ритму для этого стиля. В рок-музыке имеется огромное количество направлений, начиная от поп-рока, брит-рока, которые можно отнести к более лёгким вариантам. И заканчивая тяжелыми и агрессивными: дет-мелтал (death metal), треш-метал (thrash metal), хардкор (hardcore) и многие другие. Также определённые жанры рок-музыки неотъемлемо связаны с субкультурными явлениями: хиппи, панки, готы, металлисты и другие. Он довольно быстро обрел бешеную популярность и разросся на множество различных стилей, смешиваясь с другими жанрами :

неотъемлемой и немалой частью музыкального классического канона.

Произведения того времени широко исполняются и изучаются.

Музыка барокко взяла от ренессанса практику использования

полифонии и контрапункта. Однако применялись эти техники иначе. Во

времена ренессанса музыкальная гармония строилась на том, что в мягком и

спокойном движении полифонии второстепенно и как будто случайно

появлялись консонансы. В барочной же музыке порядок появления

консонансов стал важным: он проявлялся с помощью аккордов,

выстраиваемых по иерархической схеме функциональной тональности (или

функциональной мажорно-минорной ладовой системы ). Около 1600 года

определение, что такое тональность, было в значительной мере неточным,

субъективным. К примеру, некоторые видели в кадансах мадригалов

некоторое тональное развитие, в то время как на самом деле в ранних

монодиях тональность всё же была ещё очень неопределённой. Сказывалось

слабое развитие теории равномерно-темперированного строя. Согласно

Шерману, впервые лишь в 1533 году итальянец Джованни Мария Ланфранко

предложил и ввёл в практику органно-клавирного исполнительства систему

равномерной темперации. А широкое распространение строй получил

значительно позже. И только в 1722 появляется «Хорошо темперированный

и ренессанса заключалось в том, что в раннем периоде смещение тоники

происходило чаще по терциям, в то время как в барочном периоде

доминировала модуляция по квартам или квинтам (сказалось появление

понятия функциональной тональности). К тому же, барочная музыка

использовала более протяжённые мелодические линии и более строгий ритм.

Основная тема расширялась либо сама, либо с помощью аккомпанемента

бассо континуо. Затем она возникала в другом голосе. Позднее, главная тема

стала выражаться и через бассо континуо, не только с помощью основных

голосов. Размывалась иерархия мелодии и аккомпанемента.

Стилистические различия определили переход от ричеркаров, фантазий

и канцон ренессанса к фугам, одной из основных форм музыки барокко.

Монтеверди назвал этот новый, свободный стиль seconda pratica (вторая

форма) в отличие от prima pratica (первой формы), характеризировавшей

мотеты и другие церковные формы хоралов таких мастеров ренессанса, как

Джованни Пьерлуиджи да Палестрина. Сам Монтеверди использовал оба

Были и другие, более глубокие различия в стилях барокко и ренессанса.

Барочная музыка стремилась к более высокому уровню эмоциональной

наполненности, чем музыка ренессанса. Сочинения барокко часто описывали

какую-то одну, конкретную эмоцию (ликование, печаль, набожность и так

далее; см. учение об аффектах ). Барочная м узыка часто писалась для

виртуозных певцов и музыкантов, и обычно была значительно более сложна

для исполнения, чем музыка ренессанса, несмотря на то, что детальная

запись партий для инструментов была одним из самых главных

нововведений периода барокко. Почти обязательным стало использование

музыкальных украшений, часто исполнявшихся музыкантом в виде

импровизации. Такие выразительные приёмы, как not es inégales стали

всеобщими; исполнялись большинством музыкантов, часто с большой

Еще одно важное изменение заключалось в том, что увлечение

инструментальной музыкой превосходило увлечение музыкой вокальной.

Вокальные пьесы, такие, как мадригалы и арии, на деле чаще не пелись, а

исполнялись инструментально. Об этом говорят свидетельства

современников, а также количество рукописей инструментальных пьес,

число которых превосходило число произведений, представляющих

инструментального стиля, отличного от вокальной полифонии XVI века,

было одной из важнейших ступеней в переходе от ренессанса к барокко. До

конца XVI века инструментальная музыка была едва отлична от вокальной и

состояла в основном из танцевальных мелодий, обработок известных

популярных песен и мадригалов (главным образом, для клавишных

инструментов и лютни) а также полифонических пьес, которые могли бы

быть охарактеризованы как мотеты, канцоны , мадригалы без поэтического

Хотя различные вариационные обработки, токкаты, ф антазии и

прелюдии для лютни и клавишных инструментов были известны давно,

ансамблевая музыка еще не завоевала себе независимого существования.

Однако быстрое развитие светских вокальных композиций в Италии и в

других странах Европы явилось новым толчком к созданию камерной

Например, в Англии получило широкое распространение искусство игры

на виолах — струнных инструментах разного диапазона и величины.

Исполнители на виолах часто присоединялись к вокальной группе, заменяя

отсутствующие голоса. Такая практика стала общепринятой, и на многих

Многочисленные вокальные арии и мадригалы исполнялись как

инструментальные произведения. Так, например, мадригал «Серебряный

В эпоху классицизма, которая последовала за барокко, роль

контрапункта уменьшилась (хотя развитие искусства контрапункта не

прекратилось), и на первое место вышла гомофоническая структура

музыкальных произведений. В музыке стало меньше орнаментации.

Произведения стали склоняться к более чёткой структуре, особенно те,

которые написаны в сонатной форме. Модуляции (смена тональности)

превратились в структурирующий элемент; произведения стали слушаться

как полное драматизма путешествие сквозь последовательность

тональностей, череду уходов и приходов к тонике. Модуляции

присутствовали и в музыке барокко, но не несли в себе структурирующей

В сочинениях эры классицизма часто внутри одной части произведения

раскрывалось множество эмоций, в то время как в барочной музыке одна

часть несла в себе одно, ярко прорисованное чувство. И, наконец, в

классических произведениях обычно достигалась эмоциональная

кульминация, которая к концу произведения разрешалась. В барочных же

работах, после достижения этой кульминации до самой последней ноты

оставалось лёгкое чувство основной эмоции. Множество барочных форм

послужило отправной точкой для развития сонатной формы, разработав

Общая характеристика инструментальных жанров эпохи барокко.

Прототипом симфонии может считаться итальянская увертюра,

сложившаяся при Скарлатти в конце XVII века. Эта форма уже тогда

называлась симфонией и состояла из allegro, andante и allegro, слитых в одно

целое. С другой стороны предшественницей симфонии была оркестровая

соната, состоявшая из нескольких частей в простейших формах и

преимущественно в одной и той же тональности. В классической симфонии

только первая и последняя части имеют одинаковые тональности, а средние

пишутся в тональностях, родственных с главной, которой и определяется

тональность всей симфонии. Позднее создателем классической формы

симфонии и оркестрового колорита считается Гайдн; значительный вклад в

Слово Концерт, как название музыкального сочинения, появилось в

Италии в конце XVI ст. Концерт в трёх частях явился в конце XVII ст.

Итальянец Корелли (см.) считается основателем этой формы концерта.

Концерт состоит обычно из 3-х частей (крайние части - в быстром

движении). В XVIII веке симфония, в которой многие инструменты местами

исполняли соло, называлась concerto grosso. Позднее симфония, в которой

один инструмент получал более самостоятельное значение в сравнении с

другими, стала называться symphonique concertante, concertirende Sinfoni e.

Генетически concerto grosso связан с формой фуги, основанной на

последовательном проведении темы по голосам, чередующимся с

нетематическими построениями – интермедиями. Concerto grosso наследует

этот принцип с той разницей, что начальное построение концерта –

многоголосно. В concerto grosso встречаются 3 типа фактуры:

(в чистом виде они почти не встречаются. Преобладает фактура

Соната (не следует смешивать с сонатной формой). До конца ХVII

сонатой называлось собрание инструментальных пьес, а также вокальный

мотет, переложенный на инструменты. Сонаты разделялись на два рода:

камерную сонату (итал. sonata da camera ), состоявшую из прелюдий, ариозо,

танцев и пр., написанных в разных тональностях, и церковную сонату (итал.

sonata da chiesa ), в которой преобладал контрапунктический стиль. Ряд

инструментальных пьес, написанных для многих оркестровых инструментов,

назывался не сонатой, а большим концертом (итал. concerto grosso ). Соната

применяется и в концертах для сольного инструмента с оркестром, а также в

Осн овн ыми музы кал ьны ми инс тру мент ами баро кко стал орга н в

дух овн ой и камерн ой светс кой музык е. Также шир око е рас про стр ане ние

пол учи ли клаве син , щипк овы е и смычко вые стру нны е, а так же дерев янн ые

дух овы е ин стр уме нты : в иолы , ба роч на я гит ара , ба роч на я скр ипка , в иол онч ель ,

кон тра бас , раз лич ные флейты , кл арн ет, г об ой, фаг от. В эпоху барок ко

фу нкци и так ого распр ост ра нённ ог о щипко вог о струн ног о инст рум ент а, как

лют ня , были в знач ите льно й степ ени низ вед ены до акко мпан ем ент а бассо

кон тин уо, и пост епен но она ока зал ась выте снен ной в этой ипост аст и

кла виш ным и ин стр умен там и. Колёс ная лира , пот еря вш ая в преды дущ ую

эпо ху ренес сан са свою поп уля рно сть и ста в инст ру мент ом нищ их и бродя г,

пол учи ла второ е рожде ние ; вплот ь до конц а 18 в. кол ёсн ая лира остав ала сь

мо дно й иг ру шкой фр анц узс ких ари сто кра тов , ув ле кав ших ся с ель ским бы том.

Вы можете изучить и скачать доклад-презентацию на тему Инструментальная музыка Жанры и формы. Презентация на заданную тему содержит 9 слайдов. Для просмотра воспользуйтесь проигрывателем, если материал оказался полезным для Вас - поделитесь им с друзьями с помощью социальных кнопок и добавьте наш сайт презентаций в закладки!

Определение Инструментальная музыка – это музыка, которая исполняется на инструментах без участия голоса. Такая музыка пишется для одного или нескольких инструментов. Например: Соло - один инструмент. Соло фортепиано, соло органа и так далее, Дуэт - два инструмента. Фортепиано и скрипка, гитара и флейта и другие, Трио – три инструмента. Ансамбль фортепиано и струнных, Квартет – четыре инструмента. Духовые инструменты, струнные инструменты Оркестр – количество музыкантов от 15 до 70/100 и более. Также могут быть различные составы.

Когда появилась инструментальная музыка? Инструментальная музыка появилась в глубокой древности с возникновением первых примитивных инструментов: ударных, струнных, духовых. В каждой стране инструментальная музыка развивалась индивидуально, для тех инструментов, которые были в ходу (были популярны).

Какой стала инструментальная музыка в 18 веке К 18 веку были созданы основные музыкальные инструментальные жанры. В определенных жанрах закрепились определенные составы инструментов. Были сформулированы правила написания таких произведений. За конкретным жанром закрепились конкретные музыкальные формы.

Формы инструментальной музыки Малые инструментальные формы: · Прелюдия · Этюд · Ноктюрн · Токката Крупные инструментальные формы: · Симфония - Сюита · Концерт · Соната · Квартет

Жанры и формы музыкальных произведений полностью сформировались в 18 веке 18 век в музыкальной истории называется Классицизм Формы и жанры музыкальных произведений полностью сложились в творчестве композиторов-классицистов, которые жили и работали в это время в Вене. Поэтому их называют Венскими классиками.

Читайте также: