Музыка эпохи возрождения конспект
Обновлено: 06.07.2024
В музыкальной культуре Возрождения можно выделить несколько определяющих новаторских черт.
Французская разновидность полифонической песни носит название шансон . От мадригала ее отличает бóльшая близость к реальному, бытовому, то есть жанровость. Среди создателей шансон – Клеман Жаннекен , один из самых знаменитых французских композиторов эпохи Возрождения.
Во-вторых, высочайший расцвет хоровой полифонии, которая стала ведущим музыкальным стилем эпохи. Величавая и благозвучная, она как нельзя лучше соответствовала торжественности церковной службы. В то же время полифоническое многоголосие было господствующей формой высказывания не только в духовных жанрах, но и в светских.
Развитие хоровой полифонии было связано, прежде всего, с творчеством композиторов нидерландской (франко-фламандской) школы: Гийома Дюфаи, Йоханнеса Окегема, Якоба Обрехта, Жоскена Депре, Орландо Лассо.
Творчество композиторов-полифонистов сыграло ведущую роль в развитии главного жанра музыки эпохи Возрождения – мессы . Возникнув в эпоху Средневековья, жанр мессы в XIV – XVI веках стремительно преобразуется, продвигаясь от образцов, представленных отдельными, разрозненными частями, до сочинений стройной циклической формы.
В-третьих, возрастание роли инструментальной музыки (при явном преобладании вокальных жанров). Если европейское Средневековье почти не знало профессионального инструментализма, то в эпоху Возрождения создается множество произведений для лютни (самый распространенный музыкальный инструмент того времени), органа, виолы, виуэлы, верджинала, продольных флейт. Они еще следуют вокальным образцам, но интерес к инструментальной игре уже определился.
В-четвертых, в эпоху Возрождения происходило активное формирование национальных музыкальных школ (нидерландских полифонистов, английских верджиналистов, испанских виуэлистов и других), творчество которых опиралось на фольклор своей страны.
- Для учеников 1-11 классов и дошкольников
- Бесплатные сертификаты учителям и участникам
Музыка эпохи Возрождения
Ведущее положение по-прежнему занимала духовная музыка, звучащая во время церковного богослужения.
Мессы и пассионы оставались ведущими монументальными жанрами.
Постепенно в сочинения церковных композиторов начинают проникать светские веяния . В многоголосную ткань церковных песнопений смело вводят темы народных песен вовсе не религиозного содержания. Но теперь это не противоречило общему духу и настроениям эпохи. Напротив, в музыке удивительным образом соединялось божественное и человеческое.
2. Наивысшего расцвета духовная музыка достигла в XV в. в Нидерландах.
Ниже тенора звучал бас , а выше — альт . Самый верхний, то есть возвышающийся над всеми, голос получил название сопрано .
3. В эпоху Возрождения было положено начало профессиональному композиторскому творчеству
Музыка нидерландца Орландо Лассо (ок. 1532—1594), соединяет импровизационность и безупречную логику.
В излюбленный жанр мотета он внес множество новаторских приемов.
4. Джованни Пьерлуиджи Палестрина (1525-1594)
Его называют последним великим полифонистом. Работал в соборе св.Петра в Риме и был официальным папским композитором. Его искусство лишено чувственных страстей, полно гармонии и благолепия.
Является ярчайшим представителем классической музыкальной школы Италии.
Его наследие составляет множество произведений духовной и светской музыки: 93 мессы, 326 гимнов и мотетов.
Он является автором двух томов светских мадригалов на слова Петрарки.
5. В Германии были актуальны произведения духовной музыки на родном языке. Сам Мартин Лютер писал хоралы, предназначенные для исполнения всею религиозной общиной. Их простые мелодии обрели популярность в народе, и профессиональные композиторы в дальнейшем делали их многоголосные обработки. (И.С.Бах)
Также были популярны жанры полифонической миниатюры:
кондукт, мотет.
В них могли вводиться тексты на родном языке.
Хоровое пение было самым популярным видом музицирования.
6. Стали появляться светские хоровые жанры:
Баллат а (танцевальная песня),
Шансон (полифоническая песня )
и итальянский мадригал .
Содержание лирическое и шутливое.
7. Наиболее популярным жанром светской музыки стали мадригалы (итал. madrig а l е — песнь на родном языке) — многоголосные хоровые сочинения, написанные на текст лирического стихотворения любовного содержания.
Чаще всего для этой цели использовались стихотворения прославленных мастеров: Данте, Франческо Петрарки и Торквато Тассо. Мадригалы исполнялись не профессиональными певцами, а целым ансамблем любителей, где каждую партию вел один певец. Основное настроение мадригала — печаль, тоска и грусть, но встречались и радостные, оживленные сочинения.
Мадригал прожил с 1520-1620-е годы. Замысел мадригала был революционным для эпохи Возрождения, т.к. ставил задачу претворения в музыке поэтического текста. Поэтому мадригал можно условно назвать романсом 16 века.
8. Не менее популярным жанром светской музыки была песня в сопровождении музыкальных инструментов. В отличие от музыки, звучащей в церкви, песни были довольно простыми в исполнении. Их рифмованный текст отчетливо членился на 4—6-строчные строфы. В песнях, как и в мадригалах, большое значение приобретал текст. При исполнении поэтические строки не должны были затеряться в многоголосном пении.
9. Во второй половине 16 века начинается бурное развитие инструментализма . Разрастаются семейства струнных и духовых инструментов, расширяется их диапазон, распространяется светское и домашнее музицирование
Появляются новые инструментальные жанры:
прелюдия ( перед игрой) - вступительная пьеса
ричеркар (изысканная пьеса) - полифоническое письмо,
канцона (песня без слов) – предшественница фуги.
10 . Возникает потребность в публичном исполнении музыки.
Формируется концерт.
Впервые появляется в Лондоне - платный и в Венеции - субсидированный городским магистратом.
Завершается эпоха Возрождения возникновением новых музыкальных жанров: сольной песни, оратории и оперы.
Если раньше центром музыкальной культуры был храм, то с этого времени музыка зазвучала в оперном театре.
Развитию музыки способствовало изобретение нотопечатания
- Музыка Ренессанса развивалась не синхронно во многих странах Европы, появившись в Италии и Франции, потом в Германии и Испании.
- происходит уравнивание в значимости религиозной и светской музыки.
- формируется творческая элита.
Композиторы становятся профессионалами и поступают на придворную службу, ставят свои имена на произведения.
До середины 16 века господствовала полифония. Полифоническая техника достигла необыкновенной виртуозности.
Мессы и пассионы оставались ведущими монументальными жанрами. Французские и бургундские композиторы иногда вводили мелодии популярных светских песен в мессы.
В XIV веке в культуре Италии возник направление, что провозглашал наибольшей ценностью человека и его величие — гуманизм. Гуманистов вдохновляла античность, которую они считали образцом совершенства, источником знаний и художественного творчества. В течение XV–XVI веков гуманизм распространился и в других европейских странах. На его основе возникло искусство Возрождения, или Ренессанса, которое должно было возродить античную культуру. Вместе с тем искусство Ренессанса во многом влияли традиции Средних веков и христианская церковь.
Эпоха возрождения в Европе и ее влияние на музыку
С эпохой Возрождения связан расцвет литературы, науки и искусства, сначала в Италии, а затем в других европейских странах. Искусство опиралось на открытия в науках — анатомии, физике, математике.
Искусство Возрождения заложило основы европейской культуры Нового времени. Все основные виды искусства очень изменились, стали ближе и понятнее для человека. Появились новые жанры, более земной и доступной стала тематика произведений.
Музыкальное искусство также претерпело изменения. Влияние Возрождения было заметно прежде всего в народной музыке Италии. Возникли разнообразные песенные жанры: карнавальные песни, баркаролы (песни лодочников), крестьянские вилланели. В XIV веке в этих жанрах сочиняли песни на стихи Петрарки и других поэтов с аккомпанементом лютни и виолы профессиональные музыканты. Наиболее любимыми жанрами были баллата (танцевальная песня) и лирический мадригал — песня для трех голосов, которая выполнялась на родном („материнском”) языке.
В XV веке самыми популярными жанрами стали городская фроттола и сельская вилланела, связанные с народной музыкой.
В XVI веке наивысшего расцвета достиг мадригал. Прекрасные мадригалы писал князь Карло Джезуальдо ди Веноза на стихи своего друга, известного поэта Торкватто Тассо. Возник новый тип мадригала — драматический, или мадригальная комедия, которая исполнялась в ролях и подготовила появление оперы.
Наиболее распространенным инструментом итальянского Возрождения стала лютня. Для нее было написано множество произведений разными композиторами, самый известный из них — Франческо да Милано.
Много произведений было написано для органа. Сложились новые жанры — прелюдия, ричеркар, канцона, что подготовили развитие органной полифонии.
Церковная музыка эпохи Возрождения в Италии была в основном вокальной, а ведущим жанром — месса. Это многочастное хоровое произведение на обязательные тексты молитв на латинском языке. Основных частей было пять:
Kyrie eleison (Господи, помилуй),
Sanktus (Свят Господь Бог),
Agnus Dei (Агнец Божий).
В хоровом пении сложился так называемый „строгий стиль” — в музыке избегали хроматизмов, увеличенных и уменьшенных интервалов, ограничивалось употребление диссонансов. Музыка отличалась рассудительностью, невозмутимо ясной и строгой красотой.
В итальянской церковной музыке образовалось две школы: римская и венецианская.
Главой римской стал Джованни Пьерлуиджи да Палестрина. Его многочисленные (более пятисот) произведения поражали высоким мастерством. Музыка Палестрины, проникнутая глубокой человечностью, была образцом для многих композиторов XVII—XVIII веков в различных странах Европы.
Основателем венецианской школы стал Адриан Вилларт, который разрабатывали пышный хоровой стиль, с более сложным музыкальным языком и смелыми звукосочетаниями.
Итальянское Возрождение оставило и труды по теории музыки. Ученый монах Джозеффо Царлино написал книгу „Установления гармонии”, в которой попытался объяснить закономерности музыки своего времени.
С конца XVI века в Неаполе, а затем в Венеции появились консерватории — приюты для детей-сирот, отдельно для мальчиков и девочек, где их обучали профессиональному пению и игре на музыкальных инструментах. Позже эти приюты превратились в профессиональные музыкальные учебные заведения.
Музыка эпохи возрождения в Северной Европе
В странах Северной Европы — Нидерландах, Франции, Германии и других — в отличие от Италии, не было античных памятников. Ренессанс в этих странах — не возрождение древних идеалов, а искусство, зародившееся под влиянием Италии.
В Северной Европе новая культура сформировалась под влиянием готики, ее становление происходило в традициях христианства. Считалось, что образ Бога отражен в земном мире, который является продолжением мира небесного. В итальянском Возрождении человек рассматривалась как вершина развития мира, самое совершенное творение Бога. В Северном Возрождении человек тоже прекрасен и величественен, но не больше, чем любое другое проявление природы.
Музыка Нидерландов
Нидерланды эпохи Возрождения — это территория, на которой сейчас расположены Голландия, Бельгия и Люксембург. В средние века труженики Нидерландов превратили эту бедную землю в цветущий край, славившийся торговлей и ремеслами.
Новое искусство зародилось в Нидерландах в XIV веке. XV–XVI века в Нидерландах — эпоха расцвета хоровой полифонической музыки, вобравшая в себя традиции многих стран. Этому способствовали широкие торговые и культурные связи нидерландских городов, их богатая музыкальная жизнь, а также хорошо поставленное музыкальное образование в метризах — закрытых школах-приютах.
Среди мастеров хоровой полифонии Нидерландов наиболее известные :
Все они, опираясь в своем творчестве на народную мелодику Нидерландов, были в то же время хорошо знакомы с музыкой композиторов Италии, Франции, Германии и использовали их опыт в своем творчестве. Великие композиторы Нидерландов писали не только церковную, но и светскую музыку, их произведения любили и при дворах королей, и в народе.
Нидерландская полифоническая школа оказала большое влияние на развитие музыкальной культуры Европы, произведения этих композиторов широко использовали музыканты последующих эпох.
В конце XVI — начале XVII веков центром экономики и общественно-политической жизни стала Голландия. Наиболее яркий музыкант и композитор этого времени — органист Ян Питерс Свелинк.
Музыка Франции
Начало эпохи Возрождения во Франции совпало с тяжелым периодом ее истории — Столетней войной. Искусство французского Возрождения, опираясь на формы готического искусства, искало новые принципы. Во французской литературе это проявилось в творчестве сатирика Франсуа Рабле, поэта Франсуа Вийона, в изысканной поэзии Ронсара и философии Монтеня.
Как и в Италии, новые черты французской музыки проявились прежде всего в народной песне. Возникли новые жанры:
- ноэли (песни на религиозные тексты),
- ле (одноголосные песни с сопровождением),
- шансон (многоголосные песни).
Первым композитором французского Возрождения стал Гийом де Машо (XIV век), который написал много как церковной, так и светской музыки.
Вершиной в музыке французского ренессанса считается творчестве Клемана Жанекена (1485-1558 гг.), который, как предполагают, был учеником Жоскена Депре. Кроме церковных сочинений, Жанекен оставил около двухсот восьмидесяти песен-шансон, в музыке которых широко используются французские народные мелодии.
Кроме идей гуманизма в эпоху возрождения существовали и другие идейные влияния, в частности протестантизм, или Реформация, которая была направлена на борьбу с диктатурой католической церкви. Разновидностью протестантизма во Франции было движение гугенотов. С приходом во Францию протестантского движения и началом религиозных войн в конце XVI века в церковной музыке возникло новое направление — гугенотские псалмы, в которых композиторы отказывались от латыни и полифонии, предпочитая единогласном пения.
Музыка Германии
В XV–XVI веках Германия была страной, раздробленной на множество княжеств. Император избирался съездом князей и короновался Папой Римским. В Германии особенно сильна была зависимость от Рима и враждебность ее жителей в католичество, поэтому движение Реформации, возглавленное в начале XVI века Мартином Лютером, поддержала большая часть населения.
В начале эпохи Возрождения в Германии уже было хорошо развито песенное искусство. Народные песни собирали и записывали, а потом использовали в своем творчестве профессиональные музыканты. К этому источнику обратились и деятели Реформации, которые считали, что необходима реформа церковной музыки. По мнению Мартина Лютера, который неплохо знал музыку, для церковного пения необходимы были простая и ясная мелодия, равный несложный ритм, четкая форма. Тексты молитв исполнялись на немецком языке. Так возникли протестантские хоралы, мелодии к которым подбирали Мартин Лютер и его друг Иоганн Вальтер, приспосабливая народные напевы. Для некоторых хоралов Мартин Лютер писал музыку сам.
Хоралы исполнялись одним голосом или четырехголосными аккордами с мелодией в верхнем голосе. Создавались также сложные полифонические произведения на основе хоральных мелодий. Хорал оказал влияние и на инструментальную, особенно органную музыку. Возникли художественные обработки хоральных напевов для органа и других инструментов в виде вариаций и прелюдий.
Сохранились также образцы профессиональной светской музыки немецкого Возрождения. Это танцевальная музыка, многоголосные песни с аккомпанементом, произведения для лютни, которую очень любили также и в этой стране.
С эпохой Ренессанса связано и творчество мейстерзингеров — городских ремесленников, которые составляли песни. Самый известный из них, сапожник Ганс Сакс, написал около шести тысяч песен.
Это период в истории культуры Западной и Центральной Европы, который охватывает примерно XIV—XVI вв . Свое название этот период получил в связи с возрождением интереса к античному искусству, ставшему идеалом для деятелей культуры нового времени.
Большинство музыкальных историков полагает, что эволюция ренессансной музыки охватывает период в 200-ти лет. Традиционно её разделяют на:
Музыку раннего периода Ренессанса, с 1400-го по 1467-ой годы;
Музыку среднего периода Ренессанса, с 1467-го по 1534-ый годы;
Музыку Позднего (или Высокого) Ренессанса, с 1534-го по 1600-ый годы.
Такая периодизация в свою очередь связана с расцветом и доминированием разных композиторских школ в Западной Европе. Стилистические характеристики, определяющие музыку Ренессанса, – полифоническая текстура, подчиняющаяся законам контрапункта и регулируемая унаследованной от средневековья модальной системой григорианского хорала.
Основные жанры : месса и мотет (многоголосные полифонические произведения для хора без сопровождения или в сопровождении инструментального ансамбля).
Из инструментов предпочтение отдавалось органу .
Развитию светской музыки способствовал рост любительского музицирования. Музыка звучала всюду: на улицах, в домах горожан, во дворцах знатных вельмож. Появились первые концертирующие исполнители-виртуозы на лютне, клавесине, органе, виоле, различных видах продольных флейт.
Мадригал (итал. madrigаlе — песнь на родном языке) — многоголосные хоровые сочинения, написанные на текст лирического стихотворения любовного содержания;
Шансон (во Франции) — полифоническая песня;
Баллата — танцевальная песня.
Во второй половине XVI века начинается бурное развитие инструментализма . Разрастаются семейства струнных и духовых инструментов, расширяется их диапазон, распространяется светское и домашнее музицирование.
Появляются новые инструментальные жанры :
прелюдия (перед игрой) - вступительная пьеса,
ричеркар (изысканная пьеса) - полифоническое письмо,
канцона (песня без слов) – предшественница фуги.
Формируются национальные музыкальные школы
К XV в. в Нидерландах сложилась нидерландская полифоническая школа - одно из крупнейших явлений музыки Возрождения. Основы полифонической традиции в нидерландской музыке заложил Гийом Дюфаи (около 1400 - 1474). Дюфаи первым среди композиторов начал сочинять мессу как цельную музыкальную композицию. Кроме церковной музыки сочинял мотеты на светские тексты. В них он также применял сложную полифоническую технику. Другие представители: Жоскен Депре , Йоханнес (Жан) Окегем и Якоб Обрехт . Нидерландская полифоническая школа оказала большое влияние на развитие музыкальной культуры Европы. Выработанные нидерландскими композиторами принципы полифонии стали универсальными, и многие художественные приёмы использовали в своём творчестве композиторы уже XX столетия.
2. В начале XV столетия выдвигается английская школа полифонистов во главе с Джоном Данстейблом . В XVI столетии в стране распространяется протестантизм. Открываются музыкальные отделения в Оксфордском и Кембриджском университетах. Наиболее ярким представителем музыкальной культуры того времени был Уильям Бёрд (1543 или 1544 — 1623) — нотоиздатель, органист и композитор. Бёрд стал родоначальником английского мадригала. Бёрд создавал также духовные произведения (мессы, псалмы) и инструментальную музыку. В сочинениях для вёрджинела он использовал мотивы народных песен и танцев.
3. С наступлением эпохи Возрождения в Италии распространилось бытовое музицирование на различных инструментах; возникли кружки любителей музыки. В профессиональной области сформировались две наиболее сильные школы: римская и венецианская . В эпоху Возрождения возросла роль светских жанров. В XIV в. в итальянской музыке появился мадригал (matricale - "песня на родном языке"). Сложился он на основе народных (пастушеских) песен. Мадригалы представляли собой песни для двух-трёх голосов, часто без инструментального сопровождения. Писались они на стихи современных итальянских поэтов, в которых рассказывалось о любви; существовали песни на бытовые и мифологические сюжеты.
Главой римской школы стал Джованни Пьерлуиджи да Палестрина - один из крупнейших композиторов эпохи Возрождения. Творчество Палестрины проникнуто светлым мироощущением
Другое направление ренессансной музыки связано с творчеством композиторов венецианской школы, основоположником которой стал Адриан Вилларт . Если для произведений Палестрины характерны ясность и строгая сдержанность, то Вилларт и его последователи разрабатывали пышный хоровой стиль.
Завершается эпоха Возрождения возникновением новых музыкальных жанров: сольной песни, оратории и оперы.
В итальянском городе Флоренция в конце XVI в. стали собираться талантливые поэты, актеры, ученые и музыканты.
Члены камераты (так называлось это общество), возобновляя постановки произведений древнегреческих драматургов, стали сочинять собственную музыку, соответствующую, по их представлениям, характеру античной драмы.
Они тщательно продумывали музыкальное сопровождение монологов и диалогов мифологических персонажей.
На основе таких вокальных партий возникли арии — законченные эпизоды в музыкальном спектакле, в том числе и в опере.
Если раньше центром музыкальной культуры был храм, то с этого времени музыка зазвучала в оперном театре .
Музыка Ренессанса развивалась не синхронно во многих странах Европы, появившись в Италии и Франции, потом в Германии и Испании.
Происходило уравнивание в значимости религиозной и светской музыки.
Формировалась творческая элита. Композиторы становились профессионалами и поступали на придворную службу, ставили свои имена на произведения.
До середины 16 века господствовала полифония. Полифоническая техника достигла необыкновенной виртуозности.
Для нас еще не совсем ясны взаимные связи между французским и итальянским новым искусством. В музыкальной науке еще довольно крепка точка зрения, видящая в итальянском искусстве XIV столетия лишь продолжение французского светского искусства трубадуров. Но нет сомнения в том, что если в предыдущее столетие ведущим музыкальным центром был Париж и французские влияния ярко окрашивали итальянскую музыку раннего «Возрождения, то теперь такое значение получает Флоренция (Северная Италия).
Здесь, в Италии XIV столетия, в период расцвета городских коммун быстро вырабатываются новые композиционные принципы, в корне противоположные тем, которых придерживалось церковное музыкальное творчество.
Характерными чертами музыки этого периода эпохи Возрождения является: во-первых, рост художественной песни с инструментальным сопровождением, во-вторых, реализм художественного выражения, рост музыкального тематизма, в-третьих, дифференциация исполнения.
№ 14. „Шансон“ Денстепля
Простая, грациозная песнь Депре — продукт новой культуры композитора, умеющего выражать иронию в непринужденно свободном стиле.
№ 16. Песня Ж. Депре.
№ 17. Ave Maria Депре.
В музыкальной историографии часто встречается утверждение, что XVI век еще в большей мере, чем предыдущие столетия, был временем переходным. С одной стороны, в истории контрапунктической музыки, как мы видели, идет завершение конструктивной многоголосной музыки, стиля полифонии, основанного на равноценности голосов, что, вообще говоря, соответствовало церковно-общинному мировоззрению средневековья, а с другой — подготовлялся поворот к более ясным и простым звуковым формам. Нельзя отрицать, что церковная полифония накопила колоссальный технический опыт, но растущее буржуазное самосознание требовало иного: определенности тематического эмоционального содержания композиции, отвечающего всему индивидуалистическому строю буржуазного мировоззрения. Начинается борьба за преодоление музыкального техницизма ради одного техницизма.
Вичентино имел весьма ожесточенных противников, но столь же преданных последователей, особенно в Риме, где также действовал нидерландский выходец Яков Аркадельт (1514 — год смерти неизвестен), мадригалы которого достигли такой популярности, что собрание их выдержало 30 изданий, и Лука Маренцио (1553—1599), достигший уже очень большой свобода в пользовании утонченными гармоническими средствами и хроматизмами. Один из самых острых гармонизаторов был мадригалист неаполитанец Карло Джезуальдо (1560—1614), заинтересовавший музыкальную науку как смелый экспериментатор в области гармонии. Джезуальдо — характерный представитель любительства, ищущего звуковой утонченности ради ее самой, не чуждый эстетско-упадочных настроений.
№ 18.. Отрывок мадригала Вичентино.
Быстрому всесветному распространению новой светской музыки содействовало происшедшее на рубеже XVI столетия изобретение нотопечатания. Первопечатником подвижными типами мензуральной музыки был венецианец Оттовиано Петруччи (1466—1539). Особую славу приобрели в дальнейшем печатные ноты Пьера Атеньяна в Париже, Тильмана Сусато, Петра Фалезе в Нидерландах, и Иеронима Дндреа в Нюренберге. Нотная печать XVI века отличалась красотой и отчетливостью.
Во французских и нидерландских изданиях мы находим и произведения для инструментов. Мы уже указывали на то, что средневековье, наряду с вокальной музыкой, народной и культовой, хранило любовь и к чисто инструментальной, и надо полагать, что последняя исполнялась по всевозможным поводам как частной, так и общественной жизни. Об этом свидетельствуют многочисленные литературные источники, а также изображения музыкальных сцен в живописи того времени. Наука давно признала важность таких документов; но до сих пор, к сожалению, не произведена систематизация данных, полученных этим путем. Одно можно считать твердо установленным, что музыка этой эпохи вся насквозь проникнута была стремлением к инструментальной пышности и характерному колориту отдельных, любимых эпохой инструментов.
О том, как была распространена инструментальная музыка в XV и XVI столетиях, свидетельствуют многочисленные бытовые музыкальные подробности на картинах этой эпохи. Одно творчество немецкого художника конца XV и начала XVI века, Альбрехта Дюрера, например, дает такую массу персонажей, играющих на различных инструментах, что на основании его гравюр и рисунков можно было бы составить целый музыкально-исторический атлас. Мы видим у него и городских музыкантов, играющих небольшими организованными оркестрами, типы бродячих музыкантов-импровизаторов и, наконец, жанры, изображающие музицирование в семейном кругу. Не менее часты изображения музыкальных сцен у итальянских живописцев Ренессанса. Стоит только вспомнить пышный апофеоз музыки у П. Веронезе (XVI век), чтобы понять, какую яркую роль она играла в итальянской общественной жизни.
Рис. 9. Виола-да-гамба XVII века.
Рис. 10. Серпент XVI в.
Рис. 11. Итальянская лютня. Рис. 12. Итальянская теорба (басовая лютня).
Местом создания своеобразной литературы для этого инструмента бьла Англия эпохи Шекспира, когда страна находилась в расцвете своего музыкального искусства. Блестящие страницы английской верджинельной музыки относятся ко второй половине XVI и первой четверти XVII века. Композиции этого времени носят черты чисто клавирного стиля, основанного на широком использовании вариационного искусства. Англичане охотно прибегают ко всякого рода программным заглавиям. Крупнейшими представителями верджинельной музыки являются Вильям Берд (1543—1623), Орландо Гиббонс (1583—1625) и Джон Булль (1563—1628), особенно последний, блестящий виртуоз, Лист своего времени, обогативший технику игры новыми приемами, например терцевыми пассажами, быстрыми повторениями одних и тех же тонов, большими скачками и т. д. Искусство английских верджиналистов нашло свое отражение и на материале, раньше всего в Нидерландах, где этот стиль воспринял и блестяще развил гений вариационного искусства Иоанн Питерс Свеелинк (1562—1621). Интересно отметить, что в конце XVI столетия верджинель с соответствующими музыкантами завезен был в Московию английским послом.
Старейший из музыкальных инструментов, орган, также занимает видное место в истории музыки XV и XVI столетий. Орган вовсе не был исключительно церковным инструментам и в своем многовековом развитии создал богатую художественную литературу, которую никак нельзя связывать с узким культовым кругом.
Рис. 16. Домашний орган XVI века.
Из числа учеников Паумана наиболее крупным был Павел Гофгеймер (1459—1537), открывающий собою уже новую школу органистов. В конце XVI столетия совершается раздел между клавирной и органной литературой, причем первая все больше впитывает в себя элементы аккордового лютневого стиля и художественные формы танцевальной музыки, исполнявшейся на этом инструменте.
№ 19. Композиция Палестрины.
Центральной фигурой итальянской культовой музыки в главной твердыне папского владычества, Риме, наиболее прославленным всеми историками старой школы итальянским мастером XVI столетия был Джованни Пьер Луиджи Санте, называемый обыкновенно по месту своего рождения (городок в Италии) Палестрина. Палестрина родился в 1526 г., вблизи Рима, был воспитан в качестве музыканта, с 1544 г. служил в соборе своего родного города, а с 1551 г.—при папе Юлиане — капельмейстером в соборе св. Петpa. Он умер в 1594 г. За исключением небольшого числа мадригалов Палестрина сочинял исключительно культовую музыку. До нас дошло около ста его месс, 300 мотетов и множество другой религиозной музыки, входящей в состав 33 томов нового полного издания его произведений.
Джованни Палестрина — завершитель того течения католической культовой музыки, основным стремлением которого были простота и ясность. Воспитанный фламандцами он был учеником бельгийца Фермен Лe-Беля), Палестрина в своих культовых композициях, образцовых для католического пения XVI века, исходил главным образом из достижений венецианской школы в смысле ясности декламации текста, пользования несколькими хорами и вытекающей отсюда склонности к аккордовому письму. Многоголосный стиль Палестрины отличается торжественностью. Его полифоническое письмо, основанное на искусном использовании старой faux bourdon’ой техники, очень благозвучно Мелодия Палестрины проста, лишена украшений и во многих своих сочинениях он не чуждается гомофонного стиля, т. е. сопровождения мелодии гармоническими голосами. Палестрина крайне скуп на применение хроматизмов. Благодаря простоте его музыкального письма, обусловленного, как мы уже говорили выше, требованиями католической церкви, слова текста в композициях Палестрины выделяются очень четко. Это обстоятельство создало предание, что только благодаря ему многоголосие было сохранено в католическом культе. Исторически верно только то, что Палестрина действительно укрепил положение многоголосной музыки в католическом культе. Он был родоначальником школы, главным признаком которой следует считать полную чистоту хорового стиля без примеси инструментальных фигур или отсутствие основных напевов, заимствованных из светских песен. Эта школа дала несколько замечательных композиторов, испанцев и итальянцев. Из числа первых внимания достоин Томазо Людвико да-Виттория (1540—1613) и преемник Палестрины итальянец Джованни Марна Нанино (1545—1607), основатель римской школы культовых композиторов, влияние которой распространилось на несколько столетий.
В приводимом мотете Орландо Лассо мастерство композитора — на большой высоте; здесь он достигает, при общем благозвучии, крайней меткости и выразительности фактуры. Мотеты Лассо еще и сейчас используются для обучения массовых хоров как превосходный педагогический материал.
В некоторых его композициях встречаются указания на то, что голоса могут быть исполнены на инструментах, как например в его французских и немецких песнях. Сохранился интересный рисунок, изображающий Орландо ди-Лассо в кругу его музыкантов, — одно из самых ранних изображений по истории оркестрового инструментального ансамбля.
№ 20. Мотет Орландо Лассо.
Показателем растущей музыкальной сознательности является также большой рост музыкально-теоретических работ в рассматриваемый нами период. Высоко развитые и технически выработанные рядом поколений звуковые формы требовали теоретического обоснования. Нидерландцы и итальянцы, проложившие столь разнообразные новые пути для художественной музыки и подготовившие важнейшие переломы в музыкальном искусстве, выдвинули также ряд ученых исследователей. Крупнейшими теоретиками XV и XVI века были поставлены и разрешены проблемы мензуральной теории; был произведен полный пересмотр- математической акустики и, наконец, заложены основы учения о гармонии. Начиная с XV века, в Болонском университете существовала постоянная кафедра музыкальной науки, которую занимал ряд нидерландских учителей.
Читайте также: