История возникновения электронной музыки кратко
Обновлено: 02.07.2024
Электронная музыка - очень важный пласт в музыкальной индустрии, давно вошедший во все современные жанры и создавший большое количество новых направлений. Но до сих пор далеко не каждый может ответить на вопрос "Что же такое электронная музыка?".
Для кого-то это условное "тыц-тыц" бездушных машин, а для кого-то это целый мир в изучении, прослушивании и открытии которого можно провести вечность.
Начнём с главного: электронной называют музыку, созданную при помощи электронных технологий и так называемых электро-музыкальных инструментов. Чтобы сделать любую музыку нужно сначала получить звук.
Звучание электронной музыки строится на двух столбах - синтезаторы и сэмплы. Что же такое синтезатор и откуда берётся звук? Звук - это разного рода физические колебания, которые воспринимают наши с Вами уши. Любой музыкальный инструмент издаёт эти колебания или, иначе говоря, звуковые волны.
У каждого инструмента и у каждой ноты волна будет отличатся в зависимости от высоты, тембра и громкости звука. В гитаре и скрипке колеблются струны, в трубе или флейте - воздух, который выдувается, а синтезаторы позволяют создавать и изменять звуковые волны, как правило, из волн электромагнитных.
Слово "синтез" в данном случае является корнем потому, что звук формируется благодаря совмещению или синтезу разных видов звуковых волн. Именно благодаря возможности такого совмещения, кроме того, что можно получить звук, похожий на абсолютно любой инструмент, также можно создать звук совершенно новый.
Первым в мире электронным инструментом принято считать терменвокс. Инструмент сделан советским изобретателем Львом Сергеевичем Терменом. Две металлические антенны создавали электромагнитное поле, образующее звук одной сенсоидной волны. А руки исполнителя, которые перемещались в этом поле, могли изменять звук в громкости и высоте.
Позже француз Морис Мартено изобрёл электронный инструмент клавишного типа под названием Волны Мартено. И з 20-х годов изобретатели всего мира начали созавать новые инструменты, генерирующие звук.
Некоторые оставались в лабораториях, некоторые оставались демонстрацией достижения на выставках, а какие-то постепенно стали использовать в дорогих студиях, чаще для производства саундтреков в кино.
Немногие знают, но первый в мире многоголосный синтезатор также был изобретён в Советском Союзе изначально военным инженером Евгением Мурзиным, а звался он синтезатор "Анс" в честь композитора Александра Николаевича Скрябина. Именно на нём Александр Зацепин записывал музыку к "Бриллиантовой руке", а Эдуард Артемьев к "Солярису" Тарковского.
Правда развитие такой отрасли явно не входило в приоритеты партии, поэтому проект, к сожалению, не имел должной поддержки. На его создание у изобретателя ушло 12 лет и за это время уже успели выпустить куда более технологичные и удобные синтезаторы, а после его смерти в 70-м году проект и вовсе был закрыт и синтезатор "АНС" использовался в военной промышленности для изучения языка дельфинов.
В 60-х совершенно разных синтезаторов по всему миру уже было полно, но для обычных людей они доступны не были как минимум из-за сложности в освоении, дороговизне и внушающих багаритов.
Звук синтезаторов по-прежнему чаще использовался в кинематографе, а рок-музыканты начали использовать синтезаторы скорее в качестве эксперимента.
Параллельно с теми синтезаторами, которые сами создавали звук, начали появляться устройства, которые звук производили. Речь идёт не о проигрывателях и магнитофонах, а о самых настоящих музыкальных инструментах, которые играли сэмплами, заранее записанными фрагментами звука.
Если при нажатии клавиш на фортепиано по струне бьёт молоточек, а нажав клавишу на синтезаторе, в нём будет сгенерированна звуковая волна, то при нажатии клавиши меллотрона воспроизводился небольшой кусок магнитной плёнки и под каждой клавишей была закреплена своя плёнка.
На этих плёнках могло быть записано что угодно - как одна нота, исполненная отдельным инструментом, что позволяло заменить одним инструментом целый оркестр, так и целый оркестр на одной ноте. Меллотрон можно назвать механическим отцом всех цифровых сэмплеров, очень важных инструментов в электронной музыке.
Сейчас самое время перейти к основным датами и событиям, повлиявшим на внедрение электронной музыки в музыку популярную. В 53-м году в Германии начала работу Кёльнская студия электронной музыки. Там свои творческие эксперименты проводил композитор-авангардист Карлхайнц Штокхаузен.
В середине 60-х с музыкой Штокхаузена познакомился Пол Маккартни. Впечатлявшись его экспериментами с лентой, Маккартни предложил всем Битлам также поэкспериментировать. У каждого с собой были ленты с различными звуками, записями оркестров, смехом толпы.
Эти фрагменты ускорялись, замедлялись, проигрывались задом-наперёд и в итоге The Beatles получили совершенно новые звуки для песни, играя на магнитных лентах.
Этот эксперимент можно назвать как началом новой эры для Битлз, так и началом первого экспериментального направления в рок-музыке - психоделик-рок.
Под конец 60х-начало 70х психоделик-рок уже становистся популярным во всём мире, особенно в германии, где появляются рок-группы, которые используют синтезаторы, во многом благодаря влиянию всё того же Штокхаузена.
Это направление британская пресса назовёт краут-рок. В это же время создавший свою модульную систему и множество инструментов обработки сигнала американский изобретатель Роберт Муг выходит в лидеры в производители синтезаторов, которые так и называются.
И первым международным хитом, записанным на таком синтезаторе, становится песня "Popcorn" Кингсли, которую многие из Вас знают в исполнении Hot Butter или же по мультфильму "Ну, погоди!".
Всё приводит к тому, что в 70-м году Роберт Муг выпускает Минимуг, первый бюджетный синтезатор. Правда, как и в случае с большинством знаковых в электронной музыке изобретений, особым спросом он начал пользоваться далеко не сразу.
Большинству музыкантов, которые ранее не сталкивались с синтезаторами, сначала сложно было понять что это и для чего, кроме как экспериментов.
Тем не менее, через несколько лет, когда пользоваться синтезаторами станет модно, доступность минимуга сыграет свою роль. В 74-м году после 3-х экспериментальных альбомов в стиле краут-рок немецкая группа Kraftwerk уходит в сторону более понятной, легковоспринимаемой музыки с чётким ритмом, практически полностью отказывается от живых инструментов и записывает альбом "Autobahn".
Этот и последующие 3 альбома группы Kraftwerk выведут их музыку далеко за пределы Германии и вдохновят на работу с синтезаторами музыкантов всего мира.
Если сейчас спросить любую значимую фигуру в электронной музыке "Кто же оказал наибольшее внимание на его творчество", скорее всего он ответит - Kraftwerk.
И если Kraftwerk по большей части вдохновили и впечатлили эстетов и музыкантов, то в 77-м году вышла песня, благодаря которой электронная музыка сделает самый большой шаг вперёд в своей истории на тот момент.
Ни для кого не секрет, что 70-е - это эпоха диско. Танцевальная поп-музыка, которая всегда записывалась на живых инструментах, зачастую целыми оркестрами.
Но в 77-м, когда музыка диско уже была на своём пике популярности, вышел 5-й альбом американской певицы Донны Саммер под названием "I Remember Yesterday".
Это был концептуальный альбом, в котором каждая песня своим звучанием отправляла слушателя в различные музыкальные эпохи через призму звучания диско.
Первая песня была стилизована под 40-е, вторая - под 50-е и так далее. Последняя песня "I Feel Love" задумывалась как олицетворение будущего. Чтобы придать песне ощущения футуризма, продюсер записи Джорджо Мородер, который под влиянием группы Kraftwerk давно увлекался синтезаторами, решил записать песню исключительно при помощи синтезатора муг.
Чистой воды эксперимент, песня на которую даже не думали сделать ставку, вышла на первые строчки всех мировых чартов, стала настоящим символом эпохи диско и во многом определила электронную музыку не только как поле для экспериментов, но и как неотъемлемая в будущеем часть танцевальной музыки.
Электронная музыка – современный жанр, к которому относят музыкальные произведения, создаваемые при помощи электронных инструментов и современных технологий. Жанр электронной музыки относят к концу 20-го – началу 21-го веков, хотя первые электронные инструменты стали появляться еще в начале прошлого века. Этой музыке свойственно уникальное жанровое и стилистическое многообразие.
Первые звукозаписывающие инструменты
Прежде всего, следует отличать процесс звукозаписи от производства электронной музыки. Первая аппаратура, используемая в музыкальном творчестве, касалась исключительно записи звуков. Идея создания электронной музыки появилась чуть позже, хотя они действительно во многом связаны между собой.Первым звукозаписывающим устройством в мире стало изобретение француза Эдуарда Леона Скотта де Мартинвалль – фоноавтограф, в 1857 году. Но фоноавтограф не мог воспроизводить записанные им звуки. Эту функцию выполнял изобретенный двадцать лет спустя американцем Томасом А. Эдисоном фонограф, вначале цилиндровый, а позже и дисковый.
Фонограф
Первым шагом к появлению электронной музыки стало изобретение триодного лампового усилителя, который назвали аудионом. Появился он в 1906 году в лаборатории американца Ли де Фореста. Это был первый электронный аппарат, точнее стеклянный сосуд, внутрь которого поместили термокатод. Получилась лампа, производящая и усиливающая электрический сигнал. Без этого изобретения не появилось бы ни радио, ни вычислительная техника.
Первые электронные музыкальные инструменты
Естественно, композиторы искали пути использования новых технологий в своей работе и творчестве. Были сделаны первые попытки изобретения электронных инструментов, в которых сочетали механические и электронные компоненты.Изобретатель Тадеуш Кахилл из Америки на протяжении 14 лет работал над теллармониумом. В 1906 году он представил на суд публики свою версию электромеханического музыкального инструмента. Однако из-за внушительных размеров популярности он не получил – не в каждом помещении мог уместиться инструмент весом в 200 тонн и занимающий площадь в 18 кв.м.
Первым полностью электронным инструментом был терменвокс, созданный Львом Термином из России в 1920 году. В нем использовалось электромагнитное поле, создаваемое двумя антеннами, а звук из него извлекался движениями рук.
Исторический обзор электронной музыки
Появление электронной музыки, как самостоятельного направления современной музыкальной культуры (существует с конца 40-ых годов XX века) предшествовало формирование нового музыкально-эстетического мышления и многолетний процесс применения электрических и электронных технологий для создания электромеханических инструментов и устройств звукозаписи.
Итальянский пианиста и композитор Ферруччо Бузони
Наиболее заметными в истории электромеханических интсрументов и устройств звукозаписи с конца XIX и до 40-ых годов XX ст., которые повлияли на формирование технологии электронной музыки были изобретения фонотографа (Phonautograph) Леона Скотта где Мартенвиля (Leon Scott de Martinville) (1857), Музыкального телеграфа (The Musical Telegraph) Элиши Грея (Elisha Gray) (1876), Поющей дуги (The Singing Arc) Уильяма дю Буа Дюдделя (William Du Bois Дудделл) (1899), Телгармониума (The Telharmonium) Тадеуша Кахіля (Thaddeus Cahill) (1897), Терменвокса Леона Термена (1917), Волн Мартено Ondes-Martenot Мориса Мартено (Maurice Martenot) (1928), Траутониума (Trautonium) Фридриха Траутвейна (Friedrich Trautwein) (1929), магнитофона (в 1935 г. впервые представлено немецкой компанией АЕG). Среди электромеханических инструментов есть также изобретение нашего соотечественника Владимира Баранова-Россине (1888, Херсон — 1944, немецкий концлагерь во Франции) — Оптофониское фортепиано (1916).
Фонотограф Леона Скотта где Мартенвиля (1857)
Инженер-акустик и композитор Пьер Шеффер
Развитие в 70-80 годы
С появлением небольших рабочих станций на базе компьютеров Apple и IBM в начале 90-ых годов и общемировыми процессами информатизации общества развитие электронной музыки значительно демократизируется. Композиторы становятся все менее зависимыми от крупных студий электронной музыки. Активное распространение компьютерных технологий в области музыкального творчества среди пользователей сети Internet переориентирует деятельность мировых центров электронной музыки на научно-исследовательскую, образовательную и консультативную деятельность, поскольку большая часть электронной музыки создается преимущественно в частных мини-студиях.
Терминология и жанры электронной музыки
Электронная музыка сегодня существует на пересечении современного академического музыкального искусства, музыкально-информационных технологий, медиа-искусства и не академических музыкальных направлений (джаза, рока, импровизационной музыки, популярной музыки). Ее терминологическая база, система жанров, круг технологических, эстетических и музыкально-теоретических проблем постоянно обновляются как под влиянием непрерывного совершенствования информационных технологий, развития медиа-искусства, так и усилением интереса музыкантов и музыковедов к явлениям электронного музыкального искусства.
Специфика музыки
Электронная музыка уже давно вошла в нашу повседневную жизнь. Никто совершенно не удивляется, услышав ее в торговом центре или в маршрутном такси. В настоящее время существует множество жанров электронной музыки, а споры среди поклонников о том, какой же из них лучше никогда не утихают. В настоящее время электронная музыка стала не просто направлением, это неотъемлемая часть нашей жизни, с которой мы не расстаемся ни во время работы, ни во время отдыха.
История электронной музыки.
70-ые годы стали подлинным расцветом электронной музыки. Появились самостоятельные направления, такие как диско и техно. Многие уже сформировавшиеся направления музыки получили новую интерпретацию благодаря введению синтезаторов и электронной обработки – так появился краут-рок, синти-поп, электро-поп и техно-поп.
Дальнейшее развитие электроники в 80-ые и 90-ые годы привело к появлению программируемых драм-машин и брейкбита. Музыка для дискотек практически полностью стала состоять из электронных композиций, а электронная музыка стала практически синонимом клубной. В эти же годы появилась и новая профессия – диджей, которые создает оригинальные композиции, оперируя пластинками на специальной установке.
Электронная музыка сегодня.
В настоящее время электронная музыка пользуется большой популярностью во всем мире. Согласно исследованию известной звукозаписывающей компании, электронную музыку постоянно прослушивает каждый 10ый житель Европы и Северной Америки. Также она получила большое распространение в Японии, Южной Корее и Китае.
Электронная музыка в настоящее время создается на множестве оригинальных музыкальных инструментов. Использование компьютеров для ее создания стало повсеместным. Удобство компьютерных программ для создания музыки и оригинальность звучания музыкальных инструментов привело к тому, что сейчас многие музыкальные жанры находятся под большим влиянием этого направления – множество рэперов, исполнителей поп и рок-музыки используют электронные музыкальные инструменты для создания своих композиций. Дальнейший технический прогресс делает появление новых жанров и инструментов практически неизбежным, что означает, что электронная музыка будет существовать еще очень и очень долго.
Электронные музыкальные инструменты и их особенности.
1. Синтезаторы, создающие звук при помощи генераторов звуковых волн.
2. Вокодеры, используемые для синтеза речи на основе произвольного сигнала.
3. Драм-машины – основанные на принципе пошагового программирования приборы, с помощью которых создаются и редактируются повторяющиеся перкуссионные музыкальные фрагменты.
4. Реактейблы, которые позволяют создавать музыку, меняя местоположение объектов на устройстве.
5. Тэрнори – он, которые позволяют создавать неповторимый звуковой рисунок.
6. Лазерные арфы, представляющие собой лазерные лучи, перекрывая которые можно создать оригинальную композицию.
Разумеется, есть множество других электронных музыкальных инструментов. Не стоит забывать и о компьютере, на котором также можно создавать уникальные музыкальные композиции или даже имитировать звучание реальных, а не виртуальных устройств.
Популярные жанры электронной музыки.
За время своего существования в электронной музыке выделилось несколько популярных направлений. Последние тенденции сделали особенно популярными направлениями драм-энд-бейс, техно и транс. Среди самых известных можно назвать следующие:
2. Диско. Этот жанр танцевальной музыки появился в 70-ые годы. В его основе лежит несколько упрощенный ритмический рисунок фанка. По своему звучанию диско похож на ритм-энд-блюз и непосредственно фанк.
3. Синтипоп. Это жанр музыки, где доминирующим инструментом является синтезатор. Особенностью синтипопа является подчеркнутая искусственность звука (поп музыка тоже в настоящее время создается на синтезаторах, но она стремится имитировать звучание реальных музыкальных инструментов), акцент на механических ритмах, многократное повторение структурных элементов.
4. Хаус. Он появился в начале 80-ых в Чикаго. Эта танцевальная музыка отличается не слишком быстрым темпом и стандартным размером 4/4, мажорными аккордами и запоминающейся мелодией.
5. Техно. Отличается искусственностью звука и акцентом на механических ритмах.
6. Транс. Данная танцевальная музыка отличается высоким темпом – 130-150 ударов в минуту и наличием повторяющихся мелодий и фраз, которые погружают слушателя в трансоподобное состояние.
7. Драм-энд-бейз. Отличается смешением баса из регги и ускоренного брейкбита из хип-хопа.
24 апреля, 2011
АВТОР: admin
Электронная музыка — это удивительный симбиоз культурных традиций со всего мира, технологического прогресса и авангардного сознания. Ее история, уже насчитывающая более 100 лет, весьма убедительно показывает, как опыт одних людей, их начинания и мечты, бережно переданные, реализуются и развиваются последующими поколениями. Из множества разобщенных, и, на первый взгляд, никак не связанных друг с другом идей и открытий, даже противоречивых и взаимоисключающих, проистекает явление электронной музыки.
Все началась с изобретения фонографа в 1878 году, первого устройства, позволяющего записать и воспроизвести звук. Первый же электронный инструмент, способный самостоятельно генерировать звуковые волны, был создан в промежутке между 1989 и 1912 годами, назывался он теллармониум и был в размере больше церковного органа. Его клавишная часть выглядела безобидно и скромно, как книжная полка, но элемент, создающий звук, обычно занимал порядочных размеров особняк, что и помешало широкому распространению инструмента.
теллармониум – вид спереди и сзади
Его ближайшим потомком стал терменвокс, изобретенный Львом Терменом в 1919 году. Игра на этом инструменте была похожа на таинственные манипуляции с использованием инопланетных технологий. Инструмент представляет из себя две перпендикулярные антенны, в полурамке которых терменвоксист держит руки. В зависимости от близости или удаленности рук от антенн меняется электромагнитное поле, а, как следствие, тональность и громкость звука — от мистического гудения до истошного электрического визга. Таким образом, к традиционным гитарным, рояльным, скрипочным классам добавилась школа терменвокса, и вскоре была написана первая сюита для академического оркестра с терменвоксом.
Параллельным курсом развивается концепция музыки будущего, пророчествующая новые горизонты музыкального искусства. Отойдя от привычных форм, содержания и вообще любых классических правил, человек может творить принципиально новое, свободное, чистое искусство — такая идея составляла основу итальянского футуризма. Ее адепты создавали невероятные оперы из аудио-фрагментов, собранных на полях реальности: звуки фабрик, железных дорог, шум ветра и треск электропередач. Однако никакой ценности в невнятных шумах и потрескиваниях никто, кроме самих футуристов, не видел.
Следующим технологическим прорывом стало изобретение магнитной ленты звукозаписи в 1930-х годах. Случившееся на территории фашистской Германии, оно стало достоянием всего человечества сразу после окончания Второй Мировой Войны. Это, на первый взгляд, незначительное и даже обыденное событие вывело эксперименты футуристов на абсолютно новый уровень. Дело в том, что теперь они могли собирать картины у себя в студии. Как коллаж или конструктор. Обрабатывая и нарезая фрагменты, добавляя к ним различные эффекты и расставляя их по своему усмотрению. Пропала необходимость в последовательной живой записи, вечной и неизменной, зато появилась возможность монтажа, фактически ничем не отличающаяся от того, который применяется сегодня.
Пока индустрия не оценила еще преимущество новых носителей, околонаучный и академический мир первым окунулся в только что открытую и еще неизученную кибер-реальность электронного звука. По всей Европе и в США при институтах моментально появились кафедры электронной музыки и прекрасно оборудованные студии, предлагающие последние новинки из области аудио-механики. Академики были заинтригованы и поражены тем, как много можно извлечь неизвестного из уже привычных инструментов. Они годы проводили в этих самых студиях, без устали извлекая все новые колебания звуковых волн, и с трепетом, как древнегреческие астрономы, заносили свои наблюдения в специальные тетради, сохраняя особенно важные образцы на пленках.
1955-65 годы становятся решающими в истории электронной музыки. В знакомых нам студиях при институтах появляются первые компьютеры, при помощи которых создаются полностью электронные композиции. Необходимость в записи живых инструментов и последующем их искажении пропала, звуковые волны можно было генерировать в режиме реального времени, создавая невозможные в живой природе характеристики. Подобные технологии будут еще долгое время недоступны обычным людям, однако именно в этот момент среди музыкантов рождается интерес к электронике.
один из первых компьюетров
Помимо пластинок с невероятными неземными звуками, опровергающими все представления о привычных ритмах и мелодиях, проводятся лекции и семинары на тему их создания. В этот же период появляются привычные сегодня, но абсолютно инновационные тогда: электро и бас-гитара, первый полноценный, функциональный синтезатор – легендарный Moog.
Роберт Муг с одноименными синтезаторами
Ла Монте Янг (La Monte Thornton Young) — уроженец США, был еще в детстве заворожен, слоняясь по окрестностям, звуком ветра, переплетавшимся с гулом проводов. Юношей сильно увлекался джазом, играл на саксофоне, поступил в колледж Лос Анджелеса и даже играл в известных джаз-бендах того времени. Последующие институты и их творческая среда (в 1959 он посещает курсы Штокхаузена, профессора посветившего много времени изучению электронной аудио среды, успешно передавшего свой опыт и устремления многим молодым студентам) знакомят Янга с концепцией современной музыки, в которой он буквально видит, как посредством новых инструментов воплощается его детская мечта. В качестве ритмической основы он использует технику дронирования — маниакальное циклическое повторение одного и того же звука в тысячах разных микро-вариациях (каждый раз чуть изменяется тональность, громкость или продолжительность). Это влияние приходит к нему из ориентальной музыки, медитативной культуры и трансцендентальных теорий, он даже берет уроки игры на традиционных индийских инструментах у гуру Pandit Pran Nath . Фактически его музыка звучит как индийская рага, с более механическим тактом и наложением различных спецэффектов.
Нисколько не умаляя фигуру Янга, можно, тем не менее, смело сказать, что он был не уникален; Стив Райх, Роберт Роботник, Терри Райли и многие другие прошли одну и ту же школу: классическая музыка–джаз–академический экспериментализм-психеделики–индийская музыка — только в разных последовательностях и с небольшими отличиями. Например, Стив Райх был склонен к западному академизму и на его базе развивал концепцию минимализма (принято считать его одним из главных идеологов движения).
Ла Монте Янг, Терри Райли и учитель-гуру Пандит Пран Натх
Терри Райли (бывший также в учениках у Pandit Pran Nath и принимавший периодическое участие в Syndicate Dream) наоборот — тяготел к медитативным этнически индийским импровизациям, которые могли продолжаться часами (по 6-10 часов), без утвержденной, запрограммированной структуры, без начала и конца. Люди на его концерты приходили с подстилками для йоги, спальными мешками, запасами еды-воды и всего, что им было необходимо в течении этого времени. Группа Ash Ra Temple стремилась к достижению трансцендентального опыта посредством различных ориентальных практик и психоделических веществ, в состав ее участников даже одно время входил Тимоти Лири — самый главный популяризатор ЛСД в Америке.
Tangerine Dream — еще одни представители краутрока. Еще более далекие от мотоциклов, пива и кожаных курток. Они развивали идею электронной абсолютно неземной музыки. Их композиции, длящиеся по 15-20 минут, рисуют в сознании слушателя невероятные ассоциации и потрясающие психоделические образы.
Все дело в звуках, не похожих ни один из существующих инструментов. Эти звуки живут своей жизнью, притягивают, медленно обволакивая, и расцветают мистическими видениями… Можно увидеть, например, полет орла, высоко парящего над необъятной первобытной пустыней. Обдуваемый древним ветром, он величественно зависает в воздухе и бросает вниз пронзительный взгляд на размахивающих палкой двуногих полуоблезших обезьян. Или, закрывая глаза, плавно погружаться в темно голубую пучину океанического космоса, где трубят свою песню величественные, невидимые в толщах бесконечной воды, гигантские мудрые киты.
Одним из Атлантов краутрока также был Клаус Шульце. Барабанщик Tangerine Dream и участник Ash Ra Temple стал впоследствии настоящим гуру медитативных концертов электронной музыки. В окружении десятков синтезаторов и модуляторов, делэйев и ревербераторов он и сегодня творит аудио-сеансы связи со Вселенной. Звезды и галактики, грубые астероиды и нежная, маленькая пульсирующая жизнью голубая планета, сквозь радио-помехи и радиоактивные бури летящая за своей орбитой.
На сегодняшний день Клаус выпустил более сорока полноценных и очень разных альбомов, достойных многократного прослушивания. При этом творческого кризиса он не переживает и останавливаться в музицировании пока не намерен (в 2011 готовится к выходу новая пластинка).
Читайте также: