Живопись в италии кратко

Обновлено: 05.07.2024

До 13 столетия в Италии господствовала византийская традиция, враждебная любому свободному развитию или индивидуальному пониманию. Лишь в течение 13 века окаменевшая схема изображения была оживлена в творчестве некоторых больших художников, прежде всего Флоренции.

Появляется новое, ориентированное на действительность восприятие гармонии цветов и более глубокое выражение чувств. Из художников 13-14 веков можно озвучить такие как Эрколе де Роберти, Франческо Франча, Якопо де Барбари.

Иатльянская живлпись 15 - 16 века

В этот период был распространен такой стиль живописи как маньеризм. Для него характерен уход от единства и гармонии человека с природой, всего материального и духовного, этим он стоит в противовес Ренессансу.

Центрами живописи маньеризма были Флоренция и Рим, Парма и Венеция, хотя как стиль между эпохами Высокого Возрождения и барокко, маньеризм был действителен и за пределами Италии во всей Европе. Великим вдохновителем этого движения был Микеланджело, ему обязаны многие маньеристы Флоренции и Рима решающими импульсами. Даниэле де Вольтерра в своей картине "Моисей на Синайской горе" дает пример тому, как молодое поколение использовало язык художественных форм Микеланджело.

Наибольшим влиянием на молодое поколение художников в Парме пользовался Корреджо. Венецианцы и в эпоху маньеризма продолжали идти своим путем, об этом свидетельствуют прежде всего картины Тинторетто, Якопо Бассано, Пьера Марескальки и Скиавоне. Каждый из них показывает индивидуальное понимание тенденций маньеризма, их объединяет, однако, живописное своеобразие венецианского искусства первой половины 16 века. По колориту и технике живописи они постоянно проявляли себя как наследники искусства Тициана.

В 15 веке итальянцам были свойственны реалистическое восприятие богатства деталей и радость описания увиденного мира. Пробудился интерес к анатомии и перспективе, пейзажу и обнаженному телу, важной задачей стало изображение вещей в правильных пропорциях. Веками недооцениваемый жанр портрета вновь начинает играть роль. Яркие фигуры этого времени: Микеланджело и Рафаэль.

К худодникам, чьи произведения отличаются особой притягательностью, относится и Ботичелли. Он жил во времена наивысшего расцвета живописи во Франции, когда в этом городе под покровительством сильного, богатого и расточительного Лоренцо из рода Медичи одновременно работали такие выдающиеся мастера как Варрокьо, Леонардо, Поллайоло, Пьеро ди Козимо и Лоренцо ди Креди. Такие картины Ботичелли как "Мария с ребенком и маленьким Иоанном" полны гармонии и чувства, но в его позднем произведении "Четыре сцены из жизни св.Зиновия" мало что осталось от красочности и радости земной жизни флорентийского раннего Ренессанса. В поздний период своей жизни Ботичелли обратился к драматическому, производящему почти аскетическое впечатление, стилю, попал под влияние идей Савонаролы.

Лоренцо ди Креди был тоже приверженцем доминиканского монаха и проповедника покаяния Савонаролы. Почти металлическая твердость и напряженность в моделировке, большая свобода во владении деталями, объясняемые его происхождением, характерны для Лоренцо ди Креди.

Вторым центром развития высокого Ренессанса была Венеция. Из поколения художников после Джованни Беллини следует назвать Чиму да Конельяно. Его "Благославляющий Христос" показывает монументальную стоящую фигуру, которая могла бы иметь свой прообраз в античной пластике. "Введение Марии во храм" Чимы связывает архитектуру и пейзаж, помещая при этом рядом архитектуру средневековья и Ренессанса.

Большой была роль Антонелло да Мессина в развитии живописи Венеции, где художник провел несколько лет. В его картинах цвет, свет и пространство приобретают новое значение, предвещая Высокое Возрождение, произведения Джорджоне и Тициана представляют следующий этап развития живописи Венеции.

Большое влияние имела школа Феррары. Феррара является одним из важнейших городом Эмилии, местности Верхней Италии между северными склонами Апеннин и рекой По. Город был резиденцией находящегося под властью семейства д'Эсте герцогства Феррары и блестящим центром итальянской культуры Ренессанса. Из художников можно выделить следующие фигуры: Баттиста Досси, Гарофало и Джироламо Карпи, Козимо Турде Робертиы, Франческо Коссы и Лоренцо Косты, Эрколе де Роберти. Феррарская живопись уже в 15 веке выдвинула две большие художественные личности - Козимо Туру и Франческо Косу, которым многие были обязаны художники следующего поколения: Эрколе де Роберти и Лоренцо Коста. Мастерам Феррары свойственна некоторая графическая жесткость, дробность композиции, а с другой стороны поиски выражения сильных чувств и исходящая от Мантеньи пластическая ясность.

Болонья была вторым центром искусства Эмилии. Большое влияние живописи Болоньи приобрела с творчеством Караччи, в 17 веке с Гвидо Рени, Франческо Альбани и Доменикино.

Итальянская живопись 16 века

Джорджоне, Тициан и Корреджо - наиболее блестящие имена этого периода.

Корреджо является выдающейся личностью живописи Пармы 16 века. Он родился в Корреджо, отсюда происходит его художественное имя. Он долго работал в месте, недалеко от Корреджов Парме. В 1514-15 гг. в Кореджо он пишет для церкви Сан Франческо "Мадонну со святым Франциском". Это одна из самых ранних работ мастера, возникла почти одновременно с "Сикстинской мадонной" Рафаэля. Спустя 10 лет за этим произведением следует вторая большая алтарная картина "Мадонна со святым Себастьяном". Здесь художник уже далек от покоя картины 1514 голда, в динамических поворотах и движениях фигуры проявляется устремленность к барокко.

Большой центр живописи - Венеция. Вклад Тициана в значительной степени определил венецианскую живопись 16 века, как художественными достижениями мастера, так и его продуктивностью. Он в равной степени владел всеми жанрами, блистал в религиозных, мифологических и аллегорических композициях, создал многочисленные захватывающие портреты. Тициан следовал стилистическим направлениям своего времени и в свою очередь влиял на них.

Веронезе и Тинторетто - в противоположности этих двух художников выявляется двойственность венецианской живописи середины 16 века, спокойное проявление красоты земного существования на исходе Ренессанса у Веронезе, напористое движение и крайняя потусторонность, а в некоторых случаях также и изысканный соблазн светского характера, в творчестве Тинторетто. В картинах Веронезе не чувствуется никаких проблем того времени, он пишет все так, как будто это и не могло быть иначе, как будто жизнь прекрасна такой, как она есть. Изображенные на его картинах сцены ведут "реальное" существование, не допускающее никаких сомнений.

Совсем иначе у Тинторетто, все, что он пишет, наполненно напряженным действием, драмматически подвижно. Ничто для него не является незыблемым, вещи имеют много сторон и могут проявлятся по-разному. Противоположность между глубоко религиозными и светски-пикантными, по меньшей мере элегантными, картинами, о которой свидетельствуют два его творения "Спасение Арсинои" и "Борьба архангела Михаила с сатаной", заостряет наше внимание на своеобразие маньеризма, присущем не только венецианцу Тинторетто, но и замечанном нами у происходящего из традиций Корреджо Пармиджанино.

Итальянская живопись 17 века

Это столети отмечено, как время усиливающегося католицизма, церковной консолидации. Рацвет живописи в Италии был связан, как и в предыдущие столетия, с разделением на отдельные локальные школы, являвшимся следствием политической ситуации в этой стране. Ренессанс Италии понимался как исходная точка далеко идущих поисков. Можно выделить художников римской и болонезской школы. Это Карло Дольчи из Флоренции, Прокаччини, Нуволоне и Пагани из Милана, Алессандро Турки, Пьетро Негри и Андреа Челести из Венеции, Руопполо и Луку Джордано из Неаполя. Римская школа блещет целой серией картин к притчам Нового Завета Доменико Фетти, выученного на примерах Караваджо и Рубенса.

Андреа Сакки, ученик Франческо Албани, представляет ярко выраженное классическое направление римской живописи. Классицизм как движение, противоположное барокко, всегда существовало в Италии и во Франции, но имело в этих странах различный вес. Данное направление представляет Карло Маратто, ученик Сакки. Одним из главных представителей классицистической тенденции был Доменикино, обучавшийся у Дениса Кальварта и Караччи в Болонье.

Пьер Франческо Мола под влиянием Гверчино было гораздо более барочен, сильнее в трактовке свето-тени, в передаче коричнево-теплого тона. Он так же испытал влияние Караваджо.

В 17 веке выразительно развитые формы барокко с присущим ему ощущением "естественности" и в изображении чудес и видений, инсценировавшихся, однако, театрально, стирали как бы границы между реальностью и иллюзией.

Реализм и классицизм-тенденции свойственны этой эпохе, вне зависимости от того, потивопоставляются ли они барокко или воспринимаются как компоненты этого стиля. Сальватор Роза из Неаполя был пейзажистом с очень значительным влиянием. Его произведения изучали Алессандро Маньяско, Марко Риччи, француз Клод-Жозеф Верне.

Итальянская живопись произвела мощное впечатление на всю Европу, но и Италия в свою очередь не была свободна от обратного воздействия мастеров Севера. Примером следования роду живописи Ваувермана, но с индивидуально развитым и легко узнаваемым почерком, является Микеланджело Черквоччи с его "Разбоем после битвы". Он сформировался как художник в Риме под влиянием происходящего из Харлема и жившего в Риме Питера ван Лара.

Если венецианская живопись 17 века производит впечатление интермеццо, интермедии между великим прошлым 15 и 16 столетий и предстоящим расцветом в 18 веке, то в лице Бернардо Строцци генуэзская живопись имеет художника высшего ранга, привнесшего в картину барочной живописи в Италии сущестенные акценты.

Итальянская живопись 18 века

Как и в предыдущие столетия, отдельные школы итальянской живописи имели и в 18 веке свое лицо, хотя число действительно значительных центров сократилось. Венеция и Рим были большим очагом развития искусства 18 века, Болонья и Неаполь тоже имели собственные выдающиеся достижения. Благодаря мастерам Ренессанса Венеция была в 17 веке высокой школой для художников из других городов Италии и всей Европы вообще, изучавших здесь Веронезе и Тинторетто, Тициана и Джорджоне. Это например Иоганн Лис и Никола Ренье, Доменико Фетти, Рубенс и Бернардо Строцци.

18 век начинается такими художниками как Андреа Челести, Пьеро Негри, Себастьяно Риччи, Джованни Баттиста Пьяцетта. Наиболее характерное выражение его своеобразия дают картины Джованни Баттиста Тьеполо, Антонио Каналя и Франческо Гварди. Великолепный декоративный размах произведений Тьеполо ярко выражен в его монументальных фресках.

Болонья с ее удобными связями с Ломбардией, Венецией и Флоренцией является центром Эмилии, единственным городом этой области, выдвинувшим в 17 и 18 веках выдающихся мастеров. В 1119 году здесь был основан старейший в Европе университет с известным юридическим факультетом, духовная жизнь города значительно влияла на итальянскую живопись 18 века.

Наиболее притягательными представляются работы Джузеппе Марии Креспи, прежде всего выполненная в 1712 г. серия "Семь таинств церкви". Живописная школа Болоньи имеет в лице Креспи художника европейского масштаба. Его жизнь относится наполовину к 17, наполовину к 18 веку. Будучи учеником Карло Киньяни, который в свою очередь учился у Франческо Альбани, он овладел академическим художественным языком, выделявшим болонезскую живопись со времен Каррачи. Два раза Креспи побывал в Венеции, обучаясь сам и вдохновляя других. Особенно Пьянцетта, кажется, надолго запомнил его произведения.

Болонезскую живопись раннего 18 века, иную, нежели у Креспи, представляет Гамбарини. Холодный колорит и рисованная четкость, привлекательно-анекдотическое содержание его картин заставляют, в сравнении с сильным реализмом Креспи, отнести его скорее к академической школе.

В лице Франческо Солимены неаполитанская живопись имела своего признанного всей Европой представителя. В римской живописи 18 века проявляется классическая тенденция. Такие художники, как Франческо Тревизани, Помпео Джироламо Батони и Джованни Антонио Бутти являются тому примером. 18 век был веком Просвящения. Аристократическая культура во всех областях в первой половине 18 века переживала блестящий расцвет позднего барокко, проявившийся в придворных празднествах, великолепных операх и в княжеских деяниях.

Собрание итальянской живописи — один из наиболее значимых разделов картинной галереи музея: оно насчитывает свыше пятисот пятидесяти произведений и хронологически охватывает весь период развития одной из ведущих европейских школ живописи. Из них в постоянной экспозиции представлено не более двухсот, а те, что хранятся в запасниках музея, остаются мало известными, как широкой публике, так и специалистам.

Итальянской живописи принадлежит особое место в истории Государственного музея изобразительных искусств имени А.С. Пушкина, поскольку именно с нее начиналось формирование его картинной галереи. Основатель музея Иван Владимирович Цветаев, задумавший создать при Московском университете музей слепков с произведений классической скульптуры, еще до его открытия пришел к выводу о необходимости включения в экспозицию оригиналов, в первую очередь живописи. Окончательный перелом в его взглядах произошел в конце 1900-х годов, когда музею были предложены ценные собрания подлинных произведений. Среди них состоящая из уникальных памятников итальянской живописи XIV-XV веков коллекция дипломата М.С. Щекина, положившая начало собранию живописи. В 1924 году картинная галерея музея обрела статус самостоятельного раздела.

Раннеитальянская живопись, VIII-XIV вв.

С византийскими традициями связаны три фрагмента мозаик, некогда украшавших старую базилику Св. Петра в Риме, а также две монументальные иконы второй половины XIII века, выполненные в мастерских Флоренции и Пизы.

Итальянская живопись эпохи Возрождения, XV-XVI вв.

Живопись Италии XV – начала XVI века знакомит с эпохой становления и расцвета искусства Возрождения. Идейной основой итальянской культуры эпохи Возрождения был гуманизм, а одной из его важнейших составляющих - открытие и глубокое творческое освоение античного наследия. Искусство того времени утверждает представление о высоком предназначении человека. В своих произведениях художники отображали окружающий мир, опираясь на научные достижения, они разрабатывали основы линейной перспективы, изучали анатомию человека и законы освещения.

В эпоху Возрождения блестящий расцвет переживает венецианская школа, представленная в собрании музея работами Якопо Пальмы Старшего, Тициана, Париса Бордоне, Савольдо, Веронезе, Якопо Пальмы Младшего и других.

Итальянская живопись XVII-XVIII веков

Около 1600 года в Риме сформировались два направления – караваджизм и академизм, во многом определившие дальнейшее развитие не только итальянской, но и всей европейской живописи последующего времени. Караваджо и его последователи в качестве главного принципа провозгласили обращение к реальной действительности, в то время, как представители болонского академизма во главе с братьями Карраччи утверждали незыблемость канонов классического искусства, обогащенного практикой натурного рисунка.

Болонский академизм представлен в собрании музея работами ведущих представителей этого направления – Гвидо Рени, Симоне Кантарини, Гверчино, Луки Феррари и других мастеров.

В Северной Италии, где живопись развивалась своим путем, работали Бернардо Строцци и Доменико Фетти.

XVII столетие в искусстве Италии принято называть эпохой барокко. Ее яркими выразителями были римлянин Пьетро да Кортона и неаполитанец Лука Джордано. Стиль барокко дал мощный импульс для расцвета пейзажа, натюрморта, жанровой картины.

Новаторские тенденции в живописи рубежа XVII-XVIII веков особенно ярко выразили Джузеппе Мария Креспи и Алессандро Маньяско.

Последний яккий период в развитии итальянского искусства связан с Венецией, выдвинувшей в XVIII веке целую плеяду блестящих живописцев, таких, как Джамбаттиста Тьеполо, Себастьяно Риччи, Крозато, Питтони, Каналетто, Беллотто, Франческо Гварди.

Итальянская живопись XIX-XX веков

В этот период Италия утратила свое лидирующее положение в европейском изобразительном искусстве и архитектуре, которое она сохраняла на протяжении четырех столетий.

В Италии, где в XVII веке окончательно восторжествовала католическая реакция, очень рано формируется, расцветает и становится господствующим направлением искусство барокко.

Для живописи этого времени были характерны эффектные декоративные композиции, парадные портреты, изображающие надменных вельмож и дам с горделивой осанкой, утопающих в роскошных одеяниях и драгоценностях.

Вместо линии предпочтение отдавалось живописному пятну, массе, светотеневым контрастам, с помощью которых создавалась форма. Барокко нарушало принципы деления пространства на планы, принципы прямой линейной перспективы для усиления глубинности, иллюзии ухода в бесконечность.

В то же время искусство братьев Карраччи и болонского академизма оказалось как нельзя более пригодным для того, чтобы быть поставленным на службу официальной идеологии, недаром в высших (государственных и католических) сферах их творчество быстро получило признание.

Особую группу составляют его произведения на мифологические темы, в которых сказалось его увлечение мастерами венецианской школы. В этих картинах, прославляющих радость любви, красоту обнаженного женского тела, Аннибале проявляет себя как замечательный колорист, живой и поэтический художник.

Микеланджело Караваджо (1573-1610). Самым значительным итальянским живописцем этого периода был Микеланджело Караваджо, которого можно причислить к крупнейшим мастерам XVII века.

Имя художника происходит от названия городка в северной Италии, в котором он родился. С одиннадцати лет он уже работал подмастерьем одного из миланских живописцев, а в 1590 г. уехал в Рим, который к концу ХVII века стал художественным центром всей Европы. Именно здесь Караваджо достиг наиболее значительных успехов и славы.

В отличие от большинства своих современников, воспринимавших лишь более или менее привычный набор эстетических ценностей, Караваджо сумел отказаться от традиций прошлого и создать собственный, глубоко индивидуальный стиль. Отчасти это стало результатом его негативной реакции на художественные штампы того времени.

Тем не менее среди художников XVII столетия не было, пожалуй, ни одного сколько-нибудь значимого, который так или иначе не испытал бы на себе могучего воздействия искусства Караваджо. Правда, большинство последователей мастера, которых называли караваджистами, усердно копировали лишь его внешние приемы, и прежде всего – его знаменитую контрастную светотень, интенсивность и материальность живописи.

Через этап увлечения караваджизмом прошли Питер Пауль Рубенс, Диего Веласкес, Хусепе де Рибера, Рембрандт ван Рейн, Жорж де Латур и многие другие знаменитые художники. Невозможно представить себе дальнейшее развитие реализма XVII века без того переворота, который совершил в европейской живописи Микеланджело Караваджо.

Алессандро Маньяско (1667-1749). Его творчество связывают с романтическим направлением в итальянском искусстве XVII века.

Родился будущий художник в Генуе. Учился сначала у своего отца, затем, после его смерти – в Милане у одного из местных мастеров, который обучил его техническим приемам венецианской живописи и преподал искусство портрета. В дальнейшем Маньяско много лет проработал в Милане, Генуе, Флоренции, и только на склоне лет, в 1735 г. окончательно вернулся в родной город.

Этот талантливый, но крайне противоречивый художник был наделен чрезвычайно яркой индивидуальностью. Творчество Маньяско не поддается никакой классификации: то глубоко религиозный, то богохульствующий, в своих произведениях он проявлял себя то заурядным декоратором, то живописцем с трепетной душой. Его искусство проникнуто повышенной эмоциональностью, стоящей на грани мистики и экзальтации.

Экспрессивная живописная манера Маньяско в чем-то предвосхитила творческие искания художников XVIII в. Он пишет беглыми, стремительными мазками, используя мятущуюся светотень, рождающую беспокойные эффекты освещения, что придает его картинам нарочитую эскизность, а иногда даже декоративность. В то же время колорит его произведений лишен красочной многоцветности, обычно мастер ограничивается сумрачной серовато-коричневой или зеленоватой гаммой, правда, по-своему довольно утонченной и изысканной. Признанный при жизни и забытый потомками, этот своеобразный художник вновь приобрел популярность лишь в начале XX века, когда в нем увидели предтечу импрессионизма и даже экспрессионизма.

Джузеппе Мария Креспи (1665-1747), уроженец Болоньи, начинал свою живописную карьеру с прилежного копирования картин и фресок известных мастеров, в том числе и своих земляков братьев Карраччи. Позднее он совершил путешествие по северной Италии, знакомясь с творчеством мастеров Высокого Возрождения, главным образом венецианских (Тициана и Веронезе).

К началу XVIII в. Креспи уже достаточно известен, в частности, своими алтарными образами. Но главной работой раннего периода его творчества является монументальная роспись плафонов палаццо графа Пеполи (1691-1692) в Болонье, мифологические персонажи которой (боги, герои, нимфы) в его интерпретации выглядят на редкость земными, оживленными и убедительными в отличие от традиционных отвлеченных образов барокко.

Креспи работал в различных жанрах. Он писал картины на мифологические, религиозные и бытовые сюжеты, создавал портреты и натюрморты, и в каждый из этих традиционных жанров привнес новое и искреннее видение современного ему мира. Приверженность художника к натуре, точному отображению окружающей действительности вступала в непримиримое противоречие с дряхлеющими, превратившимися к этому времени в тормоз развития искусства традициями болонского академизма. Поэтому через все его творчество красной нитью проходит непрестанная борьба против условностей академической живописи за торжество реалистического искусства.

В начале 1700-х гг. Креспи переходит от мифологических сцен к изображению сюжетов из крестьянской жизни, трактуя их сначала в духе пасторали, а затем придавая им все более убедительный характер бытовой живописи. Одним из первых среди мастеров XVIII столетия он начал изображать быт простых людей – прачек, посудомоек, кухарок, а также эпизоды из крестьянской жизни.

В них проявился интерес художника к графике Жака Калло, а также его близкое знакомство с творчеством голландских мастеров жанровой живописи XVII века. Но образы крестьян у Креспи лишены иронии Калло, и он не столь мастерски умеет охарактеризовать среду, как это делали голландские жанристы. Фигуры и предметы первого плана у него выписаны более детально, чем остальные – это напоминает манеру Маньяско. Однако творения генуэзского живописца, исполненные в бравурной манере, всегда содержат элемент фантастики. Креспи же стремился к обстоятельному и точному рассказу о красочной и веселой сцене. Четко распределяя свет и тень, он наделяет свои фигуры жизненной конкретикой, постепенно преодолевая традиции пасторального жанра.

Почти все, что было написано мастером после этого, представляет картину постепенного угасания его таланта. Все чаще он использует в своих картинах примелькавшиеся штампы, композиционные схемы, академические позы, которых ранее избегал. Неудивительно, что вскоре после его смерти творчество Креспи было быстро забыто.

Как яркий и самобытный мастер он был открыт лишь в ХХ веке. А ведь по своей добротности, глубине и эмоциональной насыщенности живопись Креспи, завершающая искусство ХVII столетия, в своих лучших проявлениях уступает, быть может, только Караваджо, творчеством которого столь блистательно и новаторски началось итальянское искусство этой эпохи.

Данный текст является ознакомительным фрагментом.

Продолжение на ЛитРес

Живопись

Живопись Важно овладеть основами мастерства, а в старости набраться храбрости и рисовать то, что рисуют дети, не обремененные знаниями. Мое описание процесса живописи сводится к тому, что ты что-то ищешь. Думаю, любая творческая работа — нечто подобное. В музыке

Живопись

Живопись[199]

Живопись[199] Портрет — эго спор, диспут, Не жалоба, а диалог. Сраженье двух разных истин, Боренье кистей и строк. Потоком, где рифмы — краски, Где каждый Малявин — Шопен, Где страсть, не боясь огласки, Разрушила чей-то плен. В сравненье с любым пейзажем, Где исповедь — в

Живопись

Живопись Мама купила мне нечто вроде альбома, который развертывался как гармоника, зигзагами; на его очень толстых картонных страницах было напечатано в красках множество изображений беспорядочно рассыпанных разных предметов домашнего обихода: лампа, зонтик, портплед,

Живопись

Живопись Из факта создания в Герате Академии книги Шахрухом и его сыном — меценатом Бай Шунгкуром (ум. 1434) явствует, что в начале XV века книга, написанная изящным каллиграфическим почерком, забранная в красивый переплет и иллюстрированная миниатюрами, пользовалась

Черчилль и живопись

Черчилль и живопись В 1969 году Клементина рассказывала Мартину Гилберту, автору наиболее фундаментальной биографии Черчилля в восьми томах (первые два тома написал сын Черчилля Рэндольф): «Провал в Дарданеллах преследовал Уинстона всю жизнь. После ухода из

Глава седьмая ГРЕБЦЫ ШАТУ, ЖИВОПИСЬ ИТАЛИИ

СУДЕЙСКИЕ И ЖИВОПИСЬ

СУДЕЙСКИЕ И ЖИВОПИСЬ Ничто, казалось бы, не препятствовало Анри Матиссу, получившему классическое образование, воплотить отцовские замыслы, а отец хотел, чтоб он стал адвокатом. С легкостью сдав в октябре 1887 года в Париже экзамен,[49] позволявший ему посвятить себя

5. Живопись и музыка

Живопись

Живопись Прежде всего потянуло к краскам. Началось с масла. Первые картины написаны толсто-претолсто. Никто не надоумил, что можно отлично срезать острым ножом и получать эмалевую плотную поверхность. Оттого "Сходятся старцы" вышли такие шершавые и даже острые. Кто-то в

ЖИВОПИСЬ ИСПАНИИ

ЖИВОПИСЬ ИСПАНИИ Искусство Испании, как и вся испанская культура в целом, отличалось значительным своеобразием, которое состоит в том, что эпоха Возрождения в этой стране, едва достигнув стадии высокого расцвета, сразу же вступила в период упадка и кризиса, которые были

ЖИВОПИСЬ ФЛАНДРИИ

ЖИВОПИСЬ ФЛАНДРИИ Фламандское искусство в каком-то смысле можно назвать уникальным явлением. Никогда еще до этого в истории такая небольшая по площади страна, находившаяся к тому же в столь зависимом положении, не создавала такой самобытной и значительной по своим

ЖИВОПИСЬ НИДЕРЛАНДОВ

ЖИВОПИСЬ ФРАНЦИИ

ЖИВОПИСЬ ФРАНЦИИ Особое место среди передовых в области художественного творчества стран Европы занимала в XVII веке Франция. В разделении труда среди национальных школ европейской живописи при решении жанровых, тематических, духовных и формальных задач на долю Франции

Живопись и графика

10 самых известных итальянских художников — это уникальное созвучие имен гениальных мастеров живописи, подаривших миру множество шедевров. Каждый из ниже упомянутых итальянских художников заслужил признание и славу не только своих современников, но и многих поколений потомков, поэтому по праву занимает место в нашем ТОПе.

10 самых известных итальянских художников — это:

Самые известные итальянские художники принадлежат к разным историческим эпохам, а их творчество охватывает огромный период протяженностью более 300 лет: от Проторенессанса до Барокко. Кому-то из героев нашей статьи судьба отмерила долгую и счастливую жизнь, другие же умерли в расцвете сил, будучи молодыми людьми. О том, какой вклад в мировую живопись сделал каждый из них, читайте ниже.

Джотто ди Бондоне

Величайшая заслуга Джотто заключается в том, что он первым из европейских художников изобрел и начал использовать технику объемного пространства при создании картин и фресок. Он решительно отказался от византийских традиций живописи и сделал героев своих произведений более похожими на живых людей. В результате, Джотто на несколько столетий стал культовой фигурой итальянской живописи, а его творчество оказало огромное влияние на многие последующие поколения художников.

Мазаччо

Этот гений Раннего Ренессанса прожил на Земле неполных 27 лет, но успел создать множество прекрасных произведений искусства на религиозную тематику. Мазаччо привнес в итальянскую живопись революционную технику линейной перспективы, благодаря которой его картины приобрели необыкновенную пластичную выразительность. Творчеством художника восхищались лучшие мастера Высокого Ренессанса, в том числе великие да Винчи и Микеланджело.

Сандро Боттичелли

Леонардо да Винчи

Микеланджело

Джорджоне

Рафаэль

Тициан

Самый знаменитый венецианский живописец уже в тридцатилетнем возрасте приобрел славу лучшего художника Республики. За долгую жизнь Тициан написал много картин на религиозную и мифологическую тематики, а также создал большое количество великолепных портретов. Особое место в творчестве мэтра занимают искусные аллегории, наполненные всевозможными символами. При написании картин мастер использовал не только кисть, но и собственные пальцы, добиваясь удивительной воздушности изображений.

Тинторетто

Работы Тинторетто отличают уникальная колористика образов и динамичность героев. Он часто обращался в своем творчестве к написанию многофигурных драматических композиций на библейскую тематику. Тинторетто смело использовал в произведениях перспективу, а современники восхищались огромной скоростью создания картин искусным мастером. По мнению многих критиков, этот художник задолго до появления стиля барокко стал его первым ярким представителем в живописи.

Караваджо

Гениальный Караваджо родился в конце эпохи Ренессанса и писал свои картины уже в стиле барокко. Ему принесла широкую известность уникальная манера рисования кьяроскуро с резким противопоставлением света и тени, которой восхищались Рубенс (Rubens), Рембрандт (Rembrandt) и Веласкес (Velázquez). Караваджо вел разгульную жизнь и часто конфликтовал с законом, но был востребованным художником. Он проявил себя не только в качестве мастера религиозного жанра, но и оставил потомкам много картин на бытовую тематику.

К когорте знаменитых итальянских художников можно отнести гораздо больше десяти мастеров, которым посвящена наша статья. В течение многих столетий Италия подарила миру очень много гениев изобразительного искусства. Среди них есть представители разных жанров, стилей и исторических эпох, заслуживающих упоминания.

Дополнительно, к числу известных итальянских художников всех времен относятся:

Пьеро ди Козимо (Piero di Cosimo); (Giorgio Vasari); (Veronese); (Francesco Guardi);
Филиппо Липпи (Filippo Lippi); (Giovanni Battista Tiepolo);
Дуччо ди Буонинсенья (Duccio di Buoninsegna); (Paolo Uccello); (Giorgio de Chirico); (Pietro Perugino);
Андреа дель Кастаньо (Andrea del Castagno);
Андреа дель Сарто (Andrea del Sarto);
Доменико Гирландайо (Domenico Ghirlandaio); (Donatello);
Беноццо Гонццоли (Benozzo Gozzoli); (Andrea del Verrocchio); (Bronzino); (Annibale Carracci); (Francesco Parmigianino); (Cimabue);
Пизанелло (Pisanello);
Джулио Романо (Giulio Romano);
Джованни Больдини (Giovanni Boldini);
Антонелло да Мессина (Antonello da Messina);
Мазолино (Masolino);
Гвидо Рени (Guido Reni);
Пинтуриккьо (Pinturicchio); (Canaletto); (Pietro Annigoni).

Работы итальянских художников высоко ценятся в мире искусства. Большинство из них в наши дни занимают почетное место в экспозициях музеев и частных коллекциях, а немногие произведения, выставленные на торги на арт-аукционах, неизменно вызывают интерес у покупателей и продаются за огромные деньги. К счастью, сегодня у ценителей прекрасного есть уникальная возможность увидеть старинные шедевры живописцев и в режиме онлайн в Интернете, и вживую в залах музеев.

Новый XVII век прошёл под знаком нового стиля – барокко. На протяжении XVII-XVIII вв. все виды искусства были ему подчинены: от декора одежды и интерьеров до музыки.

Своё триумфальное шествие барокко начало с Италии в конце XVI в., а затем распространилось по всей Европе. Но каждая страна привнесла в барокко свои национальные особенности.

Особенности стиля

Стилю барокко было присуще стремление к пышности и величию. Этот стиль был динамичным, он привлекал внимание контрастностью цветовой гаммы и этим отличался от гармоничного искусства эпохи Возрождения.

В барочной культуре были очень популярны развлечения: маскарады, фейерверки. Женщины создавали высокие вычурные причёски, сооружая на голове целые пирамиды. В моде были корсеты, юбки на каркасах, а у мужчин – напудренные парики. Естественная жизнь и одежда отвергались как дикость.

Барокко в живописи (баро́чная живопись)

Живописи барокко были присущи те же особенности: своеобразность сюжетов, динамичность, броская яркость красок.

Искусство барокко не располагало к созерцаниям и раздумьям, оно вызывало эмоции. На барочных картинах персонажи открыто выражали свои чувства. Важной особенностью также было изображение движения, порыва: костюмы людей развевались или уносились ветром. Другой особенностью живописи барокко был его аллегорический смысл, скрытый символом, который понимали образованные зрители.

Живопись Италии

Самым известным художником эпохи барокко в Италии был Микеланджело Меризи, прозванный Караваджо. По его имени назван стиль барокко – караваджизм. Его последователи и подражатели продолжили изображение на картинах буйных чувств, используя натурализм.

Каким бы незамысловатым ни был сюжет картин караваджистов, они были подчёркнуто реалистичны. Большое внимание уделялось объёму, контрастному освещению фигур, игре света и тени.

Другие художники итальянского барокко – Джованни Тьеполо, Каналетто, Гварди, Беллотто.

Живопись Испании

Фламандская живопись

Расцвет фламандского барокко приходится на первую половину XVII в. – это творчество Рубенса, Ван Дейка, Снейдерса.

Охотничьи сцены в изображении Рубенса также отличаются неожиданной композицией, динамикой и сочностью красок.

Русское барокко

Живопись этой эпохи освобождается от церковных сюжетов и активно переходит к светским жанрам: портретам, пейзажам, жанровым сценам. Первым русским живописцем, побывавшим за границей, был портретист Иван Никитин (1680-ок.1742). Он 3 года провёл в Италии, но в его портретном творчестве выражены только некоторые элементы стиля барокко.

Успехов в создании барочного портрета достиг русский художник Иван Адольский (Одольский, 1686-ок. 1758).

Например, его Портрет императрицы Екатерины I с арапчонком.

Заключение

Начавший зарождаться еще в эпоху Возрождения в Италии, стиль барокко постепенно распространился по всей Европе и был преобладающим в европейском искусстве до XVIII в.

Главные его черты – торжественность, парадность, пышность и размах, динамичность, вычурность, обилие деталей, но самое важное в этом стиле –его жизнеутверждающий характер.

Картины в стиле барокко, даже вполне реалистические, отличаются сложностью композиции, обилием фигур и напряженностью сюжета.

Художники барокко обогатили искусство новыми приемами пространственной формы, жизненной динамикой. Вся человеческая жизнь с её чувственно-телесной радостью бытия и с трагическими конфликтами выражена в живописи барокко.

Читайте также: