Пантомима и актерское мастерство в хореографии доклад

Обновлено: 17.05.2024

Функция "чтения" служит для ознакомления с работой. Разметка, таблицы и картинки документа могут отображаться неверно или не в полном объёме!

МИНИСТЕРСТВО ОБРАЗОВАНИЯ И НАУКИ РОССИЙСКОЙ ФЕДЕРАЦИИ

Федеральное государственное бюджетное образовательное учреждение высшего профессионального образования

Факультет народного художественного творчества

Кафедра хореографии Выпускная квалификационная работа по специальности:

Народное художественное творчество

ТЕХНИКА АКТЕРСКГО МАСТЕРСТВА В ТАНЦЕ И ТАНЦЕВАЛЬНЫХ НАПРАВЛЕНИЯХ Челябинск 2015 СОДЕРЖАНИЕ ВВЕДЕНИЕ

ГЛАВА 1. ПОНЯТИЕ И СПЕЦИФИКА АКТЕРСКОГО МАСТЕРСТВА

.1 Из истории возникновения актерского мастерства

.2 Основы актерского мастерства

.3 Значение и специфика актерского тренинга

ГЛАВА 2. АКТЕРСКОЕ МАСТЕРСТВО В ОБЛАСТИ ХОРЕОГРАФИЧЕСКОГО ИСКУССТВА

.1 Содержание и формы актерского мастерства в хореографии

.2 Актерское мастерство и система К. С. Станиславского, ее применение в сфере хореографии

ГЛАВА 3. ПРАКТИЧЕСКИЕ АСПЕКТЫ ОБУЧЕНИЯ АКТЕРСКОМУ МАСТЕРСТВУ В ТАНЦЕ

.2 Методические рекомендации в области проведения занятий по актерскому мастерству для танцоров

ПРИЛОЖЕНИЕ ВВЕДЕНИЕ В наше время людям в социуме проблематично ощущать себя раскрепощёнными, владеть своими эмоциями, общаться без проблем, иметь уверенность в себе. Большинство ощущают страх, агрессию, неуверенность, не могут выразить свои чувства и мысли. Эмоциональная подавленность приводит к внутренним зажимам, которые проявляются не только в мимике, речи, но и в движениях. Решить эти проблемы помогают упражнения по актёрскому мастерству.

Актерское мастерство - это умение, играя какую-то роль, быть самим собой. Парадоксально? Да. Но человек обязан перевоплотиться и начать мыслить так же, как мыслит его герой, так, же говорить и так, же двигаться. В танцах, как в спектакле или кино, необходимо чувствовать образ. Следя за координацией и пластичностью, нужно превращаться в людей, которые отличаются друг от друга своим характером и темпераментом. Поэтому владеть техникой актерского мастерства обязан любой танцор. Часто бывает так, что танец выглядит просто шикарно, но такое ощущение, что чего-то не хватает. И, глядя на танцоров, почему-то чувствуешь некоторое разочарование.

Случается и обратное - хореографическая постановка не впечатляет, но артист настолько мастерски передает характер своего героя, что аудитория с восторгом и трепетом продолжает следить за игрой танцора. И секрет успеха такого выступления - актерское мастерство.

Актуальность выпускной квалификационной работы заключена в том, что в большинстве профессиональных танцевальных коллективах, где требуются танцоры, основным из требований является актерское мастерство. Этот предмет в Школах искусств, танцевальных школах и студиях обязателен.

Главная идея методики обучения для младшего дошкольного возраста - это научить детей творчески осмысливать образное содержание, воплощаемое ими в танце. Это достигается через освоение дошкольниками языка выразительных движений (пантомимических и танцевальных), который используется в танце для образного воплощения. Ребенку

Для учеников 1-11 классов и дошкольников
Бесплатные сертификаты учителям и участникам

МУНИЦИПАЛЬНОЕ АВТОНОМНОЕ ОБРАЗОВАТЕЛЬНОЕ УЧРЕЖДЕНИЕ

"ДЕТСКАЯ ШКОЛА ИСКУССТВ ЦЕЛИНСКОГО РАЙОНА"

ДОКЛАД НА ТЕМУ:

"Пантомима и актёрское мастерство в хореографии".

Подготовила :

преподаватель I квалификационной категории

в области хореографического искусства,

руководитель хореографического ансамбля "НОВОЕ ПОКОЛЕНИЕ"

Бондарева Наталья Сергеевна

1. Понятие и специфика актёрского мастерства.

2. Содержание и формы актерского мастерства в хореографии .

3. Актерское мастерство и система К. С. Станиславского, ее применение в сфере хореографии актерский мастерство хореография танцор.

5. Список используемой литературы.

1. Понятие и специфика актёрского мастерства.

В наше время людям в социуме проблематично ощущать себя раскрепощёнными, владеть своими эмоциями, общаться без проблем, иметь уверенность в себе. Большинство ощущают страх, агрессию, неуверенность, не могут выразить свои чувства и мысли. Эмоциональная подавленность приводит к внутренним зажимам, которые проявляются не только в мимике, речи, но и в движениях. Решить эти проблемы помогают упражнения по актёрскому мастерству.

2. Театры Древней Греции.

3. Скомороший театр на Руси.

Основы актерского мастерства К сожалению, в большинстве случаев, зрителю, наблюдающему за актером, всегда его работа, кажется, простой, а то, что за его плечами кропотливый и тяжелый труд - специальной выдуманной ложью, призванной оправдать высокие гонорары высокооплачиваемых и знаменитых актеров. И лишь немногие понимают, что у каждого актера свои секреты актерского мастерства, приведшие его к олимпу. Вот лишь 5 секретов актерского мастерства:

Поставленный голос и четкая дикция - Эти составляющие входят в секреты актерского мастерства. Причем поставить голос, научиться громко и долго говорить не так просто. Это требует и регулярных тренировок и уроков профессиональных педагогов по актерскому мастерству и даже занятий вокалом. Даже кричать на сцене нужно по своим правилам, чтобы не сорвать голос. Полезны и различные упражнения для постановки и развития правильного дыхания.

Умение импровизировать и развитая фантазия - Помогают с блеском выйти из любой ситуации. На сцене может произойти всякое: вылететь из головы реплика, упасть штаны или сломаться декорация. Чувство юмора или умение подстроиться под любую ситуацию не по сценарию тоже 1 из секретов актерского мастерства. Не бояться аудитории Не бояться аудитории, смело выходить к своему зрителю, не включать ступор перед камерой - этому всему актеры учатся годами, сыграв не мало ролей, прочитав не одну книгу.

2. Содержание и формы актерского мастерства в хореографии .

Учет возраста, психофизических возможностей учеников, а также задач учебной программы. К структурным принципам учебного примера можно отнести первые четыре методических принципа и дополнить такими, как связность элементов комбинации (положение тела в конце каждого движения должно служить как бы исходным для выполнения последующего) и, наконец, слитность, компактность, лаконичность. Сегодняшний уровень педагогической науки позволяет достаточно точно обозначить принципы моделирования учебного задания, которые определяют: пластическую, метроритмическую и пространственную структуру учебного задания (примера), его методическую направленность, эстетическую форму, контекстное, по отношению к уроку в целом, содержание (тема урока). Но речь здесь идет не об изменении этих общеизвестных принципов, а лишь о совершенствовании, что позволит раскрыть потенциальные возможности процесса обучения и конкретизирует цели, задачи, способы и приемы воспитания необходимых качеств будущего танцовщика.

1) наличие смысловой логики движений, заданной педагогом: задание должно быть наполнено выразительным смыслом, символичным, абстрактным, даже элементарным, но содержанием, воспринимаемым и воспроизводимым учениками;

Статья посвящена Году Театра. Рассказывает о значении пантомимы в становлении драматической хореографии.

Пантомима как основа действенного танца

Пантомимные представления зародились еще в античности и имели большой успех. В XVIII веке Жан Жорж Новер сделал пантомиму главным элементом балета, который использовался в синтезе с танцем либо сюжетной сценой. Кроме того, пантомиму стали активно использовать в народных спектаклях, например итальянских комедиях дель арте, средневековых мистериях, арлекинадах и ярмарочных представлениях.

В дальнейшем элементы арлекинады применяли в немом и звуковом кино, а также в цирке. Русские танцовщики с готовностью восприняли теоретические взгляды великого реформатора балета Жана-Жоржа Новерра и развили их практически. Всей своей деятельностью Новерр утверждал первенство пантомимы в балетном спектакле.

XX век стал расцветом пантомимы. Композиторы создавали пантомимы как отдельные произведения либо части большого музыкально-сценического сочинения. Танец, в котором использовался язык жестов и мимики, стал неким подобием соотношения речитатива и арии в оперном искусстве. Танец несет в себе выразительное начало, а пантомима отвечает за проявление изобразительной сущности. С помощью движений выражается обобщенное отношение, а с мощью жестов и мимики – конкретное.

Танец основывается на повторении пластических элементов под определенный ритм. А пантомима, как в ритмическом, так и в пластическом плане, достаточно разнородна по своему составу. Движения, применяемые в танце, носят непрерывный и слитный характер, а в пантомиме – разрозненные и раздельные. Пантомима имеет родственные связи с драматическим театром с одной стороны, и с танцем с другой стороны.

В XVIII-XIX веках язык мимики и жестов применяли для выражения действия, а с помощью танца передавалось состояние. Пантомимы обособили от танцевальных элементов, так как в них часто использовали условные жесты. Как Новер, так и его последователь в этом направлении Фокин хотели уничтожить невидимую границу между пантомимой и танцем.

В современном балете пантомима приобрела огромное драматургическое значение. Но, несмотря на это, она не стала главным средством выражения в нем. По-прежнему лидирующие позиции здесь занимает танец. Язык жестов и мимики здесь выполняет дополнительную и конкретизирующую роль. На протяжении XIX века пантомимные традиции в балете то угасали, то возрождались вновь. Интерес к пантомиме возник в начале нового ХХ века и связан с импрессионистскими балетами М. Фокина и А. Горского. К тому же времени относится и рождение в России драматической пантомимы как самостоятельного вида театрального искусства, отличного от балета.

Явлением, вызвавшим повышенный интерес к пантомиме, к пластической выразительности актера, к культуре движения, явился танец Айседоры Дункан.

Современная Пантомима - это форма сценического зрелища, где при помощи телодвижений, жестов и мимики, тело положения актера раскрывается характер действующего лица, содержание и идея немой драмы. Немота пантомимы роднит ее с танцевальным искусством. Тесная связь пантомимы с танцем проявляется еще в том, что танец учит пантомиму точности формы, тогда как пантомима учит танец драматической выразительности. Актер пантомимы может не танцевать, но обязательно должен обладать способностью к перевоплощения, к обрисовке характера. К созданию образа не только мимическими средствами, но и пластическими.

Специфическим признаком пантомимы является драматическое начало, положенное в основу действия, где основным является экспрессия движений и тело положений, выражающих действия, характеры, чувства, намерения и взаимоотношения изображаемых лиц. Пантомима может быть как большим спектаклем, так и небольшой страдной миниатюрой – немой новеллой, рассказом, поэмой, сказкой, фарсом, басней, карикатурой.

Жест в самом широком толковании – движение руки, ноги, туловища, улыбка, жест лица – является выразительным средством пантомимы. В основе каждого пантомимического выражения лежат обычное естественное движение.

Характер движения, жеста, действия меняется, в зависимости от причин, его вызывающих, от характера, возраста, эмоционального состояния действующего лица. Эти факторы влияют на движение, темп и ритм, что придает каждому пластическому выражению свою индивидуальную окраску, свой смысл. Пластическая характеристика действующего лица слагается из последовательных действий и жестов, имеющих свою логику. Логика жизненного поведения диктует актеру логику поведения сценического, жизненный жест лежит в основе сценического жеста, который должен быть легко расшифрован и понят. Лишь осмысленный жест уместен в реалистической пантомиме.

Искусство пантомимы тесно связано с танцем, цирком, драмой, кино, поэтому затруднительно рассматривать ее изолированно от этих искусств. В зависимости от того, с каким искусством пантомима ближе всего сочетается, мы различаем три вида пантомимы:

Пантомима танцевальная, ее характерный признак – условный, ритмически и пространственно организованный жест, мимика, движение.

Пантомима акробатическая, жест доведен до максимальной условности, легко переходящий в акробатику.

Пантомима драматическая, или естественная, которая уподобляется естественному жизненному поведению человека.

Нередко эти три вида пантомимы встречаются в смешанном виде. В классическом балете, например, мы видим наряду с танцевальной пантомимой и акробатическими элементами явно выраженную тенденцию к естественному жизненному жесту.

Язык жестов и движений понятен всем. Этим объясняется незаменимые качества пантомимы - ее демократичность и интернациональность, ее доступность и понятность для всех стран и народов мира. Кроме того пантомима призвана развивать воображение и выразительность исполнителей хореографии. Эти качества помогают танцовщику ярко демонстрировать свои действия и намерения, а значит, помогают раскрывать замысел автора. Сейчас я предлагаю поиграть в игру, которая покажет, насколько развито ваше воображение.

В наше время людям в социуме крайне трудно ощущать себя раскрепощёнными, осуществлять контроль собственных эмоций, общаться без риска недопонимания, быть уверенными в себе. Большинство ощущают страх, агрессию, неуверенность, не могут выразить свои чувства и мысли. Эмоциональная подавленность приводит к внутренним зажимам, которые проявляются не только в мимике, речи, но и в движениях. Решить эти проблемы помогают упражнения и практики по актёрскому мастерству.

Начинать работать над умением танцора быть хорошим актером необходимо наравне с обучением его основам пластики, поскольку актерское мастерство - такая же трудная, но вместе с тем и такая же нужная дисциплина, как сценическое движение или ритмика. Именно потому особое внимание необходимо уделять подготовке еще совсем юных воспитанников театральных школ и кружков.

Актуальность выбранной темы заключается в том, что в большинстве профессиональных танцевальных коллективов, где требуются танцоры, основным из требований является владение актерским мастерством. Этот предмет широко преподается и вводится в первооснову образовательной программы в школах искусств, танцевальных школах и разного рода хореографических студиях.

Период развития и взросления каждого отдельно взятого ребенка крайне сложный не только для родителей и педагогов, но и для самого ребенка. Чтобы разрушить барьеры скованности, ему нужно время и специальные упражнения по пластике тела. Здесь очень важно, чтобы преподаватель танца был информационно подкован и умел грамотно выстроить динамику преодоления и раскрепощения для каждого своего ученика вне зависимости от его возраста и пола, сам в совершенстве владел искусством раскрытия образа и всегда имел в своем арсенале базовые навыки обучения актерскому мастерству.

1. Понятие и сущность актерского мастерства

Художник может сделать достоянием миллионов людей свои взгляды на мир, свои убеждения только в том случае, если он представляет собой яркую и самобытную творческую индивидуальность, богато одарённую личность, в совершенстве овладевшую основами профессионального мастерства. Только органичное сочетание развитого таланта и мастерского владения выразительными средствами, языком того или иного искусства даёт художнику возможность донести до людей свои мысли, чувства и переживания.

Искусство экрана синтезирует в себе практически все виды художественного творчества и в то же время опирается на сложную кинематографическую и телевизионную технику, без которой производство фильмов невозможно. Поэтому экранное творчество предъявляет к художнику очень серьёзное требование: стать не только всесторонне развитой в эстетическом отношении личностью, но и специалистом в области производства фильмов.

О возрождении естественности поведения и чувства в игре актёра говорил Станиславский. Он приводил примеры естественности игровой деятельности детей как образцы для достижения абсолютной раскованности поведения актёра на сцене. Подобные аналогии между игровым поведением в жизни и на сцене имеют серьёзную научную основу.

В игре происходит выделение из практической деятельности её социальной сути, раскрывающей нормы отношений между людьми.

Особый интерес у Станиславского вызывала теория высшей нервной деятельности и метод условных рефлексов И.П. Павлова.

И. Мозжухин, размышляя об особенностях игры актёра в немом кино, выделял как одно из неоспоримых его достоинств возможность показа на экране богатой гаммы человеческих переживаний, передаваемых исключительно с помощью мимики, выражения глаз, жестов.

По мнению М. Ромма, одной из важнейших особенностей актёрской игры является умение достигать такой степени достоверности, что у зрителей возникает ощущение, будто актёры на экране ведут себя просто и естественно, как ведут себя люди, не знающие, что их снимают.

Школа актёрской игры советского периода оказала влияние на исполнительское творчество в зарубежном искусстве.

Представители зарубежного киноискусства неоднократно отмечали плодотворное воздействие на них советского кино с его ярко выраженным созданием на экране подлинной жизни и подлинно народных характеров.

Новые возможности для дальнейшего развития исполнительского творчества принесло телевидение, которое создало самые благоприятные условия для резкого расширения сферы творческой деятельности актёров.

Прочное место заняли актёры в литературном театре, в литературных передачах самых разных жанров. В связи с этим возникла проблема выявления особенностей актёрского творчества на телевидении. Трудности решения этой проблемы были обусловлены многообразием актёрских амплуа на телевидении. Для участия в телевизионных фильмах, спектаклях, передачах приглашались актёры кино и театра, каждый из которых опирался на накопленный им профессиональный опыт и стремился приспособить его к специфике телевизионного вещания. Главной школой для актёра становились выступления профессиональных дикторов, комментаторов, ведущих и всех тех, кто участвовал в передачах или документальных фильмах.

Из проведенного выше исследования можно сделать следующее заключение.

Хореограф, автор современных пластических произведений, кроме профессиональных знаний и навыков в области хореографической композиции и исполнительства обязан обладать возможностями и познаниями драматурга и режиссера.

Помимо этого, хореограф обязан быть мыслителем, психологом и преподавателем: создавая драматургию спектакля, воплощая ее средствами хореографической композиции, пластическими видами, он в основе своей работает с артистами танцевального коллектива как режиссер, являясь создателем хореографической драматургии всего танцевального номера.

Понятие о законах драматургии и их значение в разработке художественного произведения, в частности, танцевальной постановке, неоспоримо значимо. Важно помнить, что композиция в танце и ее главные части существуют по законам драматургии. Первоначально создается композиционное построение, при помощи которого раскрывается идейно - художественный план, который несет в себе задачу раскрыть основу танца: его тему, идеи, сюжет, образы, персонажей, конфликт, действия и предлагаемые события. Все данные элементы совокупно должны быть ярко выражены в танцевальном номере и обязаны развиваться на базе логического, поочередного построения номера.

Основными его частями являются:

1. Пролог или экспозиция.

2. Завязка действа

3. Развитие действа.

5. Эпилог или развязка.

В танце, как и в театральной постановке, непременно должно соблюдаться данное композиционное построение для создания и поддержания непрерывного диалога со зрителем, для создания целостности повествования.

Танец - вид искусства, который отражает жизнь в образно-художественной форме. Надо сказать, что специфичность в том, что мысли, чувства, поведение в танцевальном номере передаются через движения и мимику средствами пластического искусства. И действительно, образ танцора - это определенный нрав человека, проявляющийся в его отношении к окружающей реальности путем действенной динамики и раскрытия созданного образа через выразительные средства музыки.

Процесс сотворения сценического вида сложен, длителен и зависит от опыта и познаний хореографа-педагога. И действительно, огромное значение имеет его мировоззрение, представление и познание истории, государственной культуры и нынешней жизни. Именно от этого зависит особенность репертуара того или иного коллектива. Очень важно, чтобы хореограф был опытным психологом, умел найти тонкий подход к каждому танцору и смог раскрыть его потенциал через движение и через мастерство актера.

Самые важные актерские данные для танцора: чувство правды, убедительная и искренняя игра, притягательность, заразительность. Танцор сможет раскрыться на сцене в полной мере лишь при условии наружной и внутренней свободы, чего ему помогает достигнуть именно актерское мастерство.

Работа через упражнения и этюды, которые построены на элементах техники актерского мастерства - фундамент для методологических рекомендаций каждому хореографу-педагогу, к которому он должен стремиться при работе с танцевальным коллективом.

2. Актерский тренинг: Мастерсво актера в терминах Станиславского. - Москва: АСТ, 2010.

3. Андрачников, С.Г. Пластические тренинги. ВЭЦ ШТ М., 2000. - 60 с.

4. Борзов, А.А. Танцы народов мира. - М., 2006.

6. Буров, А.Г. Труд актера и педагога. - М., 2007

7. Гиппиус, С. В. Актерский тренинг. Гимнастика чувств / С.В. Гиппиус. - Москва: АСТ, 2010.

9. Грёнлюнд, Э., Оганесян Н.Ю. Танцевальная терапия. Теория, методика, практика. - СПб.: речь, 2011. - 288 с., илл.

10. Громов, Ю.И. Танец и его роль в воспитании пластической культуры актера. 2-е изд., испр. Балет и хореографическое искусство Санкт-Петербург Планета Музыки 2011 256с

12. Давыдов, В. Проблемы развивающего обучения. - М., 2004.

13. Добровольская, Г. Н. Танец. Пантомима. Балет. - Л.: Искусство, 1975

14. Захава, Б.Е. Мастерство актера и режиссера [Текст]: учеб. пособие / Б.Е. Захава. - 5-е изд. - Москва: РАТИ-ГИТИС, 2008.

15. Зверева, Н.А. Создание актерского образа: словарь театральных терминов / Н.А. Зверева, Д.Г. Ливнев. - Москва РАТИ- ГИТИС, 2008.

16. Кипнис, М. Ш. Актерский тренинг : более 100 игр, упражнений и этюдов, которые помогут вам стать первоклассным актером / М. Ш. Кипнис. - М. : Изд-во АСТ ; Санкт-Петербург : Прайм-Еврознак, 2008. - 247, [2] с. - (Золотой фонд актерского мастерства).

17. Кнебель, М.О. Поэзия педагогики. О действенном анализе пьесы и роли. - М.: ГИТИС, 2005.

18. Константиновский, В. Учить прекрасному. - М.: Молодая гвардия, 1973.

19. Красовская, В.М. Русский балетный театр второй половины XIX века: Учебное пособие. 2-е изд. Балет и хореографическое искусство Санкт- Петербург Планета Музыки 2008 688с

20. Кристи, Г.В. Воспитание актёра школы Станиславского. - М.: Искусство, 1968.

21. Лордкипанидзе, Н. Г. Актер на репетиции / Н. Лордкипанидзе. - М., 1978. - 213, [2] с.: ил.

22. Макаренко, А.С. Коллектив и воспитание личности. — М.: Педагогика, 1972. 334 с

24. Полякова, Е. И. Станиславский - актер / Е. Полякова. - М., 1972. - 428, [2] с., [40] л. ил.: портр.

25. Слонимский, Ю.И. В честь танца. - М.: Искусство, 1968

27. Станиславский, К. С. Работа актера над собой / К. С. Станиславский. О технике актера / М. А. Чехов. - М.: Артист. Режиссер. Театр, 2008. - 496 с.

Не подошла эта работа?
Узнайте стоимость написания
работы по Вашему заданию.

Читайте также: