Прелюдия концерт 7 класс конспект урока

Обновлено: 05.07.2024

Выполнила преподаватель специального фортепиано:
Гапонюк Э.В.

Сегодня мы с вами поговорим о прелюдиях. Все вы за годы учебы в школе играли пьесы с таким названием.

Первые прелюдии появились давно, в 15 веке. Они представляли собой небольшое вступление к пьесе, вокальной или инструментальной. Их играли на органе, лютнях, клавишных инструментах. Вступление чаще всего было импровизированным, т. е. создавалось непосредственно на сцене, во время игры. Целью такой прелюдии было подготовить и настроить слушателя на определенный характер, установить тональность следующей за прелюдией пьесы.
Характерной чертой прелюдии является единый тип фактуры от начала до конца произведения. Например, 1 прелюдия может быть написана только аккордами, другая – арпеджио, 3 – пассажами гамм и т. д.. Ритмический рисунок тоже остается единым на протяжении всей пьесы. Чаще всего в прелюдиях содержится один музыкальный образ, одно настроение.
В 17 веке прелюдией называли вступление во французской опере, исполнявшейся целым оркестром. И вот уже в 18 веке прелюдии стали создаваться как самостоятельные пьесы. Прежде всего мы их знаем в творчестве основоположника классической музыки И. С. Баха.

Если в классической музыке прелюдия стала самостоятельным жанром, то в эпоху романтизма она получила новые качества. Главным становится человек, его чувства, душевные переживания. И в прелюдиях польского композитора-романтика Фридерика Шопена мы находим эти новые черты.

Другая его прелюдия a-moll создает образ дороги - сквозь бег проступают песенные мотивы, звенят бубенцы, цокают копыта лошадей.
Исполнит прелюдию №8 соч.32 a-moll преподаватель школы Шин Ж. С..

А сейчас мы познакомимся с прелюдиями нашего современника казахстанского композитора Газизы Жубановой. Эти пьесы невелики по объему и контрастны между собой.
Первая b-moll, вначале мягкая и печальная, достигает яркой драматической кульминации в середине. Несколько голосов как бы ведут рассказ о печальном прошлом.
Вторая h-moll построена на контрастах: мягкие, ласковые интонации пассажей 1 части сочетаются с резким отрывистым звучанием 2 части.
Исполнит 2 прелюдии Жубановой b-moll и h-moll ученица 6 класса Кулагина Ксения.

Завершаем мы знакомство с прелюдиями творчеством американского композитора Джорджа Гершвина.
Особенность его стиля – использование традиций джаза. Основой джаза стала музыка негров, вывезенных из Африки и сохранивших в Америке свои обрядовые пляски, духовные гимны. Это – спиричуэлы, блюзы и т п..
Главным в джазовой музыке является ритм, его регулярная пульсация (так называемый бит). Также характерны и важны акценты в мелодии, синкопы, рождающие волнообразное движение (так называемый свинг) и повторность коротких мотивов (так называемых рифов), носящая характер переклички.
Все эти черты вы услышите в прелюдии Гершвина №1 B-dur.
Исполнит эту прелюдию ученица 7 класса Белякова Елена.

Мы сегодня попытались проследить путь развития прелюдии. Возникнув в 15 веке простым вступлением, она в 18 веке стала самостоятельным жанром. В творчестве Баха был создан цикл: прелюдия и фуга. Свой расцвет прелюдия получила в творчестве композиторов-романтиков: Шопена, Шумана, Скрябина и т.д..В творчестве каждого композитора она приобретала новые черты и качества. Композиторы 20 века обращались к жанру прелюдии не менее часто. Циклы из 24 прелюдий создали такие композиторы как Шостакович, Щедрин, Дебюсси, Кабалевский и т.д..
Хочется пожелать вам, ребята, соприкоснуться с этим жанром, самим поиграть прелюдии.

СПИСОК ИСПОЛЬЗОВАННОЙ ЛИТЕРАТУРЫ:

Цель урока: закрепить представления о различных видах концерта.

1. Организационный момент.

2. Изучение нового материала.

Музыка воодушевляет весь мир, снабжает душу крыльями,

способствует полёту воображения,
музыка придаёт жизнь и веселье всему существующему…

Её можно назвать воплощением всего прекрасного и возвышенного.

Учащиеся: Концерт (ит. concerto от лат.– concerto– соревнуюсь) называют: 1.Публичное исполнение музыкальных произведений; 2. Жанр крупного музыкального произведения виртуозного характера для солиста с оркестром, написанного чаще всего в форме сонатного цикла; 3. Полифоническая вокальная или вокально-инструментальная музыка, опирающаяся на сопоставление двух и более партий. Концерт строится их трёх частей (быстро – медленно – быстро). В истории музыки есть концерты для солирующего инструмента и оркестра, для оркестра без солистов, в русской музыке в XVIII веке возник жанр духовного хорового концерта.

Вспомним историю возникновения и развития жанра камерной музыки – инструментального концерта. Вспомните, как называется художественный стиль в культуре и искусстве европейских стран в период с 1600-1750 гг.; творчество каких композиторов относится к эпохе барокко .

Учащиеся: Барокко – это один из самых красивых и изысканных стилей в искусстве, барокко – это жемчужина в цепи меняющихся художественных ценностей в живописи, архитектуре, скульптуре, литературе, музыке. Для мастера барокко было важно запечатлеть божественную красоту жизни.

Именно с возникновением барокко музыка впервые полно продемонстрировала свои возможности углубленного и многостороннего воплощения мира душевных переживаний человека. На ведущее место выдвинулись музыкально-театральные жанры, прежде всего опера, что определялось характерным для барокко стремлением к драматической экспрессии и сочетанию различных видов искусства. Это проявлялось и в сфере религиозной музыки, где ведущими жанрами были духовная оратория, кантата, пассионы. Одновременно обнаружилась тенденция к обособлению музыки от слова – к интенсивному развитию многочисленных инструментальных жанров. Высочайшими достижениями представлена барочная культура в изобразительном искусстве (Рубенс, Ван Дейк, Веласкес, Рибера, Рембрандт), в архитектуре (Бернини, Пюже, Куазевокс), в музыке (А.Корелли, А. Вивальди, И.С.Бах, Г.Ф.Гендель). Эпоху барокко принято считать с 1600-1750 г.г. За эти полтора столетия были изобретены такие музыкальные формы, которые, претерпев изменения, существуют в настоящее время.

Ученик: Антонио Вивальди – итальянский скрипач, композитор и педагог. Творческое наследие Вивальди чрезвычайно велико. Оно охватывает около 700 названий. Среди них 19 опер. Но главным историческим значением его творчества стало создание сольного инструментального концерта. В этом жанре было написано около 500 произведений. Многие из его концертов были написаны для одной и более скрипок; два концерта для двух мандолин и несколько – для необычных музыкальных, например, для двух скрипок и двух органов. Сочиняя концерты для струнных инструментов, композитор один их первых обратился к сочинению музыки для духовых инструментов, считавшихся примитивными и неинтересными для композиторов. Гобой, валторна, флейта, труба в его концерта звучали полно и стройно. Концерт для двух труб А.Вивальди написал по заказу. Очевидно, исполнители хотели доказать, что на трубе можно играть красивую и виртуозную музыку. До сих пор исполнение этого концерта является доказательством высочайшего мастерства исполнителя. Много музыки написано композитором для фагота – более 30 концертов для фагота с оркестром. Особое предпочтение среди духовых инструментов Вивальди отдавал флейте с её нежным, мягким тембром. В партиях, поручаемых флейте, она звучит в полный голос, проявляя все свои достоинства.

В творчестве А.Корелли был сформирован concerto grosso (сопоставление всего ансамбля с несколькими инструментами). А. Вивальди сделал шаг вперёд по сравнению со своим предшественником: сформировал жанр сольного концерта, который значительно отличался масштабами развития, динамичностью и экспрессивностью музыки. В композициях концертов чередовались сольные и оркестровые части, основанные на “хорошо организованном контрасте”. Принцип контраста определял трёхчастную форму концерта: 1-я часть – быстрая и энергичная; 2-я – лирическая, певучая, небольших размеров по форме; 3-я часть – финал, живой и блестящий. Сольный инструментальный концерт был рассчитан на широкую аудиторию, для которого были присущи элементы зрелищности, некоторой театральности, проявляющуюся в состязании солиста и оркестра – в беспрестанном чередовании tutti и solo. Именно в этом и был смысл концерта. музыки.

( учащиеся определяют первоначальную интонацию, характер музыки, быстрый темп, контрасты динамики, изобразительные моменты – подражание пению птиц, это весна).

Окружающий нас мир полон всевозможных звуков. Шелест листвы, раскаты грома, шум морского прибоя, свист ветра, мурлыканье кошки, треск горящих дров в камине, пение птиц… В незапамятные времена человек понял, что звуки бывают разные: высокие и низкие, короткие и долгие, приглушенные и громкие. Но сами по себе звуки – еще не музыка. И когда человек стал организовывать их, чтобы выразить свои чувства и мысли – возникала музыка. Как можно охарактеризовать мелодию? (возможные ответы детей: ясно слышно, где играет оркестр, а где звучит солирующая скрипка. Мелодия, которая исполняется оркестром; мелодия в мажорном ладу, очень ясная, яркая, легко запоминается, в танцевальном ритме. Мелодия, исполняемая солистом, гораздо сложней, она виртуозная, красивая, украшена музыкальными распевами, похожа на пение птиц).

(В музыкальных темах один ритм, ярко динамическое волнение, дыхание простора на природе, ощущается радость жизни).

Какой инструмент в эпоху барокко был самым совершенным? Как мало струнных использовал А.Вивальди по сравнению с современными оркестрами. В первоначальном варианте, по замыслу композитора, струнных всего пять. Современные струнные коллективы начинались с небольших оркестров, состоявших из пяти, затем десяти, двенадцати, четырнадцати инструментов. Скрипка – самый важный инструмент оркестра, Золушка современного симфонического оркестра. До сих пор это самый совершенный инструмент из всех струнных. У неё чудесное звучание и невероятный диапазон. Во времена Вивальди и Баха были сделаны лучшие инструменты в истории. В маленьком итальянском городке Кремона делали прекрасные и неповторимые скрипки. Запомним имена Страдивари, Амати, Гварнери. Маленький городок славился своими мастерами. За последние триста лет никто не смог сделать скрипки лучше, чем мастера Кремоны. В своём произведении А.Вивальди показал яркость и красоту звучания скрипки, как солирующего инструмента. Музыка – язык звуков и интонаций – отличается особой эмоциональной глубиной. Именно эту эмоциональную сторону вы почувствовали при прослушивании музыки А.Вивальди. Музыка обладает сильным воздействием на внутренний мир человека. Она может доставлять наслаждение или, напротив, вызывать сильное душевное беспокойство, побуждать к размышлениям и открывать перед слушателем неизвестные ранее стороны жизни. Именно музыке дано выразить чувства столь сложные, что их порой невозможно описать словами.

Когда соревнуются в мастерстве солист и оркестр, они непременно должны играть для зрителя. Именно в этом непрестанном чередовании звучания оркестра и ярко звучащей солирующей скрипки, в ощущении театра и дискуссии, в гармоничности и стройности музыкальной формы ощущаются характерные черты музыки барокко. При повторном прослушивании 1-ой части концерта вслушайтесь в звучащую музыкальную ткань. Мелодический голос сочетается с непрерывным, строго определённым по форме сопровождением. В этом отличие от сочинений предшествующего периода, где главенствующую роль играла полифония – одновременное звучание нескольких мелодий, равных по своей значимости.

Перейдём к работе с учебником. На стр. 109. вам предложена главная тема 1-й части концерта Весна. Можно ли напеть эту мелодию? Давайте попробуем пропеть её. Зная средства музыкальной выразительности, охарактеризуйте эту музыкальную тему

(учащиеся дают характеристику мелодии, лада, длительностей, темпа, регистра, тембра). Повторяется ли эта тема? В какой музыкальной форме (рондо, вариации) написана 1-я часть концерта? Какой принцип развития ( повтор или контраст ) композитор использует в музыке 1-й части? Есть ли изобразительные эпизоды? Если есть, то определите их необходимость и подтвердите примером из литературного текста. Можете ли напеть мелодию, исполняемую солистом? (трудноисполняемая, виртуозные пассажи, как порыв ветра, трели птиц). Сравните с графическим изображением мелодии (восходящее движение, мелкие длительности и т.д.). Необходимость создания программной инструментальной музыки появилась в Италии ещё в XVII веке. В тот момент, когда в опере вошли в моду изображения героических поступков и пасторальных идиллий, картин преисподней и природных сил – бушующего моря, шелестящей листвы; оркестру в таких сценах отводилась доминирующая роль. В сравнении с композиторами – инструменталистами эпохи барокко А.Вивальди обнаружил большой талант в этой области. В чём секрет такой популярности музыки А.Вивальди? Мысли, чувства и переживания современного человека нисколько не изменились по сравнению с прошлым. Это радость жизни, восприятие окружающего мира, которое в музыке Вивальди позитивно и жизнеутверждающе. Концерты в творчестве А.Вивальди явились продолжением развития жанра инструментального концерта, получив законченную форму, ставшую образцом для последующих поколений европейских композиторов.

Слушание. Определение характера песни. Разучивание текста и мелодии. Исполнение по куплетам.

Цель урока: Углубление знаний о музыкальном жанре – прелюдия.

Элемент содержания: Углубление знаний о музыкальном жанре – прелюдия.
Особенности развития музыки в камерных жанрах - эпохи романтизма на примере творчества Ф.Шопена, К.Дебюсси, С.Рахманинова.

Предметные: специальные:

Осмыслить некоторые черты, свойственные музыке эпохи романтизма, импрессионизма.

Личностные: – осознание личностных смыслов музыкальных произведений. Воспринимать и сравнивать музыкальный язык в произведениях разного смыслового и эмоционального содержания.

П – понимать и различать особенности средств музыкальной выразительности (таких как мелодия, ритм, лад, темп, регистр); специфики музыкального образа;

проявление устойчивого интереса к познанию классического музыкального наследия .

Р - оценка своей музыкально-творческой деятельности.
К - владеть умениями совместной деятельности.

Муз. материал: Фрагменты: Прелюдии № 7,20 для фортепиано , Ф.Шопен.

Прелюдии №5,12 С. Рахманинов. А.Скрябин №14.

Методы: Повторение пройденного методом устного опроса;

Эпиграф: “ Великое, истинное и прекрасное в искусстве – это простота”.
Р.Роллан

Орг. момент. Приветствие.

Сегодня у нас с вами состоится еще одна встреча с искусством: миром чувств и раздумий, откровений и открытий.

Работа над интонацией, ритмом, артикуляцией. Концертное исполнение.

И так мы продолжаем удивительное погружение в мир музыкальных образов камерной инструментальной музыки.

Обратили ли вы внимание , что сегодняшний урок начался сразу же с музыки?

Знакома ли она вам? Что это за произведение? Кто его автор?

Но для начала я хотела бы Вас спросить, а что такое камерная музыка? Транскрипция?(Ответы учащихся).

Актуализация :

Особенности развития музыки в камерных жанрах - эпохи романтизма.

Ответы: Камерная музыка – это музыка, которая звучит в небольшом помещении. Камерная музыка сочиняется для солирующего инструмента или небольшого коллектива исполнителей. К камерной музыке относятся небольшие произведения. : Камерная инструментальная музыка – (итальянское camera, буквально – комната).

Обработка музыкального произведения с целью внесения новых выразительных элементов, иногда для исполнения на другом инструменте, называется – транскрипция.

Сейчас я предлагаю Вам сделать небольшую творческую работу .

На доске выписаны жанры камерной музыки, среди которых представлены как вокальные жанры, так и инструментальные.

Выпишите в один столбик камерные вокальные жанры,

а в другой – камерные инструментальные жанры.

Действительно, есть ряд жанров, которые мы можем отнести как к вокальным, так и к инструментальным. Значит, в вашей работе должен появиться третий столбик. (На творческую работу отводится 2-3 минуты). Назовите мне, пожалуйста, те жанры камерной музыки, которые Вы выписали в третий столбик.

: Серенада, баллада, баркарола, романс.

: Кто из вас может привести музыкальные примеры названных жанров?

Работа по теме урока

Итак, мы продолжим разговор об инструментальном жанре, который получил своё второе рождение, благодаря творческой фантазии и композиторскому вдохновению, как зарубежных, так и русских композиторов .

Первичное усвоение знаний.

Изучение нового материала. Музыкальный словарик .

Прелюдия (от лат. praeludere — делаю вступление) — небольшое вступление импровизационного характера перед основным изложением музыкального произведения — фуги или сюиты.

Прелюдией также называют небольшую инструментальную пьесу (преимущественно фортепианную).

Ученик (музыковед):

Первыми прелюдиями были произведения для лютни эпохи Возрождения ( XV в.)

Это были короткие вступления, предшествовавшие крупным пьесам. Лютнисты часто играли прелюдии, чтобы проверить настройку инструмента или акустику помещения перед выступлением

Освободившись от изначального предназначения вступительной пьесы, прелюдия получила развитие в творчестве композиторов последующих поколений, которые писали прелюдии как самостоятельные произведения.

В 18 веке (эпоха барокко) , в период расцвета камерной музыки, развитию жанра транскрипции способствовал И.С.Бах, создавая многочисленные транскрипции для клавесина, - излюбленной новинки эпохи.

Одно из таких произведений - пронизанная светом и покоем, умиротворённая, отрешённая от всего суетного прелюдия до мажор И.С.Баха .

Слушание: прелюдия до - мажор И.С.Баха .

( Анализ, работа со словарём эстетических эмоций).

А сейчас мы продолжим наше путешествие в эпоху романтизма в 19 век..

С кем из композиторов этой эпохи мы познакомились на прошлых уроках? (ответы – Шопен, Лист, Рахманинов, Скрябин)

Ф. Шопен первым стал сочинять прелюдии как отдельные пьесы, фортепианные миниатюры разнообразного содержания.

Композиторы-романтики старались с помощью музыкальных средств выразить глубину и богатство внутреннего мира человека.

Ученик(музыковед)

Фридерика Шопена (1810-1849), который сумел раскрыть неисчерпаемые выразительные возможности инструментальной миниатюры

Ученик (музыковед)

Прелюдии Ф.Шопена. Композитор стремился в них высказаться максимально лаконично, словно остановить и зафиксировать мгновение жизни, показать его непреходящую прелесть, обобщить весь накопленный жизненный опыт, раскрыть народность и национальность, светлую и скорбную лирику, драматизм переживаний и гражданский пафос, романтическую фантастику и изящество задушевной, сердечной речи.

Слушание: №7, №20.

Контрастные образы Прелюдии № 7 (ля мажор) и Прелюдии № 20 (до-минор). Следует обратить внимание на лаконичность формы.

Анализ после прослушивания.

Прелюдия № 7. Светлое воспоминание, кокетливо-ласковое настроение передаётся удивительной лёгкостью звучания, изяществом мелодического рисунка, мажорным ладом.

Танцевальная основа – интонации и ритмы мазурки, польского народного танца, значимого для творчества Шопена как символа Родины.

Прелюдия№ 20. Скорбный характер подчеркнут минорным ладом, маршевой неторопливой поступью, интонациями похоронного шествия, контрастами динамики, повторами главной темы.

Учитель: выделить приёмы развития: повтор, варьирование , включение контрастных звучностей.

Как можно определить содержание этой пьесы? (ответы)

( Горестное раздумье, размышление, воспоминание о прошедшем.)

И так мы продолжаем наше погружение в мир удивительной музыки –

в эпоху импрессионизма.

Ученик(музыковед):

Дебюсси, опираясь на идеи художников-импрессионистов и поэтов-символистов, связывает в сознании слушателей музыку Прелюдий с природными пейзажами (море, воздушная стихия, свет), с пластическими композициями, с портретами, со сказочно-легендарными и фантастическими сюжетами.

Работа со словарём.

( Сдержанная, лирически мечтательная, нежная, чистая, светлая, женственная, грациозная, обаятельная, с живописным колоритным внешним обликом.)

Трёхчастность построения пьесы, отсутствие ярких контрастов между частями, кульминация приходится на начало средней части (эмоциональный подъём, усиление звучности, плотности фактуры, использование высоких регистров). Реприза, третья часть, не повторяет целиком первую, она значительно сокращена композитором и содержит всего одно проведение главной мелодии-темы.

Цикл из двадцати четырёх прелюдий, созданных Дебюсси в конце творческого пути завершил, по существу, развитие этого жанра в западноевропейской музыке, наиболее значительными явлениями которого до сих пор были прелюдии Баха и Шопена.

И сейчас пришло время обратиться к прелюдиям русского композитора С.В.Рахманинова.

Прелюдии С.Рахманинова масштабно-концертные, вызывают картинные

и зримые ассоциации.

Слушание: Фрагменты. Анализ.

Прелюдия до-диез минор создаёт трагически-сосредоточенный образ. Выделить мотивы и интонации, характеризующие начальную тему (трёхзвучная унисонная нисходящая интонация, затем мотив с интонациями вздоха и следующими за ними глубокими басами), проследить за её развитием, определить форму-композицию прелюдии (трёхчастная), сопоставить контрастные образы средней части (смятение, волнение, тревога) с заключительной третьей частью (репризой).

На концертах С. Рахманинова-пианиста слушатели часто обращались с просьбой исполнить для них именно эту пьесу.

Настроение Рахманиновской Прелюдии соль-диез минор - одновременно трепетное и тоскливое - созвучно русской музыкальной традиции воплощения образов печали и прощания. Композитор не дал пьесе названия .

Мелодия льется свободно – то чуть быстрее, то – успокаиваясь. Звучание колокольчика, присутствующее во всей пьесе - образ зимнего пейзажа.

Музыка наполнена характерной для творчества Рахманинова лирикой. Безмятежность, атмосфера спокойствия и отрешенности в этом сочинении окрашены в печальные тона. Музыкальный образ прелюдии дополняется даже моментом звукоизобразительности .

Знакомство с текстом и разучивание мелодии. Исполнение Караоке.

Рефлексия. С каким музыкальным жанром мы познакомились на уроке?

· Чем отличаются прелюдии, которые мы слушали на уроке?

Д.З. знать понятия - Этюд, Транскрипция, Прелюдия. Малые формы музыки.

Я благодарю вас за сегодняшнюю очень интересную и кропотливую работу,

за то чудесное творческое общение, которое царило на нашем уроке,

ведь по словам известного музыковеда Бориса Асафьева:

“ Музыка – прежде всего искусство человеческого общения”.

Повторение пройденного методом устного опроса;

Рассказ учителя и подготовленной заранее информацией учащихся(музыковедов) с использованием средств визуальной и слуховой наглядности (рассматривание слайдов, слушание музыки, просмотр видеофрагментов);

Анализ музыкальных фрагментов, формулирование выводов в ходе беседы;

Элемент содержания: Углубление знаний о музыкальном жанре – прелюдия.
Особенности развития музыки в камерных жанрах - (эпохи романтизма) на примере творчества Ф.Шопена, К.Дебюсси, С.Рахманинова.

. Познакомить с особенностями жанра прелюдии, циклами прелюдий в творчестве композиторов, ознакомить с историей развития и характерными признаками жанра прелюдии, ознакомить учащихся с авторами прелюдий в зарубежной и отечественной музыке .

В истории развития музыкальной культуры сформировалось немало жанров инструментальной музыки. Этюды и прелюдии, сонаты и транскрипции создавали композиторы для одного из самых совершенных инструментов – фортепиано.

Прелюдия вначале была лишь небольшим вступлением к более важному, серьезному произведению. Однако, начиная с Фридерика Шопена, она стала трактоваться и как самостоятельный жанр. У многих композиторов есть отдельные фортепианные миниатюры с таким названием. Большой популярностью пользуются циклы прелюдий, созданные Ф. Шопеном, А. Скрябиным, Д. Кабалевским. У композиторов-импрессионистов прелюдии получают и образные поэтические названия.

Исключительно трудны для исполнения этюды Ференца Листа. Этот композитор сам был блестящим пианистом. Его этюды и транскрипции поражают обилием виртуозной техники, удивительными красочными приемами, которые раскрывают поистине безграничные возможности фортепиано.

Не менее совершенное сочетание исключительного технического мастерства и яркого художественного образа отличает прелюдии и этюды-картины русского пианиста-виртуоза, композитора С. В. Рахманинова.

1.Познакомиться с информацией по теме урока.

2.Посмотреть и послушать музыкальные фрагменты.

3.Выполнить творческое задание.

Хачатурян Арам Ильич. Родился в селе Коджори близ Тбилиси (6 июня 1903- 1 мая 1978гг.) Музыкальный путь композитора начался необычно. В детстве Хачатурян не учился музыке, только слушал народные песни и пел сам. Его отец, известный в Тбилиси мастер переплётного дела, был самодеятельным музыкантом. Он пел под аккомпанемент народных инструментов - саза, кеманчи или тара.

Настоящие занятия музыкой начались, когда Араму исполнилось 19 лет. Он приехал в Москву и поступил в техникум при Институте имени Гнесиных по классу виолончели. Талант юноши сразу же привлёк внимание выдающихся педагогов. В классе композитора Гнесина Хачатурян изучал музыкальных классиков и впервые попробовал сочинять музыку. Он блестяще оканчивает музыкальный техникум и поступает в Московскую консерваторию в класс к известному композитору Н.Мясковскому. В консерватории Хачатурян пишет свою первую симфонию, а также камерные и инструментальные произведения. Любопытно, что созданные им в то время марши были включены в обязательный репертуар военных оркестров.

Сегодня на уроке вы познакомитесь с концертом для фортепиано и скрипки А.И. Хачатуряна.

2. Послушай концерт.

3. Запиши характеристику музыки. (Назови солирующий инструмент, инструменты симфонического оркестра, настроение, динамику, какие приёмы использует композитор для развития произведения.)

Читайте также: