Кинематограф в сша и россии кратко

Обновлено: 03.07.2024

1930–1949

1950–1969

1970–1979

1980–1999

2000–2010-е

Голливудская киноиндустрия завораживает своими картинами. Создаёт образ идеальной жизни. Втягивает в иллюзии и отрывает от серых будней. Сама история и развитие американского кинематографа полна неожиданных сюжетов и поворотов.

С чего началось кино: зарождение

Первоначально центром американского кино считался Нью-Йорк. Но дождливая и вечно пасмурная погода не позволяла заниматься нормально съёмкой фильмов. Качество материала, тогда напрямую зависело от солнечного света.

В городе тогда существовали мелкие киностудии, для которых было слишком дорогим удовольствием арендовать помещения под свои прихоти.Усугубляло ситуацию ещё то, что в 1909 г. Томас Эдисон попытался монополизировать эту индустрию. Он создал свой кинотрест, в который входили крупнейшие кинокомпании и поставщики плёнок.

Эдисон пытался контролировать всех кинодельцов. Он обложил данью киносоздателей, которые должны были платить круглую сумму за право снимать и показывать фильмы. В итоге это отпугнуло многих режиссёров, которые не вошли в состав монополии. Последние пытались судиться с Эдисоном. В результате, бежали на западное побережье США.

Напомним, что Томас Эдисон был американским изобретателем, который стал родоначальником киноиндустрии, сконструировав кинетоскоп.

Дело Эдисона просуществовало до 1913 года. В результате судебных тяжб, компания была закрыта из-за нарушения антимонопольного законодательства. Но благодаря ему, Европейское кино не повлияло на самобытный американский стиль, так как Эдисон отстранял конкурентов.

Первый Голливудский фильм и эра немого кино

В пригороде Лос-Анджелеса находится посёлок Голливуд. Для создателей кино того времени это было идеальное место для съемок. Тут светило солнце почти круглый год, грубо говоря, это был рай — горы, леса, пустыни. Можно было легко воплотить любую задумку.

Так как земли в этом районе продавались по смешной цене, здесь завязалось грандиозное строительство. Популярность Голливуда можно объяснить тем, что кинобизнес направлен на массового зрителя. Здесь правили балом продюсеры, которые ставили задачи и планировали бюджет, а режиссёры отходили на второй план.

Первопроходцем в немом кино можно считать Дэвида Гриффита. Он являлся одним из самых талантливых режиссёров в стране и его ученики и последователи потом также добились немало успехов на этом поприще.

Гриффит внёс существенный вклад в историю американского кинематографа — за 5 лет работы он снял около 500 фильмов.

Появление киностудий и первый звуковой фильм

К 20 годам 20 века, Голливуд закрепил звание центра американской киноиндустрии. Первой из крупных студий появилась Universal Studios, затем Paramount Pictures. Всем знаменитый Warner Brothers, появился лишь в 1923 г. И уже немного после создаются не менее именитые на сегодняшний день киностудии Metro-Goldwyn-Mayer и Columbia Pictures.

Первым фильмом со звуком можно считать "Певец джаза", который был снят в 1927 году. Люди сразу потеряли интерес к немому кино. Даже начавшаяся великая депрессия не отвадила любителей качественных кинокартин.

После выпуска фильма, кинокомпания Warner Brothers, которая выпустила киноленту, заняла лидирующие позиции.

Золотой век Голливуда

Кинозвёзды также могли сами диктовать свои условия и выбирать фильмы для участия. Теперь наравне с кинопродюсерами они двигали и меняли киноиндустрию.

Новый Голливуд и что сейчас

С начала 60-х годов интерес и внимание к кино стали падать. Народу больше стали неинтересны традиционные жанры и шаблонные фильмы. Под угрозу разорения попадали даже крупные компании. Тогда было принято решение звать молодых режиссёров, чтобы те вносили нотку свежести в привычные картины, вдохновение бралось с европейского авторского кино.

Однако уже в 70-х годах стало понятно, что эксперименты не удались и не приносят нужных гонораров и Голливуд вернулся к своим традиционным картинам.

В настоящее время Голливуд все также занимает высокие рейтинги в мире. Это связано в большую очередь с тем, что фильмы направлены на массового зрителя. История и развитие американского кинематографа очень интересна. Так, как раз Голливуд дал миру львиную долю кинокартин, которые помнят многие люди, спустя годы.

Именно здесь родились звёзды, которым поклоняются и которых будут помнить ещё долгое время. Кино, которое погружает в мир иллюзий и грёз, отрывает от серой действительности.

Компания American Butler поможет организовать экскурсию по Голливуду, показать основные достопримечательности.

Авторизуясь в LiveJournal с помощью стороннего сервиса вы принимаете условия Пользовательского соглашения LiveJournal

Статья Фельдшера Живаго
Мосфильм vs. Hollywood

Захотелось мне поговорить о разнице между нашим кинематографом, (назовем его общим именем "Мосфильм") и американским кино, которое все называют "Голливуд".
Все высказываются по этому поводу, а я что?
Я тоже решил высказаться.

Не буду говорить о том, что лучше, а что - хуже.

Хочу сказать о некоторых различиях целей и методов кинопроизводства в Голливуде и Мосфильме, и о вещах, которые не очень заметны непрофессиональному глазу, но сильно меняют наше отношение к увиденному.

1. Цель кинопроизводства.

Есть одна кардинальная разница в модели производства кино в России и на Западе в целом. Основные деньги для создателей российских фильмов - в производстве и продаже продукта прокатчикам, а для западных кинематографистов - в самом прокате. Все говорили о том, сколько миллионов потратил Михалков на "Сибирского Цирюльника", но никто не говорит, сколько на нем заработали.

Я лично, в той или иной мере, участвовал в работе над не менее чем 30 фильмами в СССР/России.
99% этих фильмов делалось и делается на деньги госкомитетов, госбюджета, спонсоров, богатых меценатов, сомнительных компаний, "по заказу ____ (подставьте сами)" и т.д.

Практически во всех фильмах нет заинтересованности создателей фильма в его кассовом успехе. Принцип "и так схавают" - основополагающий и доминирующий. Даже в фильмах мастеров этим принципом пронизано все сверху донизу. Да, Мастер делает кино (как ему этого хочется/можется), но все остальные - от директора фильма до последней уборщицы пытаются срубить бабки любым доступным способом. Никто из них не думает о том, что после выхода фильма надо будет перед кем-то отвечать или можно будет стать богаче. Лозунг "пусть меньше, но сейчас" высечен на высоких лбах ваятелей и жрецов "синематографа". Никому из создателей кинофильмов не снится это сладкое слово "royalties", ибо они ничтожно малы (если вообще есть). Никто не думает об ответственности перед инвесторами, т.к. "откат" уже был совершен. Никому нет дела до КОЛИЧЕСТВА зрителей в разрезе сборов. Да, популярность, бум, разговоры о новом "кине" - интересны, а вот сборы - это проблема кого-то, кто не имеет отношения к производству, и актерскому составу на это глубоко наплевать.

Западное кино стопроцентно ориентировано на прокат, для многих режиссеров и актеров не гонорары, а прокат - основной источник прибыли. Показательным примером заинтересованности в будущих прибылях можно назвать историю с "Men in black". Я, помню, читал о том, что Уилл Смит и Томми Ли Джонс вдвоем заработали втрое меньше, чем Спилберг, который попросил за спецэффекты, кажется пару миллионов, но заломил 20% с проката. Успех фильма принес такой вал денег, что актерские гонорары оказались смехотворными по сравнению с процентами от проката, которые у исполнителей главных ролей были по 5%. Я могу ошибаться в цифрах, т.к. давно читал статью, но порядок цифр был именно такой.

2. Кто стоит за производством кинопродукции.

Все западное кино, при том огромном разнообразии актеров и режиссеров, продюсеров и промоутеров, в конечном итоге делается. банками.

Да, да. За исключением нескольких оригиналов, типа Вуди Аллена, никто не снимает кино за свои деньги. Даже такие гиганты, как Спилберг, не рискуют своими деньгами, а всегда привлекают сторонние инвестиции.

Меценаты и спонсоры? Они в музеях, опере и балете свирепствуют. К кинобизнесу, при всем горячем желании, их никто не подпустит, ибо там и без них все в порядке с деньгами.

Что происходит в "банковском" кино.

Какими бы ни были великими творец-режиссер, продюсер или актер, им это надо доказывать с каждым новым фильмом. Имея сценарий (даже самый гениальный), продюсер начинает с того, что ищет источник финансирования. Еще до начала продвижения сценария, набирается команда адвокатов, которым и предстоит сделать презентацию банку. После первой прикидки, если банк выразит свою заинтересованность, продюсер открывает компанию, снимает офис под будущий фильм и берет секретаршу на работу. В большинстве случаев, серьезный фильм - это открытие новой компании. Это значительно дешевле, чем работать со старой компанией, которую банк будет год проверять на наличие долгов. С этого момента все посвящено нахождению компромисса между творческими позывами режиссера и финансовыми требованиями банка. Режиссер приводит отличного (по его мнению) актера, но банк говорит: "Нет, он не соберет кассу". Тогда режиссер должен представить не менее трех кандидатов "с именем" на главную роль. Предложение делается с учетом широкого ценового диапазона: от сравнительно недорогого, но уже известного актера, до "монстра", типа Том Хэнкс. Именно банк должен остановить свой выбор на одном из них, т.к. под этого актера (в связке с режиссером) и дают деньги. Нет никаких вариантов "уговорить" банк. В самом примитивном смысле, актерско-продюсерская группа просит бизнес-заем на фильм, и банку нужны гарантии того, что его деньги не улетят в воздух.

У банков, финансирующих кинопромышленность, в штате есть искусствоведы, эксперты, независимые консультанты именно в области кинематографа. Это команда профессионалов и консультирует банк по поводу риска вложений. После долгих консультаций, стороны приходят к соглашению, после которого банк выдаст первую часть денег. Ни о каком получении полного бюджета не может быть и речи, деньги будут выдаваться частями по мере производства. Банковские спецы очень пристально смотрят за процессом производства, перед каждой выдачей очередной порции денег они готовят доклад совету директоров о ходе съемок. История знает немало случаев, когда банк, видя, что продукция не будет прибыльной, решает остановить финансирование, изымает сценарий и весь отснятый материал, и закрывает проект. Существуют и примеры, когда банк дает больше денег, чем было определено контракте. На "Титаник" было запланировано $60 млн., но в конечном итоге было дано $200 млн.

Возникает вопрос: А откуда в Голливуде появляется столько гавна? Ответ прост - из-за тех же банков. Какой бы ни был плохой фильм, но если его бюджет был не более 2-3-х миллионов, он окупится, так или иначе. Его пустят в прокат в кинотеатры, на кассеты для рента, отдадут в трансляции на мелкие ТВ станции, ночные показы и т.д. Снимать малобюджетные фильмы тоже очень выгодно, ибо дешевые фильмы окупают себя гораздо быстрее и эффективнее. Еще один момент очень важный - на малобюджетных фильмах "обкатывают" будущих звезд. В малобюджетных фильмах актерам (за исключением главных ролей) почти не платят. Моя знакомая снялась в трех фильмах бесплатно, только для резюме. Все, что она заработала - некоторый профессиональный опыт, $300 в день на карманные расходы, имя в титрах и право показывать кусочки фильма в своих промо-роликах. Исполнители главных ролей получили по $5,000 за фильм.

И это я не говорю о так называемых independent films, где актерам вообще не платят. Но даже в такие фильмы очередь из профессиональных актеров, желающих сняться бесплатно, может поразить незнакомого с этим миром человека до немоты.

3. Монтаж, как основной элемент кино.

Эйзенштейн говорил, что "Искусство кино - это искусство монтажа". Это - абсолютно верно. Можно наснимать много материала, километры пленки с гениальной игрой актеров, но все это тихо умрет в мозолистых руках монтажницы тети Люси на Мосфильме. Во времена Эйзенштейна монтажу уделяли колоссальное значение, он сам по несколько раз перемонтировал свои фильмы. К сожалению, послевоенные советские фильмы начали уходить все дальше и дальше от понимания важности монтажа. Я всегда в ужасе выходил их монтажки, глядя на то, что там происходило. Монтаж был отдан всецело в руки режиссеров, которые творили все, что хотели. Монтажер на киностудиях СССР всегда был безмолвным ремесленником из числа обслуживающих великих творцов.

Посмотрите любой из фильмов Тарковского. Получасовые панорамы лесов и полей, бесконечные "камеры по соснам", 5-минутные съемки текущего ручейка, все это - прихоти Тарковского. Это он, участвуя в монтаже, загонял фильм в тягомотину, от которой порой челюсти сводит. Во всем мире существуют весьма определенные законы монтажа, его развития и динамики, смены крупных и общих планов, чередование света и тени. И только наши режиссеры, делавшие кино на бюджетные деньги, ставили во главу угла получасовые Качаловские паузы, общие планы и пейзажные панорамы, бесконечные монологи и "глаза крупным планом". Я последние 12 лет смотрю в основном американское кино, в котором вижу и шедевры, и огромный поток шелухи. Единственное, что их объединяет - техническая сторона исполнения и мощная динамика в монтаже. А вот советский/российский кинематограф я уже не могу смотреть, прежде всего именно из за отсутствия динамики визуального ряда. Почему в американском кино, пока идут титры, авторы успевают рассказать целую историю, вводя нас в курс событий стремительно и захватывающе, а наш фильм может позволить себе такую роскошь, как 10 минут титров, ползущих на черном фоне? Ну ладно, в советское время, режиссерам и всей группе платили за минуты экранного времени и фильм "наращивался" сознательно. А что заставляет делать подобное сейчас? Мне уже прямо с титров становится просто не по себе, все время хочется поставить просмотр на 4Х и "крутить" в долгих безмолвных сценах между диалогами. Динамика фильмов - это не дань "американизации", это требование сегодняшней жизни и мне очень удивительно, что жизнь и кино в России все так же существуют по отдельности.

4. О том, что мы слышим, когда смотрим.

И последнее, что мне наиболее близко - звук. Эта область в нашем кино была, есть и будет в обозримом будущем на уровне глубочайшего средневековья.

Звук в ряду важных компонентов в российском кино стоит во втором десятке приоритетов. Все диалоги крупным планом, как правило, рассинхронизированы со звуком. Звуковые библиотеки, используются одни и те же по сто лет. В той же "Бригаде" бандитский "Мерседес 500" заводится со звуком довоенного "ЗИЛа". Никого эти проблемы не волнуют в принципе. Я помню, один из лучших звукорежиссеров Мосфильма Володя Виноградов ездил в Лондон на курсы лаборатории Dolby. Он вернулся оттуда настолько подавленный, что полгода не мог говорить ни о чем, кроме как о том, что увидел там.

Такое понятие, как sound design вообще не существует в российском кино. Я несколько раз сидел здесь, в Нью Йорке, в студии, когда делался post-production звука для каких-то паршивых, совершенно безнадежных фильмов. В американском кинематографе в штате съемочной группы существует должность sound supervisor. Именно его работу я и наблюдал с широко открытыми глазами. Этот парень делал только одно - на большом экране смотрел на картинку и требовал озвучить каждый, даже самый мельчайший элемент видеоряда. Он находил в эпизоде диалога двух актеров одинокого велосипедиста, промелькнувшего на заднем плане метрах в двадцати, и требовал озвучить его. Каждый листок, падающий в кадре с дерева, имел свой звук. Смотреть на экран монтажного компьютера было страшно. На четырех дисплеях выводилось около 100 дорожек одновременно, для каждого звука была отдельная дорожка и этот парень все еще орал, что ему не хватает каналов. После того, как они собрали все звуки в одно монтажное поле, и выстроили их синхронно с изображением и по громкости, пришел еще один специалист, который стал работать над ambience - объемом звука. Это было вообще совершенно потрясшее меня действо. Сначала он отследил все диалоги, где были видны актеры в кадре. Актер, говорящий прямо в камеру и отвернувшийся от нее звучит в корне различно. Мы этого совершенно не замечаем в кино, но происходит это только потому, что все сделано правильно. По мере того, как актер отворачивался от камеры, звук его голоса менялся, причем это сильно зависело от визуального объема комнаты. Если актер переходил из комнаты в комнату, то и реверберация менялась в зависимости от размера комнат. Это была такая звуковая эквилибристика, от которой у меня закружилась голова. На КАЖДУЮ машину, появлявшуюся в кадре существует своя звуковая библиотека. Библиотека от "Oldsmobile" ни в коем случае не использовалась для озвучивания "Nissan", который был виден в кадре. Это был именно "Nissan", причем именно та модель, которую мы видим в кадре.

В российском кинопроизводстве даже и не представляют, что такое существует. Это не считается хоть сколько-нибудь важным. Если нужен звук заводящейся машины, то берется первый попавшийся грузовик, и никто не потратит и трех минут на поиск другого звука из библиотеки. А ведь именно такие детали и дают ту самую "правду изображения", в которую мы начинаем верить. Посмотрите любой советский фильм, абстрагируясь от содержания и актерской игры. Следите только за тем, сколько всего вы видите в кадре, но все это безмолвно. Именно эта звуковая палитра, действуя подсознательно, заставляет нас верить и сопереживать происходящему на экране. А когда мы видим диалог двоих актеров, стояших в поле, и ничего, кроме их голосов не звучит, то, сами того не осознавая, мы перестаем верить картинке.

Когда актер говорит крупным планом в камеру, по-русски, а его собственный голос, тоже по-русски категорически не совпадает с его же артикуляцией, то мне никак не удается убедить себя в том, что я вижу перед собой профессиональную работу. Я вижу перед собой полуфабрикат, сделанный кочегаром, случайно зашедшим в студию, и от этого и все остальное перестает меня трогать.

Поздравляем, у вас… нет, не мальчик и не девочка, а целая индустрия кино. Разбираемся вместе, как она родилась.

Охватить всю историю кинематографа – до мельчайших подробностей и нюансов – крайне трудно. И нет, мы и пытаться не будем. Но попробуем пройтись галопом по созданию и развитию одной из крупнейших современных индустрий.

Первый шаг

Подобно тому, как малыш изучает мир и его инструментарий – все, что поможет в будущем создавать и делать что-то, – люди сначала искали технические способы запечатлевать картинки, приводить их в движение и хранить на информационном носителе.

Content

This content can also be viewed on the site it originates from.

Первое слово

Content

This content can also be viewed on the site it originates from.

Что касается советского кино, то в 1934 году, пройдя несколько этапов, оно полностью перешло в звуковую эру. Хотя технологии в разных странах менялись и совершенствовались вплоть до 1980-х и появления двухдорожечной стереофонической оптической фонограммы, которую разработала лаборатория Dolby.

Основы монтажа и спецэффектов

Кино – это магия, не правда ли? Вероятно, так решил и фокусник Жорж Мельес. Он был успешен, владел собственным театром и руководил другим театром. Кроме того, Мельес придумывал разнообразные фокусы.

Не сумев купить синематограф у братьев Люмьер прямо после первого коммерческого показа в 1895 году, Мельес приобрел аниматограф. Это устройство было создано Бертом Эйкрзом и Уильямом Полом и представляло собой подобие проектора. Переработав этот аппарат, фокусник стал снимать и показывать свои фильмы уже в 1896 году.

Как это нередко случается, развитию помогла ошибка или случайность – называть это событие можно как угодно. Важно то, что оно стало значимым шагом для кинематографа. Однажды Мельес снимал на парижской улице, и его камеру заклинило. Починить устройство удалось, но полученные кадры весьма удивили фокусника: люди будто поменялись телами друг с другом и с лошадьми.

Дело в том, что после починки камеры она продолжила снимать, но после полной прокрутки пленки два кадра склеились. Тогда Жорж Мельес начал нарочно творить подобные чудеса. Двойная экспозиция – прием, который заключается в том, что на один кадр делают два снимка. В итоге изображения накладываются друг на друга причудливым образом. Этот трюк используют до сих пор, фотографируя на пленку. Своего рода спецэффект – или монтаж.

Россияне! Перешлите пожалуйста всем своим знакомым, помогите людям найти своих родных.

Здесь выкладываются записи пленных, погибших солдат напавших на Украину. Некоторые с документами, некоторые без. Надеемся, что вы не найдете здесь своих близких!

Кинематографическое искусство играет очень важную роль в культуре США. Ежегодно кинокомпании Соединенных Штатов Америки выпускают сотни фильмов, привлекающих в кинотеатры миллионы зрителей и приносящих миллиарды долларов.

Еще в девяностых годах XIX века знаменитый американский изобретатель Томас Эдисон продемонстрировал свое устройство для показа движущегося изображения - кинетоскоп. Ну а после появления в 1895 году синематографа братьев Люмьер кино начало стремительно набирать популярность у публики.

Тогда же в США появились первые кинокомпании, а к началу XX века их в стране были уже десятки. Большинство из них располагались в Нью-Йорке, но вскоре производители кинофильмов начали искать более подходящее для съемок место. Для этого были две причины: "война патентов" и климатические условия.

Большинство патентов на киноаппаратуру в США оформил Томас Эдисон, лаборатория которого располагалась в Нью-Джерси. Не желавшие платить Эдисону патентные отчисления производители кино были вынуждены скрываться от его агентов, а на восточном побережье США сделать это было весьма непросто.

Кроме того, светочуствительность кинопленки в те годы была довольно низкой, а мощной осветительной аппаратуры еще не существовало. Поэтому процесс съемок очень сильно зависел от погодных условий - снимать можно было лишь при ярком солнечном свете. Кинокомпании стремились найти более "солнечную" местность, чем Нью-Йорк.

В 1910 году кинокомпания Biograph, одна из ведущих в США в то время, впервые снимала фильм в Лос-Анджелесе, Калифорния. Режиссеру Дэвиду Гриффиту понравился своими живописными ландшафтами и дружелюбным населением поселок Голливуд, расположенный неподалеку от города. Первым фильмом, снятым в Голливуде, стала картина "В старой Калифорнии". Прежде чем вернуться в Нью-Йорк, Гриффит снял в Голливуде еще несколько фильмов.

Привлеченные мягким климатом Калифорнии, обилием солнечного света, позволявшим снимать фильмы под открытым небом круглый год, живописными и разнообразные пейзажами, а также удаленностью от Нью-Йорка и Эдисона, в Лос-Анджелес устремились практически все производители кинофильмов. Появился новый вид предприятия, производящего кинопродукцию - киностудия.

Большинство из известных нам сегодня американских кинокомпаний были созданы в первой четверти XX века (Paramount Pictures - в 1912 году, Warner Brothers - в 1918 году, Columbia Pictures - в 1919 году, Metro Goldwyn Mayer - в 1924 году и т. д.)

Это была эра немого кино, которое знаменитый кинорежиссер Альфред Хичкок называл "самой чистой формой кинематографа". Немое кино подарило миру таких звезд, как Чарльз Спенсер "Чарли" Чаплин, Мэри Пикфорд, Дуглас Фэрбэнкс, Бастер Китон, Рудольфо Валентино и многих других.

Все изменилось в середине двадцатых годов XX века. Эксперименты в области синхронизации звука с изображением велись еще Томасом Эдисоном, пытавшимся объединить два своих изобретения - фонограф и кинетоскоп. Много внимания созданию звукового кино уделяла студия Warner Brothers. В 1926 году братья Уорнер выпустили первый полнометражный фильм с синхронизированными звуковыми эффектами и музыкальным саундтреком - "Дон Жуан".

6 октября 1927 года в главном кинотеатре киностудии в Нью-Йорке состоялась премьера первого кинофильма, в котором зрители услышали актеров. Это был фильм "Певец джаза", выход на экраны которого фактически провозгласил начало эры звукового кино.

В 1929 году фильм "Певец джаза" был награжден специальной премией "Оскар" за "создание первой звуковой картины, произведшей революцию в отрасли".

А довольно скоро, в 1935 году, на экраны вышел первый цветной кинофильм - "Бекки Шарп".

Считается, что с выходом на экраны "Певца джаза" начался "Золотой век" Голливуда. В последующие тридцать лет, до конца пятидесятых, было выпущено тысячи фильмов. Четко определились жанры основные жанры кинофильмов (вестерны, комедии, мелодрамы, мюзиклы, триллеры и др.), сложилась система производства кинофильмов, появилось понятие "кинозвезда".

Большинство картин было снято крупными кинокомпаниями. В те годы была общепринята "студийная" система, при которой режиссеры, актеры, сценаристы и другие работники кинопроизводства были связаны контрактами с какой-либо конкретной киностудией. Узнать, какая именно студия сняла тот или иной фильм, можно было по актерскому составу картины. При студийной системе в Голливуде больший вес имел продюсер картины, чем ее режиссер. Художественная ценность фильма значила намного меньше, чем приносимая им прибыль.

В то же время в период "Золотого века Голливуда" стали известными такие мастера кино, как Кларк Гейбл, Грета Гарбо, Уолт Дисней, Альфред Хичкок и многие другие.

В 1937 году Уолт Дисней выпустил свой знаменитый мультфильм "Белоснежка и семь гномов", ставший самым кассовым фильмом своего времени и показавшим, что у мультипликации есть большое будущее.

В 1939 году был снят фильм, который считается самой успешной (в коммерческом смысле) картиной американского кинематографа - "Унесенные ветром".

В 1941 году на экраны вышел снятая Орсоном Уэллсом картина "Гражданин Кейн", который и сегодня многие кинокритики называют лучшим фильмом всех времен.

К началу шестидесятых сложившая "студийная" система кинопроизводства начала давать сбои. Причин было несколько, в том числе принятые в США антимонопольные законы и появление телевидения.

Шестидесятые-семидесятые годы XX века известны в истории американского кинематографа как "Новый Голливуд". Для этого периода характерен отход от сложившихся стандартов в кино, сильное влияние европейского кинематографа, многочисленные художественные эксперименты.

В эти десятилетия впервые прозвучали такие знаменитые имена, как Стивен Спилберг, Фрэнсис Коппола, Джордж Лукас, Мартин Скорсезе, Роман Полански и другие.

В семидесятых годах появляется понятие блокбастера - фильма с большим бюджетом и большими кассовыми сборами. Среди первых блокбастеров Голливуда называют "Челюсти" и "Звездные войны".

Современный американский кинематограф - это в первую очередь зрелищные фильмы с бюджетом в десятки и сотни миллионов долларов. В значительной степени успех фильма в прокате зависит от снявшихся в нем "звезд" - известных актеров, полюбившихся зрителям.

Тем не менее существует в США и "независимое кино". Как правило, это малобюджетные фильмы, снятые малоизвестными режиссерами. "Независимые фильмы" не так связаны необходимость принести создателям максимальную прибыль, как блокбастеры, и поэтому в них можно часто увидеть те или иные творческие эксперименты.

Зачастую из "независимого" кино выходят звезды мирового масштаба, например дебютным фильмом знаменитого Квентина Тарантино был фильм "Бешеные псы", который сейчас называют классикой независимого кино.

Читайте также: